| 営業時間 | ||||
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| スタジオアルバム | ||||
| リリース | 1999年9月21日 （1999年9月21日） | |||
| 記録された | 1999年4月～6月 | |||
| スタジオ | ||||
| ジャンル | ||||
| 長さ | 47:06 | |||
| ラベル | 処女 | |||
| プロデューサー |
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| デヴィッド・ボウイの年表 | ||||
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| Hoursからのシングル | ||||
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『アワーズ』 （原題： Hours ）は、イギリスのミュージシャン、デヴィッド・ボウイの22枚目のスタジオアルバムである。1999年9月21日にインターネット上でアーティストのウェブサイトBowieNetから最初にリリースされ、10月4日にVirgin RecordsからCDが発売された。インターネットでダウンロードできるメジャーアーティストの最初のアルバムの一つであった。ビデオゲーム「オミクロン：ザ・ノマド・ソウル」（1999年）のサウンドトラックとして始まった『アワーズ』は、ボウイと、1988年から一緒に仕事をしてきたギタリスト、リーブス・ガブレルスとの最後のコラボレーションとなった。アルバムは1999年半ばにバミューダとニューヨーク市のスタジオで録音された。1998年後半にBowieNetで行われたソングコンテストで、あるファンが曲の1つに歌詞とバックボーカルを提供した。
ボウイが10年間を通して手がけてきた他の作品の実験的な性質とは対照的に、『アワーズ』は『ハンキー・ドリー』 （1971年）を彷彿とさせるポップロックとアートポップのスタイルを提示し、ボウイが過去の作品で探求してきたスタイルや理念をさらに想起させる。歌詞は内省的で、人間関係の崩壊や不安といったテーマを詳細に描いている。また、あからさまにキリスト教的なテーマも含まれており、それはカバーアートにも反映されている。『ピエタ』に着想を得たこのアルバムは、アースリング時代の短髪のボウイが、長髪で若々しいボウイの腕に抱かれて休んでいる様子を描いている。当初のタイトルは『ザ・ドリーマーズ』で、「ours（私たちの）」をもじったものである。
複数の全英トップ40シングルを伴った『アワーズ』は、全英アルバムチャートで最高5位を記録したが、1972年以来、ボウイにとって米国ビルボード200のトップ40入りを逃した最初のアルバムとなった。また、音楽評論家からの評価は賛否両論で、個々のトラックを賞賛する評論家が多かったものの、アルバム全体としては批判的で、後の評論家も同様の意見を述べた。ボウイは『アワーズ』ツアーや様々なテレビ出演を通じてこのアルバムのプロモーションを行った。ボウイのすべてのスタジオアルバムをランク付けした回顧的なリストでは、『アワーズ』はボウイの弱い作品の中に位置付けられている。このアルバムは2004年にボーナストラックを追加して再発され、2021年にはボックスセット『ブリリアント・アドベンチャー（1992–2001）』に収録するためにリマスターされた。
背景と執筆
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デヴィッド・ボウイは1997年を通して比較的大きなメディア露出を維持していたが、1998年には表舞台から退き、主に音楽以外の事業に時間を費やし、自身のウェブサイトBowieNetを設立した。しかし、映画出演は続けた。[1]彼はEarthling Tourのライブアルバムのミックスを担当し、これは後に1999年にLiveAndWell.comとしてリリースされたが、1998年を通してスタジオではほとんど活動していなかった。この年の唯一のレコーディングは、コンピレーションアルバムRed Hot + Rhapsody: The Gershwin Grooveに収録された、ジョージとアイラ・ガーシュインの「A Foggy Day in London Town」のカバーであった。[2] [3]彼はまた、かつてのコラボレーターでプロデューサーのトニー・ヴィスコンティと和解した。[a] [1]
1998年後半、ボウイはQuantic Dreamが開発し、 Eidos Interactiveが発売するビデオゲーム『オミクロン：ザ・ノマド・ソウル』のサウンドトラックを作曲した。[5]脚本・監督のデヴィッド・ケージは、ビョーク、マッシヴ・アタック、アーカイブを含む候補者の中から彼を選んだ。[6]伝記作家のニコラス・ペッグは、キャラクターが死ぬと生まれ変わるという仏教的な意味合いがゲームに惹かれたと主張している。[5]ボウイは作曲に加えて、ギタリストのリーブス・ガブレルス、ベーシストのゲイル・アン・ドーシーと共に、オミクロン・シティのバーで演奏するゲーム内バンドの歌手としてゲームに登場した。[6] [7] [8]
オミクロン・プロジェクトは、ボウイの次のスタジオ・アルバムへの足掛かりとなった。1998年後半から1999年初頭にかけて、彼とガブレルスは数多くの曲を制作した。その中にはオミクロンのために書かれたものもあれば、ガブレルスのソロ・アルバムのために書かれたものもあり、「サヴァイヴ」、「プリティ・シングス・アー・ゴーイング・トゥ・ヘル」、そしてB面曲「ウィ・オール・ゴー・スルー」などが含まれていた。[1] [2] [9]ボウイの他の1990年代の作品に見られる実験的なカットアップ・スタイルとは異なり、これらの曲は1980年代半ばの作品を彷彿とさせる、より伝統的なスタイルで書かれた。彼は「スタジオではほとんど実験的なことはなかった。ほとんどは、ただひたすらに曲作りを続けた」と説明している。[1]その結果、デモは主にギターで作曲され、「サーズデイズ・チャイルド」と「ザ・ドリーマーズ」はキーボードで作曲された。ガブレルスは、オミクロンがこれらの曲の音楽的ディレクションを担当したと述べ、次のように詳述している。[1]
まず、スタジオに入る前にギターとキーボードだけで曲を作り始めました。次に、ゲームに登場するキャラクターたちが歌を披露するストリートシンガーやプロテストシンガーなので、よりシンガーソングライター的なアプローチが必要でした。そして最後に、よくある安っぽいインダストリアルメタルとは真逆のアプローチでした。
1999年のE3記者会見で、ボウイはオミクロンに「感情的なサブテキスト」を吹き込むことが最優先事項であり、これを成功とみなしたと述べた。[8]最終的に、ゲームには「If I'm Dreaming My Life」「Brilliant Adventure」「What's Really Happening?」、そして「We All Go Through」を除くほとんどのアワーズ曲のバリエーションが収録された。また、様々なインストゥルメンタル曲もゲームに収録され、その一部はB面としてリリースされるためにさらに改良された。[2] [5]
録音
1999年2月と3月にボウイがバンド「プラシーボ」とのコラボレーションを終えると、彼とガブレルズは翌月、スイスの自宅を売却した後の新居となるバミューダ諸島のシービュー・スタジオ[1]に入り、レコーディングを開始した[2] 。 [10]ボウイとガブレルズはほとんどの作業を自分たちで仕上げたが[11] 、それぞれ『アースリング』（1997年）と『アウトサイド』 （1995年）で演奏していたミュージシャンのマーク・プラティとドラマーのスターリング・キャンベルが戻ってきて協力した。ボウイが雇った他のミュージシャンには、ドラムとパーカッションのマイク・レヴェック、パーカッションのエヴェレット・ブラッドリー（「セブン」）、リズムギターのクリス・ハスケット（「イフ・アイム・ドリーミング・マイ・ライフ」）、エレクトリックベース（「ニュー・エンジェルズ・オブ・プロミス」）がいた。[1] [12]ボウイは当初、R&BトリオTLCに「サーズデイズ・チャイルド」のバックボーカルを依頼しようとしていたが、ガブレルズに却下され、代わりに友人のホリー・パーマーが雇われた。彼女は後にボウイのツアーバンドに参加した。[2] [11]
1998年後半、ボウイはBowieNetで作詞作曲コンテストを開始し、優勝者は「What's Really Happening?」の歌詞を完成させるチャンスを得た。また、ニューヨークでレコーディング・セッションを見学するチャンスも与えられた。[13] [14]オハイオ州出身のアレックス・グラントが1999年1月に優勝者として発表され、 5月24日に行われたボーカルとオーバーダブの セッションのためにニューヨークへ飛び、BowieNetで生放送された。グラントはバックボーカルも担当した。この経験について、ボウイは次のように語っている。「私にとってこの夜で最も嬉しかったのは、アレックスと彼の友人ラリーに、彼が書いた曲で歌ってもらうよう勧めることができたことだ。」[13]プラティは後に伝記作家のマーク・スピッツにこのアイデアを推薦し、「これは彼のファンにアプローチする新しい方法だった」と述べた。[14]
『アースリング』の慌ただしいセッションとは異なり、『アワーズ』のセッションはよりリラックスした雰囲気で、ボウイ自身も落ち着いていた。伝記作家のデヴィッド・バックリーとのインタビューで、プラティはボウイとガブレルズとインターネットや当時の話題についてゆっくりと会話をしたと述べている。[15]ボウイとガブレルズの間では音楽の方向性をめぐって意見の相違が生じた。ガブレルズは『アースリング』の続編を『ジギー・スターダスト』（1972年）や『アラジン・セイン』（1973年）のような形で作りたいと考えていた。 [2]後にガブレルズは、『アワーズ』は当初『ダイアモンド・ドッグス』（1974年）のようなサウンドだったと明かしている。[ 16 ]また、プラティの起用や「ウィ・オール・ゴー・スルー」と「1917」がB面扱いになったことにも不満を抱いていた。[15]オリアリーによると、『アワーズ』は6月までにミックスとマスタリングが行われたという。[2]
音楽と歌詞
アルバムの歌詞は全体的にとてもシンプルで、シンプルなものが力強く表現されていると思います。私たちが彼らのために書いた音楽は、どちらかといえばサポート的なものであり、2つ3つの異なる焦点を生み出すようなものではありません。[15]
『アワーズ』は、前作2作の実験的な性質から大きく逸脱している。[1]プラティはこれを「反地球人」と評し、[14] 1971年の『ハンキー・ドリー』のアコースティックで伝統的なテクスチャに近いスタイルを表現している。[1]作家のジェームズ・E・ペローネは、このアルバムがフォークロック、1960年代のソウルやロックを想起させると述べている。[17]一方、回顧的な評論家たちは、このアルバムをポップロックやアートポップに分類している。[18] [19]
『アワーズ』には様々なテーマが遍在している。ペローネは「ボウイの天使アルバム」と評した[17]。 『アワーズ』は、1976年の『ステーション・トゥ・ステーション』収録曲「ワード・オン・ア・ウィング」以来、あからさまにキリスト教的なテーマを包含している。聖書やジョン・ダンの詩からのパラフレーズに加え、生と死、天国と地獄、「神々」、「賛美歌」、「天使」といったものへの言及が数多く含まれている[1] 。一部の人々は、これらの曲をボウイが自らの死を見つめているものと分析した[9] [14]。さらに、「サーズデイズ・チャイルド」と「セブン」における「7」という数字の使用から、ペローネは次のように推論している。「言葉の中で日々の経過を司る数字は、様々な形で現れる。聴き手は、時間の流れが何か定義しがたい至高の力によって支配されているだけでなく、人生の出来事そのものが支配されているのではないかという感覚に陥る。」[17] 。
内省を理念とする「Something in the Air」と「Survive」は人間関係の崩壊を探求し、[2] [17]「If I'm Dreaming My Life」と「Seven」は記憶の信頼性に疑問を投げかけ、[1]「What's Really Happening?」「The Dreamers」「The Pretty Things Are Going to Hell」は人生について熟考する際に感じる老いの無力感を反映している。[1]ボウイは「私と同世代の多くの人が感じる普遍的な不安を表現したかった。私の世代のために曲を書こうとしていると言ってもいいだろう」と説明している。 [ 1]曲の回顧的な側面から、一部の評論家は『Hours』が自伝的ではないかと疑問を呈したが、ボウイはUncut誌のインタビューで次のように反論している。[1] [20]
より個人的な作品ですが、自伝的だと断言するのはためらわれます。ある意味、自明ではないのですが。また、「登場人物」と呼ぶのも嫌なので、その点では慎重にならざるを得ません。これはフィクションです。そして、この作品の作者は明らかに、かなり幻滅した男です。彼は幸せではありません。一方、私はとてつもなく幸せな男です！ …この年齢でよくある感情を、その要素として捉えようとしたのです …特にコンセプトはありません。実際にはいくつかの曲が集まっているのですが、一貫しているのは、人生を振り返る男を描いているということだと思います。
歌
アルバムのオープニング曲「木曜の子」は、アルバムの内省的な雰囲気を決定づけており[21] 、楽観主義というテーマを反映している。[1]タイトルはアーサ・キットの自伝に由来する。[2] [15] R&Bスタイルのこの曲は、「時代遅れ」の人物が未来に希望を見出す様子を描いている。[17] 「サムシング・イン・ジ・エア」には、ボウイの過去の作品、「オール・ザ・ヤング・デューズ」（1972年）から「セブン・イヤーズ・イン・チベット」（1997年）まで、音楽面でも歌詞面でも数多くの言及が含まれている。[22]この曲は人間関係の崩壊を歌っており、ボウイ自身は「おそらくアルバムの中で最も悲劇的な曲」と評している。[2]
「サヴァイヴ」はボウイにとってアルバムの中で一番のお気に入り曲だったと伝えられている。音楽的には『ハンキー・ドリー』を強く彷彿とさせるが、歌詞はスピッツの言葉を借りれば「後悔に苛まれている」。[14] [23]女性のキャラクターは抽象的で、オリアリーの言葉を借りれば「悲しむ男が自身の可能性の喪失を象徴するために使う、場を埋める歌」である。[2]ペッグはアルバム最長の曲「イフ・アイム・ドリーミング・マイ・ライフ」を「サヴァイヴ」と「セブン」の間の「重苦しい間奏曲」と評している。[24]他の曲と同様に、歌詞は人間関係について歌っている。[24]「広大な」音楽構造を持つこの曲は[2] 、スピッツは「音楽的には曖昧」だが、テーマ的にはアルバム全体に合っていると感じている。[14]
ボウイ自身が「今という瞬間の歌」と表現した[2]「セブン」は、「サーズデイズ・チャイルド」と同様に、曜日を「時間の指標」として用いている。[25]歌詞に母、父、兄弟が登場することについて、ボウイはこの曲が自伝的だという主張を否定し、Q誌のデイヴィッド・クワンティックに「彼らは必ずしも私の母、父、兄弟ではない。核兵器の話だ」と語った。 [26]「ホワッツ・リアリー・ハプニング？」は、アルバムに収録されている2曲のうち、それまでの曲の陰鬱な雰囲気とは対照的に、よりロック色が強い曲である。タイトルは「現実と記憶への不信」というテーマを主張し、グラントの歌詞はアルバム全体の「クロノメトリック」なコンセプトに合致している。[13]オリアリーによると、この曲は当初、BowieNet限定の曲として企画され、その後『アワーズ』に収録されたという。[2]
「ザ・プリティ・シングス・アー・ゴーイング・トゥ・ヘル」は『アワーズ』の中で「最もロックな曲」だ。[27]バックリーとデイヴ・トンプソンは、この曲が1970年代初頭のボウイのグラムロック時代を彷彿とさせると考えている。[15] [28]ちなみに、タイトルは当時の楽曲、特にボウイがミックスを担当した『ハンキー・ドリー』 、『ピンナップス』、そしてストゥージズの『ロウ・パワー』を想起させる。[27] [26]歌詞は、1971年の『チェンジズ』や、 1980年のスケアリー・モンスターズの『ティーンエイジ・ワイルドライフ』、『ファッション』で以前に披露されたテーマを想起させる。 [27]ペローネは、この曲が『サーズデイズ・チャイルド』のポジティヴィズムと対比されるものだと考えている。[17]この曲は、映画『スティグマタ』 （1999年）とそのサウンドトラックでリミックス版が初めてリリースされ、このバージョンは『オミクロン』にも収録されている。[27]
「ニュー・エンジェルズ・オブ・プロミス」は、音楽的にも歌詞的にも、ボウイの1970年代後半のベルリン三部作、特に『沈黙の時代の息子たち』（1977年）を彷彿とさせる。このコンセプトはアルバム全体を通してキリスト教的なテーマを反映しており、「約束の天使」とは、オリアリーの言葉を借りれば「神との契約を告げる天使」である。元々は「オミクロン」というタイトルで、ゲーム「オミクロン」に頻繁に登場した。[2] [15] [29]「ブリリアント・アドベンチャー」は、日本の影響を受けた短いインストゥルメンタル曲で、「ヒーローズ」（1977年）、特にインストゥルメンタル曲「センス・オブ・ダウト」と「モス・ガーデン」を彷彿とさせる。[30]前者と同様に、この曲でも日本の琴が使用されている。[2]「ドリーマーズ」の歌詞は、全盛期を過ぎた旅人を分析している。アルバムの他の曲と同様に、この曲も音楽的にボウイの過去の作品を想起させる。 「イージーリスニング」版がオミクロン誌に掲載された。[31]オリアリーはこの録音にデモのような質感を感じており、「辛辣なコード構成、変化するリズム、そして長いコーダ」を指摘している。[2]
アートワークとタイトル
『アワーズ』のカバーアートワークは、かつて精力的に活動していた地球人から、短髪のボウイが疲れ果て、長髪で若々しいボウイの腕に抱かれて休んでいる様子を描いている。このアートワークは楽曲のキリスト教的テーマを反映しており、聖母マリアがイエスの遺体を抱きしめるピエタにインスピレーションを得たものである。[ 1 ]ボウイ自身もこのインスピレーションを認め、「もうドレスを着たくなかったので、ドレスを男性にしました。生と死、過去と現在を視覚化できるのです」と説明している。[14]ペッグは、このアートワークをキャリアの終焉と新たな時代の始まりと解釈した。裏表紙には、蛇と3人のボウイが描かれており、ペッグによると「人間の堕落：アダム、イブ、そして神の中心人物」を象徴し、「堕落と贖罪」というテーマを形成しているという。[1]アルバムの初回リリース時には、レンチキュラー版のカバーが一部に使用され、立体的な効果を生み出している。[32]
アートワークは、写真家のティム・ブレット・デイによって、西ロンドンのラドブローク・グローブにあるビッグ・スカイ・スタジオで撮影された。撮影時のアウトテイクには、十字架の上で焼かれるボウイの姿が写っており、このショットは『アワーズ』のCDブックレットに収録されている。ブレット・デイは「ボウイを撮影した後、彼のダミーを作り、全体に火をつけた 。 残りの作業はリー・スチュワートがポストプロダクションで行った」と説明し、「古いものが燃える」ことを表現しようとした。グラフィックデザイナーのレックス・レイは、文字と数字を入れ替えてバーコードデザインに重ね合わせたカバーのタイポグラフィを制作した。[1]このカバーは否定的な反応を受けており、トリンカは「デザイナーの雑然とした感じと感傷的な感じが大げさに混ざったもの」と酷評している。[9] コンシークエンス・オブ・サウンドのデイヴィッド・サックラーもこれに同意し、「これは当時50歳を超えていたアーティストによる最も90年代的なカバーであり、その恥ずかしい広がりはレコードの実際の曲と少々対比的だ」と述べた。[19]
ボウイは、このタイトルは「ours」をもじったもの、あるいはバックリーの言葉を借りれば「彼自身の世代のための歌のアルバム」という意味だったと述べた。[15]アルバムの当初のタイトルは『The Dreamers』だったが、[20]ガブレルズがマライア・キャリーやセリーヌ・ディオンのアルバムを連想させると述べ、また『Freddie and the Dreamers』にも似ていると指摘したことから変更された。ボウイは「これは自分が生きてきた時間を振り返ること、残された人生と分かち合った経験についてだ」と語っている。[1]ペッグは、一日を祈りに用いるべき規則的な時間に分けた中世の書物である時祷書と比較している。[1]
リリース
ボウイはインターネットでの存在感を早くから築き上げていました。インターネットの強みを的確に捉えていたのは、彼の先見の明の深さでした。インターネットがまだ量的には臨界点に達していなかったにもかかわらず、その質的な広がりと力は確かに理解していました。[15]
1999年8月6日 、ボウイはBowieNetで各曲の45秒の断片を公開し、トラックごとの解説を掲載し始めた。その後1ヶ月かけてアルバムカバーを1枚ずつ公開していった。 9月21日には『 Hours』がBowieNetで全曲ダウンロード可能となり、ボウイはインターネット経由でアルバム全曲をダウンロード配信した初のメジャーアーティストとなった。[1] [33]ボウイは次のように述べている。「この小さな一歩が、私自身や他の人々にとって大きな一歩となり、最終的には消費者に幅広い選択肢と、彼らが好む音楽へのより容易なアクセスを提供することを願っています。」[15]
一部の音楽小売業者はこの動きに批判的だった。英国に拠点を置く音楽小売業者HMVは、「アーティストがアルバムを店頭で購入する前にネットでリリースするのは、公平な競争条件とは言えません。レコードは誰もが同時に入手できるべきであり、誰もがインターネットにアクセスできるわけではありません」と述べ、「問題のアーティストを在庫することはまず考えられません。小売業者はこのような状況に甘んじるつもりはありません」と付け加えた。[15]バックリー氏は、インターネットでのリリースについて、「ボウイはダウンロード世代が音楽業界にもたらす革命を正確に予見していた」と述べている。[15]
「Thursday's Child」はアルバムからのリードシングルとして1999年9月20日に発売され 、[2]「We All Go Through」と「No One Calls」がB面となった。[34]「Rock Mix」を含む様々なリミックスもリリースされた。この曲は全英シングルチャートで16位に達した。[21] 8月に撮影され、ウォルター・スターンが監督したミュージックビデオは、曲の内省的な雰囲気を反映し、ボウイが鏡を通して若い頃の自分を見つめる様子を描いている。[21]「The Pretty Things Are Going to Hell」は1999年9月にオーストラリアと日本でA面として初めて発売され、[34] [35]「Thursday's Child」に代わってアルバムからのファーストシングルとなった。ビデオはドムとニックが監督し、9月7日にニューヨークで撮影された 。この曲は、ボウイがステージ上でリハーサルをしながら過去の様々な人物と対峙する様子を描いており、自身の過去と対峙することを避けたいというテーマを反映している。[27]
『アワーズ』は1999年10月4日にヴァージン・レコード より公式CDリリースされた。[9]日本では「ウィ・オール・ゴー・スルー」がボーナストラックとして収録された。[15] [36]イギリスでは商業的に成功し、全英アルバムチャートで最高5位を記録し、1993年の『ブラック・タイ・ホワイト・ノイズ』以来のチャート最高位となったが、[1]その後すぐに下落した。[15]しかし、アメリカではビルボード200で最高47位を記録し、ジギー・スターダスト以来トップ40入りを逃したボウイの最初のスタジオアルバムとなった。 [9] [14]他の国では、フランス、ドイツ、イタリアでトップ10に入り、日本でトップ20に入った。[15]
「サヴァイヴ」は、アルバムからの3枚目のシングルとして、2000年1月17日にイギリス人プロデューサーのマリウス・デ・フリース によるリミックスでリリースされた。イギリスでは28位に達した。[34] [37]ウォルター・スターン監督によるミュージックビデオでは、ボウイがテーブルに一人座り、卵が沸騰するのを待っている。そして、彼と卵が浮き始める。このビデオは、録音の内省的な雰囲気を反映している。[23] 4枚目にして最後のシングルとして2000年7月17日にリリースされた「セブン」は、オリジナルのデモ音源に加え、デ・フリースとベックによるリミックスが収録された。このシングルはイギリスで32位に達した。[25] [38]
批評家の反応
| 初期レビュー（1999年） | |
|---|---|
| レビュースコア | |
| ソース | 評価 |
| エンターテインメント・ウィークリー | B− [39] |
| ガーディアン |   [40] |
| インディペンデント | [41] |
| ピッチフォーク | 4.7/10 [42] |
| 質問 | [43] |
| ローリングストーン | [44] |
| 選択 | 2/5 [45] |
| スピン | 6/10 [46] |
| ノーカット | [32] |
『アワーズ』は発売当初、批評家から賛否両論の評価を受けた。好意的な批評家たちの中で、モジョ誌のマーク・ペイトレスは、このアルバムは「傑作ではない」としながらも、「かつて非の打ちどころのなかったキャリアの単なる終焉をはるかに超える、三部作の頂点を極める作品だ」と述べた。[47 ] Q誌は「豊かな質感と感情豊かな作品」と評し、「今回はボウイは自分自身以外の誰からも影響を受けていないように聴こえ、これ以上良いロールモデルはいないだろう」と付け加えた。[43] ローリングストーン誌の批評家グレッグ・テイトは、このアルバムを「聴くたびに良くなるアルバム」であり、「若い賢者たちが皆死んでいるからこそ、彼らは老賢者と呼ばれるのだ、というリチャード・プライヤーの指摘をさらに裏付けるもの」と分析した。 [44]同様に感銘を受けたオルタナティブ・プレス誌も『アワーズ』を「傑作」と評し、「ボウイが決して捨て去るべきではなかった原点回帰の作品だ」と付け加えた。[48] AVクラブのキース・フィリップスは、このアルバムは「失敗するよりも成功することが多い」と述べ、「Survive」「Seven」「What's Really Happening?」を特に評価した。[49]
他の批評家たちはより否定的な評価を下した。「サーズデイズ・チャイルド」の他に、ガーディアン紙のアダム・スウィーティングはアルバムを「泥臭くて骨の折れる」と評した。[40]クリス・ウィルマンもエンターテインメント・ウィークリー誌で同意見で、「サーズデイズ・チャイルド」を「ボウイが長年かけて書いた中で最も美しいバラード」と称賛したが、アルバムの残りの曲は平均以下だと感じた。[39]インディペンデント紙とオブザーバー紙はどちらも『アワーズ』を『ハンキー・ドリー』と比較して否定的であり、前者は「かなり伝統的」で「彼の最高傑作ではない」と呼び、後者は曲が目立たないと批判した。[41] [50]さらに、タイムアウト誌はアルバムを「『ティン・マシーンII』以来のボウイの最も無意味でまとまりのないレコード」と切り捨てた。[1] スピン誌のバリー・ウォルターズは『サーズデイズ・チャイルド』を賞賛したが、アルバム全体を通して「有望な発見」から「またしても平凡で、現代的とは言えないロックの姿勢」に陥っていると感じ、アルバムに10点満点中6点を与えた。[46]
ピッチフォークのライアン・シュライバーはアルバムを批判し、「『アワーズ』はスペーシーでありながら、腐った丸太のような生命力とエネルギーに満ちたアダルト・コンテンポラリー・サウンドを追求」した。さらに彼は「確かに最低の作品ではないが、だからといって恥ずかしくないわけではない」と述べている。[42] ポップマターズのライター、サラ・ズプコは、多くの曲のテンポが悪く、「率直に言って不快な退屈状態」に陥っていると指摘した。彼女は最終的にアルバムに10点満点中4点を付け、「デヴィッド・ボウイはこんな作品にはあまりにも優れすぎている」と結論付けた。[51]セレクト誌のジョン・マレンは、このアルバムが『アースリング』より進歩していると認めたが、ボウイを「より高尚な」スティングに例え、「『セブン』の個人的な悪魔祓いでさえ、緊迫感が欠けており、『告白』はボウイが試している単なるスタイルの1つに過ぎない」と結論付けた。[45] ヴィレッジ・ヴォイスのロバート・クリストガウは、このアルバムを「駄作」と切り捨てた。[52]
プロモーション
ボウイは1999年8月23日から12月12日までの8公演を行ったアワーズ・ツアーでアルバムのプロモーションを行った。ツアー初日は、アースリング・ツアー終了後初のライブとなったVH1のストーリーテラーズ・シリーズのマンハッタン・センター・スタジオでのパフォーマンスだった。[53] VH1のエグゼクティブ・プロデューサー、ビル・フラナガンは「これはVH1がこれまでに放送した中で最高のものになるだろう。いや、今年テレビで見るものの中でおそらく最高のものになるだろう」と語っている。[15] 10月18日に編集版が放送され、[53]完全版は後に2009年にVH1ストーリーテラーズとしてリリースされた。 [ 54 ]ストーリーテラーズのパフォーマンスは、1988年にティン・マシーンを結成して以来ボウイの定期的なコラボレーターであったガブレルズとの最後の作品でもあった。[55] [56]プラティがバンドリーダーを引き継いだ。[15] 2016年にボウイが亡くなった後、ガブレルスは彼の脱退について次のように語った。[57]
彼についてのアイデアが尽きかけていました。もしこのまま留まれば、辛辣な人間になってしまうのではないかと不安でした。きっと、一つのことを長く続けすぎると、部下への敬意を失ってしまう人を聞いたことがあるでしょう。私はそんな人間になりたくありませんでした。その時、私にとって最も理にかなった選択は、会社を辞めて何か別のことをすることだったのです。そして、円満に会社を去りました。
人員的には、このツアーはアースリング・ツアーからのメンバーが復帰したが、ドラマーのザック・アルフォードがキャンベルに交代した。9月下旬から、ボウイは『アワーズ』のプロモーションのため、ハワード・スターン・ショー、レイト・ショー・ウィズ・デヴィッド・レターマン、レイト・ナイト・ウィズ・コナン・オブライエン、クリス・エヴァンスのTFIフライデー・アンド・サタデー・ナイト・ライブなど、数多くのテレビに出演した。[2] [15] [53] [58]ツアー中は、 10月下旬にウェンブリー・スタジアムで行われたネットエイド慈善コンサートに一度出演した以外は、主に小規模な会場で演奏した。 [14] [15] [53]ツアーのパフォーマンスは後に、ブリリアント・ライブ・アドベンチャーズ・シリーズ（2020–2021）の一部として、サムシング・イン・ジ・エア（ライブ・パリ99）とデヴィッド・ボウイ・アット・ザ・キットカット・クラブ（ライブ・ニューヨーク99）としてリリースされた。[59 ] [60
ツアー中に演奏された曲には、 『アワーズ』の楽曲や「ライフ・オン・マーズ」（1971年）や「反逆者」（1974年）といったヒット曲、そしてボウイが数十年演奏していなかった「ドライヴ・イン・サタデー」（1973年）や「ワード・オン・ア・ウィング」といった曲が含まれていた。[53]復帰したピアニストのマイク・ガーソンは、『アワーズ』の楽曲はライブの方が良かったと感じ、スタジオ録音は「未完成」だとバックリーに語った。[15]ペッグもこの意見に同調し、『アワーズ』の楽曲をショーのハイライトと見なしていた。[53]さらに、ボウイは1966年のシングル「キャント・ヘルプ・シンキング・アバウト・ミー」を復活させ、1970年以来初めて『スペース・オディティ』以前の楽曲を演奏した。[53]ボウイは1年後、 『トイ』プロジェクトのためにこの曲をスタジオで再録音した。[62]
遺産
| 回顧的レビュー（1999年以降） | |
|---|---|
| レビュースコア | |
| ソース | 評価 |
| オールミュージック | [63] |
| ポピュラー音楽百科事典 | [64] |
| ピッチフォーク | 6.2/10 (2021) [65] |
『アワーズ』は様々な反応を招き続けている。肯定的な側面としては、オールミュージックの編集者スティーブン・トーマス・アーウィンが次のように記している。「ボウイの代表作ではないかもしれないが、再び自分の技を楽しみ始め、物事を自然に発展させることを恐れない、優れた音楽家による作品だ」[63]。 2004年の再発後、ポップマターズのライターは『アワーズ』、『ヒーザン』（2002年）、『リアリティ』 （2003年）の三部作を『スケアリー・モンスターズ』以来のボウイの最高傑作と評し、『アウトサイド』と『アースリング』では当時既に時代遅れと見なされていたジャンルに挑戦したボウイの試みが見られるのに対し、『アワーズ』では「ヒップでモダンな」サウンドを採用し、リリース時に「歓迎」されたと主張した。[66]ペローネは、曲順の非線形性を批判する一方で、このアルバムはリスナーに希望のメッセージを伝えることに成功しているとし、音楽と歌詞の成熟度の向上、そしてアルバム全体を通して貫かれている明白な精神性を称賛している。[17]スピッツは『アワーズ』の大部分を前3作と同様に「力強い」と評価している。「不安な人が聴きやすい」アルバムと評し、「 『アワーズ』は、何か後悔するようなことをした翌朝に聴くのに良いアルバムだ」とまとめている。[14]トンプソンは『アワーズ』をボウイの「晩年の傑作」と称賛し、『ハンキー・ドリー』を体現する「自己完結的な無垢さ」を認めている。さらに、いくつかの曲を除けば、彼はプロダクションが時代を超越しており、「これは他のデヴィッド・ボウイのアルバムではほとんど見られない特徴だ」と称賛している。[11]
批評家たちは「セブン」「サーズデイズ・チャイルド」「ザ・ドリーマーズ」[65] [10] [67]から「サヴァイヴ」「サムシング・イン・ジ・エア」[15] [1]まで、個々の曲を高く評価しているものの、アルバム全体としては精彩を欠いていると批判している。トリンカは著書『スターマン』の中で、「『スペース・オディティ』 [1969]と同様に、 『アワーズ』は細部まで緻密に作り込まれた瞬間はあるものの、最終的には個々の要素の総和よりも劣っている」と総括している。[10]オレアリーは、ボウイの後期のアルバムの中で「最も見過ごされている」作品と呼び、『アワーズ』を「落ち着きがなく、陰鬱で、愛らしく、不完全で、色褪せた、調和のとれていない曲のコレクション」であり、「劣っていることを自覚し、控えめな誇りを持っている劣った作品。より優れたアルバムが、手の届かないところにある」と評している。[2]さらに、伝記作家たちはこのアルバムの制作を「薄っぺら」「未発達」「雑然としている」と批判し、全体的な雰囲気を「悲しく」「苦く」「すっきりと飾り気がない」と感じている。[15] [1] [10]ペッグは『ザ・コンプリート・デヴィッド・ボウイ』の中で、このアルバムは全体的に「ボウイの最高傑作のような焦点と攻撃性に欠け、望ましくない詰め込みが見られる」と述べている。しかし、彼は次のように結論づけている。[1]
『アワーズ』は、1980年代半ば以降のボウイのどのアルバムよりも攻撃的な芸術的主張は少ないが、それ自体としては成功している。豊かでメランコリック、そしてしばしば強烈に美しい音楽のコレクションであり、間もなくより素晴らしい結果を生み出すことになる作曲の新しい成熟へと向かう必要な足がかりである。
ボウイのスタジオアルバムを最低から最高までランク付けしたリストでは、『アワーズ』は低いランクに位置している。ステレオガムは2013年に25枚中22位にランク付けした。マイケル・ネルソンは「結果はまずまずから退屈までで、時折イライラさせられるかもしれない」と述べた。[18] 3年後、アルティメット・クラシック・ロックのブライアン・ワウゼネックは『アワーズ』を26枚中22位にランク付けし、主にボウイのボーカルパフォーマンスが「疲れた」ように聞こえ、音楽は時折興味深いメロディーを除けばほとんど退屈だと批判した。[67]サックラーは2018年のコンシークエンス・オブ・サウンドのリストで『アワーズ』をボウイの最悪のアルバムに挙げ、「退屈で刺激がない」と評した。[19]
再発行
2004年には、追加曲を収録したアルバムの拡張版がコロンビア・レコードから発売された。[1] [66] 2005年1月、ボウイの新レーベルISOレコードは『アワーズ』を2枚組CDセットとして再発し、2枚目のCDにはリミックス、別バージョン、シングルB面を収録した。[14] 2015年には初の公式アナログレコードが発売された。[1] 2021年には、アルバムのリマスター版がアナログレコードとCDの両方で、ボックスセット『ブリリアント・アドベンチャー（1992–2001）』の一部として発売された。[68] [69]
トラックリスト
すべての曲はデヴィッド・ボウイとリーヴス・ガブレルズによって書かれており、「What's Really Happening?」はアレックス・グラントが作詞している[12]。
| いいえ。 | タイトル | 長さ |
|---|---|---|
| 1. | 「木曜の子供」 | 5:24 |
| 2. | 「空気の中に何か」 | 5:46 |
| 3. | "生き残る" | 4:11 |
| 4. | 「もし私が人生を夢見ているなら」 | 7時04分 |
| 5. | "セブン" | 4:04 |
| 6. | 「一体何が起こっているのか？」 | 4:10 |
| 7. | 「かわいいものは地獄へ行く」 | 4:40 |
| 8. | 「約束の新しい天使たち」 | 4:35 |
| 9. | 「素晴らしい冒険」 | 1:54 |
| 10. | 「ドリーマーズ」 | 5:14 |
| 全長: | 47:06 | |
| いいえ。 | タイトル | 長さ |
|---|---|---|
| 11. | 「私たちは皆、経験する」 | 4:10 |
| 全長: | 51:16 | |
人事
ライナーノーツと伝記作家ニコラス・ペッグによると。[1] [12]
- デヴィッド・ボウイ - ボーカル、ドラムプログラミング、12弦ギター、キーボード
- リーブス・ガブレルズ – ドラムプログラミング、ギター、シンセサイザープログラミング
- マーク・プラティ - ベースギター、アコースティックおよびエレクトリック12弦ギター、シンセサイザーおよびドラムプログラミング、メロトロン （「Survive」）
- マイク・レヴェスク – ドラム、パーカッション
- スターリング・キャンベル – ドラムス（「セブン」、「ニュー・エンジェルズ・オブ・プロミス」、「ザ・ドリーマーズ」）
- エヴェレット・ブラッドリー – パーカッション（「セブン」）
- クリス・ハスケット – リズムギター（「If I'm Dreaming My Life」）
- マーカス・ソールズベリー – ベースギター（「ニュー・エンジェルス・オブ・プロミス」）
- ホリー・パーマー – バックボーカル（「サーズデイズ・チャイルド」）
テクニカル
- デヴィッド・ボウイ – プロデューサー
- リーブス・ガブレルズ – プロデューサー
- 畑 良二 – アシスタントエンジニア
- ジェイ・ニコラス – アシスタントエンジニア
- ケビン・ポール – エンジニア
- アンディ・ヴァンデット – マスタリング
チャート
週足チャート
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認定資格
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注記
- ^ ヴィスコンティは1970年代を通してボウイの主要なコラボレーターの一人だった。ボウイが『レッツ・ダンス』（1983年）のプロデュースにナイル・ロジャースを選んだことをヴィスコンティに伝えなかったため、1982年に二人は不和となり、その後20年近く口をきかなくなった。[4]
参考文献
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外部リンク
- Discogsの営業時間（リリースリスト）
