カール・スプリンコーン
アメリカの画家
カール・スプリンコーン
カール・シュプリンコーン、ロバート・アンリによる肖像画、1910年
ロバート・アンリによるカール・シュプリンコルンの肖像画、1910年
生まれる（1887年5月13日）1887年5月13日
スウェーデン、ブロビー
死亡1971年9月6日（1971年9月6日）（84歳）
ニューヨーク州アルバニー
知られているアーティスト

カール・スプリンコーン（1887-1971）はスウェーデン生まれのアメリカ人画家で、ロバート・アンリに師事し、抽象的でありながら革命的と評された写実主義モダニズムのスタイルを体現しました。油彩画と紙に描いた作品は、幅広い主題を扱っていました。都市風景や街路風景、海景や海岸風景、田園風景や農村風景などを描きました。有名なダンサー、社交界の人物、そして都会と田舎で働く男性たちも描きました。ある批評家は「花束、6日間自転車レースの選手、スペインのダンサー、あるいはアメリカの風景画など、どんな題材でも興味深く、奇抜なものに仕上げる稀有な才能の持ち主だ」と評しました。[1]彼はニューヨーク在住中や各地を旅しながら描いた絵画で高い評価を得ました。1918年、ある批評家は彼のデッサンには、イギリスの風刺画家トーマス・ローランドソンの作品に見られるような「大胆なペンの輪郭」と「鋭い表現」の才能が表れていると述べました。[2]別の批評家は、スプリンコーンの都市風景画に「官能的で貴族的な郷愁」を感じさせ、「繊細で示唆に富む印象」と評した。[3] : 7 スプリンコーンの生涯を通して、油彩、パステル、水彩による花の絵画も批評家の注目を集めた。1928年に展示された水彩画を批評したある批評家は、花の作品における「微妙な色彩関係」を称賛し、「もし色彩が歌えるなら」、これらの作品は「美しく歌い上げるだろう」と述べた。[4]スプリンコーンは北メイン州の森にあるキャンプ場や村落を頻繁に訪れ、そこで描いた絵画やデッサンが彼の最も有名な作品となった。 2002年に開催された一連の遺作展について、ある批評家は次のように記している。「スプリンコーンの手によって、メイン州の森は、主に狩猟者、罠猟師、木こり、川下りといった、木々に囲まれて暮らす男たちの行動を通して生き生きと蘇る。これらの大きく荒々しいイメージは、冬の青く冷たい空気、秋の燃えるようなオレンジ色の輝き、そして夜のキャンプファイヤーに漂う影の情景を思い起こさせる、土っぽい色彩に満ちている…」[5]

2002年に執筆したある伝記作家は、スプリンコーンの作品の多くが洗練された都会的な焦点を当てているのに対し、メイン州の森で制作した作品は素朴な田舎の焦点を当てているという対照的な点について述べている。彼女は彼を「正反対の要素の複合体」と呼び、洗練されたアーティストや裕福なパトロンがいるニューヨークのアート界と、田舎の下宿や木材伐採キャンプでの生活が同じように心地よかったと述べている。[6] : 122 

幼少期と教育

1974年に友人に宛てた手紙の中で、スプリンコーンはロバート・ヘンリという刺激的な教師について読んだことがきっかけでスウェーデンから移住することを決意したと述べています。[6] : 123  [注 1]ニューヨークに向けて出発した時、彼はまだ15歳でスウェーデン語しか話せませんでしたが、マンハッタンの家庭でメイドとして働いていた姉の一人が、到着後の困難な移行を助けてくれるだろうと彼は知っていました。[6] : 123 彼は1903年10月30日にニューヨークに上陸し、 8日後にニューヨーク美術学校に入学しました。[7] [8]スプリンコーンは後に、ロバート・ヘンリのもとで学んだことが彼のキャリアの発展に最も重要な要素だったと述べています。[6] : 122 ヘンリはスウェーデン語をまったく知りませんでしたが、スプリンコーンは身振りやアイコンタクトによって彼の作品に対するヘンリの批評を理解し、急速に学業を進めていきました。[6] : 123 アンリ自身は、シュプリンコルンを最も優れた弟子の一人とみなしていました。1909年、アンリはシュプリンコルンが絵を描き始めた頃は美術についてほとんど何も知らなかったが、すぐに「男らしさと個性」をもって絵を描くことを学んだと述べています。[9]

芸術家としてのキャリア

スプリンコーンのキャリアは、まだ学生時代に始まりました。2年余りの勉学の後、ニューヨーク美術学校の学内作品展に出品されたデッサンと絵画で、2つの佳作賞を受賞しました。[10] 1907年初頭、彼の作品「ニューヨーク州イーストサイドの冬景色」がナショナル・アカデミー・オブ・デザインの年次展覧会に出品されることになりましたが、アンリが他の作品が落選したことに対する抗議を行ったため、アカデミーは展示スペースの不足を理由にスプリンコーンの作品を展示しないことを決定しました。[9]この決定に憤慨したアンリは、アカデミーはスプリンコーンのような革新的な若手芸術家を拒絶すべきではないと述べました。彼は、スプリンコーンが「大きな新しい音」を捉え、それを「忘れられない効果」でキャンバスに描いたことを称賛し、「彼ほど将来有望な画家はほとんどいない」と付け加えました。[11]数か月後、ニューヨーク・サン紙の批評家が、ニューヨーク・スクールの別の学生展に展示されていたスプリンコーンの絵画について論じた。彼はスプリンコーンの絵画「吹雪の中の渡し船」を称賛し、「物事をありのままに」描くことで「アカデミックな芸術のあらゆる規範に違反している」と述べた。[12]別の批評家は、スプリンコーンは将来有望な芸術家で、作品は「大きな感覚で描かれている」と述べた。[13] 1908年初頭、彼はアンリと彼の学生によるナショナル・アーツ・クラブの展覧会に絵画を出品した。ある批評家は、スプリンコーンの絵画「冬の日」について、「これは十一段階まで押し上げられたリアリズムだ。視覚的な感傷主義者に容赦はない」と記した。[14]

スプリンコーンは1909年1月にアンリの後を継ぎ、自身の学校を設立したが、翌年プロの芸術家としてのキャリアを追求するために学校を去った。[15] [16] 1907年から1909年の間、スプリンコーンはニューヨーク美術学校のマネージャーを務めており、新設のアンリ学校に在籍中もその職を続けた。[17] [18]

当時、ある批評家はスプリンコーンを「新しい『革命的』な芸術家たちの流派の若手メンバーの一人であり、彼らは全体として、国立デザインアカデミーの審査員からほとんど評価されていない」と評した。[19] 1910年初頭、スプリンコーンはペンシルベニア美術アカデミーの第105回年次展覧会に作品を出品し、その後まもなくニューヨークのランド・スクールでアンリやアンリに師事した画家たちと共に作品を展示した。参加者には、ジョージ・ベローズ、ジョージ・ラックス、ジョン・スローンなどが含まれていた。[20] [21]

スプリンコーンは普段はニューヨークに住んでいたが、その生涯を通じて広く旅をした。1912年末から1913年初頭にかけてはカリフォルニア州ロサンゼルスに居住した。1914年から1915年にかけてはパリに住み、アカデミー・コラロッシのデッサン教室に通った。[18]彼はしばしば夏の間、マサチューセッツ州プロビンスタウン、メイン州オガンキット、そしてメイン州モンヒガン島といった水辺の芸術家コロニーで過ごした。 [16] [22]彼は時折スカンジナビアに戻り、絵を描いたり家族と過ごしたりした。[18]

1910年、彼はメイン州北中部にある、すぐに彼のお気に入りの場所となる場所を初めて訪れました。家族の友人に招待され、スウェーデン移民の小さなコミュニティがある町、モンソンを訪れました。 [23]冬の間、モンソンには木こりたちのキャンプがあり、彼らは増水した小川や川を利用して、さらに南や東にある製材所に木材を運びました。[24]以前からマンハッタンのスラム街の吹雪や大雪の風景で知られていたスプリンコーンは、これらの木こりたちの仕事や、彼らが一年の寒い時期に過ごす環境を描くことに抵抗がなかったようです。[13] [25] [注 2]スプリンコーンは、その後30年間にわたってモンソンやメイン州北部の森の他の場所を再訪し、1942年から1952年にかけてほとんどの時間をそこで過ごしました。[25]スプリンコーンが亡くなったときには、メイン州の森で描いた絵画、デッサン、水彩画が彼の主な主題であり、最も人気のある作品と見なされるようになりました。[26]

1912年から1914年にかけて南カリフォルニアに滞在していた間、スプリンコーンはアート・スチューデンツ・リーグで教鞭をとり、一時期そのディレクターを務めた。[18] [7]

1915年、彼はカリフォルニア州サンディエゴで開催されたパナマ・カリフォルニア博覧会の美術棟メインギャラリーで展示される「代表的なアメリカ画家」11名に選出された。 [27] [注 3]同年後半、ニューヨーク・マクドウェル・クラブのグループ展に参加し、翌年にはジョージ・S・ヘルマン主催の個展にデッサンを出展した。[28] [29] [注 4]ニューヨーク・サン紙のある評論家は、後者の個展を評して、彼の絵は気迫と優雅さに満ち、若々しい雰囲気があり、新鮮だと感じたと評した。[29] 1918年、彼はスカンジナビア・アート・ショップで開催された展覧会に再びデッサンを出展した。このとき、ある評論家はスプリンコーンにイギリス人画家トーマス・ローランドソンとの類似性を認めたが、スプリンコーンはより断片的な見方、曲線ではなく角度、そしてより辛辣なユーモアで物事を見ていると指摘した。批評家は、シュプリンコーンは「顔料の力を完全に抑え、表面の絵の具の背後に色の蓄えがあることを示唆することで、最も豊かで素晴らしい結果を得ることに驚くほど熟練していた」と結論付けている。[2]

シュプリンコーンは1920年に3回展覧会を行った。1回はアメリカ・スカンジナビア財団で他のスウェーデン系アメリカ人芸術家たちと、1回は国立芸術クラブでアン・レクターを含むグループと、そしてもう1回は独立芸術家協会の展覧会であった。[32] [33] [34]最初の3回の展覧会で、タイムズ紙の批評家はシュプリンコーンが「非常に際立った2枚の大作絵画」と、さらに力強いデッサンを寄稿したと述べた。[34] 1922年はシュプリンコーンにとって実り多き年であった。1月にハミルトン・イースター・フィールドの雑誌「ジ・アーツ」に、文学理論家ケネス・バークの「カール・シュプリンコーンの芸術」と題する記事が掲載された。バークはシュプリンコーンの技法を詳細に分析した。視覚的メタファーの使用に注目したバークは、抽象化を用いることで、絵画の中で主題に複数の目的を持たせていると述べた。例えば、彼は「カール・スプリンコーンは雪から描き始め、雪が残っている間に何か他のものを加えていく。彼はキャンバスに対象とその解釈の両方を描き出すことに成功している」と述べている。[35]その月と翌月、スプリンコーンはジュニア・アート・ペインターズ・ギャラリー[注 5]で水彩画とデッサンを、スターナー夫人のギャラリー[35]で絵画と紙の作品を展示した。[35] : 192, 230  [注 6]その後数ヶ月にわたり、ウースター美術館で近作の個展が開催された。[38]年末には、ニュー・ギャラリーで自ら企画したグループ展に参加した。[39]スターナー・ギャラリーでの展覧会は、アーツ誌、ブルックリン・デイリー・イーグル、ニューヨーク・ヘラルド紙などから広範な批評を集めた。アーツ誌の中で、文学理論家ケネス・バークは、細部を削ぎ落とすことで、スプリンコーンは主題の「より真実の解釈」を達成したと述べている。[35]ブルックリン・デイリー・イーグル紙で、ハミルトン・イースター・フィールドは、スプリンコーンの「最も熱烈な崇拝者」たちと同じような熱意を持っていると書いている。[40]ニューヨーク・ヘラルド紙の批評家は、スプリンコーンの作品について「抽象的だが、健全で素晴らしい」と評した。[41]美術評論家、キュレーター、コレクターでもあるクリスチャン・ブリントンは、展覧会カタログの序文で、スプリンコーンの「新鮮な造形と色彩の刺激を求める熱心で絶え間ない探求」を評した。[  3]7 [注 7]

1922年から1925年の間、スプリンコーンはニューギャラリーのアートディレクターを務め、あまり知られていないアメリカ人アーティストや前衛的なヨーロッパのアーティストの作品を展示・販売した。[39] [43] [注 8]彼の作品は1920年代から1930年代初頭にかけてグループ展で頻繁に展示された。ニューギャラリーでは1923年と1924年、ホイットニースタジオクラブでは1924年、ブルックリン美術館では1925、1926、1928、1929年、マリースターナーギャラリーでは1928、1930、1933年、ロエリー美術館では1929年、また、1930年にはフィフティシックスストリートギャラリーでも個展を開催した。[1] [45] [46] [47] [48] [49]この間、自身のスタジオ（1924年と1933年）、レーンギャラリー（1927年）、エインズリーギャラリー（1928年）、ペントハウスギャラリー（1930年）、サリバンギャラリー（1936年）で個展を開催した。[50] [46] [48] [51] [52]アメリカ・スウェーデン歴史博物館は1942年に彼に個展を開催した。1930年には、サリバンギャラリーの所有者であるコーネリアス・サリバン夫人が3つの美術館を巡る彼の作品ツアーを企画した。[6] 1920年からの10年間、ダイアル誌は彼の多くの絵を掲載し、彼はフォードモーターカンパニーのために制作したイラストでも収入を得た。

スプリンコーンはニューギャラリーでの仕事で得た収入やその他の収入をもとに、1926年と1927年の1年半をかけてプエルトリコとサントドミンゴを旅行した。その後、1930年後半から1931年初めにかけてスウェーデンに戻った。1931年から1937年の間は、ほとんどの時間をニューヨークで過ごした。彼の作品は、1932年夏季オリンピックの美術コンクールの絵画部門に出品された。[53]彼の作品は、 1936年のホイットニー美術館の第2回隔年展や、1938年の現代美術の年次展にも展示された。[54] [55]彼は作品の販売で得たお金を使い、1937年から1943年の間、メイン州で一部または全部を過ごし、主にパッテンまたはシンポンドに住んでいた。[18] [25] 1943年1月、スプリンコーンは収集家で美術館長のダンカン・フィリップスに手紙を書き、マクベス・ギャラリーで開催されている自身の作品展を見てほしいと頼んだ。フィリップスはその後、絵画のうちの1枚「雪に覆われた翼のある馬」（1920年）を購入し、メイン州の森で冬を過ごす資金とした。[18]この間、彼はめったに作品を発表しなかったが、特にマクベス・ギャラリー（1943年、1947年、1950年）やバーサ・シェーファー・ギャラリー（1944年）での個展が目立った。[56] [57] [58] [59] 1950年以降、健康状態が悪化しても、以前の数十年間の作品を発表し続けたものの、絵を描く頻度は低下した。[60]彼は1950年から1956年までマンハッタンに住み、その後ニューヨーク州セルカークの農場に移った。この時期に彼が展示を行ったギャラリーには、ニューヨークのベルタ・シェーファー、パッセドワ、ザブリスケ、そしてクノードラー・ギャラリーなどがある。[6]彼は1963年に展示活動を停止し、その8年後に亡くなった。[17]

1984年、ニュージャージー州立大学ラトガース校の美術館で「カール・スプリンコーン：リアリストの衝動とロマン主義的ヴィジョン」と題した回顧展が開催されました。[17] 1994年には、メイン州ファーミントンのヴェイユ・ギャラリーで、メイン州の森で制作された絵画と紙の作品60点が展示されました。報道によると、60点中44点が購入され、この展覧会はスプリンコーンの作品がこれまでで最も成功を収めた展覧会となりました。[25]スプリンコーンの遺産を収蔵するギャラリーは、1996年に2回目の回顧展を開催した。[60] 1998年には、オガンキット美術館で「カール・スプリンコーンの芸術：カタディン・コレクション」という展覧会が開催された。[61] 2002年の夏には、メイン州で3つの展覧会が開催された。ルイストンのベイツ大学美術館で「カール・スプリンコーン：森の王」、ファーミントンのヴェイユ・ギャラリーで「カール・スプリンコーン：メイン州の森とその先」、ブランズウィックのニュー・オファレル・ギャラリーで「四季：メイン州のカール・スプリンコーン」である。[5]

雪景色や冬の風景画への愛着にもかかわらず、スプリンコーンはメイン州の田舎に完全に馴染むことはなかった。地元住民のケイレブ・スクリブナーとは友人になったが、スクリブナーは例外だった。二人は1937年、スプリンコーンがシン・ポンド近くのパッテンにあるスクリブナーの実家に下宿していた時に出会った。アマチュア画家だったスクリブナーは、地元の他の住民が興味を持たない話題でもスプリンコーンと話すことができた。[62] 1946年に友人に宛てた手紙の中で、スプリンコーンは「結局のところ、屋根裏部屋で木と板を共有しているという偶然以外には、私の人生にとって重要ではないこれらの人々とは、ほとんど共通点がない。私の興味、問題、その他あらゆることを、意味も方法も共有することはできない」と認めている。[23] 1988年にスプリンコーンの伝記作家メアリー・タウリー・スワンソンは、彼を「正反対のものを混ぜ合わせたような人」と呼んだ。[6] : 122 彼は都会の生活を楽しみ、ニューヨークの美術界の芸術家やパトロンと永続的な友情を育んだ。彼のキャリアの大半を通して、批評家たちは静物画やその他の室内画に最も注目し、現存する数少ない作品販売記録からも、これらの作品への関心の高さが伺える。しかし、彼はキャリアを通して長い期間を田舎で過ごし、彼の死後、批評家やキュレーターたちは田舎の絵画を強く好んだ。[18]スプリンコーンは晩年、自身の作品のこの二面性について言及している。友人のリチャード・スプレーグに宛てた手紙の中で、彼はこう書いている。「私は都会っ子です。つまり、田舎生まれですが、都会の精神を持っています。」[6] : 122  1953年、彼は友人にこう書いている。「私は神秘主義者と呼ばれてきました。私は自然に対して汎神論的な精神を持っており、それが単なる自然模倣を阻んでいると考えています。どんなに真剣に取り組んでも、自然を模倣することに成功したことは一度もありません。すぐに飽きてしまいました。私は自然の源泉に近いところで生活した上で、自然を選択し、解釈することが好きです。しかし、逆に、批評家の生活や、人生全般の洗練された側面にも興味を持っていました。つまり、私は多くのことを網羅しようと努めてきたのです。」[6] : 135 

芸術的なスタイル

カール・スプリンコーン「嵐の後」1906年、キャンバスに油彩、22 x 28インチ
カール・スプリンコーン「扇を持つ女性」1909年、水彩画、9.75 x 7.5インチ

ロバート・アンリを師と仰ぎ、スプリンコーンは当時革命的とみなされていた写実主義的作風を採用した。 [63]アンリに師事した画家たちは、上品ぶったアカデミックな芸術や現実逃避的な印象派の芸術に抵抗し、周囲の荒々しい都会の風景から題材を選び、大胆で自由な表現と素早い筆致で描き、感情表現の直接性を追求した。[64] [注 9]スプリンコーンの初期の作品が展示された展覧会で、ある批評家は、彼の「吹雪の中の渡し船」が「アカデミックな芸術のあらゆる規範」に違反し、美術界の権威を怒らせたと述べた。[12]別の批評家は、彼の作品が写実主義を「十一段階まで押し進め」、「感傷主義者」を怒らせたと述べた。[14] [注 10] 1906年の絵画「嵐の後」（右）は、この時期のスプリンコーンの作風をよく表している。[注 11]初期のスプリンコーンの紙作品は、油彩画と少なくとも同等の注目を集めていた。[29]既に述べたように、彼は1906年にデッサンで佳作を受賞し、1908年にはグループ展にデッサンを出品し、1916年にはデッサンのみを扱った初の個展を開催した。数年後、彼はニューヨークの新聞がこの作品にどれほど好意的な反応を示したかを振り返り、個展で多数の購入があったと述べている。[18]スプリンコーンは油彩画と同様に、デッサンにおいてもアンリの作風を踏襲した。アンリは生徒たちに、デッサンにおいては冷静なデッサン画家としてではなく、表現豊かに、そして主題全体を深く意識して描くようにと説いた。[64] : 110  1916年、『ニューヨーク・サン』紙の批評家は、スプリンコーンの簡潔な線と簡略化の手法に注目し、そのデッサンに「精神と優美さ」があると評した。[29] 1918年、ニューヨーク・タイムズ紙の批評家は、スプリンコーンの絵に「鋭い洞察力と機知に富んだ分析力」が見られると述べ、この画家は「顔料の力を最大限に発揮させず、表面の奥に色彩の余韻を示唆することで、最も豊かで華麗な作品を生み出す驚くべき技巧を駆使している」と評した。[2] 1920年代初頭も、批評家たちは彼の簡素さ、率直さ、そして感情の激しさを強調し続けた。[3] [67]彼らは、彼が作品の構成要素を重視し、厳密に具象的な表現を拒否していることを認識していた。[35]ある批評家は彼の技法に「真の美的感受性」を見出し、またある批評家は主題を意味のあるシンボルへと変容させる彼の能力を称賛した。[3] : 7 

1920年、タイムズ紙の批評家は、スプリンコーンの才能が最も顕著に表れているのはデッサンだと評した。批評家はそれらを「鮮やかでシンコペーションのあるスケッチ」と呼び、「狭い範囲の中で、多くの芸術家が最大のキャンバスで表現できると考える色彩と形態に関する真実をより多く伝えている」と評した。[34] 1922年、ある批評家はそれらのデッサンについて「活気のある線と、青、紫、淡い黄色、緑の微妙に調整された色彩で表現されている。真の美的感覚に満ち、同時にある種の官能的で貴族的な郷愁も感じられる」と評した。[3] : 7 同年、ある批評家は雑誌「アーツ」に、彼が「構成そのもの」を重視し、「主題をほとんど軽蔑している」と書いた。彼はその例として、シュプリンコルンが人物を「運命も目的地もない、ただのテーゼに過ぎない」ものとして扱っていることを挙げた。[35]シュプリンコルンの「扇を持つ女」（左の写真）は、水彩ウォッシュを用いた線描の技法を示している。

カール・スプリンコーン作「ハンターズ・ラック」、1937年頃、キャンバスに油彩、26 1/8 x 34 1/8インチ
カール・スプリンコーン「グロリア 1946年10月」、キャンバスに油彩、26 x 34インチ
カール・スプリンコーン「ひまわりとトリトマ」1935年、キャンバスに油彩、24×20インチ

スプリンコーンの作風は、その後のキャリアを通じてほとんど変化せず、2002年の批評家たちの記述は、1920年代初頭の批評家たちの記述をそのまま反映しているほどだった。どちらの批評家も、彼の芸術的感受性に自由さと大胆さ、そして客観的で具象的なアプローチではなく、表現的で抽象的なアプローチを見出していた。彼らは彼の作風を「自由で大胆」あるいは「自由で応答性がある」といった言葉で表現した。[3] [5]キャリアの初期も後期も、ある批評家が「象徴的な強調」と呼んだものを作品に取り入れていると見られていた。[17]初期も後期も、彼は繊細な色彩表現を得意とする画家とみなされ、ある批評家が「活力と推進力」と呼んだ力強さでしばしば言及された。[2] [59]どの時代においても、批評家たちは彼の作品に感情的な内容を見出し、それを「抽象的要素を伴う表現主義」と呼んだ。[59]ある批評家は、スプリンコーンの作品を総括した作品の中で、彼の作風の特徴は「まるで他に何もできないかのように、残酷なほど個人的な誠実さをもってイメージを描き出す能力」にあると述べた。[60]別の批評家は、彼が「題材の真正さにこだわりながらも、通常の遠近法とは異なる図と地の関係、表現力豊かな色彩の使用、そして絵を描くことへの喜びを示す絵画的な絵の具の塗り方など、抽象画家が用いるような手法を用いていた」と記している。[7]スプリンコーンの絵画作品「ハンターズ・ラックII」（右）と「グロリア・オクトーバー」（左）は、彼の作風のこうした側面をよく表している。

シュプリンコルンは生涯を通じて、キャンバスに油絵を描き、紙に水彩、鉛筆、ペン、ウォッシュ、クレヨン、木炭で描いた作品を制作した。[68]

彼の題材は多岐にわたり、ニューヨークの都市風景、メイン州の森や熱帯地方の風景、都市労働者や田舎の林業従事者、都会の洗練された人々といった人物像、スカンジナビアの農村風景、花の静物画など、多岐にわたる。[1] [59] [69]死後、メイン州の森を描いた作品が最も注目を集めたが、彼は生涯を通じて静物画やデッサンでよりよく知られていた。[6]スプリンコーンの「ひまわりとトリトマ」（右図）は、彼の花の静物画の描き方をよく示している。1936年、ある批評家は、彼がサリバン・ギャラリーで展示した「鮮やかな花の絵画」の中で、この絵が最も生き生きとしていると述べた。[52]

私生活と家族

シュプリンコルンは1887年5月13日、スウェーデンのクリスチャンスタッド近郊のブロビー村で生まれた。 [3] : 7 彼の父はクラース・シュプリンコルン（1845–1907）で、大工仕事と家具の修復をしていた家具職人だった。[6] : 122 彼の母はヨハンナ・ルドルフソン（アンドレアスドッター）シュプリンコルン（1844–1932）だった。[70]彼は7人兄弟の末っ子だった。[6] : 122 子供の頃は絵を描くのが好きで、すでに述べたように、ロバート・アンリのもとで学ぶためにニューヨークに移住しようと決心した。

1956年、健康状態が悪化し、絵を描くことができなくなったため、ニューヨーク州セルカークに住む妹のアンナ・ジョンソン夫人の家に転居した。1971年に彼が亡くなった時点で、存命していたのはジョンソン夫人と、同じくセルカーク在住の姪のルース・オルソン夫人のみであった。[26]

注記

  1. ^ 彼はまた、「芸術を学ぶ目的でアメリカに来た最初の人物」だと言ったとも伝えられている。[7]
  2. ^ すでに挙げたものに加えて、スプリンコーンが描いたニューヨークの冬を描いた作品には「吹雪の後」や「吹雪」があり、どちらも1908年以前に描かれたものである。[13]
  3. ^ スプリンコーンの他に、代表的なアメリカの画家としては、ジョージ・ベローズ、アーネスト・ローソン、ロバート・アンリ、チャイルド・ハッサム、ジョン・スローン、ギー・ペーヌ・デュ・ボワ、モーリス・プレンダガスト、JHシャープ、ジョージ・ルクス、ウィリアム・グラッケンズなどがいた。[27]
  4. ^ジョージ・S・ヘルマン（1878-1958）は、ニューヨークの銀行家 セリグマン家に生まれました。彼は著名な作家、編集者であると同時に、美術評論家、コレクターでもありました。ニュー・ギャラリー・アート・クラブの会員でもありました。また、ニューヨークのギャラリーやオークション会場で希少本​​、原稿、美術品を販売する美術商でもありました。[30] [31]
  5. ^ 1921年5月、ウィリアム・K・ヴァンダービルト夫人と他の芸術パトロンたちは、若く貧しい芸術家たちに経済的支援を提供し、ギャラリーを借りて作品を展示する「ジュニア・アート・パトロンズ」というグループを結成した。このグループは、若い都市住民に現役の芸術家の作品を鑑賞し、購入するよう促すことを目的としていた。[36]
  6. ^ マリー・スターナーは1920年から1950年まで、自身の名を冠したギャラリーを経営していました。彼女のギャラリーは、才能あるアメリカとヨーロッパのアーティストをコレクターに紹介することに成功していました。マリー・ワルターとして生まれた彼女は、まずアルバート・スターナーという男性と結婚し、その後離婚し、エドワード・リントンという男性と再婚しました。[37]
  7. ^ クリスチャン・ブリントン（1870-1942）は著名なクエーカー教徒の家系出身の美術評論家で、展覧会カタログ、記事、書籍などで近代美術を擁護した。[42]
  8. ^ 1942年、スプリンコーンはこの仕事は「資金はあったが、仕事に費やす時間はなかった」と記している。彼は、同世代のアメリカ人アーティストだけでなく、マティス、モディリアーニ、セザンヌといった「名声を確立した」ヨーロッパのアーティストの作品展も企画したと述べている。[18]ニュー・ギャラリーは、弁護士、画家、慈善家であったジェームズ・N・ローゼンバーグによって1922年11月に設立された。[43]同ギャラリーは、「過去の洗練された卑屈な様式を超えた絵画」を展示することを目指していた。[44]同ギャラリーの資金の一部は、1923年2月に設立された革新的な組織「ニュー・ギャラリー・クラブ」によって賄われた。クラブは会費でギャラリーを支え、資金を集め、娯楽、茶会、レセプションなどを通じて展覧会を宣伝した。クラブ会員の多くはアマチュア・アーティストで、ギャラリーは彼らの作品を特別展で展示した。[44]
  9. ^ 1923年、アンリはこう記している。「芸術家がどんな人物の中にでも生きている時、その作品の種類に関わらず、彼は発明家で、探求心があり、大胆で、自己表現力豊かな存在となる。彼は人々を動揺させ、混乱させ、啓発し、より良い理解への道を切り開くのだ。」[64] : 5  また、「芸術を学ぶべき、そして非常に稀なのは、自身の個人的な感覚を愛し、育み、感情を大切にし、決して過小評価せず、それらを他者に叫ぶ喜びを持ち、そしてそれらの最も明確な表現を熱心に探求することに人生を捧げる人である。彼は、後に芸術家になった時に役に立つからという理由でデッサンを学ぶことはない。彼にはそんな時間はない。彼は最初から芸術家であり、自然が既に彼に与えてくれた喜びと感情を表現するための線と形を見つけることに忙しくしているのだ。」[64] : 74 
  10. ^ フリーメイソンでは、「第11階級」という語句は頂点を意味する。[65]
  11. ^ 1907年、アンリはこの絵が主題を忠実に描いていると記している。「吹雪の後、ニューヨークのイーストサイドの通りを清掃するホワイトウィングス。理想化された習作ではなく、私たちが実際に目にした通りの姿だ。」[9]当時、ニューヨーク市の清掃員は白い制服を着ていたので「ホワイトウィングス」と呼ばれていた。[66]

参考文献

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