ウォルト・ディズニー・カンパニー
アメリカのメディア・エンターテインメント複合企業

ウォルト・ディズニー・カンパニー
以前は
  • ディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオ（1923–1926）
  • ウォルト・ディズニー・スタジオ（1926–1929）
  • ウォルト・ディズニー・プロダクションズ（1929–1986）
会社の種類公共
ISINUS2546871060
業界
前任者ラフ・オ・グラム・スタジオ
設立1923年10月16日; 102年前 （1923年10月16日）
創設者
本部ウォルト・ディズニー・スタジオ
カリフォルニア州バーバンク
、
私たち
サービスエリア
全世界
主要人物
製品
サービス
収益増加 944億2500万米ドル （2025年）
増加 175億5,100万米ドル （2025年）
増加 124億400万米ドル （2025年）
総資産増加 1,975億1,400万米ドル （2025年）
総資本増加 1,146億1,200万米ドル （2025年）
従業員数
231,000（2025年）
部門
子会社ウォルト・ディズニー・カンパニーが所有する資産のリスト
Webサイトウォルトディズニーカンパニー
脚注/参考文献
2025年9月27日終了会計年度の財務状況[アップデート]。
参考文献: [1] [2]

ウォルト・ディズニー・カンパニー（通称ディズニー）は、カリフォルニア州バーバンクのウォルト・ディズニー・スタジオ・コンプレックスに本社を置く、アメリカの多国籍マスメディアおよびエンターテインメント 企業です。1923年10月16日、ウォルト・ディズニーとロイ・オリバー・ディズニーの兄弟により、ディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオとしてアニメーションスタジオとして設立され、1986年に現在の社名を採用する前は、ウォルト・ディズニー・スタジオおよびウォルト・ディズニー・プロダクションという名前で運営されていました。 1928年、ディズニーは短編映画『蒸気船ウィリー』でアニメーション業界のリーダーとしての地位を確立しました。この映画では同期音声が使用され、ポストプロダクションで制作された最初の音声付きアニメとなり、ミッキーマウスの人気を博しました。[3]ミッキーマウスはディズニーのマスコット兼企業アイコンとなりました。[4]

1940年代初頭までに成功を収めた後、[5] [6] [7]ディズニーは1950年代に実写映画、テレビ、テーマパークへと事業を多角化した。しかし、1966年にウォルト・ディズニーが死去した後、特にアニメーション部門での会社の利益が減少し始めた。1984年、ディズニーの株主はマイケル・アイズナーをCEOに選出し、彼は国際的なテーマパークの拡大と1989年から1999年にかけてのアニメーションのディズニー・ルネサンス期の大成功を組み合わせて、会社の衰退を逆転させた。2005年には、新しいCEOボブ・アイガーの下、同社は2006年にピクサー、2009年にマーベル・エンターテイメント、 2012年にルーカスフィルム、 2019年に21世紀フォックスを買収して、大手エンターテイメント・コングロマリットへと拡大を続けた。 2020年、アイガーの退任後、ボブ・チャペックがディズニーのトップに就任した。しかし、チャペックは2022年に解任され、アイガーがCEOに復帰した。[8]

ディズニーはハリウッド最大のテレビ・映画スタジオを運営している。[9] ウォルト・ディズニー・スタジオには、ウォルト・ディズニー・ピクチャーズ、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ、ピクサー、マーベル・スタジオ、ルーカスフィルム、20世紀スタジオ、20世紀アニメーション、サーチライト・ピクチャーズが含まれる。ディズニーの他の主要事業部門には、 ABCテレビネットワークを運営する部門、ディズニー・チャンネル、ESPN、フリーフォーム、FX、ナショナル ジオグラフィックなどのケーブルテレビ ネットワーク、出版、商品化、音楽、劇場部門、Disney+、ESPN+、Hulu、Hotstarなどの消費者直結型ストリーミング サービス、世界中の いくつかのテーマパーク、リゾート ホテル、クルーズ ラインを含むディズニー エクスペリエンスがある。

ディズニーは世界最大かつ最も有名な企業の一つです。[10] 2023年には、2023 Forbes Global 2000で87位にランクインし、[11] Fortune 500の米国売上高大企業リストでは48位に ランクインしました。 [12]創業以来、同社は135のアカデミー賞を受賞しており、そのうち26はウォルト・ディズニーが受賞しました。同社は、史上最高の映画の多くのリストに取り上げられた映画を制作しており、テーマパーク業界の発展における主要プレーヤーの1つです。同社は1940年から株式を公開しており、ニューヨーク証券取引所（NYSE）で取引され、1991年からダウ・ジョーンズ工業株平均の構成銘柄となっています。2020年8月、株式の約3分の2は大手金融機関が所有していました。同社は2023年10月16日に創業100周年を祝いました。

歴史

1921–1934: 設立、オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット、ミッキーマウス、そして愚かな交響曲

ウォルト・ディズニー（左）と弟のロイ・O・ディズニー（右）は、1923 年にディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオを共同設立しました。このスタジオは後にウォルト・ディズニー・カンパニーとなります。

1921年、アメリカのアニメーター、ウォルト・ディズニーとアブ・アイワークスはミズーリ州カンザスシティにラフ・オ・グラム・スタジオを設立した。[13]アイワークスとディズニーはスタジオで短編映画の制作を続けた。1923年の最後の作品は『不思議の国のアリス』と題され、子役のヴァージニア・デイビスがアニメのキャラクターと交流する様子を描いたものだった。ラフ・オ・グラムの短編映画がカンザスシティで人気を博していたが、スタジオは1923年に倒産し、ディズニーは結核から回復中だった兄のロイ・O・ディズニーのもとへロサンゼルスへ移った。[14]ウォルトの移住後まもなく、ニューヨークの映画配給会社マーガレット・J・ウィンクラーが『不思議の国のアリス』を購入し、同作品は人気が出始めた。ディズニーはウィンクラーと1,500ドルで『アリス・コメディ』のシリーズを6本制作する契約を交わし、さらに6話構成のシリーズを2本制作するオプションも付いていた。[15] [16]ウォルトとロイ・ディズニーは1923年10月16日に映画製作のためにディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオを設立した。 [17] 1926年1月、ディズニー一家はハイペリオン・ストリートの新しいスタジオに移転し、スタジオの名前はウォルト・ディズニー・スタジオに変更された。[18]

ズボンをはいた白黒のウサギがジャンプしている
ディズニーの初期のアニメキャラクターの1つである「オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット」は、2006年にディズニーが権利を取り戻しました。ディズニーによるオズワルドの短編映画の最初のシリーズは、2024年1月1日をもってパブリックドメインとなりました。

その後4年間アリスシリーズを制作した後、ウィンクラーはスタジオの短編映画の配給を夫のチャールズ・ミンツに委ねました。1927年、ミンツは新たなシリーズの制作を依頼し、ディズニーはオズワルド・ザ・ラッキー・ラビットというキャラクターを主役とする初のフルアニメーション短編シリーズを制作しました。[ 19]このシリーズはウィンクラー・ピクチャーズが制作し、ユニバーサル・ピクチャーズが配給しました。ウォルト・ディズニー・スタジオは26本のオズワルド短編映画を完成させました。[20]

1928年、ディズニーとミンツは契約上の紛争に巻き込まれた。ディズニーはより高い報酬を要求したのに対し、ミンツは値下げを求めた。ディズニーはユニバーサル・ピクチャーズが『オズワルド』の知的財産権を所有していることを知り、ミンツは減額を受け入れなければ自分抜きで短編映画を製作すると脅した。[20] [21]ディズニーはそれを断り、ミンツはウォルト・ディズニー・スタジオの主要なアニメーター4人と契約して自分のスタジオを設立した。アイワークスだけがディズニー兄弟のもとに残った一流アニメーターだった。[22]ディズニーとアイワークスはオズワルドの代わりに当初モーティマー・マウスという名前のネズミのキャラクターを登場させたが、ディズニーの妻がミッキー・マウスに名前を変えるよう促した。[23] [24] 1928年5月、ミッキー・マウスは短編映画『プレーン・クレイジー』と『ガロッピン・ガウチョ』の試写会でデビューした。その年の後半、スタジオは『蒸気船ウィリー』を制作した。これはスタジオ初のトーキー映画であり、ミッキーマウスシリーズの3番目の短編映画でもある。この映画は同期音響を使用して制作され、ポストプロダクションで制作された初のトーキーアニメとなった。[3]音響はパワーズのシネフォンシステムを使用して作成された。このシステムではリー・ド・フォレストのフォノフィルムシステムが使用されていた。 [25] パット・パワーズの会社が『蒸気船ウィリー』を配給し、すぐにヒットした。[23] [26] [27] 1929年、同社は以前の2作品を同期音響で再公開することに成功した。[28] [29]

ニューヨークのコロニー劇場で『蒸気船ウィリー』が公開された後、ミッキーマウスは絶大な人気キャラクターとなった。 [29] [23]ディズニー・ブラザーズ・スタジオはミッキーや他のキャラクターが登場する漫画をいくつか制作した。[30] 1929年8月、ディズニー兄弟はパワーズから利益の分け前をもらっていないと感じていたため、コロンビア映画を配給会社としてシリー・シンフォニー・シリーズの制作を開始した。 [27 ]パワーズはアイワークスとの契約を打ち切り、アイワークスは後に自分のスタジオを設立した。[31]カール・W・ストーリングはシリーズ開始時に重要な役割を果たし、初期の映画の音楽を作曲したが、アイワークスが去った後に会社を去った。[32] [33] 9月、劇場支配人のハリー・ウッディンは、入場者数を増やすため、彼の劇場であるフォックス・ドームにミッキーマウス・クラブを設立する許可を求めた。ディズニーは同意したが、12月21日、エルシノア劇場で最初の会合が開かれ、約1,200人の子供たちが参加した。[34] [35] 1930年7月24日、キング・フィーチャーズ・シンジケートの社長ジョセフ・コンリーはディズニー・スタジオに手紙を書き、ミッキーマウスの漫画の制作を依頼した。制作は11月に開始され、サンプルがキング・フィーチャーズに送られた。[36] 1930年12月16日、ウォルト・ディズニー・スタジオのパートナーシップは、ウォルト・ディズニー・プロダクションズ・リミテッドという名前で法人として再編され、ウォルト・ディズニー・エンタープライズという商品化部門と、ディズニー・フィルム・レコーディング・カンパニー・リミテッドとリリード・リアルティ・アンド・インベストメント・カンパニーという子会社を持ち、後者は不動産を管理していた。ウォルト・ディズニーとその妻は会社の60％（6,000株）を保有し、ロイ・ディズニーは40％を所有していた。[37]

ミッキー マウスの最初の音声付き漫画『蒸気船ウィリー』 （1928 年）からの抜粋。

漫画「ミッキーマウス」は1930年1月13日にニューヨーク・デイリー・ミラー紙で初めて掲載され、1931年までには米国の60の新聞と20カ国で掲載された。[38]キャラクターを元にした商品を発売すればもっと収益が上がると気付いたニューヨークの男性がディズニーに、彼が製造している筆記用タブレットにミッキーマウスを描くライセンスを300ドルで提供した。ディズニーはそれを受け入れ、ミッキーマウスは最初のライセンスキャラクターとなった。[39] [40] 1933年、ディズニーはカンザスシティの広告会社のオーナーであるケイ・ケイメンにディズニーの商品化を依頼し、ケイメンは同意してディズニーの商品化を改革した。1年以内にケイメンはミッキーマウスのライセンスを40件取得し、2年以内に3,500万ドル相当の売上を達成した。1934年、ディズニーはミッキーマウスの商品化による収益が、このキャラクターの映画による収益を上回ると語った。[41] [42]

ウォーターベリー・クロック・カンパニーはミッキーマウスの腕時計を制作し、これが大流行して大恐慌のさなかに会社を倒産から救った。メイシーズでの宣伝イベントでは、１日で１万１千個のミッキーマウスの腕時計が売れ、２年以内に２５０万個が売れた。[43] [38] [42]ミッキーマウスがいたずらっ子というよりは英雄的なキャラクターになってきたため、ディズニーはギャグを生み出せる別のキャラクターを必要とした。[44]ディズニーはラジオ司会者のクラレンス・ナッシュをアニメーションスタジオに招き、ナッシュをスタジオの新しいギャグキャラクターとなるしゃべるアヒルのドナルドダック役に使いたいと考えた。ドナルドダックは１９３４年の『かしこいめんどり』で初めて登場した。ミッキーほどすぐには人気が出なかったが、ドナルドダックは『ドナルドとプルート』 （１９３６年）で主役を演じ、単独シリーズが作られた。[45]

コロンビア映画とシリー・シンフォニーのアニメで意見の相違があった後、ディズニーは1932年から1937年までユナイテッド・アーティスツと配給契約を結び、アニメを配給した。 [46] 1932年、ディズニーはテクニカラーと独占契約を結び、1935年末までカラーのアニメを製作することになり、シリー・シンフォニーの短編『花と木』（1932年）を皮切りに製作された。[47]この映画は初のフルカラーアニメで、アカデミー賞最優秀アニメ賞を受賞した。 [3] 1933年には、シリー・シンフォニーの人気短編『三匹の子豚』が公開され、これもアカデミー賞最優秀アニメ賞を受賞した。[30] [48]映画の挿入歌「大きな悪いオオカミなんかこわくない」は、他のシリー・シンフォニーの曲も作曲したフランク・チャーチルが作曲したもので、1930年代を通じて人気が衰えず、最もよく知られているディズニーの歌の1つとなった。[32] 1931年から1939年にかけて、他の『シリー・シンフォニー』シリーズも最優秀カートゥーン賞を受賞したが、1938年には別のディズニー映画『フェルディナンド』が受賞した。[30]

1934年～1949年：アニメーションの黄金時代、ストライキ、戦時中

木々に囲まれた緑のストライプが入った3階建ての建物
カリフォルニア州バーバンクのウォルト・ディズニー・スタジオにあったオリジナルのアニメーション棟。1940年に全面移転した。

1934年、ウォルト・ディズニーは長編アニメーション映画『白雪姫と七人の小人』を発表した。これはセル画による長編アニメーションとしては世界初であり、米国で製作された最初の長編アニメーション映画となった。その斬新さゆえにリスクの高い冒険となった。ロイはスタジオを破産させると主張してウォルトを説得し、大衆に広く期待されていたものの、一部の批評家からは「ディズニーの愚行」と呼ばれた。[49] [50]ウォルトはアニメーターたちに写実的な手法をとり、実写のようなシーンを作るよう指示した。[51] [52]映画の製作中、ディズニーはマルチプレーンカメラを開発した。これはガラス片からなり、その上に異なる距離で絵を配置することで背景に奥行きがあるような錯覚を作り出すものであった。[53]ユナイテッド・アーティスツがディズニーの短編映画の将来のテレビ放映権を取得しようとした後、ウォルトは1936年3月2日にRKOラジオ・ピクチャーズと配給契約を結びました。[54]ウォルト・ディズニー・プロダクションズは『白雪姫』の当初の予算15万ドルを10倍も超過し、最終的に制作費は150万ドルになりました。[49]

白雪姫は制作に3年かかり、1937年12月12日に初公開された。すぐに批評的にも商業的にも成功し、その時点で最高の興行収入を記録した映画となり、800万ドル（2024年のドル価値で1億7498万1481ドルに相当）を売り上げた。再公開後、インフレ調整後の米国での興行収入は合計9億9844万ドルとなった。[55] [56]白雪姫の利益を使い、ディズニーはバーバンクに51エーカーの新しいスタジオ複合施設の建設に資金を提供し、1940年に会社はそこに完全に移転し、現在も本社を置いている。[57] [58] 1940年4月、ディズニー・プロダクションズは株式を公開し、普通株はディズニーと彼の家族が保有した。ディズニーは株式を公開したくなかったが、会社は資金を必要としていた。[59]

『白雪姫』公開の直前、同社は次の長編映画『ピノキオ』と『バンビ』の制作を開始した。『ピノキオ』は1940年2月に公開されたが、『バンビ』は公開延期となった。[54] 『ピノキオ』は批評家から高い評価を受けた（アカデミー賞で主題歌と作曲賞を受賞し、アニメーションにおける画期的な功績を称賛された）にもかかわらず、[60]第二次世界大戦の影響で興行成績は振るわなかった。[61] [62]

同社の3作目の長編映画「ファンタジア」（1940年）は、映画技術、特に初期のサラウンドサウンドシステムであるファンタサウンドの画期的な進歩を導入し、ステレオで上映された最初の商業映画となった。しかし、「ファンタジア」も興行成績は振るわなかった。[63] [64] [65] 1941年、一流アニメーターのひとりであるアート・バビットが率いる800人のアニメーターのうち300人が組合結成と賃上げを求めて5週間のストライキに入り、同社は大きな打撃を受けた。ウォルト・ディズニーはストライキ参加者が共産主義の陰謀に加担していると公然と非難し、スタジオで最も優秀な人材を含む多くを解雇した。[66] [67]ロイはスタジオに投資するよう主要配給会社を説得しようとしたが失敗した。スタジオには従業員の解雇で制作費を相殺する余裕がなかった。[68]アンソロジー映画『ドラゴン』（1941年）は製作費を10万ドル不足させ、スタジオの財政難の一因となった。[説明が必要] [69]

ガウチョに扮した男性とドナルドダックに扮した人物
1941年、同社の南米親善旅行中、アルゼンチンでドナルドダックの隣でガウチョの衣装をまとったウォルト（右） 。

ストライキを終わらせるための交渉が行われている間に、ウォルトとスタジオのアニメーターたちは、米州問題調整官事務所の資金提供を受けて、南米への12週間の親善訪問に乗り出した。[70]旅行中、アニメーターたちは地元の環境や音楽からインスピレーションを得て映画の構想を練り始めた。[71]ストライキの結果、連邦調停者はスタジオに映画漫画家組合を認めるよう強制し、数人のアニメーターがスタジオを去り、従業員数は694人になった。[72] [67]財政的損失から回復するため、ディズニーは削減された予算でスタジオの4作目の長編アニメ『ダンボ』（1941年）の製作を急いだ。これは興行的に好成績を収め、スタジオに必要な資金を注ぎ込んだ。[60] [73]米国が第二次世界大戦に参戦すると、同社のアニメーターの多くが徴兵された。[74] 500人のアメリカ陸軍兵士が、近くのロッキード航空機工場を守るため、8ヶ月間スタジオを占拠した。兵士たちは滞在中、大規模なサウンドステージの機材を修理し、倉庫を弾薬庫に改造した。[75]アメリカ海軍は、戦争への支持を得るためのプロパガンダ映画の制作をディズニーに依頼した。スタジオは深刻な利益不足に陥っていたため、ディズニーはこれに同意し、戦争関連の短編映画20本を9万ドルで制作する契約を結んだ。[76]このプロジェクトには同社の従業員のほとんどが携わり、『空軍力による勝利』や同社のキャラクターが登場する映画などが制作された。[77] [74]

1942年8月、ディズニーは5年の開発期間を経て5作目の長編映画『バンビ』を公開したが、興行成績は振るわなかった。 [78]その後、南米旅行の成果として、ディズニーは長編映画『サルードス・アミーゴス』（1942年）と『三人の騎士』（1944年）を公開した。[74] [79]これは、長編映画を作るために短編アニメを集めたパッケージ映画を公開するという新しい戦略だった。 どちらも興行成績は振るわなかった。ディズニーは、経済的損失を挽回するため、1940年代の残りの期間を通して、『メイク・マイン・ミュージック』（1946年）、『ファン・アンド・ファンシー・フリー』（1947年）、『メロディ・タイム』（1948年）、『イカボッドとヒキガエルの冒険』（1949年）など、さらに多くのパッケージ映画を公開した。[74]ディズニーは、最も物議を醸す映画の1つとなる『南部の唄』 （1946年）を皮切りに、アニメーションを混ぜた安価な実写映画の製作を開始した。[80] [81]財政難の結果、ディズニーは1944年に長編映画の再公開を開始しました。[81] [82] 1948年には自然ドキュメンタリーシリーズ「トゥルーライフ・アドベンチャーズ」の初公開を開始し、1960年まで放送され、アカデミー賞8部門を受賞しました。[83] [84] 1949年には、商品化の利益を補うためにウォルト・ディズニー・ミュージック・カンパニーが設立されました。[85]

1950年～1967年: 実写映画、テレビ、ディズニーランド、そしてウォルト・ディズニーの死

1950年代、ディズニーは8年ぶりの長編アニメ映画の製作に戻り、1950年に『シンデレラ』を製作した。批評的にも商業的にも成功した『シンデレラ』は、戦時中の財政難からディズニーを救った。初年度で800万ドルの売り上げを上げ、 『白雪姫』以来最も経済的に成功した映画となった。ウォルトはアニメーションへの関与を減らし、実写映画（『宝島』がスタジオの最初の作品だった）、テレビ、遊園地など、スタジオのますます多様化するプロジェクトのポートフォリオに焦点を合わせ始めた。[86] [87] 1950年に、ディズニーは初めてテレビに進出し、NBCでディズニーの次のアニメ映画『不思議の国のアリス』 (1951年)の宣伝番組としてコカコーラのスポンサーで『ワン・アワー・イン・ワンダーランド』を放映した。[88] 『アリス』は経済的に失敗し、製作予算に100万ドル足りなかった。[89] 1953年2月、ディズニーの次のアニメ映画「ピーター・パン」が公開され、商業的に成功を収めた。[90]これは、ディズニーがRKOとの契約を終了し、独自の配給会社ブエナ・ビスタ・ディストリビューションを設立した後、RKOによって配給された最後のディズニー映画となった。[91]

数人の男性が一緒に計画書を見ている
ウォルト（中央）が1954年12月にオレンジ郡の役人にディズニーランドの計画を示している

ウォルトによると、彼が遊園地建設のアイデアを初めて思いついたのは、娘たちとグリフィス・パークを訪れたときだった。娘たちがメリーゴーランドに乗っているのを見て、「親子で一緒に楽しめるような遊園地が何かあるはずだ」と思ったという。[92] [93]当初はバーバンク・スタジオの近くに8エーカー（3.2ヘクタール）のミッキーマウス・パークを建設する計画を立てていたが、ウォルトは計画中の遊園地の名前をディズニーランディア、さらにディズニーランドに変更した。[94] 1952年、遊園地の設計と建設を行うため、WEDエンタープライズ（現ウォルト・ディズニー・イマジニアリング）という新会社が設立された。 [95]アメリカとヨーロッパの遊園地からインスピレーションを得て、ウォルトは当時の遊園地としては革新的なアプローチである、テーマに沿ったストーリーテリングと清潔感を重視してディズニーランドの設計に取り組んだ。[96] [97]バーバンクにテーマパークを建設する計画は、ウォルトが8エーカーでは構想を実現するには不十分だと悟ったため断念された。ディズニーは、ロサンゼルス南東部オレンジ郡に隣接するアナハイムで、1エーカーあたり6,200ドルでオレンジ畑160エーカー（65ヘクタール）を取得し、テーマパークを建設した。[98]建設は1954年7月に開始された。ウォルトは、主にキャロルウッド・パシフィック鉄道を運営するために、レットローという新しい会社を設立した。[99]

ディズニーランド建設資金を調達するため、ディズニーはパームスプリングスのスモーク・ツリー・ランチにある自宅を売却し、会社はABCで同名のテレビシリーズを放映して宣伝した。[100]ディズニーランドのテレビシリーズは、同社の長年にわたるアンソロジー番組シリーズの第1弾となり、同時間帯の視聴者の50%以上を獲得し、批評家からも賞賛されるなど成功を収めた。[101] 8月、ウォルトは公園建設資金を調達するために別の会社ディズニーランド社を設立し、その建設費は合計1,700万ドルに上った。[102]

（左から）毎日1000万人以上の子供たちが観ていたミッキーマウスクラブのキャストと、同名のショーでデイビー・クロケットを演じたフェス・パーカー。このショーでは、クロケットのアライグマ皮の帽子が1000万個、テーマソングのレコードが1000万枚以上売れた。

10月、ディズニーランドの成功を受け、ABCはディズニーに子供向けバラエティ番組『ミッキーマウス・クラブ』の制作を許可した。この番組は、毎日放送されるディズニーアニメ、子供向けニュース映画、そしてタレントショーで構成されていた。司会者と、「マウスケティアーズ」と呼ばれる才能豊かな子供と大人が進行役を務めた。[103]第1シーズン終了後、1,000万人以上の子供と500万人以上の大人が毎日視聴し、出演者が着用したミッキーマウスの耳は200万個販売された。[104] 1954年12月、ディズニーランドの一環として、フェス・パーカー主演の5部構成のミニシリーズ『デイビー・クロケット』が初公開された。作家のニール・ゲイブラーによると、「この作品は一夜にして全国的なセンセーションを巻き起こし」、クロケットのアライグマ皮製キャップが1,000万個売れたという。[105]番組のテーマソング「デイビー・クロケットのバラード」はアメリカのポップカルチャーの一部となり、レコード売上は1,000万枚に達した。ロサンゼルス・タイムズ紙はこれを「世界がかつて見た中で最も偉大なマーチャンダイジングの流行」と呼んだ。[106] [107] 1955年6月、ディズニーの15作目のアニメーション映画『わんわん物語』が公開され、 『白雪姫』以来のどのディズニー映画よりも興行成績が良かった。[108]

ディズニーランドは1955年7月17日にオープンした。これは一大メディアイベントとなり、俳優のアート・リンクレター、ボブ・カミングス、ロナルド・レーガンが司会を務め、ABCで生中継された。視聴者数は9000万人を超え、その時点で最も視聴された生放送となった。[109]開園日は悲惨なものだったが（レストランの食べ物がなくなり、マーク・トウェイン号は沈み始め、他の乗り物は故障し、水飲み場は華氏100度（摂氏38度）の暑さで機能していなかった）、[110] [102]開園最初の週に161,657人の来園者があり、最初の1ヶ月は1日2万人が訪れるという成功を収めた。1年後には360万人が訪れ、2年後には400万人以上の来園者数を記録し、グランドキャニオンやイエローストーン国立公園よりも人気となった。その年、同社の総収入は前年の1100万ドルに対し2450万ドルとなった。[111]

カメラを見つめる2人の年配の男性
2002年のシャーマン兄弟。彼らは1960年代に多くのディズニーの曲を作曲しました。

ディズニーは、スタジオのトップアニメーターである「ナイン・オールド・メン」にアニメーション作業の多くを委託し続けた。同社は、1950年代から60年代にかけて、年間平均5本の映画を製作した。[112]この時期のアニメーション作品には、 「眠れる森の美女」（1959年）、「101匹わんちゃん」（1961年）、「石に秘めた剣」（1963年）などがある。[113] 「眠れる森の美女」は会社にとって財政的な損失となり、600万ドルで、その時点までの最高製作費となった。[114] 「101匹わんちゃん」では、ゼログラフィープロセスを使用して図面をアニメーションセルに電磁的に転写するアニメーション技術が導入され、スタジオのアニメーション映画のアートスタイルが変革した。[115] 1956年、ロバートとリチャードのシャーマン兄弟は、テレビシリーズ「ゾロ」のテーマソングの制作を依頼された。[116]ディズニーは彼らを専属ソングライターとして雇用し、その契約は10年間続いた。彼らはディズニー映画やテーマパークのために多くの曲を書き、そのうちのいくつかは商業的にヒットした。[117] [118] 1950年代後半、ディズニーはコメディ映画に進出し、実写映画『シャギー・ドッグ』（1959年）を制作した。この作品はアメリカとカナダでディズニーにとって900万ドルを超える興行収入を記録した。[119]また、 『アブセント・マインド・プロフェッサー』 （1961年）もフレッド・マクマリー主演である。[113] [120]

(左から) ヘイリー・ミルズとカート・ラッセルは、1960 年代のディズニーで最も有名な子役の 2 人でした。

ディズニーはまた、 『ポリアンナ』（1960年）や『スイスファミリーロビンソン』 （1960年）など児童書を原作とした実写映画も製作した。子役のヘイリー・ミルズは『ポリアンナ』で主演し、アカデミー児童文学賞を受賞した。ミルズは他の5本のディズニー映画に出演し、 『ペアレント・トラップ』（1961年）では双子の二役を演じた。[121] [122]もう一人の子役、ケビン・コーコランは多くのディズニーの実写映画で目立ち、初めて出演したのは『ミッキーマウスクラブ』の連続ドラマで、ムーチーという少年を演じた。彼はミルズと『ポリアンナ』で共演し、 『オールド・イエラー』（1957年）、『トビー・タイラー』（1960年）、『スイスファミリーロビンソン』などの映画に主演した。[123] 1964年、実写/アニメーションミュージカル映画『 メリー・ポピンズ』が公開され、商業的に大成功を収め、批評家からも絶賛され、その年の興行収入トップの映画となり、アカデミー賞5部門を受賞した。その中には、ポピンズ役のジュリー・アンドリュースが主演女優賞、シャーマン兄弟が主題歌賞、さらに映画の「チム・チム・チェリー」で作曲賞も受賞した。[124] [125]

（左から）1960年代のウォルト・ディズニー・プロダクションズを最も代表した人物であるディーン・ジョーンズ[126]と、1960年代のディズニー・コメディに主演したフレッド・マクマリー

1960年代を通して、ガーディアン紙が「1960年代のウォルト・ディズニー・プロダクションを最も代表する人物」と呼んだディーン・ジョーンズは、『あの忌々しい猫』（1965年）、『みにくいダックスフント』（1966年）、『ラブ・バグ』（1968年）など10本のディズニー映画に出演した。[126] [127] 1960年代のディズニー最後の子役はカート・ラッセルで、彼は10年契約を結んでいた。[128] 彼は、『コンピューターはテニスシューズを履いていた』 （1969年）、『灰色のフランネルのスーツを着た馬』（1968年）（ディーン・ジョーンズと共演）、『裸足の重役』（1971年）、『世界最強の男』（1975年）などの映画に出演した。[129]

1959年後半、ウォルトはフロリダ州パームビーチに「シティ・オブ・トゥモロー」という別のテーマパークを建設するという構想を思いついた。この都市は技術的進歩に満ちた都市となる予定だった。[130] 1964年、ウォルト・ディズニー社はテーマパーク建設地としてフロリダ州オーランド南西部の土地を選び、27,000エーカー（10,927ヘクタール）の土地を取得した。1965年11月15日、ウォルト・ディズニー社はロイ・ファン・デル・レイ、フロリダ州知事ヘイデン・バーンズとともに、 「ディズニー・ワールド」と呼ばれるテーマパークの計画を発表した。このテーマパークには、ディズニーランドの拡大版であるマジック・キングダムと、パークの中心にシティ・オブ・トゥモローが設けられた。[131] 1967年までにディズニーランドは拡張され、1966年と1967年には2,000万ドルの費用をかけてさらに多くのアトラクションが追加された。[132]新しい乗り物には、オーディオ・アニマトロニクスを採用した最初のアトラクションであるウォルト・ディズニーのエンチャンテッド・ティキ・ルーム、1964年のニューヨーク万国博覧会でデビューし、 1967年にディズニーランドに移ったウォルト・ディズニーのカルーセル・オブ・プログレス、そして空飛ぶダンボが含まれていた。[133]

3人の男性がテーブルに座り、マイクを前に何かをアナウンスしている
ウォルト、フロリダ州知事 W・ヘイドン・バーンズ、ロイが1965年11月にディズニーワールドの計画を発表

1964年11月20日、ウォルトはWEDエンタープライズの大部分をウォルト・ディズニー・プロダクションズに380万ドルで売却した。これは、ウォルトが自身の会社を持つことは法的問題を引き起こすと考えていたロイの説得によるものだった。ディズニーがフロリダ計画のスポンサーを探し始めた際、ウォルトは「明日の都市」を「明日の実験プロトタイプ・コミュニティ（EPCOT）」と改名した。[134]第一次世界大戦以来ヘビースモーカーであったウォルトは病に倒れ、1966年12月15日、スタジオの向かいにあるセント・ジョセフ病院で肺癌のため65歳で亡くなった。 [135] [136]

1967年～1984年：ロイ・O・ディズニーのリーダーシップと死、ウォルト・ディズニー・ワールド、アニメーション産業の衰退、タッチストーン・ピクチャーズ

1967年、ウォルトが最後に手がけた2本の映画が公開された。アニメーション映画『ジャングル・ブック』はその後20年間ディズニーの最も成功した映画となり、実写ミュージカル『ハッピー・ミリオネア』も公開された。[137] [138]ウォルトの死後、ディズニーはアニメーション制作をほぼ中止したが、実写映画を数本制作した。[139] [140]アニメーションスタッフは500人から125人に減少し、1970年から1977年の間に雇用されたのはわずか21人だった。[141]

ウォルト・ディズニーのウォルト・ディズニー後初のアニメ映画『おしゃれキャット』は1970年に公開された。シカゴ・トリビューンのデイブ・ケアによると、「彼（ウォルト）の手が欠けているのは明らかだ」という。[142]その翌年、反ファシスト・ミュージカル『ベッドかざりとほうき』が公開され、アカデミー賞特殊視覚効果賞を受賞した。[143]ウォルトが亡くなったとき、ロイは引退の準備ができていたが、ウォルトの遺産を生かし続けたいと考え、会社の初代CEO兼会長になった。 [144] [145] 1967年5月、ロイはフロリダ州議会で法案を可決させ、リーディ・クリーク改善地区と呼ばれる地域にディズニーワールドに準政府機関を設立させた。ロイはウォルトを記念してディズニーワールドの名前をウォルト・ディズニー・ワールドに変更した。[146] [147]エプコットは明日の都市ではなくなり、棚上げされ、最終的に別のテーマパークに変わりました。[148]

ウォルト・ディズニー・ワールド初のテーマパークであるマジック・キングダムは、約4億ドルの費用をかけて18ヶ月かけて建設され、ディズニー・コンテンポラリー・リゾートとディズニー・ポリネシアン・リゾートと共に[149]、1971年10月1日に10,400人の来場者を迎えてオープンしました。1,000人以上のバンドメンバー、4,000人のディズニー・エンターテイナー、そしてアメリカ陸軍の合唱団によるパレードがメインストリートを練り歩きました。パークのシンボルはシンデレラ城でした。感謝祭の日には、マジック・キングダムへ向かう車が州間高速道路で渋滞を引き起こしました[150] [151] 。

1971年12月21日、ロイはセントジョセフ病院で脳出血のため死去した。 [145] ディズニーの元社長で上級役員のドン・テイタムはディズニー一族以外で初めてCEO兼会長となった。 1938年から同社に在籍していたカード・ウォーカーが社長に就任した。 [152] [153] 1973年6月30日には、ディズニーの従業員数は2万3000人を超え、9か月間の総収入は2億5775万1000ドルで、前年の2億2002万6000ドルを大きく上回った。[154] 11月、ディズニーはアニメ映画『ロビン・フッド』（1973年）を公開し、1800万ドルの興行収入を記録し、ディズニーの国際興行収入最大の映画となった。[155] 1970年代を通して、ディズニーは『コンピューターはテニスシューズを履いていた』の続編『彼を見たら、見ないで』[156]、 『ラブ・バグ』の続編『ハービー、またしても』（1974年）と『ハービー、モンテ・カルロへ行く』（1977年）[157] [158] 『魔女の山へ』（1975年）[159]、『フリーキー・フライデー』（1976年）[160] 1976年、カード・ウォーカーが同社のCEOに就任し、テイタムは1980年にウォーカーが後任になるまで会長職にとどまった[144] [153] 1977年、ロイ・O・ディズニーの息子で同社で働いていた唯一のディズニーであるロイ・E・ディズニーが、会社の決定に反対したため役員を辞任した[161]

1977年、ディズニーはアニメ映画『レスキュー隊』を公開し、興行収入4,800万ドルを記録した。[162]実写/アニメミュージカル『ピートとドラゴン』は1977年に公開され、米国とカナダで興行収入1,600万ドルを記録したが、会社にとっては失望の種となった。[163] [164] 1979年、ディズニー初のPG指定映画であり、当時としては最高額となる2,600万ドルの製作費を投じた『ブラックホール』が公開され、ディズニーが特殊効果を活用できることを示した。興行収入は3,500万ドルにとどまり、1977年の『スター・ウォーズ』のようなヒット作になると期待していた会社にとっては失望の種となった。『ブラックホール』は当時の他のSF映画への回答となった。 [165] [166]

9月には、部門の15%を超える12人のアニメーターが辞職した。ドン・ブルースに率いられた彼らは、トレーニングプログラムと雰囲気との衝突を理由に辞め、自分の会社ドン・ブルース・プロダクションを設立した。[167] [168] 1981年、ディズニーは『ダンボ』をVHSで、翌年には『アリス・イン・ワンダーランド』をリリースし、ディズニーは最終的にすべての映画を家庭用メディアでリリースすることになった。 [169] 7月24日、ディズニーがキャラクターのライセンスをフェルド・エンターテインメントに供与した後、ブレンダン・バーン・メドウランズ・アリーナで、ディズニーのチャーター機をフィーチャーした2年間のアイスショーツアー、ウォルト・ディズニー・ワールド・オン・アイスがプレミア上映された。[170] [171]同月、ディズニーのアニメ映画『きつねと猟犬』が公開され、4000万ドルでその時点で最高の興行収入を記録したアニメ映画となった。[172]これはウォルトが関与しなかった最初の映画であり、若いアニメーターに交代したディズニーのナイン・オールド・メンによる最後の主要作品であった。[141]

(左から右へ) ディズニーランドの眠れる森の美女の城、マジックキングダムのシンデレラ城、エプコットのスペースシップアースは、各パークのメインシンボルです。

利益が減少し始めると、1982年10月1日に、当時エプコットセンターとして知られていたエプコットがウォルトディズニーワールドで2番目のテーマパークとしてオープンし、オープン時には約1万人が来場した。 [173] [174]パークの建設には9億ドル以上が費やされ、メキシコ、中国、ドイツ、イタリア、アメリカ、日本、フランス、イギリス、カナダを表現したフューチャーワールドパビリオンとワールドショーケースで構成されていた。1984年にはモロッコ、1988年にはノルウェーがそれぞれ追加された。 [173] [175]アニメーション産業は衰退し続け、会社の利益の69％はテーマパークによるものだった。1982年にはウォルトディズニーワールドの来場者数は1,200万人だったが、翌年の6月には5％減少した。[173] 1982年7月9日、ディズニーは『トロン』を公開しました。これはコンピューター生成画像（CGI）を多用した最初の映画の一つです。この映画は賛否両論の評価を受けましたが、他のCGI映画に大きな影響を与えました。[176] 1982年、ディズニーは2,700万ドルの損失を出しました。[177]

1983年4月15日、米国外初のディズニーテーマパークである東京ディズニーランドが浦安にオープンした。[178]約14億ドルの費用をかけて建設が開始された1979年、ディズニーとオリエンタルランドが共同でパークを建設することに合意した。最初の10年間で、パークには1億4000万人以上の来場者があった。[179] 1億ドルを投資した後、4月18日、ディズニーは有料ケーブルテレビチャンネル「ディズニー・チャンネル」を開始した。これは、ディズニー映画、12の番組、大人向けの雑誌番組2番組を1日16時間放送するサービスである。好調が期待されていたものの、初年度には加入者数が約91万6000人だったにもかかわらず、4800万ドルの損失を出した。[180] [181]

1983年、ウォルトの義理の息子で1978年より社長を務めていたロン・W・ミラーがCEOに就任し、レイモンド・ワトソンが会長に就任した。[144] [182]ミラーはスタジオが成人向けのコンテンツをもっと製作することを望み、[183]​​ ディズニーは1984年に大人とティーンエイジャー向けの映画を製作するために映画配給レーベルのタッチストーン・ピクチャーズを設立した。 [177] 『スプラッシュ』（1984年）はこのレーベルから公開された最初の映画であり、待望の成功を収め、初週で600万ドル以上の収益を上げた。[184] ディズニー初のR指定映画『どん底生活記』（1986年）が公開され、6,200万ドルの収益を上げ、またもやヒットとなった。[185] [186] 1984年、ソール・スタインバーグは株式の11%を保有し、 ディズニーの買収を試みた。彼は49%を13億ドルで、あるいは全株を27億5000万ドルで買収すると提案した。1000万ドル未満の資金しか持っていなかったディズニーはスタインバーグの提案を拒否し、全株を3億2600万ドルで買収すると申し出た。スタインバーグはこれに同意し、ディズニーは13億ドルの銀行借入金の一部で全額を支払い、会社は8億6600万ドルの負債を抱えることとなった。[187] [188]

1984年～2005年：マイケル・アイズナーのリーダーシップ、ディズニー・ルネッサンス、合併、買収

タキシードを着てスピーチをする男性
マイケル・アイズナーがロン・ミラーに代わりCEOに就任した。

1984年、株主のロイ・E・ディズニー、シド・バス、リリアン＆ダイアン・ディズニー、アーウィン・L・ジェイコブス（合わせて約36%の株式を保有 ）は、CEOのミラーを解任し、元パラマウント映画社長のマイケル・アイズナーを後任に任命し、フランク・ウェルズを社長に任命した。[189]アイズナーの最初の行動は、当時は考えられていなかった大手映画スタジオにすることだった。アイズナーはジェフリー・カッツェンバーグを会長に、ロイ・E・ディズニーをアニメーション部門責任者に任命した。アイズナーは、これまでの4年ごとではなく、18か月ごとにアニメーション映画を製作したいと考えていた。映画部門を支援するため、ディズニーは土曜の朝のアニメを製作し始め、商品化用の新しいディズニーキャラクターを作成し、タッチストーンを通じて映画を製作した。アイズナーの下で、ディズニーはテレビへの関与を深め、タッチストーン・テレビジョンを設立して、テレビのシットコム『ゴールデン・ガールズ』を製作し、これはヒットした。同社はテーマパークの宣伝に1500万ドルを費やし、来場者数が10％増加した。[190] [191] 1984年にディズニーは『黒い魔法瓶』を制作した。これは4000万ドルと当時最も製作費のかかったアニメ映画であり、同社初のコンピュータ生成画像を使用したアニメ映画であり、成人向けのテーマが含まれているため初のPG指定アニメであった。この映画は興行的に失敗し、ディズニーはアニメーション部門をバーバンクのスタジオからカリフォルニア州グレンデールの倉庫に移転した。[192] 1985年に設立された映画資金提供パートナーシップのシルバースクリーンパートナーズIIは、ディズニーに1億9300万ドルの映画資金を提供した。1987年1月、シルバースクリーンパートナーズIIIはEFハットンが調達した3億ドルの資金でディズニーの映画資金提供を開始した。これは映画資金提供有限責任事業組合としては過去最高の調達額であった。[193]シルバースクリーンIVもディズニーのスタジオに資金を提供するために設立された。[194]

1986年、同社は社名をウォルト・ディズニー・プロダクションズからウォルト・ディズニー・カンパニーに変更し、古い名前は映画産業のみを指していると明言した。[195]ディズニーのアニメーション産業が衰退していたため、アニメーション部門は次回作の『大ネズミ探偵』を成功させる必要があった。同作は興行収入2,500万ドルを記録し、待望の経済的成功となった。[196]グッズ販売でより多くの収益を上げるため、同社は1987年にグレンデールに初の小売店ディズニーストアをオープンした。この成功により、同社はカリフォルニア州にさらに2店舗オープンし、1990年までに米国全土で215店舗となった。[197] [198] 1989年、同社は4億1,100万ドルの収益を上げ、1億8,700万ドルの利益を上げた。[199] 1987年、同社はフランス政府とパリにユーロ・ディズニーランドというリゾートを建設する協定を締結した。ディズニーランドパークとウォルトディズニースタジオパークという2つのテーマパーク、ゴルフコース、6つのホテルで構成される予定だ。 [200] [201]

ハリウッドスタジオパークの象徴、チャイニーズシアター

1988年、ディズニーの27作目のアニメ映画『オリバー&カンパニー』が、元ディズニーのアニメーター、ドン・ブルースの『リトル・リトル・モンスター』と同日に公開された。『オリバー&カンパニー』は『リトル・リトル・モンスター』を凌駕し、公開初年度の興行収入が1億ドルを超えた初のアニメ映画となり、また初回上映では最高の興行収入を記録したアニメ映画となった。[202] [203]ディズニーは、 『ロジャー・ラビット』（1988年）、『スリーメン・アンド・ア・ベイビー』（1987年）、『グッドモーニング、ベトナム』 （1987年）などの映画で、初めてハリウッドの興行収入トップのスタジオとなった。同社の総収入は1983年の1億6500万ドルから1987年には8億7600万ドルに、営業利益は1983年の-3300万ドルから1987年には+1億3000万ドルに増加した。スタジオの純利益は66%増加し、売上高は26%増加した。ロサンゼルス・タイムズ紙はディズニーの回復を「企業界では非常に稀なこと」と評した。[204] 1989年5月1日、ディズニーはウォルト・ディズニー・ワールドに3番目の遊園地、ディズニー-MGMスタジオをオープンした。この遊園地は後にハリウッド・スタジオとなる。この新しい遊園地では、来場者に映画製作の工程を実演していたが、2008年に来場者が映画の中にいるような体験ができる遊園地に変更された。[205]ディズニー-MGMスタジオのオープン後、ディズニーは1989年6月にウォーターパークのタイフーン・ラグーンをオープンした。2022年には190万人が来場し、世界で最も人気のあるウォーターパークとなった。[206] [207]同じく1989年、ディズニーはジム・ヘンソン・カンパニーを創業者から買収する基本合意書に署名した。この契約には、ヘンソンの番組ライブラリとマペットキャラクター（セサミストリート用に制作されたマペットを除く）、そしてヘンソンの個人的なクリエイティブサービスが含まれていた。しかし、ヘンソンは取引完了前の1990年5月に死去し、両社は合併交渉を打ち切った。[208] [209] [210]

1989年11月17日、ディズニーは『リトル・マーメイド』を公開した。これはディズニー・ルネッサンスの始まりであり、ディズニーがこの時代に公開したアニメ映画は大成功を収め、批評家からも絶賛された。『リトル・マーメイド』は初回公開から最高の興行収入を記録したアニメ映画となり、興行収入は2億3,300万ドルに達した。また、アカデミー賞では最優秀作曲賞と「アンダー・ザ・シー」で最優秀主題歌賞の2部門を受賞した。[211] [212]ディズニー・ルネッサンスの間、作曲家のアラン・メンケンと作詞家のハワード・アッシュマンは、アッシュマンが1991年に死去するまで、いくつかのディズニーの曲を書いた。2人は一緒にアカデミー賞にノミネートされた6曲を書き、うち2曲が「アンダー・ザ・シー」と「美女と野獣」で受賞した。[213] [214]映画のサウンドトラックなどの主流の音楽を製作するため、ディズニーは1990年1月1日にレコードレーベルのハリウッド・レコードを設立した。 [215] [216] 1990年9月、ディズニーは野村證券の一部門から、ディズニーのために製作されるインタースコープ映画のために2億ドルまでの資金調達を行った。 10月23日、ディズニーはタッチウッド・パシフィック・パートナーズを設立し、同社の映画スタジオの主な資金源としてシルバー・スクリーン・パートナーシップ・シリーズに取って代わった。[194]ディズニーの最初のアニメの続編であるレスキュー隊は1990年11月16日に公開され、ディズニーとルーカスフィルムのコンピュータ部門であるピクサーが開発したデジタルソフトウェア、コンピュータアニメーションプロダクションシステム（CAPS）を使用して作成され、完全にデジタルで製作された最初の長編映画となった。[212] [217]この映画は興行収入が4,700万ドルと苦戦したが、好評を博した。[218] [219] 1991年、ディズニーとピクサーは3本の映画を共同制作する契約を結び、最初の作品は『トイ・ストーリー』であった。[220]

ダウ・ジョーンズ社は、産業平均に含まれる3社を入れ替えたいと考え、1991年5月にディズニーを加えることを選択、ディズニーは「経済における娯楽とレジャー活動の重要性を反映している」と述べた。[221]ディズニーの次のアニメ映画「美女と野獣」は1991年11月13日に公開され、約4億3000万ドルの収益を上げました。[222] [223]ゴールデングローブ賞で作品賞を受賞した初のアニメ映画となり、アカデミー賞では6部門にノミネートされ、作品賞にノミネートされた初のアニメ映画となりました。また、最優秀作曲賞、最優秀音響賞、最優秀歌曲賞を受賞しました。[224]この映画は批評家から絶賛され、一部の批評家はこれをディズニーの最高傑作とみなしています。[225] [226] 1992年の映画「マイティ・ダックス」公開に合わせて、ディズニーはナショナル・ホッケー・リーグのチーム、マイティ・ダックス・オブ・アナハイムを設立しました。[227]ディズニーの次のアニメ映画「アラジン」は1992年11月11日に公開され、5億400万ドルの収益を上げ、その時点で最高の収益を上げたアニメ映画となり、5億ドルの収益を達成した最初のアニメ映画となりました。[228] [229]この映画はアカデミー賞を2つ受賞しました。「ホール・ニュー・ワールド」で最優秀主題歌賞と最優秀作曲賞です。[230]また、「ホール・ニュー・ワールド」はグラミー賞の年間最優秀主題歌賞を受賞した最初で唯一のディズニーの曲となりました。[231] [232]ディズニーは1993年に6000万ドルで独立系映画配給会社のミラマックス・フィルムを買収し、成人向け映画のラインナップを拡大しました。 [233] [234]同年、ディズニーはザ・ネイチャー・コンサーバンシーとのベンチャーでフロリダ州のエバーグレーズ源流の8,500エーカー（3,439ヘクタール）を購入し、在来の動植物種を保護し、ディズニー荒野保護区を設立しました。[235]

スーツと眼鏡をかけた男性
ジェフリー・カッツェンバーグは1984年から1995年までウォルト・ディズニー・スタジオの会長を務めた。

1994年4月3日、フランク・ウェルズがヘリコプター墜落事故で死亡した。彼とアイズナー、カッツェンバーグは、1984年の就任以来、同社の時価総額を20億ドルから220億ドルに増やすのに貢献した。[236]同年6月15日、『ライオン・キング』が公開され大ヒットし、 『ジュラシック・パーク』に次ぐ史上2番目の興行収入を記録し、興行収入9億6900万ドルでアニメ映画史上最高の興行収入を記録した。[237] [238]批評家からも絶賛され、アカデミー賞の作曲賞と主題歌「愛を感じて」の2部門を受賞した。[239] [240]公開後まもなく、カッツェンバーグはアイズナーに社長昇格を拒否され退社した。退社後、彼は映画スタジオ、ドリームワークスSKGの共同設立者となった。[241]ウェルズはその後、 1995年8月13日にアイズナーの友人のマイケル・オヴィッツに交代した。 [242] [243] 1994年、ディズニーはABC、NBC、CBSのいずれかの米国大手テレビネットワークの買収を希望した。買収によりディズニーの番組の配給が保証されることになった。アイズナーはNBCの買収を計画していたが、ゼネラル・エレクトリックが過半数の株式を保有したかったため、この取引は中止された。 [ 244] [245] 1994年、ディズニーの年間収益は100億ドルに達し、そのうち48%が映画、34%がテーマパーク、18%が商品化によるものだった。ディズニーの総純利益は前年比25%増の11億ドルだった。[246] 3億4600万ドル以上の興行収入を記録した『ポカホンタス』は6月16日に公開され、アカデミー賞で最優秀ミュージカル・コメディ音楽賞と「カラーズ・オブ・ザ・ウィンド」で最優秀主題歌賞を受賞した。[247] [248]ピクサーとディズニーの最初の共同公開作品は、1995年11月19日に公開された史上初の完全コンピュータ生成映画『トイ・ストーリー』であり、批評家から絶賛され、エンドラン興行収入は3億6100万ドルに達した。この映画はアカデミー特別功労賞を受賞し、アニメーション映画として初めて脚本賞にノミネートされた。[249] [250]

1995年、ディズニーはテレビネットワークのキャピタル・シティーズ/ABC社を190億ドルで買収すると発表した。これは当時、米国史上2番目に大きな企業買収であった。この買収により、ディズニーは放送ネットワークのABC、スポーツネットワークのESPNとESPN 2の過半数株式の80%、ライフタイム・テレビジョンの50% 、 DICエンターテインメントの過半数株式、 A&Eテレビジョン・ネットワークの38%の少数株式を取得することとなった。[246] [251] [252]この買収後、ディズニーは1996年11月18日にABCラジオ・ネットワークで青少年向けのラジオ番組、ラジオ・ディズニーを開始した。 [253] [254]ウォルト・ディズニー・カンパニーは1996年2月22日、主にテーマパークや関連商品のプロモーションのために公式ウェブサイトdisney.comを開設した。[255] 6月19日、同社の次のアニメ映画『ノートルダムの鐘』が公開され、興行収入3億2500万ドルを記録した。[256]オヴィッツの経営スタイルはアイズナーのそれとは異なっていたため、オヴィッツは1996年に社長を解任された。[257] 1997年9月、ディズニーは契約通り13時間のマースピラミアニメ番組を制作しなかったとして、マースBV社を相手に1040万ドルの訴訟を起こし敗訴した。ディズニーは、社内の他の「注目の作品」に会社の注意を払う価値があると考えた。[258] 1996年以来、メジャーリーグベースボールのカリフォルニア・エンゼルスの株式25%を保有していたディズニーは、1998年に1億1000万ドルで同チームを買収し、アナハイム・エンゼルスに改名、1億ドルをかけてスタジアムを改修した。[259] [260] 1997年の映画『ヘラクレス』は6月13日に公開されたが、興行収入2億5200万ドルにとどまり、以前の作品に比べると振るわなかった。[261] 2月24日、ディズニーとピクサーは、ディズニーを配給会社として、5本の映画を製作する10年契約を結んだ。両社は制作費、利益、ロゴクレジットを分担し、これらの映画をディズニー＝ピクサー作品と呼ぶこととなった。[262]ディズニー・ルネッサンス期には、映画部門のタッチストーンも、 『プリティウーマン』 （1990年）などの映画で成功を収めた。『プリティウーマン』は、ロマンティック・コメディとしては米国で最多のチケット売り上げを記録し、興行収入4億3200万ドルを記録した。[263] [264] 『シスター・アクト』（1992年）は、1990年代初頭の興行的に成功したコメディ映画の一つで、興行収入2億3100万ドルを記録した。[265]アクション映画『コン・エアー』（1997年）は興行収入2億2400万ドルを記録した。[266] 1998年の最高興行収入は『アルマゲドン』で5億5300万ドルだった。[267]

（左から）ディズニー最大のテーマパークであるディズニー・アニマル・キングダム、メインシンボルである生命の樹、そして1998年7月30日に初出航したディズニー・クルーズライン初のクルーズ船「ディズニー・マジック」

ディズニーワールドでは、同社は1998年4月22日のアースデイに580エーカー（230ヘクタール）を誇る世界最大のテーマパーク、ディズニー・アニマルキングダムをオープンした。このテーマパークには6つの動物をテーマにしたエリアがあり、2,000頭以上の動物がおり、中心には生命の樹がある。 [268] [269]好評を博したディズニーの次のアニメ映画『ムーラン』とディズニー/ピクサー映画『バグズ・ライフ』は、それぞれ1998年6月5日と11月20日に公開された。[270] [271]ムーランは3億400万ドルでその年の興行収入第6位の映画となり、『バグズ・ライフ』は3億6300万ドルでその年の興行収入第5位の映画となった。[267] 6月18日、7億7000万ドルの取引で、ディズニーはインターネット検索エンジンInfoseekの株式43%を7000万ドルで取得し、Infoseekが買収したStarwaveも取得しました。[272] [273] 1999年1月にInfoseekとの合弁でウェブポータルGo.comを開始し、ディズニーは同年後半にInfoseekの残りの株式を買収しました。 [274] [275] 1994年にクルーズラインのカーニバルとロイヤルカリビアンインターナショナルとの交渉が失敗に終わった後、ディズニーは1998年に独自のクルーズラインの運営を開始することを発表しました。[276] [277]ディズニークルーズラインの最初の2隻の船はディズニーマジックとディズニーワンダーと名付けられ、イタリアのフィンカンティエリで建造されました。クルーズに合わせて、ディズニーはラインの私有島としてゴルダケイを購入し、2500万ドルを費やして改装してキャスタウェイケイと改名しました。 1998年7月30日、ディズニー・マジック号が同社の最初の航海として出航した。[278]

椅子に座っている男性
ロイ・O・ディズニーの息子、ロイ・E・ディズニーが2003年までアニメーション部門の責任者を務めていた。

ディズニー・ルネッサンスの終焉を告げる映画『ターザン』（1999年）が6月12日に公開され、興行収入4億4800万ドルと批評家の称賛を集め、フィル・コリンズの「ユール・ビー・イン・マイ・ハート」でアカデミー賞主題歌賞を受賞した。[279] [280] [281] [282]ディズニー/ピクサー映画『トイ・ストーリー2』が11月13日に公開され、称賛を集め、興行収入5億1100万ドルを獲得した。[283] [284]オヴィッツの後任として、アイズナーは2000年1月にABCネットワークの最高責任者ボブ・アイガーをディズニーの社長兼最高執行責任者に任命した。 [285] [286] 11月にディズニーはDICエンターテインメントをアンディ・ヘイワードに売却した。[287]ディズニーは2001年にモンスターズ・インクをリリースし、ピクサーでまたもや大成功を収めた。その後ディズニーは子供向けケーブルネットワークのフォックスファミリーワールドワイドを30億ドルで買収し、23億ドルの負債を引き受けた。この取引にはフォックスキッズヨーロッパの76％の株式、ラテンアメリカのチャンネルフォックスキッズ、サバンエンターテインメントの番組ライブラリからの6,500以上のエピソード、およびフォックスファミリーチャンネルが含まれていた。[288]ディズニーはくまのプーさんの権利も買った。[289] 2001年、ABCテレビネットワークの視聴者の減少と9月11日の攻撃による観光の減少により、ディズニーの事業は1億5,800万ドルの純損失を出した。2001会計年度のディズニーの利益は前年の9億2,000万ドルに対して1億2,000万ドルだった。[290] [291] 2002年のワールドシリーズ優勝後、ディズニーは2003年にアナハイム・エンゼルスを1億8000万ドルで売却した。[292] [293] 2003年、ディズニーは年間興行収入30億ドルを達成した初のスタジオとなった。[294]同年、ロイ・ディズニーは会社の経営方針に不満を抱き、アイズナーに退任を要請し、退任を発表した。同週、取締役のスタンリー・ゴールドも同じ理由で退任した。ゴールドとディズニーは「Save Disney」キャンペーンを立ち上げた。[295] [296]

金文字
ディズニーは2004年にジム・ヘンソン・カンパニーからマペットを買収した。

2004年、同社の年次総会で、株主は43%の投票でアイズナーを会長から解任した。[297] 3月4日、取締役であったジョージ・J・ミッチェルが後任に指名された。 [298] 4月に、ディズニーはジム・ヘンソン・カンパニーからマペットのフランチャイズを7500万ドルで買収し、マペット・ホールディング・カンパニーLLCを設立した。[299] [300]ディズニー/ピクサー映画『ファインディング・ニモ』（2003年）は9億3600万ドルの興行収入を記録し、アニメーション映画としては史上2位となった。また『Mr.インクレディブル』（2004年）の成功を受け、[301] [302]ピクサーは2004年にディズニーとの契約が終了すると、新たな配給会社を探した。[303]ディズニーは10月20日、赤字続きだった313店舗のディズニーストアチェーンをチルドレンズ・プレイスに売却した。 [304]ディズニーはまた、2005年にNHLチームのマイティ・ダックスを売却した。[305]ロイ・E・ディズニーはピクサーに復帰することを決意し、「名誉監督」の肩書きでコンサルタントの役割を与えられた。[306]

2005年～2020年：ボブ・アイガーの最初の任期、事業拡大、そしてディズニープラス

2005年3月、アイズナーが9月に引退した後、社長のボブ・アイガーがCEOに就任し、10月1日に正式に社長に任命された。[307] [308]ディズニーの11番目のテーマパークである香港ディズニーランドは9月12日にオープンし、建設には35億ドルが費やされた。[309] 2006年1月24日、ディズニーはスティーブ・ジョブズからピクサーを74億ドルで買収する交渉を開始し、アイガーはピクサーの最高クリエイティブ責任者（CCO）ジョン・ラセターと社長エドウィン・キャットマルをウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの責任者に任命した。[310] [311] 1週間後、ディズニーはABCスポーツの解説者アル・マイケルズをNBCユニバーサルにトレードし、オズワルド・ザ・ラッキー・ラビットとそのキャラクターが登場するアニメ26作品の権利を獲得した。[312] 2月6日、ディズニーはABCラジオネットワークと22の放送局をシタデル・ブロードキャスティングと27億ドルで合併すると発表し、これによりディズニーはテレビ放送会社シタデル・コミュニケーションズの株式の52%を取得した。[313] [314]ディズニー・チャンネルの映画『ハイスクール・ミュージカル』が放映され、そのサウンドトラックはトリプル・プラチナ認定を受け、ディズニー・チャンネルの映画として初めてトリプル・プラチナ認定を受けた。[315]

遠くを見つめるスーツを着た男性。背後には青い背景に文字が書かれている。
ボブ・アイガーは2005年にディズニーのCEOに就任し、同社の資産を拡大した。

ディズニーの2006年の実写映画「パイレーツ・オブ・カリビアン/デッドマンズ・チェスト」は、興行収入10億ドルを記録し、当時のディズニー最大のヒット作で、映画史上3番目に高い興行収入を記録した。[316] 6月28日、ディズニーはジョージ・ミッチェルの後任として、P &Gの元CEOである ジョン・E・ペッパー・ジュニアを取締役会メンバーに迎えると発表した。[298]続編の「ハイスクール・ミュージカル2」は2007年にディズニー・チャンネルで放映され、ケーブルテレビの視聴率記録をいくつか破った。[317] 2007年4月、マペッツ・ホールディング・カンパニーはディズニー・コンシューマー・プロダクツからウォルト・ディズニー・スタジオ部門に移管され、部門を再編するためマペッツ・スタジオと改名された。 [318] [319] 「パイレーツ・オブ・カリビアン/ワールド・エンド」は9億6000万ドルで2007年の最高興行収入映画となった。[320]ディズニー/ピクサー映画『レミーのおいしいレストラン』（2007年）と『ウォーリー』（2008年）は大ヒットとなり、『ウォーリー』はアカデミー長編アニメ映画賞を受賞した。[321] [322] [323]ディズニーはフォックス・ファミリー・ワールドワイドの買収を通じてジェティックス・ヨーロッパの株式の大部分を買収した後、2008年に残りの株式を3億1800万ドルで買収した。[324]

アイガーは2009年にディズニーの公式ファンクラブとしてD23を設立した。 [325] [326] 2月にディズニーはドリームワークス・ピクチャーズと契約を結び、今後5年間でタッチストーン・ピクチャーズを通してドリームワークス・ピクチャーズの映画30作品を配給し、ディズニーが興行収入の10%を得ると発表した。[327] [328] 2009年の映画「カールじいさんの空飛ぶ家」はディズニーに7億3500万ドルの興行収入をもたらし、アカデミー賞で長編アニメ映画賞を受賞した。[329] [330]その年の後半にディズニーは年長の子供向けのディズニーXDというテレビチャンネルを開始した。 [331]ディズニーは8月にマーベル・エンターテイメントとその資産を40億ドルで買収し、マーベルの漫画のキャラクターを商品ラインナップに加えた。[332] 9月にディズニーはニューズ・コーポレーションおよびNBCユニバーサルと提携し、すべての関係者がストリーミングサービスHuluの27%の株式を取得し、ディズニーはストリーミングサービスにABCファミリーとディズニーチャンネルを追加しました。[333] 12月16日、ロイ・E・ディズニーが胃がんで亡くなりました。彼はディズニーで働いたディズニー一族の最後のメンバーでした。[334] 2010年3月、ハイム・サバンはディズニーからパワーレンジャーフランチャイズを700エピソードのライブラリを含めて約1億ドルで買い戻しました。[335] [336]その後まもなく、ディズニーはミラマックスフィルムをロナルド・チューター率いる投資グループに6億6000万ドルで売却しました。[337]その間にディズニーは実写版『アリス・イン・ワンダーランド』とディズニー/ピクサー映画『トイ・ストーリー3』を公開し、どちらも10億ドルを少し超える興行収入を上げ、6作目と7作目の興行収入を記録しました。 『トイ・ストーリー3』は10億ドルを超える興行収入を記録した初のアニメーション映画となり、興行収入も過去最高を記録した。同年、ディズニーは10億ドルを超える興行収入を1年間に2本公開した初のスタジオとなった。[338] [339] 2010年、ディズニーは2007年にイメージムーバーズと提携して設立したイメージムーバーズ・デジタルを2011年までに閉鎖すると発表した。 [340]

翌年、ディズニーは最後の伝統的アニメーション映画『くまのプーさん』を劇場で公開した。[341] 『パイレーツ・オブ・カリビアン/生命の泉』の公開は10億ドル強の興行収入を上げ、8作目の興行収入を記録した。また、ディズニーの国際興行収入では過去3位となった。[342] 2011年1月、ディズニー・インタラクティブ・スタジオの規模が縮小され、200人の従業員が解雇された。[343] 4月、ディズニーは44億ドルをかけて新しいテーマパーク、上海ディズニーリゾートの建設を開始した。 [344] 8月、アイガーはピクサーとマーベルの買収が成功した後、彼とウォルト・ディズニー・カンパニーは「新しいキャラクターか、素晴らしいキャラクターと素晴らしいストーリーを生み出せる企業を買収する」計画であると述べた。[345] 2012年10月30日、ディズニーはジョージ・ルーカスからルーカスフィルムを40億5000万ドルで買収すると発表した。この契約により、ディズニーは『スター・ウォーズ』などのフランチャイズへのアクセスを獲得した。ディズニーは2～3年ごとに新作映画を制作し、最初の作品は2015年に公開されると発表していた。この契約により、ディズニーは『インディ・ジョーンズ』フランチャイズ、視覚効果スタジオのインダストリアル・ライト＆マジック、ビデオゲーム開発会社のルーカスアーツへのアクセスを獲得した。[346] [347] [348]

2012年2月、ディズニーはUTVソフトウェアコミュニケーションズの買収を完了し、インドとアジアの他の地域に市場を拡大した。[349] 3月までに、アイガーはディズニーの会長に就任した。[350]マーベル映画「アベンジャーズ」は、初回公開興行収入が13億ドルで、史上第3位の興行収入を記録した。[351]マーベル映画「アイアンマン3」は2013年に公開され、興行収入が12億ドルを超えた。 [352]同年、ディズニーのアニメ映画「アナと雪の女王」が公開され、12億ドルで史上最高の興行収入を記録したアニメ映画となった。[353] [354]この映画のマーチャンダイジングは非常に人気となり、1年以内に会社に10億ドルの利益をもたらし、映画のグッズが世界的に不足した。[355] [356] 2013年3月、アイガーはディズニーが開発中の2Dアニメーション映画はないと発表し、1か月後には手描きアニメーション部門が閉鎖され、ベテランアニメーター数名が解雇された。[341] 2014年3月24日、ディズニーはYouTube上のアクティブなマルチチャンネルネットワークであるメーカースタジオを9億5000万ドルで買収した。[357]

2015年6月、同社はコンシューマー製品部門とインタラクティブ部門を統合し、ディズニー・コンシューマー・プロダクツ・アンド・インタラクティブ・メディアという新しい子会社を設立すると発表した。[358] 8月、マーベル・スタジオはウォルト・ディズニー・スタジオ部門の傘下に入った。[359]同社の2015年のリリース作品には、興行収入8億ドルを超えるヒットアニメ映画『インサイド・ヘッド』や、興行収入14億ドルを超えるマーベル映画『アベンジャーズ/エイジ・オブ・ウルトロン』がある。[360] 『スター・ウォーズ/フォースの覚醒』は公開後、興行収入20億ドルを超え、史上3番目に高い興行収入を記録した映画となった。[361] 2016年4月4日、ディズニーは、アイガーの後任と目されていたCOOのトーマス・O・スタッグスが5月に退任し、ディズニーでの26年間のキャリアに終止符を打つと発表した。[362]上海ディズニーランドは、同社6番目のテーマパークリゾートとして、2016年6月16日にオープンしました。[363]ディズニーは、ストリーミングサービス開始に向けて、 8月にメジャーリーグベースボール（MLB）のテクノロジー企業であるバムテックの株式33%を10億ドルで取得しました。[364] 2016年には、ディズニー映画4作品が10億ドル以上の興行収入を上げました。アニメ映画『ズートピア』 、マーベル映画『シビル・ウォー／キャプテン・アメリカ』、ピクサー映画『ファインディング・ドリー』、そして『ローグ・ワン／スター・ウォーズ・ストーリー』で、ディズニーは国内興行収入が30億ドルを超えた最初のスタジオとなりました。[365] [366]ディズニーは、コンテンツや商品を販売するためにソーシャルメディアプラットフォームのTwitterの買収を試みました。しかし、買収を中止しました。アイガー氏は、ディズニーが不要な責任を負わされると考え、それが「ディズニーらしさ」を感じさせなかったためだと述べています。[367]

2017年3月23日、ディズニーはアイガーがCEO職を2019年7月まで1年間延長し、さらに3年間はコンサルタントとして留任することに同意したと発表した。[368] [369] 2017年8月8日、ディズニーはNetflixとの配信契約を終了し、2019年までに独自のストリーミングプラットフォームを立ち上げる意向を発表した。その間、ディズニーはBAMtechの株式75%を15億ドルで取得した。ディズニーは2018年までに「年間約1万の地域、国内、国際試合やイベントを生中継する」ESPNストリーミングサービスを開始する予定だった。[370] [371] 11月、CCOのジョン・ラセターは性的不正行為の疑惑と報じられた「失策」のため、6か月間欠勤すると発表した。[372]同月、ディズニーと21世紀フォックスは、ディズニーがフォックスの資産の大部分を買収する契約の交渉を開始した。[373] 2018年3月から、ディズニーは組織再編を行い、ディズニー・パークス、エクスペリエンス・アンド・プロダクツとダイレクト・トゥ・コンシューマー＆インターナショナルの事業セグメントを設立した。パークス＆コンシューマープロダクツは主にパークス＆リゾーツとコンシューマープロダクツ＆インタラクティブメディアの合併であり、ダイレクト・トゥ・コンシューマー＆インターナショナルはディズニー・インターナショナルと、ディズニーABC TVグループ、スタジオ・エンターテインメント、そしてディズニー・デジタル・ネットワークからグローバルセールス、ディストリビューション、ストリーミング部門を引き継いだ。[374]アイガーはこれを「事業の戦略的ポジショニング」と表現したが、ニューヨーク・タイムズによると、この組織再編は21世紀フォックスによる買収を見込んで行われたという。[375]

2017年、ディズニーの映画のうち2本、実写版『美女と野獣』と『スター・ウォーズ/最後のジェダイ』が10億ドル以上の収益を上げた。[376] [377]ディズニーは4月12日に定額制のスポーツストリーミングサービスESPN+を開始した。 [378] 2018年6月、ラセターが年末までに退社することが発表された。彼はそれまではコンサルタントとして残る予定だった。[379]彼の後任として、ディズニーは『アナと雪の女王』の共同監督で『シュガー・ラッシュ』（2012年）の共同脚本家であるジェニファー・リーをウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの責任者に、 1990年からピクサーに在籍し『カールじいさんの空飛ぶ家』 『モンスターズ・インク』 『インサイド・ヘッド』を監督したピート・ドクターをピクサーの責任者に昇進させた。[380] [381]コムキャストは21世紀フォックスの買収をディズニーの510億ドルの買収提案を上回る650億ドルで提案したが、ディズニーが710億ドルの買収提案を提示したため、提案を撤回した。ディズニーはフォックス買収のために米国司法省から反トラスト法の承認を得た。[382] [383]ディズニーは再び興行収入70億ドルを稼ぎ、マーベル映画『ブラックパンサー』と『アベンジャーズ/インフィニティ・ウォー』（後者は20億ドルを超え、史上5番目の興行収入となった）とピクサー映画『インクレディブル・ファミリー』の3作品がそれぞれ10億ドルを売り上げた。[ 384 ] [385]

最後にプラス記号があり、文字の上にアーチがある青い文字
ディズニーの動画ストリーミングサブスクリプションサービス「Disney+」は2019年に開始され、2022年6月時点で合計1億3,500万件を超えるサブスクリプション数を誇っています。

2019年3月20日、ディズニーはルパート・マードックから21世紀フォックスの資産を710億ドルで買収し、ディズニー史上最大の買収となった。買収後、ニューヨーク・タイムズ紙はディズニーを「世界がかつて見たことのない規模のエンターテイメントの巨人」と評した。[386]この買収により、ディズニーは20世紀フォックス、20世紀フォックステレビ、フォックス・サーチライト・ピクチャーズ、ナショナル ジオグラフィック パートナーズ、フォックス・ネットワークス・グループ、インドのテレビ局スター・インディア、ストリーミングサービスのホットスター、そしてHuluの株式30%を取得し、Huluの所有権は60%となった。フォックス・コーポレーションとその資産は、独占禁止法を理由に取引から除外された。[387] [388]ディズニーは7本の映画で興行収入が10億ドルを達成した初の映画スタジオとなった：マーベルの『キャプテン・マーベル』、実写版『アラジン』、ピクサーの『トイ・ストーリー4』 、 CGIリメイク版『ライオン・キング』 、『スター・ウォーズ/スカイウォーカーの夜明け』、そして当時史上最高の興行収入を記録した『アベンジャーズ/エンドゲーム』で28億ドル。[389] [390] 11月12日、ディズニーは米国、カナダ、オランダでDisney+ストリーミングサービスを開始した。開始時点ではディズニー、ピクサー、マーベル、スター・ウォーズ、ナショナルジオグラフィックなどのブランドから500本の映画と7,500本のテレビ番組のエピソードがあった。初日でストリーミングプラットフォームの加入者数は1,000万人を超え、2022年までには加入者数は1億3,500万人を超え、190カ国以上で視聴可能となった。[391] [392] 2020年の初めに、ディズニーはフォックスの名前を資産から削除し、20世紀スタジオとサーチライト・ピクチャーズとしてブランド名を変更しました。[393]

2020年現在：ボブ・チャペックのリーダーシップ、COVID-19パンデミック、アイガーの復帰、そして100周年

2020年2月25日のアイガー氏の辞任後、18年間同社に在籍し、ディズニー・パークス・エクスペリエンス・アンド・プロダクツの会長を務めていたボブ・チャペック氏がCEOに就任した。アイガー氏はクリエイティブ戦略を支援するため、2021年12月31日まで取締役会長として留任すると述べた。 [394] [395] 4月、アイガー氏はCOVID-19パンデミック中の会社支援のため、取締役会長として業務に復帰し、チャペック氏は取締役に任命された。[396] [397]パンデミック中、ディズニーはすべてのテーマパークを一時的に閉鎖し、いくつかの映画の公開を延期し、すべてのクルーズを停止した。[398] [399] [400]閉鎖により、ディズニーは10万人の従業員への給与支払いを停止する一方で医療給付は継続すると発表し、米国従業員に政府の給付金を申請するよう促し、会社に毎月5億ドルの節約をもたらした。アイガー氏は4700万ドルの給与を放棄し、チャペック氏は50%の減給を受け入れた。[401]

ディズニーは2020年度第2四半期に14億ドルの損失を計上し、前年同期の54億ドルから91%減の4億7500万ドルの利益となった。[402] 8月までに、同社の3分の2は大手金融機関によって所有されていた。[403] 9月、同社はパークス、エクスペリエンス、プロダクツ部門の従業員2万8000人を解雇した。そのうち67%はパートタイムだった。同部門の会長ジョシュ・ダマロは、「当初、この状況は長くは続かず、すぐに回復して通常の状態に戻ることを期待していました。7か月後、そうではなかったことがわかりました」と書いている。ディズニーは2020年度第3四半期に47億ドルの損失を出した。[404] 11月、ディズニーはさらに4000人を解雇し、従業員数は合計3万2000人になった。[405]翌月、ディズニーは映画スタジオを監督するため、アラン・バーグマンをディズニー・スタジオ・コンテンツ部門の会長に任命した。[406] COVID-19による不況のため、タッチストーン・テレビジョンは12月に操業を停止し、[407]ディズニーは2021年3月に成人向け視聴者に焦点を当てた20th Television Animationという新しい部門を立ち上げると発表し、 [408]ディズニーは2021年4月にブルースカイ・スタジオを閉鎖した。 [409]その月の後半、ディズニーとソニーは、ソニーとNetflixの契約が終了した後、ディズニーが2022年から2026年までソニーの映画にアクセスし、Disney+で放映またはストリーミングすることを許可する複数年ライセンス契約に合意した。[410]ディズニーのアニメ映画『エンカント』 （2021年）は、COVID-19の影響で興行成績は低迷したものの、パンデミック中に最もヒットした作品の一つとなり、主題歌「ブルーノについて話さないで」は米国ビルボードホット100チャートで1位を獲得した。[411] [412]

アイガー氏は12月31日に会長の任期を終え、会長を辞任すると発表した。ディズニーはカーライル・グループの執行役員で元取締役のスーザン・アーノルド氏を同社初の女性会長に迎えた。[413] 3月10日、ディズニーはロシアのウクライナ侵攻を受け、ロシアでの事業を停止した。ロシアの侵攻を理由に主要映画の公開を中止した最初のハリウッドスタジオとなり、他の映画スタジオも追随した。[414] 2022年3月、約60人の従業員が、フロリダ州の公立学区で性的指向や性自認に関する年齢不相応な授業を禁止する「フロリダ州教育における親の権利法」 （通称「ドント・セイ・ゲイ法案」）に対する同社の沈黙に抗議した。この抗議活動は「ディズニー・ドゥ・ベター・ウォークアウト」と呼ばれ、従業員はディズニー・スタジオの敷地近くで抗議活動を行い、他の従業員もソーシャルメディアを通じて懸念を表明した。従業員たちはディズニーに対し、法案を支持するフロリダ州の政治家への選挙資金提供を停止し、従業員を法案から守り、フロリダ州のウォルト・ディズニー・ワールドの建設を中止するよう求めた。チャペック氏はこれに対し、会社が沈黙を守ったのは間違いだったと述べ、「LGBTQ+コミュニティへの継続的な支援を誓う」と述べた。[415] [416]ディズニーがこの法案に反応する中、フロリダ州議会はディズニーの準政府地区であるリーディクリークを除外する法案を可決した。[417]

6月28日、ディズニーの取締役会はチャペックとの契約を3年間延長することに全会一致で同意した。[418] 8月には、ディズニー・ストリーミングの加入者数は2億2100万人に達し、Netflixの2億2000万人を上回った。[419]

2022年11月20日、チャペック氏が業績不振と他の幹部に不評な決定を受けて解任された後、アイガー氏がディズニーのCEOに就任した。[420] [421]取締役会は、アイガー氏が新たな成長のための戦略を策定し、後任の選定を支援するという任務を負って2年間CEOを務めると発表した。[422]

2022年11月、 4つの州のYouTube TV加入者グループがディズニーに対して集団反トラスト訴訟を起こし、ディズニーがESPNとHuluの両方を支配していることで、ディズニーは「自社製品の価格を上げることで市場価格をつり上げる」ことができ、YouTube TVやSling TVなどのストリーミングサービスにESPNを基本パッケージに含めることを義務付けることで、競争市場よりも多くの加入料を支払わせていると主張した。[423] [424]

2023年1月、ディズニーはマーク・パーカーがアーノルドの後任として会長に就任すると発表した。[425] 2023年2月、ディズニーは55億ドルのコスト削減を発表し、これには従業員の3%に相当する7,000人の雇用削減が含まれる。ディズニーは、エンターテインメント、ESPN、パークス・エクスペリエンス・アンド・プロダクツの3部門に再編された。[426] 2023年4月、ディズニーは2回目かつ最大規模の人員削減を実施し、ディズニー・エンターテインメント、ESPN、パークス・エクスペリエンス・アンド・プロダクツ部門に影響を与えた。この動きは、55億ドルのコスト削減計画の一環であった。[427]

ディズニーの創立100周年記念プロモーションロゴ。

2023年、ディズニーは創業100周年を記念した「100 Years of Wonder（驚異の100年）」キャンペーンを開始しました。このキャンペーンには、ウォルト・ディズニー・ピクチャーズ部門の100周年記念ロゴのアニメーションイントロ、巡回展、パークでのイベント、そして第52回スーパーボウルで放映された記念CMなどが含まれていました。[428] [429]

2023年10月、ディズニーはペン・エンターテインメントとの提携を通じてスポーツ賭博への参入を発表し、ESPN Betアプリを立ち上げました。これは、社内での議論やブランドイメージへの懸念にもかかわらず、アイガー氏が以前ギャンブルに反対していた姿勢から大きく転換したものでした。これは、従来のテレビ視聴率の低下とオンラインスポーツ賭博の収益増加という状況下で、若い視聴者層を惹きつけ、ESPNの将来を確保する可能性を秘めていたためです。[430] 2023年11月、ディズニーは「ディズニー・パークス、エクスペリエンス、プロダクツ」という長い名称を「ディズニー・エクスペリエンス」に短縮しました。[431]

2024年2月、ディズニーの長年の幹部であるデブラ・オコネル氏が、ABCニュースと地方局を含む新設ニュース部門の社長に任命されました。オコネル氏は、「グッド・モーニング・アメリカ」や「ワールド・ニュース・トゥナイト」など、ABCニュースの代表的な番組を担当します。ディズニー・エンターテインメント共同会長のダナ・ウォルデン氏とABCニュース社長のキム・ゴドウィン氏の間の仲介役を務めることになります。他のオンラインニュース部門も同様のプロセスを採用しています。[432] 2月、ウォルト・ディズニーとリライアンス・インダストリーズは、インドのテレビとストリーミングメディア資産の合併を発表しました。[433]

2024年7月、カリフォルニア州在住のライアン・ミッチェル・クレイマーは、ハクティビスト集団「ヌルバルジ」の一員を装い、同社のSlackメッセージを1テラバイト以上ハッキングし、漏洩させた。クレイマーはトロイの木馬を用いて従業員の業務アカウントと個人アカウントのログイン情報を盗み出し、同社のアカウントへのアクセスに成功した。クレイマーは、この侵入の動機は、同集団が人工知能（AI）によって生成されたアートを嫌っていたためだと主張したが、後にクレイマーが従業員から恐喝を試みたことが判明した。[434] [435]

2024年8月にアナハイムで開催されたD23ファンイベントには、全米50州と36カ国を代表するミレニアル世代が多数参加したが、 Z世代は欠席した。 [436]ディズニーの最高ブランド責任者であるアサド・アヤズ氏は、これがより広範なトレンドの兆候であるという考えに反論し、「私たちのファンダムやファン、そして世代によって参加の仕方は異なる」と述べた。[436]テーマパークの専門家は、ディズニーブランドの永続的な力の真の試金石は、Z世代がアルファ世代をディズニーのテーマパークに 連れて行くかどうかだと指摘した。[436]

2024年10月、ディズニーはジェームズ・P・ゴーマンが2025年1月にマーク・パーカーの後任として会長に就任すると発表した。また、ボブ・アイガーCEOの後任が2026年初頭に指名されることも発表した。[437]

ディズニーは2025年5月7日、ヤス島に7番目のリゾートとなるアブダビ・ディズニーランドを建設する計画を発表しました。東京ディズニーリゾートと同様に、ディズニーではなく、ミラル・グループが所有・運営します。[438] [439]

2025年9月、アメリカン・ブロードキャスティング・カンパニー（ABC）は深夜トーク番組「ジミー・キンメル・ライブ！」の制作を無期限に停止し、政治指導者やコメンテーター、[440] [441]芸能人、エンターテインメント業界の組合、[442] [443] [444]憲法学者や一般大衆から広範な反発を招き、ABCとウォルト・ディズニー・カンパニーに対するボイコットも起こった。[445] [446] 9月17日から1週間の放送停止の後、9月22日、ディズニーはキンメルの放送停止が解除されたと発表し、[447]番組は9月23日に放送を再開した。[448]放送前に、ドナルド・トランプ大統領は自身のTruth Socialプラットフォームで「これでABCを試すことになると思う。どうなるか見てみよう」と書いた。アメリカ国境なき教師連盟の株主を代表する弁護士ロバータ・カプラン氏は、大手メディア企業は「違憲の脅迫や恐喝に屈してはならない」とし、取締役会が「不適切な政治的配慮や提携関係の考慮」を優先することで受託者義務に違反したと「疑うに足る確かな根拠」があると述べた。[449]

2025年12月11日、ディズニーはOpenAIの株式を10億ドルで取得することに合意しました。同時に、両社はディズニーのユーザーがOpenAIのSoroビデオプラットフォームとライセンスキャラクターを使用してビデオを制作できるようにする3年間の契約も締結しました。[450]

会社単位

ウォルト・ディズニー・カンパニーは、主に 3 つの事業セグメントを運営しています。

リーダーシップ

柱の一部が白雪姫の七人の小人の像で支えられている建物
チームディズニー - ウォルトディズニースタジオのメインビルであるマイケル・D・アイズナービルには、ディズニーの CEO と他の上級役員数名のオフィスが入っています。

現在

取締役会[451]
幹部[451]

過去のリーダーシップ

受賞とノミネート

2022年現在、ウォルト・ディズニー・カンパニーは135のアカデミー賞を受賞しており、そのうち32はウォルトが受賞しています。同社はアカデミー賞で短編アニメーション賞を16回、主題歌賞を16回、長編アニメーション賞を15回、作曲賞を11回、長編ドキュメンタリー賞を5回、視覚効果賞を5回受賞しており、その他にも特別賞を多数受賞しています。[453]ディズニーはまた、 2022年現在、ゴールデングローブ賞を29回、英国映画テレビ芸術アカデミー（BAFTA）賞を51回、グラミー賞を36回受賞しています。 [454] [455] [456] [d]

遺産

ウォルト・ディズニー・カンパニーは世界最大のエンターテイメント企業の一つで、アニメーション産業の先駆者とみなされており、790本の長編映画を制作し、そのうち122本はアニメーション映画です。[475] [476]ピノキオ、トイ・ストーリー、バンビ、レミーのおいしいレストラン、白雪姫、メリー・ポピンズなど、その映画の多くは史上最高傑作と考えられています。[477] [478] [479]ディズニーはまた、ミッキーマウス、ウッディ、キャプテン・アメリカ（MCU）、ジャック・スパロウ、アイアンマン（MCU）、エルサなど、史上最も影響力があり記憶に残るキャラクターのいくつかを生み出しました。[23] [480] [481]

ディズニーはアニメーション業界に革命をもたらしたことで知られている。デン・オブ・ギークによると、最初の長編アニメーション映画『白雪姫と七人の小人』を制作する際のリスクは「映画を変えた」という。[482]同社は主にウォルトを通して、アニメーション制作のための新しい技術やより高度な技法を導入し、キャラクターに個性を与えてきた。[483] [138]ディズニーのアニメーションにおける技術革新には、マルチプレーンカメラ、ゼログラフィー、CAPS、ディープキャンバス、レンダーマンの発明などがある。[217]同社の映画の多くの楽曲は非常に人気を博し、いくつかはビルボードの ホット100で1位を獲得した。[484]シリー・シンフォニーシリーズのいくつかの楽曲は全米で絶大な人気を博した。[32]

ディズニーは、2023年のフォーチュン500社リストにおける米国企業総収入ランキングで48位、2022年のフォーチュン誌「世界で最も尊敬される企業」で4位にランクインした。 [1] [485]スミソニアン誌によると、「ディズニーのテーマパーク以上に強力な純粋なアメリカ文化の象徴はほとんどない」とのこと。ディズニーのテーマパークは「確立された文化的アイコン」であり、社名とミッキーマウスは「誰もが知っている名前」となっている。[486]ディズニーはテーマパーク業界最大の競合企業の1つで、12のパークを所有し、2018年にはそのすべてが最も来場者数の多いテーマパークのトップ25にランクインした。世界中のディズニーのテーマパークには1億5,700万人以上が来場し、世界で最も来場者数の多いテーマパーク会社となり、2位の会社の入場者数を2倍にした。 1億5700万人の来場者のうち、マジックキングダムには2080万人が訪れ、世界で最も来場者数の多いテーマパークとなった。[487] [488]ディズニーが初めてテーマパーク業界に参入した際、CNNは「すでに伝説的な企業を変え、テーマパーク業界全体を変えた」と述べた。[489]オレンジカウンティレジスター紙によると、ウォルトディズニーワールドは「テーマパークが企業をライフスタイルブランドに変えることにどのように役立つかを示すことで、エンターテイメントを変えた」という。[490]

批判と論争

ウォルト・ディズニー・カンパニーは、過去に性差別的・人種差別的とされるコンテンツを制作したこと、映画にLGBT+の要素を取り入れたこと、LGBT+の表現が不十分であることなどで批判されてきた。[491] [492 ]盗作疑惑、[493]劣悪な賃金・労働条件、[494]動物の劣悪な扱いをめぐって論争が巻き起こっている。 [495]ディズニーはまた、人権侵害が行われている新疆ウイグル自治区での撮影についても批判されてきた。[496]

人種差別

ディズニーの映画には人種差別的であるとされるものがいくつかある。同社の最も物議を醸した映画の一つである『南部の唄』は、人種的ステレオタイプを描いていると批判された。そのため、この映画は米国やDisney+ではビデオとしてリリースされなかった。[497]人種差別的だと言われている他のキャラクターとしては、『ファンタジア』で白人のセントーレットに仕える黒人のセントーレットのサンフラワー、 『わんわん物語』のシャム猫（アジア人として誇張されすぎていると考えられている）、 『ピーター・パン』のネイティブ・アメリカンのステレオタイプ、『ダンボ』のカラス（ジャイブ・トークを使うアフリカ系アメリカ人として描かれ、そのリーダーの名前はジム・クロウで、米国の人種差別法を参照していると考えられている）などがある。[498] [499] Disney+で視聴中に不当な人種差別的ステレオタイプが含まれていると考えられる映画がある場合、ディズニーは論争を避けるために映画が始まる前に免責事項を追加した。[500]

盗作

ディズニーはまた、自社映画の中で既存の作品を盗作したとして何度も非難されている。最も顕著な例としては、『ライオン・キング』の登場人物や出来事には、アニメーター手塚治虫のアニメシリーズ『ジャングル大帝』との類似点が多い。[501] 『アトランティス 失われた帝国』もアニメ番組『ふしぎの海のナディア』との類似点が多く、あまりにも類似点が多すぎると思われたため、後者の制作者であるガイナックスはディズニーを訴えようとしたが、番組を放送しているNHKに止められた。[502]短編映画『スノーマン』（2014年）の制作者であるケリー・ウィルソンは、ディズニーのアニメ映画『アナと雪の女王』における著作権侵害でディズニーを相手取って2件の訴訟を起こした。1件は最初の訴訟が取り下げられた後に起こった。後にディズニーはウィルソンと和解し、『アナと雪の女王』の続編を制作することができた。[503]脚本家のゲイリー・L・ゴールドマンは、ディズニーの映画『ズートピア』をめぐって訴訟を起こし、以前、全く同じタイトルのストーリーを会社に提案していたと主張した。裁判官は、盗作を証明する十分な証拠がないとして訴訟を棄却した。[504]ディズニー自身もウォルト・ディズニーが創造したキャラクターを非常に保護しており、すべてのライセンシーに対し、製品やパッケージに「© Disney」マークを表示することを義務付けている。

2025年12月10日、ディズニーはGoogleに著作権侵害の差し止め命令書を送り、GoogleのAIモデルが「アナと雪の女王」、「デッドプール」、「スターウォーズ」などのディズニーの象徴的な番組のキャラクターに似たキャラクターを生成していると主張した。[505]

LGBT+の表現

ディズニーは、映画にLGBT+の要素を取り入れていることと、メディアにおけるLGBT+の表現が不十分であることの両方で批判されている。実写映画『美女と野獣』では、ビル・コンドン監督がル・フウをゲイのキャラクターとして描くと発表したため、クウェート、マレーシア、アラバマ州の映画館で映画が禁止され、ロシアではより厳しい評価が下された。 [506]ロシアといくつかの中東諸国では、ピクサー映画『2分の1の魔法』がディズニー初のレズビアンであることを公表したキャラクター、スペクター警官を登場させたために禁止され、一方でディズニーはメディアでLGBT+の人々をもっと表現する必要があると言う人もいた。[507] [508]レズビアン2人がキスするシーンがあるため、ピクサーの『ライトイヤー』はイスラム教徒が多数を占める13カ国で禁止された。[509] [510]ディズニーの会議の流出したビデオでは、参加者が同社のメディアでLGBT+のテーマを推進することについて話し合っており、同社が「子供を性的に扱おうとしている」と一部の人々を怒らせた一方で、その行動を称賛する人もいた。[511]

性差別

ディズニープリンセス映画の中には、女性に対して性差別的であるとされるものもある。白雪姫は自分の容姿を気にしすぎているとされ、シンデレラは才能がないとされている。オーロラ姫も、常に助けを待っているため、弱いとされている。プリンセス映画の中には、男性のセリフが多く、女性よりも男性のキャラクターの方が多く登場する。ディズニーの最近の映画は、初期の作品よりも性差別的ではないとされている。[512]

労働条件

ディズニーは劣悪な労働条件を非難されてきた。2022年にディズニーランドで行われた2,000人の従業員による抗議活動では、時給平均13ドルという低賃金を訴え、中には家から追い出されたという者もいた[513] 。 2010年には、ディズニー製品を製造していた中国の工場で、労働者の労働時間が法律で定められた時間の3倍に達し、そのうち1人が自殺した[514] 。

動物虐待

1990年、ディズニーは、ディスカバリー・アイランドでハゲワシを殴り殺したり、鳥を撃ったり、一部の鳥を餓死させたりしたとして、 16件の動物虐待容疑で訴訟を回避するため、9万5000ドルを支払った。同社がこれらの措置を取ったのは、鳥が他の動物を襲い、餌を奪っていたためである。[515]アニマルキングダムが開園した当初、数匹の動物が死亡したため、動物虐待への懸念が高まった。動物愛護団体は抗議したが、米国農務省は動物福祉規制違反を認めなかった。[516]

財務データ

収益

1991年以降のウォルト・ディズニー・カンパニーの年間総収益（百万米ドル）
年 スタジオエンターテインメント[e] ディズニー・コンシューマー・プロダクツ[f] ディズニー・インタラクティブ・メディア[g] [517] [518] ディズニー・メディア・ネットワークス[h] パークス＆リゾート[i] 合計 ソース
1991 2,593.0 724     2,794.0 6,111 [519]
1992 3,115 1,081     3,306 7,502 [519]
1993 3,673.4 1,415.1     3,440.7 8,529 [519]
1994 4,793 1,798.2   359 3,463.6 10,414 [520] [521] [522]
1995 6,001.5 2,150   414 3,959.8 12,525 [520] [521] [522]
1996 10,095 [女]   4,142 [j] 4,502 18,739 [521] [523]
1997 6,981 3,782 174 6,522 5,014 22,473 [524]
1998 6,849 3,193 260 7,142 5,532 22,976 [524]
1999 6,548 3,030 206 7,512 6,106 23,435 [524]
2000 5,994 2,602 368 9,615 6,803 25,402 [525]
2001 7,004 2,590   9,569 6,009 25,790 [526]
2002 6,465 2,440   9,733 6,691 25,360 [526]
2003 7,364 2,344   10,941 6,412 27,061 [527]
2004 8,713 2,511   11,778 7,750 30,752 [527]
2005 7,587 2,127   13,207 9,023 31,944 [528]
2006 7,529 2,193   14,368 9,925 34,285 [528]
2007 7,491 2,347   15,046 10,626 35,510 [529]
2008 7,348 2,415 719 15,857 11,504 37,843 [530]
2009 6,136 2,425 712 16,209 10,667 36,149 [531]
2010 6,701 [k] 2,678 [k] 761 17,162 10,761 38,063 [532]
2011 6,351 3,049 982 18,714 11,797 40,893 [533]
2012 5,825 3,252 845 19,436 12,920 42,278 [534]
2013 5,979 3,555 1,064 20,356 14,087 45,041 [535]
2014 7,278 3,985 1,299 21,152 15,099 48,813 [536]
2015 7,366 4,499 1,174 23,264 16,162 52,465 [537]
2016 9,441 5,528 23,689 16,974 55,632 [538]
2017 8,379 4,833 23,510 18,415 55,137 [539]
2018 10,065 3,414 21,922 24,701 59,434 [540]
2019 11,127 9,349 24,827 26,225 69,570 [541]
2020 9,636 16,967 28,393 16,502 65,388 [542]
2021 50,866 16,552 67,418 [543]
2022 55,040 28,705 83,745 [544]
2023 40,635 17,111 32,549 88,898 [545]
2024 41,186 17,619 34,151 91,361 [546]
2025 42,466 17,672 36,156 94,425 [547]

営業利益

ウォルト・ディズニー・カンパニーの年間営業利益（百万米ドル）
年 スタジオエンターテインメント[e] ディズニー・コンシューマー・プロダクツ[f] ディズニー・インタラクティブ・メディア[517] 公園とリゾート[i] ディズニー・メディア・ネットワークス[h] 合計 ソース
1991 318 229   546   1,094 [519]
1992 508 283   644   1,435 [519]
1993 622 355   746   1,724 [519]
1994 779 425   684 77 1,965 [520] [521]
1995 998 510   860 76 2,445 [520] [521]
1996 1,596 [女] −300 [l] 990 747 3,033 [521]
1997 1,079 893 −56 1,136 1,699 4,312 [524]
1998 769 801 −94 1,288 1,746 4,079 [524]
1999 116 607 −93 1,446 1,611 3,231 [524]
2000 110 455 −402 1,620 2,298 4,081 [525]
2001 260 401   1,586 1,758 4,214 [526]
2002 273 394   1,169 986 2,826 [526]
2003 620 384   957 1,213 3,174 [527]
2004 662 534   1,123 2 169 4,488 [527]
2005 207 543   1,178 3,209 5,137 [528]
2006 729 618   1,534 3,610 6,491 [528]
2007 1,201 631   1,710 4,285 7,827 [529]
2008 1,086 778 −258 1,897 4,942 8,445 [530]
2009 175 609 −295 1,418 4,765 6,672 [531]
2010 693 677 −234 1,318 5,132 7,586 [532]
2011 618 816 −308 1,553 6,146 8,825 [533]
2012 722 937 −216 1,902 6,619 9,964 [534]
2013 661 1,112 −87 2,220 6,818 10,724 [535]
2014 1,549 1,356 116 2,663 7,321 13,005 [536]
2015 1,973 1,752 132 3,031 7,793 14,681 [537]
2016 2,703 1,965 3,298 7,755 15,721 [538]
2017 2,355 1,744 3,774 6,902 14,775 [539]
2018 2,980 1,632 4,469 6,625 15,706 [548]
ウォルト・ディズニー・カンパニーの年間営業利益（再セグメント化）（百万米ドル）
年 スタジオエンターテイメント 消費者直販と国際 公園、体験、商品 ディズニー・メディア・ネットワークス 合計 ソース
2018 3,004 −738 6,095 7,338 15,689 [540]
2019 2,686 −1,814 6,758 7,479 14,868 [541]
2020 2,501 −2,806 −81 9,022 8,108 [542]
ウォルト・ディズニー・カンパニーの年間営業利益（再セグメント化）（百万米ドル）
年 メディアおよびエンターテインメント配信 公園、体験、商品 合計 ソース
2021 7,295 471 7,766 [543]
2022 4,216 7,905 12,121 [544]
ウォルト・ディズニー・カンパニーの年間営業利益（再セグメント化）（百万米ドル）
年 エンターテインメント スポーツ 体験談 合計 ソース
2023 1,444 2,465 8,954 12,863 [545]
2024 3,923 2,406 9,272 15,601 [546]
2025 4,674 2,882 9,995 17,551 [547]

参照

注記

  1. ^ ロゴのワードマークは1956年から使用されており、当初は二次的な目的で使用されていましたが、1971年に主要なワードマークになりました。
  2. ^ 正式な肩書は共同副会長。
  3. ^ 彼の正式な肩書きは企業運営責任者であった。
  4. ^ グラミー賞の参考文献一覧: [457] [458] [459] [460] [461] [462] [463] [464] [465] [466] [467] [468] [469] [470] [471] [472] [473] [474]
  5. ^ ab 映画および映画エンターテインメントとも呼ばれる。
  6. ^ abcd 1996年にクリエイティブ コンテンツに合併、2016年にコンシューマー プロダクツ アンド インタラクティブ メディアに合併、2018年にパークス アンド リゾーツと合併、同じく2018年にダイレクト ツー コンシューマー アンド インターナショナルに合併。
  7. ^ 2018 年に Direct-to-Consumer & Internationalに合併されました。
  8. ^ ab 1994年から1996年まで放送。
  9. ^ ab ウォルト・ディズニー・アトラクションズ（1989–2000）、ウォルト・ディズニー・パークス・アンド・リゾーツ（2000–2005）、ディズニー・デスティネーションズ（2005–2008）、ウォルト・ディズニー・パークス・アンド・リゾーツ・ワールドワイド（2008–2018）、ウォルト・ディズニー・パークス、エクスペリエンス・アンド・コンシューマー・プロダクツ（2018–2022）、ディズニー・エクスペリエンス（2023年以降）と呼ばれています。
  10. ^ Capital Cities/ABC Inc.の買収後
  11. ^ ab マーベル・エンターテインメントとの最初の1年は業績の一部
  12. ^ WDIGとは関係ありませんが、ディズニーは不動産に関する財務修正により3億ドルの損失を報告しました。

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さらに読む

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  • アイズナー、マイケル（2011年）『進行中の仕事：失敗のリスクを負い、成功を生き抜く』ディズニー・パブリッシング・ワールドワイド、ISBN 978-0-7868-7091-2。
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  • アイガー、ロバート（2019年）『生涯最高の旅：ウォルト・ディズニー・カンパニーCEOとしての15年間から学んだ教訓』ランダムハウス出版グループ、ISBN 978-0-399-59210-2。
  • ドン・アイワークス（2019）。ウォルト・ディズニーの究極の発明家: ウブ・アイワークスの天才。 Leonard Maltin からの寄稿。ディズニー版。ISBN 978-1-4847-4337-9。
  • ジョンソン、ミンディ、ディズニー、ウォルト（2017年）。『インク＆ペイント：ウォルト・ディズニーのアニメーションを支える女性たち』。ジューン・フォーレイとウォルト・ディズニー・プロダクションズによる寄稿。ディズニー・エディションズ。ISBN 978-1-4847-2781-2。
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  • シェール、リチャード（1982年）『ドナルドダック参戦：第二次世界大戦中のウォルト・ディズニー・スタジオ』ミシガン大学出版局、ISBN 978-0-8357-1310-8。
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  • テイラー、ジョン（1998年）『魔法の王国を襲撃せよ：ウォール街、レイダース、そしてディズニーをめぐる戦い』バランタイン・ブックス、ISBN 978-0-345-35407-5。
  • トーマス、ボブ（1998年）『会社を創る：ロイ・O・ディズニーとエンターテイメント帝国の創造』ディズニー・エディションズ、ISBN 978-0-7868-6200-9。
  • ボブ・トーマス（2017年）『ウォルト・ディズニー：アメリカン・オリジナル』ディズニー・ブックス・グループ、ISBN 978-1-368-02718-2。
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