ネイティブアメリカンのファッション

ネイティブアメリカンファッションとは、アメリカ合衆国のネイティブアメリカンによる、ハイファッションな衣服やファッションアクセサリーのデザインと創作です。これは、アメリカ大陸の先住民ファッションという、より大きなムーブメントの一部です。

先住民デザイナーは、着用可能なアート作品にモチーフや慣習的な素材を頻繁に取り入れ、オートクチュールや国際的なファッション市場向けのアイテム制作の基盤を提供しています。彼らのデザインは、ビーズ細工、羽根細工、皮革、織物、撚糸、タフティングといったテキスタイルアートといった技法から生まれることもあります。しかし、先住民文化に関連する素材を一切使用しないデザイナーもいます。

アメリカ合衆国では、1990年のインディアン芸術工芸法に基づき、ネイティブアメリカンのデザイナーとしての資格を得るには、連邦政府公認部族、州公認部族に登録されているか、部族評議会によって指定部族職人として認定されている必要がある。[1]

1940年代から1950年代にかけて、ネイティブアメリカンのデザイナーたちが初めて現代ファッション業界に進出した際、多くのデザイナーが汎インディアン主義的なアプローチを採用しました。先住民文化の一部として容易に認識できるモチーフや図像を選択することで、彼らは受け入れられ、主流のバイヤーの間でシェアを獲得することができました。しかし、ハイファッションにおけるネイティブアメリカンデザイナーの活躍の場が拡大するにつれ、個々のデザイナーは汎インディアン主義から離れ、特定の部族の伝統に基づくか否かに関わらず、個々のアイデンティティを表現するようになりました。多くのデザイナーが先住民のテーマを作品に取り入れ、また特定の衣服をネックライン、袖丈、裾の長さなどの特徴を変えることで、現代的な美学に合わせてアップデートしたデザイナーもいます。

非先住民デザイナーによる文化遺産の不正流用や不適切な使用をめぐって、論争が巻き起こっています。先住民ではない主流派デザイナーがイメージを敬意を持って使用することは、先住民文化への理解を深めるのに役立ちますが、デザインの盗用や不適切な使用は、否定的なステレオタイプを助長し、論争を巻き起こします。同様に、職人技の工芸品を活用することで、デザイナーが正当な報酬を受け、その貢献が認められれば、認知度を高めることができます。こうした近年の論争は、先住民デザイナーのデザインと文化遺産を保護するためのクラウドソーシングと立法の両方の取り組みを促しています。

歴史

ネイティブアメリカンの歴史的な衣服は、20世紀以前の衣服を中心に、主要な博物館の学芸員によって収集・展示されてきました。しかし、これらのコレクションの多くは、同化政策や仕立ての訓練、工業的に生産された織物へのアクセスによってもたらされた、先住民の衣服傾向の変化を考慮していませんでした。[2]しかし、先住民に焦点を当てた博物館では、現代のネイティブアメリカンのファッションの展覧会を開催してきました。例えば、ニューヨーク市の国立アメリカインディアン博物館で2017年に開催された「ネイティブファッションナウ」展では、プロジェクト・ランウェイのファイナリスト、パトリシア・マイケルズが特集されました。[3]また、サンタフェのインディアン芸術文化博物館では、早くも2007年にネイティブクチュールとアメリカインディアン芸術研究所創設者のロイド・キバ・ニューに関する展覧会を開催しています。[4]

先住民は常に衣服を生産してきましたが、20世紀までは、彼らが作る衣服は個人用、家族用、あるいは儀式用のものが多かったのです。[5]しかし、19世紀から20世紀初頭にかけての強制同化政策は、宗教的慣習、言語、その他の伝統的慣習を含む、先住民文化の根絶に重点を置きました。 [6]その後、1934年のインディアン再編成法などの政策によって、先住民の教育戦略が変更され、伝統的な衣服の創作を含む、彼らの文化との再融合が奨励されるようになりました。[7]

1942年、アメリカの人類学者 フレデリック・H・ダグラスは、 1830年から1950年の間にネイティブアメリカンが作った衣服を展示するファッションショーを開催し、ネイティブアメリカンのファッションの美しさを強調しようとした。[8]同じ10年間で、シカゴ美術館大学を卒業したチェロキー族のロイド・キバ・ニューは、手織りや手染めの生地と革工芸品を使って、彼がデザインした衣類やアクセサリーのラインを携えて、ヨーロッパや米国中をツアーし始めた。1945年、ニューはダグラスの資金援助を受けてアリゾナ州スコッツデールにスタジオを開設し、 [9]当初はベルト、帽子、財布を主に製作した。ナバホ族のメディスンバッグの影響を受け、手作業で金属を装飾した財布が彼の得意分野となった。[10]人件費を削減する必要性を認識し、彼は機械作業と手工芸を組み合わせ、高級市場に向けたデザインを調整しながら生産需要の増加に対応するための見習い制度を導入しました。 [11]

ハーパーズ バザーやニューヨーカーなどの全国誌で取り上げられ、ニューはエリザベス アーデン サロンとニーマン マーカスでバッグを販売し始めました。[12]上質な素材を使ったクラシックなカットとシンプルなデザインに重点を置いた衣料品への進出を始めたニューは、チェロキーの織物、ビーズ細工、銀細工を女性用のコートやドレス、紳士用スーツのラインに取り入れ、[13]第二次世界大戦後に出現した高級衣料品市場を活用しました。[14]「サウスウェスタン シック」は 1950 年代初頭に全国的なトレンドになりました。[15] 1951 年、ニューはアトランティック シティ国際ファッション ショーに参加した唯一のネイティブ アメリカン デザイナーであり、全国的な認知を獲得しました。[16]彼はアーティストと相談するようになり、ピマ族のかご編みのデザイン、ホピ族の陶器の模様、ナバホ族やズニ族のイエイの要素など、さまざまな部族の美学からインスピレーションを得たネイティブ モチーフをシルクスクリーンの生地に取り入れるようになりました。彼に続くデザイナーたちと同様に、彼の神聖なシンボルと図像は世俗化されるように改変された。[17]

他の先住民アーティストがファッションデザインに参入するよう奨励し、失われるのではないかと懸念していた文化的伝統を保護するため、[18]ニューは1959年に教育に目を向け、南西インディアン芸術プロジェクトとして知られる夏のデザインプロジェクトを後援した。この実験的なプロジェクトは最終的に、1962年にニューと他のアーティストによるアメリカインディアン芸術研究所（IAIA）の設立につながった。 [19]学校の目的は、学生の先住民の遺産への誇りを育み、経済的機会を向上させるように設計されたスキルの開発を特徴とする教育を提供することであった。[20]ニューは染色技術に焦点を当てたプリント織物のコースを教え、アザリア・ソープ（スコットランド人）は織物を教えた。[21] ジョセフィン・マイヤーズ・ワップ（コマンチ族）は学生に衣服やアクセサリーの製作に使用される伝統的な技術を教えるために雇われ、部族の伝統に対する美的鑑賞の基礎を築いた。[22]彼女は生徒たちに、羽毛、革、貝殻といった伝統的な素材や、ビーズ細工、リボン細工、織物といった技法を用いて衣服を製作する方法を教えました。[23] 1965年までに、IAIAは地元のファッションショーを開催するようになりました。3年後には、生徒たちはアリゾナ、ニューメキシコ、テキサス、ニューヨークなど他の会場でも作品を発表するようになりました。[24] 10年後には、同校のテキスタイルデザインプログラムは国際的な評価を得ていました。[25]

1970年代、インディアン運動や自然運動のさなか、ジュエル・ギルハム（ブラックフット族）やレモニア・ヤコブセン（オトー/アイオワ族）などのネイティブアメリカンのデザイナーたちが名を馳せ始めました。 [26]ギルハムは働く女性をターゲットに、ポリエステル生地に幾何学模様やネイティブモチーフを描いたフェルトの差し込み生地を使ったパンツスーツやロングドレスをデザインしました。[26] [27] [28]ヤコブセンの作品はゆったりとしたドレスで、オトーやアイオワスタイルの刺繍リボン、セミノール族の伝統を描いたアップリケ、キオワ族のデザインを模したバックスキンのレギンス、プエブロ族やスー族の装飾的なシルエットの影響などが見られます。[29]アメリカインディアンや公民権運動に刺激を受けたカウンターカルチャーの消費者は、ギルハムやヤコブセンの作品に魅力を感じました。さらに、彼らのファッションは、自己表現を通じて政治的権力を求めるインド全土の団結を促した。 [30]

1975年から1990年

1975年にジョセフィン・ワップが引退すると、サンディ・ファイフ・ウィルソン（マスコギー）が彼女の伝統技法講座の指導を引き継ぎ、現在のファッショントレンドを取り入れた「伝統的および現代的なファッションデザイン」を開講した。[31] [32]ファイフの生徒たちはフルムーン・ファッションズ・グループを結成し、非ネイティブの女性を製品の見込み客としてターゲットにし始めた。[33] 1982年、ウェンディ・ポンカ（オセージ）[34]がIAIAのファッションデザイン講座を引き継いだとき、彼女は他の公認大学のカリキュラムに合わせて講座名をファイバーアートに改め、3つのレベルの指導を提供した。 [35]彼女はウェーブス・オブ・ジ・アース・ファッション・グループを設立し、生徒たちにIAIAのファッションショーへの参加を義務付け、作品を披露し、どのように売り出すかを学ぶ機会を与えた。 [36] ポンカは、デザイナーが作品に伝統的な影響や媒体を取り入れるかどうかを決定できるようにすることで、ネイティブアメリカンのファッションの方向性を変えた。 [35 ] [37]彼女は衣服デザイン、構造的完全性、色彩理論を教えましたが、生徒たちがそれをどのように活用するかは自由に解釈させました。[38]ポンカのアプローチは、デザインを先住民のアイデンティティのステレオタイプ的な定義に当てはめようとする要求を無視することでした。その代わりに、彼女は創造性[39]と革新性を奨励しました。例えば、宇宙時代の素材であるマイラーを用いて、オセージ族と空とのつながりを反映したデザインを生み出しました。[40]

サンタフェ・インディアン・マーケットのファッションショーは、ファッション専門家のジェリ・アーベヒル（キオワ）が20年近く主催しており、すぐに学生の作品を発表する新たな場となり、[41] [39]ギャラリーではなくデザインを展示する場として身体を利用した。[39] 当初ネイティブ・インフラックスと呼ばれていたネイティブ・アップライジングは、IAIA卒業生の先住民アーティスト、デザイナー、モデルの共同団体として1980年代に設立され、現代的なネイティブ・ファッションデザイン運動を築き、メンバーがファッションショーで利益を上げることを明確な目的としていた。[42]ニューが顧問、ポンカがコーディネーターを務めたグループには、舞台監督を務めたマーカス・アマーマン（チョクトー） [ 43 ]や、ファッションデザインとクリエイティブライティングを専攻

1981年、アリゾナ州のマーガレット・ウッド（ナバホ族/セミノール族）は、キルトだけでなくファッションデザインでも知られ、[45] [46] Native American Fashion: Modern Adaptations of Traditional Designsを出版した。[47]この本は、現代のネイティブアメリカンのファッションを扱った最初の本であり、このテーマを深く扱った唯一の本である。[48]また1980年代には、ルーアン・ベルコート（チッペワ・クリー族）やマートル・レイニング・バード（チッペワ・クリー族）などの先住民デザイナーが、彼女らの会社Sitting Eaglesを経営し、居留地で高級バイヤーにオーダーメイドの衣服を販売していた。[49]ジャネット・フェラーラ（イスレタ・プエブロ）は、綿、ウール、ベルベットを使ったコートやベストで知られるデザインスタジオを開設し、アルディナ・ムーア（クアポー族／オーセージ族）は1983年にオクラホマ州でバッファロー・サンを設立した。[50] ジェラルディン・シャーマン（ラコタ族）は、ネイティブアメリカンの図像をモチーフにした衣服を制作するために、非ネイティブのマーケターで人類学者のヘレン・ハーガンのためにデザインした。ハーガンは、それらの衣服の精神的・象徴的な意味を強調しながらマーケティングを行った。[50] [51]

2014 年サンタフェ インディアン マーケットでのジェリ・アーベヒル。ダンス衣装と実験的なファッションの違いを実演しています。

医療従事者でありファッションデザイナーでもあるマージョリー・ベア・ドント・ウォーク（チペワ・サリッシュ）は、働く女性向けの高級クチュールをデザインし、アップリケ技法を用いた自身のファッションをカンファレンスで発表しました。彼女は通信販売事業を営み、顧客が好みの素材を提供し、それをデザインに取り入れていました。[52] 1984年、セリーナ・カーリー（アパッチ・ナバホ）は、自身の伝統を守ることを目的としたデザイン会社「Traditions by Selina」を設立しました。彼女の典型的なデザインは、足首までの長さのフルスカートと長袖が特徴のアパッチ族のキャンプドレスをベースにしています。[53] [54]

ニューメキシコ州サンタフェにあるアメリカインディアンのホイールライト博物館は、1986年に「トーキング・スレッド：現代ネイティブアメリカンファッション」を開催しました。この展示会では、ジョイス・ベゲイ・フォス（ナバホ族）、ロレッタ・ター・マーティン（アパッチ族、ポンカ族）、ミシェル・ツォシエ・ナランホ（サンタクララ・ナバホ族、ラグナ・プエブロ・ミッション族）などのデザインが取り上げられました。[55]その翌年、オクラホマシティでレッド・アース・フェスティバルが設立され、ネイティブではないデザイナーのマイケル・コースやフィリス・ファイフ（マスコギー族）の作品が展示され、ネイティブの衣服が主流ファッションの一部であることを示しました。ファイフは、レッド・アース・ファッション・ドラムスとして知られるネイティブデザイナーのグループの一員で、レッド・アース・フェスティバルのファッションショーを毎年恒例のイベントにし、ネイティブの衣服は儀式用の衣装としてだけでなく、毎日着られるものであることを示し[56]同じく1987年、パッタ・ヨースト（チョクトー族）は、ダンシング・ラビットというレーベルでパッタLT社を設立し、南東部ウッドランドの部族の伝統をデザイン要素として取り入れた現代的なハイファッション衣料を制作しました。チェロキー族のティアドレスやセミノール族のパッチワークベストなどがあり、平原部族風のビーズ細工などが取り入れられています。また、革新的なブラジャーやランジェリー、ほうきの柄のスカートなども彼女のラインに含まれていました。[57]

1990年のインディアン美術工芸法は、米国議会で可決された。この法律は、芸術家がネイティブアメリカンとして作品を販売するには、州または連邦公認の部族に登録されているか、部族評議会によってメンバーとして認定され、所属部族を開示しなければならないと規定した。[58]この法律は、先住民市場から利益を得ようとする非ネイティブによるネイティブアメリカンのデザインの不正流用を抑制することを目的としていた。先住民アメリカ人にとって、頭飾りなどのシンボルは儀式的かつ神聖な性質を持っている。2014年のネクスト・トップ・モデルが非ネイティブモデルに頭飾りを使用したことや、ダラスで行われたシャネルのメティエダールショーで使用したなど、こうした物の不適切な使用は頻繁に発生していた。この法律では部族のメンバーとして所属していない者が商品を販売することは違法とされていたが、デザインやシンボル、名前が盗用された場合はほとんど何もできなかった。部族とその文化全体を保護するために制定されたこの法律は、個人には適用されず、結果としてファッションデザイナーの作品は保護されません。部族の伝統の一部として、様々な部族のシンボルは通常商標登録されていませんが、「ナバホ」という名称は例外で、1943年に法的に商標登録されました。[5]

1991～2010年

1990年代には、ネイティブアメリカンのファッションデザインのスタイルが分裂し、一方のグループは布地のライン間の明確で滑らかな移行を伴うシンプルなシルエットを追求し、もう一方のグループは前衛的な先住民クチュールに焦点を当てた。クラシックですっきりとしたラインを好んだデザイナーの中には、シアリングコートで知られるベティ・デイビッド（スポケーン）[ 59] 、バンクーバーのヘレン・ルフォー・ファッションデザイン学校で学び、太平洋岸北西部の動植物の画像、フォームラインアート、バスケットデザインなどを作品に取り入れているドロシー・グラント（ハイダ） [59] 、 [45]、[61 ]、そしてビーズやリボンで飾られた伝統的な男性用および女性用のシャツやアクセサリーに布地に写真画像を加えたペニー・シンガー（ナバホ）[59]がいた。[62] [63]ヴァージル・オルティス（コチティ・プエブロ）とグラントは、マンハッタンでイベントに出展した最初のネイティブアメリカンのファッションデザイナーでした。彼らは2009年のメルセデス・ベンツ・ニューヨーク・ファッション・ウィークで一緒にショーを開催しましたが、[64]オルティスの作品は一般的により最先端として知られており、陶器の色、形、シンボルをファッションデザインに取り入れていることで知られています。[62]オンタリオ州南西部のカナダ先住民デザイナー、アンジェラ・ドゥモンティニー（チペワ・クリー/メティス）も、クラシックで伝統的なラインを踏襲し、最初は革やスエードの衣服をベースにエッジの効いた要素を取り入れ、その後ジュエリーやアクセサリーへと展開しました。[65] [66]

1990年代初頭の他のネイティブアメリカンのデザイナーには、カンザス州ピッツバーグ州立大学でマージョリー・シックの指導の下、美術修士号を取得した織工のマーガレット・ローチ・ウィーラー（チカソー族／チョクトー族）がいます。[45] [67]アレスタ・ラルーソは1994年にフラッグスタッフでディアウォーター・デザインを設立し、シルクやウールの生地、鹿やヘラジカの皮を使った製品を販売しました。彼女は現代的なパターンをアップデートするために、シマウマやインパラの皮を使用し、ビーズ細工、フリンジ、シルバーで装飾しました。[68] [69]

前衛グループのリーダーのひとり、ウェンディ・ポンカは1993年にIAIAを去った。彼女に代わってナバホ族の著名な織物職人、パール・サンライズが就任した後、IAIAのファッションカリキュラムは1995年に廃止されたが、[70]ネイティブデザイナーによるハイファッション作品の機運は高まっていた。[71] 1990年代のIAIAでポンカが教えた生徒には、インディ・ジョーンズ/クリスタル・スカルの王国(2008)やアベンジャーズ(2012)など数々の映画の衣装を手がけるデザイナー、ピラール・アゴヨ(オカイ・オウィンゲ/コチティ/ケワ)、[ 72 ]や、のちにプロジェクト・ランウェイ・シーズン11で準優勝したパトリシア・マイケルズ(タオス・プエブロ)がいた。[ 73] 2010年、サンタフェ・インディアン・マーケットのテキスタイル部門で最優秀賞を受賞した。[34] ポンカの教え子であるブレンダ・ワニー（コマンチ族）は、ファッション性の高いデザインを特徴とする自身のブランド「Com-N-Acha」を立ち上げた。彼女の作品は2003年のグラミー賞授賞式で紹介された。 [59] [74]タズバ・ゴーソワン（ピクリス・プエブロ／ナバホ族）、コンスエロ・パスクアル（ナバホ／マヤ族）、ローズ・ビーン・シンプソン（サンタクララ・プエブロ族）も、1990年代にファッション界で名を馳せ始めたポンカの教え子である。[75]

2005年、IAIAはWKケロッグ財団の支援を受けて、異文化ファッションの取り組みとしてトライバル・フュージョンを後援し、アフリカ出身のデザイナーとマーカス・アマーマン、ドロシー・グラント、パトリシア・マイケルズ、バージニア・ヤジー・バレンジャーを結び付け、サンタフェ・インディアン・マーケットで毎年開催されるファッションショーを開催した。これは、多様な先住民族出身のデザイナーたちがデザインや経済的エンパワーメントの方法を共有するまたとない機会であった。[76] 2009年、アリゾナ大学で博士号を取得した学者ジェシカ・メトカーフ（チッペワ）は、「Beyond Buckskin」というファッションブログを開設した。[77]メトカーフはこのブログを使ってネイティブアメリカンのデザイナーを宣伝し、彼らが大衆文化にどのように適合しているかを語り、また企業が先住民文化を盗用しようとした場合には責任を問うた。[78]翌年、パトリシア・マイケルズは、ネイティブアメリカンのファッションデザイナーがニューヨークファッションウィークで代表されることを確実にするために、UNRESERVED Allianceを設立しました。[79] 20年前に設立されたNative Uprisingと同様に、デザイナーの集団は協力を通じて先住民アーティストの包括性を向上させることを目指しました。[80]

2011年以降

サンタフェ・インディアン・マーケット・ファッションショー 2014

ネイティブアメリカンのデザイナーたちは、先住民族だけを対象としたマーケティングではビジネスの持続可能性に限界があることに気づき、彼らの文化的伝統に由来しながらも、より広い美的感覚に訴えるようアレンジした衣服をますます多く生み出すようになった。初期のデザイナーたちは汎インディアン的な視点からファッションにアプローチする傾向があったが、現代の先住民デザイナーはしばしば「自らの伝統的な部族や地域の衣服技術の領域にとどまっている」。[81] 2012年、元モデルのケリー・ホームズ（シャイアン・リバー・ラコタ）は「初のネイティブアメリカン・ファッション雑誌」であるネイティブ・マックスを創刊した。 [5] 「ビヨンド・バックスキン」ブログを執筆していたジェシカ・メトカーフ（タートル・マウンテン・チッペワ）は、同年ノースダコタ州ガーデナにファッションブティックをオープンした。 [77]メトカーフは、写真家のアンソニー・トッシュ・コリンズ、デザイナーのベサニー・イエローテイル（ノーザン・シャイアン/クロウ）とともに、ビヨンド・バックスキン・ルックブックというファッションのコンピレーションを制作した。彼女はこれを「ネイティブのみが制作した現代のネイティブファッションの初めてのコンピレーション」と語っている。[78] [82] 2014年、ローレン・アラゴン（アコマ・プエブロ）とヴァレンティーナ・アラゴン（ディネ）は、文化的アイデアと現代的なシルエットを融合させた非対称デザインで知られるクチュールブランド、ACONAVを設立した。[83] ヴァージル・オルティス（コチティ・プエブロ）は、1680年のプエブロの反乱を参考に、2180年を舞台にした自由のために戦う戦士たちを描いたSFの物語と融合させた未来的なファッションデザインを生み出している。[84]

2016年、マサチューセッツ州セイラムのピーボディ・エセックス美術館でカレン・クレイマーがキュレーションした回顧展「ネイティブ・ファッション・ナウ」が、オクラホマ州タルサのフィルブルック美術館、オレゴン州のポートランド美術館、マンハッタンのスミソニアン国立アメリカ・インディアン博物館を巡回した。この展覧会とそのカタログは、現代のネイティブ・アメリカンのファッションにスポットライトを当てた。カナダとアメリカ合衆国中から75人のファッションデザイナーのデザインを特集したこの展覧会では、アラノ・エドゼルザ（タールタン・ネーション）、マヤ・スチュワート（チカソー/マスコギー/チョクトー）、ベサニー・イエローテイル（北シャイアン/クロウ）など、多様な文化からの幅広いスタイルとデザインが紹介された。[5] [85]ペンドルトンのブランケットでジャケットやコートをデザインするベッキー・ビターノーズ（ジョージ・ゴードン）は、2016年のニューヨーク・ファッション・ウィークで特集を組まれた。[86]

2015 年サンタフェ インディアン マーケットでの現代ネイティブ アメリカン ファッション ショー。
2015 年サンタフェ インディアン マーケットでの現代ネイティブ アメリカン ファッション ショー。

論争

左の女性は「スコードレス」を着ています。
左の女性は「スコードレス」を着ています。

非ネイティブの企業や個人は、衣服のデザインにネイティブアメリカンのモチーフや名前を取り入れようと試みてきました。[87] 1940年代初頭、アメリカのアングロ系デザイナーたちは「スコードレス」と呼ばれるワンピースまたはツーピースのドレスを開発していました。[88]これらの衣装は、メキシコやナバホ族のスカート、そして西部のアパッチ族のキャンプドレスがベースとなっています。[89]フィエスタドレス、カチナドレス、トホノドレス、パティオドレスとも呼ばれるこれらのドレスは、「ネイティブアメリカンに由来するため、理想的な女性らしさとアメリカらしさの両方を表現していました。」 [ 89 ]アリゾナ・デイリー・スター紙によると、先住民のスタイルを意図的に流用したこれらのドレスは、当時の「ファッションセンセーション」とみなされていました。[90]スコードレスの創作に影響を与えたナバホスタイル自体も、ナバホ族の女性によるヨーロッパスタイルをアレンジしたものだったのです。[91]スコードレスのボディスは、ウェスタン・アパッチ族とトホノ・オオダム族のスタイルに影響を受けています。[92]スコードレスはアメリカ合衆国で約20年間人気を博しました。[93]スコードレスのオリジナルの「デザイナー」は、アリゾナ州ツーソンのドロレス・ゴンザレスです。[93]ゴンザレス自身は、自身のドレスについて「デザインしたのではなく、持ち込んだのです。インディアン女性たちはすでに着ていました」と述べています。[94]デザインの宣伝や開発に関わった他の人物には、デザイナーのセレ・ピーターソンとジョージ・ファインがいます。[93]

アーバン・アウトフィッターズは2011年に「ナバホ」というコレクションを発表し、ナバホ族の伝統的なラグをモチーフにしたアートを施した下着、帽子などのアイテムを展開した。ナバホ・ネイションはこれに対し、「ナバホ」という言葉の使用停止命令を出した。[87]ポップバンドのノー・ダウトは2012年にアメリカの開拓地をステレオタイプ的に表現したビデオをリリースしたが、最終的にビデオの公開を取り下げ、謝罪した。[95] [96] ヴィクトリアズ・シークレットは同年、ファッションショーでモデルに「ネイティブ・アメリカン風」のビキニと巨大な戦争衣装を着せた。[97]ヴィクトリアズ・シークレットは2017年のファッションショーで、ネイティブ・アメリカンの伝統的なファッションにインスパイアされた衣装を披露したが、再び文化盗用だと非難された。[98]

ネイティブアメリカンのファッションに関するもう一つの問題は、マスメディアにおける先住民の衣服のステレオタイプ的な表現である。 [99]ネイティブアメリカンは、歴史的な文脈において、伝統的な衣服を着ている姿で描かれることが最も多い。[99]

参照

参考文献

引用

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