モジュラーアートとは、標準化されたユニット（モジュール）を組み合わせ、より大きく複雑な構成を形成することで創作されるアートです。作品によっては、ユニットを後から移動、削除、追加（つまりモジュレーション）することで、元の構成やそれ以前の構成とは異なる新たな芸術作品を生み出すことができます。
起源
歴史的に、変更可能な芸術品はルネサンス時代から存在しており、例えば、ヒエロニムス・ボスの三連祭壇画『快楽の園』や、マティアス・グリューネヴァルトのイーゼンハイム祭壇画、アルブレヒト・デューラーのパウムガルトナー祭壇画などのいわゆる「変更可能な祭壇画」では、教会暦のテーマの変化に合わせてモチーフが変更される可能性がありました。
20世紀
20世紀前半から、多くの現代美術家が、芸術の圧倒的に静的な性質を克服しようと、作品に運動的な技法を取り入れようと試みました。アレクサンダー・カルダーのモビールは、視覚芸術における物理的なダイナミズムの最もよく知られた例の一つです。モビールにおいては、形態は永続的な運動によって絶えず変化し、時には人間の手による操作なしにさえも変化する可能性があります。ジャン・ティンゲリーが自己破壊的な芸術機械を創造しようとした試みは、芸術の可変性を、この場合は芸術の完全な消滅という形で表現した究極の表現と言えるかもしれません。ヴィクトル・ヴァザルリは1955年にパリで発表した『黄色い宣言』の中で、芸術作品は複製可能で、連続的に反復可能であるという特性を持つべきだと主張しました。近年では、視覚芸術は永続的に固定された物体のみで捉えられる必要はないという考えが、その展開性と一時性によって、パフォーマンス・アートやインスタレーション・アートに体現されています。[1]
工業デザインと建築
モジュール化は、主に工業デザインと建築の分野を通じて、近代美術のレパートリーに加わりました。ベルギーの建築家、ルイ・ヘルマン・デ・コーニンクは、ベルギー人チームを率いて、1932年にキューブックス・キッチン・シリーズで、最初のモジュール式製品システムの一つを製作しました。このシリーズは、標準化された工業生産された部品で構成されており、無限の組み合わせで組み合わせ、配置できるため、ほぼあらゆるサイズのキッチンに対応できました。ニューヨークのデザイナー、ギルバート・ローデは、1930年代から40年代にかけて、ハーマンミラー社向けにモジュール式の収納家具のラインをいくつか製作しました。ローデもデ・コーニンクと同様に、ユニットの寸法、素材、構成を標準化することで、大量生産と互換性を容易にしました。1942年に発表された彼のエグゼクティブ・オフィス・グループ（EOG）シリーズは、オフィス家具に対する同様に画期的なシステムアプローチでした。そのわずか1年前、エーロ・サーリネンとチャールズ・イームズは、ニューヨーク近代美術館で開催されたコンペティションの成果として、レッドライオン社向けにモジュール式の家庭用家具シリーズを共同製作していました。 1950年、ハーマンミラーはチャールズ＆レイ・イームズによるEASストレージユニットシリーズを発売しました。これは非常に成功したモジュール式の棚と壁ユニットのシステムで、現在も生産されています。[2] [非一次資料が必要]
建築分野において、モジュールは長い歴史を誇ります。古代の建築家は、主に平面図と立面図の比率を測る尺度としてモジュールを用いていました。ローマの著述家で建築家のウィトルウィウスは、古代から現存する唯一の建築に関する完全な文献である『建築十書』の中で、古典様式と建物の構成を記述する際にモジュール方式を採用しました。ルネサンスの建築家たちは、ウィトルウィウスの体系を継承し、古典様式を復活させました。この伝統は今日まで続いています。現代の建築家の間では、モジュールは設計および計画ツールとして頻繁に用いられています。
モジュラー構成主義
建築とモジュラー彫刻は、1950年代にノーマン・カールバーグ、アーウィン・ハウアー、マルコム・リーランドの作品を通して交差し始めました。3人は、コンクリートに鋳造された反復的なモジュラーモチーフで構成された、穴あき建築スクリーンのデザインを依頼されました。非構造的なスクリーンは、建物の外装に用いられ、空間を仕切り、光を透過させ、視覚的な面白さを生み出しました。彼らの作品は、その構成手法と建築的文脈の両方を反映して、モジュラー構成主義と表現されるようになりました。彼らは1960年代以降も、それぞれ独立したモジュラーをテーマにした彫刻を制作しました。
美術におけるモジュール性
ロバート・ラウシェンバーグの1951年の作品「ホワイト・ペインティング」は、わずか4つの白い正方形[3]で構成され、幾何学的な形態が組み合わさってモジュール性を芸術の独立した主題として提示した、最も初期の作品の一つです。ラウシェンバーグは同年、このテーマを3面パネルと7面パネルの形式で探求しました[4] [5]。これらのバージョンにおける長方形パネルの直線的な配列は、無限に複製される可能性を示唆しています。これらのキャンバスの冷徹な抽象表現は、1960年代にモジュール性がミニマリズム芸術の本格的なテーマとして出現することを予感させます。トニー・スミス、ソル・ルウィット、ダン・フレイヴィン、ドナルド・ジャッドは、この時代におけるこの流派の最も多作な代表者です。特にスミスの作品は、モジュール性が構成と制作のツールから、それ自体が広く研究される芸術的テーマへと変遷した過程を理解する上で鍵となります。
スミスは建築デザイナーとしてキャリアをスタートさせました。さらに研鑽を積むため、 1938年から数年間、フランク・ロイド・ライトのプロジェクトに弟子入りしました。ライトからは、2次元平面図だけでなく、建物の断面や内装の組み込みといった3次元的な応用においても、モジュラーシステムを活用する方法を学びました。建築家として、ライト自身もウィトルウィウスから古代ギリシャ・ローマ時代まで遡る、建築や彫刻の形態の均整をとるためにモジュールが活用されてきた、何世紀にもわたる連続体の一部でした。ライトの場合、モジュラーデザインへの関心は、畳などの日本の伝統建築におけるモジュラー設計への精通にも由来している可能性があります。
ライトが1937年に設計したハンナ・ハウスは、巨匠が多次元的な近代的モジュラーデザインを巧みに操った好例です。印象的な角度を持つフォルムは、フロアプランと様々な垂直要素を規定する個々の六角形モジュールから構成されています。ライトがここで六角形を採用したのは、決して美的観点からの恣意的な選択ではなく、自然界の形態と原理に着目することで、いかにして建築を自然の中に根付かせたかを示す好例です。蜂の巣の六角形が互いに絡み合う構造は、自然界におけるモジュラーデザインの最も完璧な表現と言えるでしょう。このプロジェクトが「ハニカム・ハウス」と呼ばれることもあるのも当然です。
スミスは六角形をはじめとする幾何学的要素を、自身の建築作品においても、そして1960年代初頭に制作を開始した彫刻においても、用いた。建築作品におけるプログラム的かつ広範な構造的要件から解放されたスミスの彫刻は、美的思索以外の表面的な実用的な目的を持たない、モジュール形式の三次元的押し出し成形品である。
注目すべきは、スミス自身が彫刻の最終版を手作業で製作しなかったことです。その代わりに、鋳造所や工業施設の熟練した鉄工に制作を委託し、スミスの図面や模型を基に設計図を製作してもらいました。これは、スミスが建築家として訓練を受けていたことを反映している部分もあります。建築家は設計と記録はしますが、作品の製作は行いません。これは、モジュラーアートという概念をさらに強化するもので、創造行為は、想像力豊かな発明ではなく、あらかじめ定められた形式的な単位の配置によって定義される生成システムです。最後に、モジュラーシステムにおけるモジュールの供給は無限でなければならない、つまり、システムが実現されるためには職人技ではなく工業的に生産されなければならないという、モジュール性に内在する概念とも一致しています。（蜂の巣の中のミツバチは、細胞の生産が無限である限り、本質的に工業的な事業として機能していると言えるでしょう。）
スミスとミニマリスト派の作品は、2000年以前の美術におけるモジュール性の最も広範な探求と言えるでしょう。しかし、スミスとミニマリスト派の作品も、それ以前の数世紀の可動式・可変式美術の探求も、モジュール式美術の二つの中心的な特徴を統合するものではありませんでした。モビールなどの動く作品はモジュール式ではなく、20世紀半ばのミニマリスト芸術家たちのモジュール作品も、いくつかの例外を除いて、可変式ではありませんでした。
21世紀の理論
共創
アメリカ発の学派は、モジュラーアートが21世紀文化の脱工業化の特徴と一致し、伝統的な芸術観と対比していることを強調している。 [6] ポスト工業化の中心となる特徴は、理論家ダニエル・ベルが1973年の著書『脱工業化社会の到来』で概ね定義しているように、製造業に代わるサービス経済の台頭、創造的、専門的、技術的な階級の社会的、経済的優位性、理論的知識がイノベーションの源泉として中心的な位置を占めること、日常生活に対する技術の強い影響、および高度な都市化などである。[7]
モジュラーアートは、これらの基準のいくつかと完全に一致しているように見える。例えば、手作業による変更可能性は、コレクターやユーザーがモジュラーアートの制作者と協働し、作品の外観を共同で決定するという、共創的なアートの可能性を開く。これは、そのような役割を果たす能力と関心を持つクリエイティブな人々が存在することを前提としている。これはベルの時代に既に進行していた人口動態の進化であり、その後、リチャード・フロリダの『クリエイティブ・クラスの台頭』（2002年）などの著作で研究されてきた。[8]
共創は、個々のパーソナライゼーションの機会と大量生産を組み合わせた生産モデルであるマスカスタマイゼーションと密接に関連しています。モジュラーアートとマスカスタマイゼーションは、相反する二つの性質を統合するという共通点を持っています。一方では、前述のように、モジュール性という概念自体が、工業生産のみが提供できるような、同一モジュールの無限の供給を意味します。他方では、個人が美的基準に基づいて芸術作品の中でこれらのモジュールを再配置できる能力は、創造行為に主観的で純粋に人間的な次元を再び注入します。
マスカスタマイゼーション自体は、コンピュータとコンフィギュレータと呼ばれるソフトウェアの登場によって初めて可能になりました。コンフィギュレータとは、購入者がベンダーが提供するオプションから製品を構成するために使用するソフトウェアツールです。画面上でモジュラーアート作品を構成するという目的に適用すると、アナログ方式を使用する場合よりもはるかに迅速かつ詳細に複数の設計オプションを検討できるため、モジュラーアセンブリの設計が大幅に容易になります。設計が確定すると、コンピュータファイルが無線経由で製造施設に送信され、そこでロボット制御の装置が仕様に従ってオブジェクトを製造します。このコンピュータ支援製造（CAM）は、大量生産品のカスタマイズを可能にするだけでなく、モジュールを物理的に結合させる上で不可欠な品質である、はるかに高いレベルの精度と適合性も実現します。ベルがテクノロジーを脱工業化生活の中心軸と見なしたことは、デジタルとモジュラーアートの物理的な実現が絡み合っている点に表れています。
ヨーロッパにおける脱構築的アプローチと再構築的アプローチ
1960年代のミニマリズム派のモジュラーアートは主にアメリカの現象と見なされることが多いヨーロッパでは、モジュール性に関する議論はしばしばその可変性に焦点を当てています。例えば、芸術の可変性は、イタリアで生まれた同時代の運動であるアルテ・ポーヴェラの中核原則です。アルテ・ポーヴェラは、芸術作品は「固定された実体としてではなく、時間と空間を新たな方法で取り込む」ための変化と運動の対象として捉えるべきであると主張しています。ここで問題となっているのは、人間の経験の現象学を芸術に移し替えるという問題です。[9]
近年、アーティストのレダ・ルス・ルイケンは、鉄骨にセットされた可動式の塗装パネルで構成されたモジュラー・ペインティングを制作しています。ルス・ルイケンは自身の作品を「モジュラー・アート」と名付けました。[10]彼女の作品では、モジュラー・ペインティングの構成を変えることが一種の動きを構成し、観客に異なる視点や解釈を提供することで、作品を静的な物体というよりも、人間の身体的経験のダイナミズムに近づけています。[11]美術史家で理論家のデニス・ザハロプロスは、これを「絵画における新しい動き方」と呼びました。[12]モジュラー・アートの概念は、ユーザーが既に完成している芸術作品を、その構成要素を並べ替えることで分解・再構成することを可能にし、想像もつかないような、常に新しい絵画を生み出す無数の可能性を提供します。元の絵画は、自由に、そして無限に、新たな文脈に再構築される可能性があります。
モジュラーアーティストとその作品
ビジュアルアーティスト
1950年代から60年代にかけてイギリスのマンチェスターで活動したアメリカ人アーティスト、ミッチ・カンリフは、約12インチ四方の複数のブロックを様々な組み合わせで組み合わせることで、大規模な彫刻のような効果を生み出す彫刻を制作しました。彼女はこれをモジュラー彫刻と呼んでいました。マンチェスター大学とマンチェスター大学科学技術研究所（UMIST）はこれらの作品の一部を購入しましたが、彼女の作品に関する出版物にはそれらへの言及はありません。[13]
彫刻家で陶芸家のマルコム・リーランドは1954年、高さ23インチの単一モジュールをセンターピンで垂直に積み重ねる、同様のモジュラー彫刻システム[14]を設計した。このモジュールは概ね生物的な曲線的な輪郭を持ち、複数のモジュールを重ねることで波打つようなシルエットを生み出す。円形に反復する要素を積み重ねる技法は、コンスタンティン・ブランクーシの1938年の「エンドレス・コラム」を想起させる。
1970年代から、リーランドと同時代を過ごしたノーマン・カールバーグは、正方形の額縁に入った版画[15]を制作し、それらを壁にぎっしりと格子状に並べました。それぞれの版画は独立したモジュールとして構想されていました。鑑賞者は、版画を回転させたり、位置を変えたりすることで、新たな複合イメージを生み出すことができます。版画の抽象的な性質は、方向性がなく幾何学的に相互に関連しているという点で、版画の新たな方向づけという創造的な可能性を高めました。
ギリシャ生まれのコンセプチュアル・アーティスト、 レダ・ルス・ルイケンは、もともと建築家として教育を受けていましたが、 1990年代から絵画という媒体におけるモジュール性を探求してきました。彼女の作品では、標準化されたキャンバスパネルがモジュールとして鉄骨フレーム上に設置され、フレーム内で移動したり回転させたりすることができます。
アメリカでは、モシェ・エリメレクが「キュービック・コンストラクションズ」と呼ぶ作品を制作しました。これは、額縁付きのシャドーボックスのポケットの中に、直径約7.6cmの立方体を複数配置したものです。エリメレクはそれぞれの立方体に、鮮やかな色彩と抽象的な模様を、正確で繊細な筆致で描き出します。カールスバーグと同様に、エリメレクも鑑賞者に立方体の一部、あるいは全部の位置を変えて、それぞれ異なる模様が描かれた6面のうち1面を見せるという手法をとっています。1980年代から活動を続け、主にカリフォルニアのギャラリーで展示を行っていますが、複数の美術館のデザインストアにも作品が展示されています。[16] [一次資料以外 要出典]
ドナルド・ラトナーが率いるニューヨークを拠点とするスタジオ・フォー・アート・アンド・アーキテクチャーからは、インタラクティブなモジュラーアートのポートフォリオが発表されている。[非一次資料要]ラトナーは、壁面彫刻、回転絵画、タペストリー、アーティストの壁紙、アーティストブックといった媒体を用いてモジュラーアートをデザインしてきた。自身の作品や他の「モジュラーアーティスト」の作品を市場に出すため、ラトナーは共同創造的でモジュラーな作品に特化したアートストア「ART（art-rethought）」を設立した。[非一次資料要]ラトナーは著作の中で、モジュラーアートの最新トレンドにおける脱工業化の側面を強調し、「ニュー・インダストリアル」という言葉を作り出し、マスカスタマイゼーション、オンデマンド生産、オープンイノベーション、共同創造的デザイン、テレファブリケーション、ロボット工学、そしてグローバル市場におけるモノづくりのあり方を再定義するその他のコンピューター駆動型技術を指し示している。[17]
作曲家
音楽におけるモジュール性は、音楽作曲と映画の2つの重要な要素、すなわち絵画の世界に持ち込むものと捉えることができる。[要説明] 絵画の主題と動き、そして絵画内部における動きの変奏である。まさにこの理由から、現代作曲家ミナス・ボルブダキスは、ピアノとエレクトロニクスのための三部作『ROAI III』の第三部をモジュール方式に捧げた。[要出典]
イタリアの作曲家で芸術理論家のステファノ・ヴァニーニは、モジュール集合に基づくオープンソース作曲理論を展開した[18] 。音楽芸術作品が閉鎖的で限定的で不動のものという概念は消え去り、無数の集合のプロセスによって作曲が原理的に無限になるという概念が生まれた。このような作曲作品はヨーロッパ、南米、アジア、そして北米で演奏され、ヨーロッパでは会議を通して議論された。このアプローチは、アメリカのウェストジョージア大学とキャロルトン文化芸術センターで学術的に議論されている。作家、画家、そして芸術理論家のジャン・ルッジェロ・マンゾーニは、ヴァニーニの作曲のモジュール性を「存在のように循環的であり、彼の作品は完成されておらず、新たな声への刺激に過ぎない」と評した[19] 。
関連する芸術運動
映画
- Panta rei、Leda Luss-Luyken の ModulArt、ダグマー・シャイベルトとラインハルト・アイゼンナー作、3 分 30 秒のフィルム、15 分、ベルリン、2005 年。
- ModulArt、 Roman Angelos Luyken作、2分、ロンドン、2008年。
- Leda Luss Luyken: ModulArt、BRα - ARD TV 用 Peider Defilla による TV 特集、ミュンヘン、15 分、2011 年。
文学
- レダ・ルス・ルイケン：ModulArt編Georg von Kap-herr 著、Paul Schilfgaarde 教授と Joachim Kaske 博士の寄稿、英語およびドイツ語、112 p、Bobingen、2008 年。
- 『音楽におけるモジュラーメソッド』、ステファノ・ヴァニーニ著、英語・イタリア語、161 ページ、ローマ：ファルコン・バレー・ミュージック、2002 年。
参考文献
- ^ 「モジュール化」の「芸術におけるモジュール化」を参照。
- ^ 「イームズデスクと収納ユニット」hermanmiller.com。2010年5月26日時点のオリジナルよりアーカイブ。
- ^ 「ロバート・ラウシェンバーグ｜ホワイト・ペインティング［4パネル］」メトロポリタン美術館. 2024年4月15日閲覧。
- ^ 「ホワイト・ペインティング [three panel]」SFMOMA . 2024年4月15日閲覧。
- ^ “White Painting [seven panel] | Robert Rauschenberg Foundation”. www.rauschenbergfoundation.org . 2024年4月15日閲覧。
- ^ [ラトナー、ドナルド]. 「従来のアートとモジュラーアートの比較」 ARTカタログv2.0 . ニューヨーク: lulu.com, 2010年. C-1頁以降.
- ^ ベル、ダニエル『ポスト工業社会の到来』ニューヨーク：ハーパーコロフォンブックス、1974年。
- ^ フロリダ、リチャード.クリエイティブ・クラスの台頭とそれが仕事、余暇、そして日常生活に及ぼす影響. ベーシックブックス, 2002.
- ^ キャロリン・クリストフ＝バカルギエフへのインタビュー。参照：キャロリン・クリストフ＝バカルギエフ『アルテ・ポーヴェラ（テーマとムーブメント）』ニューヨーク：ファイドン・プレス、2005年。
- ^ 「モジュールアート」という用語は、1975年にドイツの芸術百科事典で初めて言及され、「[…] 可動要素によって作られ、[…] 可変部分を動かすことで物体を新たな状態へと変化させる芸術形式」として言及された。Ludewig, Werner (編). Kunst – Literatur – Musik, Daten und Fakten . Lexikon-Institut Bertelsmann, 1975, p. 99.
- ^ 「ModulArt - ウィキメディアコモンズ」。
- ^ von Kap-herr、Georg (編)。モジュールアート。ボービンゲン (ドイツ)、2008 年、6-25 ページ。
- ^ マンチェスター（英国）のEG Wedell教授（マンチェスターのMitzi Cunliffeの友人であり家主）による2008年12月19日付の手紙。
- ^ 「彫刻セグメント」mocad.org。
- ^ 「ノーマン・カールバーグ」.フランシスフロスト.com。
- ^ “アーティストの経歴と美術展 – モシェ・エリメレク”. 2003年8月7日時点のオリジナルよりアーカイブ。2010年5月15日閲覧。
- ^ A-3ページ以降
- ^ Vagnini, Stafano, The Modular Method in Music, Views of an Open Art、英語とイタリア語、161ページ、ローマ：Falcon Valley Music、2002年。
- ^ Gian Ruggero Manzoni、著: Vagnini、Stefano: SalmodieSubliminali、Campanotto Editions、ウーディネ、2007、7-8 ページ
さらに読む
- BLAST：教育における芸術
- 芸術関連の変数を含む公開データソースのリスト
- 2020年先進モジュール炉コンペティション
- ツァイヒネン・ラッセンの肖像（ドイツ語）
