クラシック音楽
Broad tradition of Western art music

演奏後、拍手に応えるために立ち上がるユースオーケストラのメンバー。

クラシック音楽は一般的に西洋世界の芸術音楽を指し、西洋の民俗音楽やポピュラー音楽の伝統とは異なるものと考えられています。「クラシック音楽」という用語は西洋以外の芸術音楽にも適用されるため、西洋クラシック音楽と区別されることもあります。クラシック音楽は、音楽形式や和声構成における形式性と複雑さを特徴とすることが多く、[1]特にポリフォニーの使用が顕著です。[2]少なくとも9世紀以降、主に筆記による伝統となっており、[2]洗練された記譜法が生み出され、分析、批評、歴史学、音楽学、哲学の実践に関する文献も出版されています。

ヨーロッパの教会や王宮の庇護に根ざした[1]中世初期に現存する音楽は、主に宗教音楽、単旋律音楽、声楽であり、古代ギリシャ・ローマ音楽の思想と理論の影響を受けている。現存する最古の楽譜はカロリング朝（800-887年）のもので、[3]西洋の聖歌が徐々にグレゴリオ聖歌と呼ばれるものに統合されていった頃である。[4]音楽の中心地はザンクト・ガレン修道院、サン・マルティアル修道院、そしてサン・エメラム修道院にあり、11世紀には五線譜が発達し、中世音楽理論家による作品の発表が増加した。 12世紀半ばまでに、フランスはヨーロッパの音楽の中心地となった。[3]宗教的なノートルダム楽派が初めて組織的なリズムとポリフォニーを本格的に探求し、一方世俗音楽は、詩人であり音楽家でもある貴族が率いるトルバドゥールとトゥルヴェールの伝統によって栄えた。 [5]これは、宮廷が後援したフランスのアルス・ノヴァとイタリアのトレチェントに発展し、これらはアルス・スブティリオールという極めて多様なリズム様式の運動へと発展した。 [5] 15世紀初頭から、ルネサンス期の作曲家たち、特に影響力のあったフランコ・フランドル楽派が、イギリスのコンテンナンス・アングロワーズの和声原理を基にして、ミサ曲とモテットを中心に合唱音楽を新たな基準へと引き上げた。[6]北イタリアはすぐに音楽の中心地となり、ローマ楽派はマドリガーレなどのジャンルで非常に洗練されたポリフォニーの手法を採用し、[6]それが短期間でイギリスのマドリガーレ楽派に影響を与えました。

バロック時代（1580-1750年）には、慣習的な 調性が比較的標準化され[7]、楽器の重要性が高まり、大規模なアンサンブルへと発展した。イタリアはオペラ、ソリスト中心の協奏曲、体系的なソナタ形式、そして大規模な声楽中心のオラトリオやカンタータの発祥地であり、依然として優位に立った。ヨハン・セバスチャン・バッハが提唱したフーガ技法は、バロックの複雑さを象徴するものであり、それに対する反動として、より単純で歌曲的なガラント音楽やエンプフィンズザムカイト様式が発展した。古典派音楽時代（1730～1820年）は比較的短期間であったものの、極めて重要な時代でした。ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンといった作曲家たちは、交響曲、弦楽四重奏曲、協奏曲など、広く称賛される絶対音楽の代表作を生み出しました。 [8] [9]その後のロマン派音楽時代（1800～1910年）は、標題音楽に重点が置かれ、芸術歌曲、交響詩、そして様々なピアノ音楽が重要な担い手となりました。この時代、技巧が称えられ、壮大なスケールが奨励される一方で、哲学とナショナリズムが深く根付いていました。これらすべての側面は、リヒャルト・ワーグナーのオペラに集約されています。

20世紀になると、様式の統一は徐々に薄れ、ポピュラー音楽の重要性が大幅に高まりました。多くの作曲家は、モダニズムのレンズの中で過去の技法やジャンルを積極的に避け、中には調性を捨ててセリー主義を採用した者もいれば、民謡や印象派の感情に新たなインスピレーションを見出した者もいました。第二次世界大戦後、聴衆は初めて現代作品よりも古い音楽を評価するようになり、この嗜好は、商業録音の出現と広範な入手性によって満たされました。[10] 20世紀半ばから現在までの傾向には、ニュー・シンプリシティ、ニュー・コンプレクシティ、ミニマリズム、スペクトル音楽、そしてより最近ではポストモダン音楽とポストミニマリズムがあります。ますますグローバル化しており、南北アメリカ、アフリカ、アジアの作曲家が重要な役割を担っており、[3]交響楽団やオペラハウスが世界中に登場しています。

用語と定義

イデオロギー的起源

（左から右へ）ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェン。1904年のベートーヴェン・ハイドン・モーツァルト記念館より。3人は第一ウィーン楽派に属し、「古典派」と呼ばれる最初の作曲家の一人です

英語のclassicalとドイツ語のKlassik はどちらもフランス語のclassiqueから派生したもので、フランス語の classique 自体はラテン語のclassicusに由来し、classic はもともと古代ローマ市民の最高級品を指していました。[11] [n 1]ローマでの使用では、この用語は後に尊敬される文学上の人物を区別する手段となりました。[11]ローマの作家アウルス・ゲッリウスはデモステネスやウェルギリウスなどの作家をclassicusと称賛しました。[13]ルネサンスまでに、この形容詞はより一般的な意味を獲得しました。ランドル・コットグレイブの 1611 年のA Dictionarie of the French and English Tongues の項目は現存する最も古い定義の 1 つで、classique を「古典的な、正式な、整然とした、然るべきまたは適切な順位の; また、承認された、本物の、首長の、主要な」と訳しています。[11] [14]音楽学者ダニエル・ハーツは、これを2つの定義に要約している。1)「正式な規律」と2)「卓越性の模範」である。[11]ゲッリウスと同様に、後期ルネサンス期にラテン語で著述を行った学者たちは、古典古代の作家を指して「classicus」を用いた。[12] [n 2]しかし、この意味は徐々に発展し、しばらくの間、より広範な古典的理想である形式性と卓越性に従属していた。[15]古代ギリシャ・ローマの文学と視覚芸術（その例はかなりのものが存在した）は、最終的に「classical」という用語を古典古代に関連付けて採用したが、ルネサンス期の音楽家たちは当時の音楽にほとんど触れることができず、古典音楽とギリシャ・ローマ世界とのつながりは限定的なものであった。[15] [n 3]

「クラシック」という用語が「演奏される特定の作品群を指すようになったのは、18世紀のイギリスにおいて初めてである」[15] 。 ロンドンは、他のヨーロッパの都市には例を見ない、また比類のない、著名な公共コンサート音楽の舞台を発展させていた。[11]王室は、イングランド共和国の解体と名誉革命によって宮廷音楽家が置かれた不安定さから、徐々に音楽における独占権を失っていった。 [11] [注 4] 1672年、元宮廷音楽家ジョン・バニスターはロンドンの酒場で大衆向けの公開コンサートを開始した。[注 5]彼の人気は、ロンドンにおける公開コンサートの隆盛を急速に促した。[19]「クラシック」、あるいはより一般的には「古代音楽」という概念が生まれたが、それは依然として形式性と卓越性の原則に基づいており、ハーツによれば、「市民の儀式、宗教、そして道徳的活動が、この新しい音楽的嗜好の構築に大きく影響を及ぼした」。[15]こうした音楽の演奏は、古代音楽アカデミーが専門とし、後には古代音楽コンサート・シリーズで、選りすぐりの16世紀と17世紀の作曲家、特にゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルの作品が取り上げられるようになった。[20] 。 [15] [注 6]フランスでは、ルイ14世（在位 1638年-1715年）の治世に文化的ルネサンスが起こり、その終わり頃にはモリエール、ジャン・ド・ラ・フォンテーヌ、ジャン・ラシーヌといった作家が古典古代の業績を超えたと考えられていた。[21]こうして彼らは「古典的」と特徴づけられ、ジャン＝バティスト・リュリ（そして後のクリストフ・ヴィリバルト・グルック）の音楽も「フランス古典オペラ」と称された。[21]ヨーロッパ大陸の他の地域では、「古典」をギリシャ・ローマ世界と類似したものとして定義することの放棄はより遅かったが、これは主に、正典のレパートリーの形成が最小限であったか、上流階級に限定されていたためである。[15]

19世紀初頭のヨーロッパの評論家の多くは、古典音楽の定義に新たな統一性を見出した。それは、古い時代の作曲家であるヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、そして（後期の作品の一部は除くが）ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンを「古典的」なものとして、台頭しつつあったロマン派音楽のスタイルと対比させるというものであった。[22] [23] [24]特にこの3人の作曲家は第一ウィーン楽派（「ウィーン古典派」と呼ばれることもある）に分類されたが、[n 7]この組み合わせは、3人ともウィーンで生まれておらず、ハイドンとモーツァルトがウィーンで過ごした時間がわずかであるために、依然として問題となっている。[25]これはよく用いられた特徴づけではあるが、厳密なものではなかった。 1879年、作曲家チャールズ・ケンジントン・サラマンは、バッハ、ヘンデル、ハイドン、モーツァルト、ベートーベン、ウェーバー、シュポーア、メンデルスゾーンを古典派の作曲家と定義しました。[26]より広い意味では、一部の著述家は「古典派」という用語を、様々な作曲家、特に確立されたジャンルで多くの作品を生み出した作曲家による高く評価されている作品を一般的に称賛するために使用しました。[11] [注8]

現代の理解

「古典音楽」という用語の現代的な理解は、依然として曖昧で多面的です。[30] [31]「芸術音楽」、「カノン音楽」、「教養音楽」、「シリアス音楽」などの他の用語は、ほぼ同義です。[32]「古典音楽」という用語は、しばしば西洋世界のみに関係するものと示唆または暗示され、[33]逆に、多くの学術的な歴史において「西洋音楽」という用語は非古典派の西洋音楽を除外しています[34] [注9]もう一つの複雑な点は、「クラシック音楽」が、同様に長期にわたる複雑な特徴を示す非西洋芸術音楽を指す際に用いられることがある点である。例としては、インド古典音楽、ガムラン音楽、そして中国宮廷の様々な様式（例えば雅楽）が挙げられる。 [1]そのため、20世紀後半には、「西洋古典音楽」や「西洋芸術音楽」といった用語が、この問題に対処するために用いられるようになった。[33]音楽学者ラルフ・P・ロックは、どちらの用語も理想的ではないと指摘している。なぜなら、これらの用語は「非西洋文化圏出身の西洋芸術音楽ジャンルの演奏家」を考慮する際に「興味深い複雑さ」を生み出すからである。[36] [注10]

音楽形式の複雑さと和声構成は、クラシック音楽の典型的な特徴です。[1]オックスフォード英語辞典（OED）は、音楽に関して「クラシック」という言葉に3つの定義を提供しています。[27]

  1. 「優れた」
  2. 「ポピュラー音楽やフォークミュージックとは区別される、正式な音楽的伝統の、またはそれに関連する、あるいはその特徴を持つ」
  3. より具体的には、「18世紀後半から19世紀初頭の正式なヨーロッパ音楽の、またはそれに関連するもので、調和、バランス、確立された作曲形式への準拠が特徴」です

最後の定義は、現在「古典派時代」と呼ばれている、18世紀後半から19世紀初頭にかけてのヨーロッパ音楽の特定の様式の時代に関するものです。[37]

歴史

Major eras of
Western classical music
Early music
Medieval c. 500–1400
Transition to Renaissance
Renaissance c. 1400–1600
Transition to Baroque
Common practice period
Baroque c. 1600–1750
Transition to Classical
Classical c. 1730–1820
Transition to Romantic
Romantic c. 1800–1910
Transition to Modernism
New music
Modernism from c. 1890
Contemporary from c. 1945
 • 20th-century
 • 21st-century

ルーツ

西洋古典音楽の伝統は、正式には初期キリスト教会によって、また教会のために創作された音楽から始まる。[38 ] 初期教会は、古代ギリシャ・ローマで支配的だった音楽との関係を断ち切りたいと考えていた可能性が高い。それは、その音楽が、教会が迫害し、また教会が迫害された異教を思い起こさせるものだったからである。[38]そのため、キリスト教会の音楽、ひいては西洋古典音楽全体が、先行する古代音楽からどの程度影響を受けたかは不明である。[39]音楽に対する一般的な姿勢は、古代ギリシャ・ローマの音楽理論家や評論家から受け継がれたものである。[40] [注 11]ギリシャ・ローマ社会と同様に、音楽は教育の中心と考えられており、中世の標準的な教養教育の上級課程の4科目である四分学に、算術、幾何学、天文学とともに音楽が含まれていた。[42]音楽を高く評価する考え方は、カッシオドルス、セビリアのイシドロス、[43]特にボエティウス[44]といった学者によって最初に推進され、ピタゴラス、アリストテレス、プラトンの音楽観の伝達と展開は中世の音楽思想の発展に極めて重要であった。[45]しかし、学者、中世の音楽理論家、作曲家は、ギリシャやローマの先人たちの著作を頻繁に誤解していた。[46]これは中世の音楽家が利用できるギリシャ・ローマ音楽作品が全く現存していなかったためであり、[46] [注 12]セビリアのイシドロス ( 559年頃 - 636年) は「音は人に記憶されなければ消えてしまう。書き留めることができないからだ」と述べ、何世紀も前の古代ギリシャの体系的な記譜法を知らなかった。[47] [n 13]音楽学者のグスタフ・リースは、中世の音楽家が、正しく読んでいたかどうかに関わらず、ギリシャ・ローマの楽曲を定期的に読んでいたため、多くのギリシャ・ローマの楽曲が西洋のクラシック音楽に影響を与えたと指摘している。[46]

しかし、古代世界から間違いなく受け継がれてきた音楽もいくつかある。[48]モノフォニー、即興、音楽設定におけるテキストの優位性などの基本的な側面は、中世初期とほぼすべての古代文明の音楽の両方で顕著である。 [49]特にギリシャの影響には、教会旋法（アリストクセノスとピタゴラスによる発展の子孫）、 [50]ピタゴラス音律の基本的な音響理論、[39]およびテトラコルドの中心的な機能がある。[51]アウロス（リード楽器）やリラ（小型のハープに似た弦楽器）などの古代ギリシャの楽器は、最終的に交響楽団のいくつかの現代の楽器につながった。[52]しかし、ドナルド・ジェイ・グラウトは、古代音楽から中世初期への直接的な進化的つながりを作り出そうとする試みは根拠がないと指摘している。なぜなら、古代音楽は演奏や実践ではなく、ギリシャ・ローマ音楽理論の影響をほぼ受けていたからである。[53]

古楽

中世

ヴィエルを演奏する音楽家（14世紀の中世 写本）

中世音楽には、西ローマ帝国が476年に滅亡した後から1400年頃までの西ヨーロッパの音楽が含まれます。単旋律聖歌は平歌あるいはグレゴリオ聖歌とも呼ばれ、1100年頃まで主流でした。[54]キリスト教の修道士は、教会全体で典礼を標準化するために、ヨーロッパ初の音楽記譜法を開発しました。[55] [56] 多声音楽（多声部）は、中世後期からルネサンスにかけて単旋律聖歌から発展し、モテットのより複雑な声部構成も含まれるようになりました。中世初期には、典礼ジャンルの声楽、主にグレゴリオ聖歌は単旋律であり、単一の無伴奏の声楽旋律線を用いていました。[57]複数の独立した声楽旋律を用いる ポリフォニックな声楽ジャンルは、中世盛期に発展し始め、13世紀後半から14世紀初頭にかけて普及しました。著名な中世の作曲家には、ヒルデガルト・フォン・ビンゲン、レオナン、ペロタン、フィリップ・ド・ヴィトリー、ギヨーム・ド・マショー、フランチェスコ・ランディーニ、ヨハネス・チコニアなどがいます。

多くの中世の楽器が今も存在しているが、形は異なっている。中世の楽器には、フルート、リコーダー、リュートのような撥弦楽器などがある。また、オルガンやフィドル（ヴィエルとも呼ばれる）の初期のバージョンも存在していた。ヨーロッパの中世の楽器は、ほとんどの場合単独で使用され、ドローン音を伴奏することが多かったが、時にはパート譜として演奏されることもあった。少なくとも13世紀から15世紀にかけては、楽器はオー（大きく甲高い屋外用の楽器）とバス（より静かで親密な楽器）に分けられていた。[58]多くの楽器は、中世イスラム世界から取り入れられた東洋の先祖にルーツを持つ。[59]例えば、アラビアのレバブは、リラ、レベック、バイオリンを含むすべてのヨーロッパの擦弦楽器の祖先である。[60] [61]

ルネサンス

音楽ルネサンス時代は1400年から1600年まで続きました。楽器の多用、複数の旋律線が絡み合うこと、そして初期の低音楽器の使用が特徴でした。社交ダンスがより普及し、ダンスの伴奏に適した音楽形式が標準化され始めました。五線譜やその他の記譜法の要素が形になり始めたのはこの時代です。[ 62 ]この発明により、楽曲の作曲とその伝達を分離することが可能になりました。楽譜がなければ、伝達は口頭で行われ、伝達されるたびに変更される可能性がありました。楽譜があれば、作曲家が立ち会わなくても音楽作品を演奏することができました。[63] 15世紀の活版印刷機の発明は、音楽の保存と伝達に広範囲にわたる影響を及ぼしました。[64]

オケゲムのキリエをフィーチャーしたキージ コーデックスの照明付きオープニング

多くの楽器はルネッサンス時代に生まれましたが、それ以前に存在した楽器のバリエーションや改良版もあります。現在まで残っているものもあれば、姿を消したものの、当時の楽器で音楽を演奏するために再製作されたものもあります。現代と同様に、楽器は金管楽器、弦楽器、打楽器、木管楽器に分類できます。ルネッサンス時代の金管楽器は伝統的にギルドのメンバーである専門家によって演奏され、スライド トランペット、木製コルネット、バルブのないトランペット、サックバットなどがありました。弦楽器には、ヴィオール、レベック、ハープのようなリラ、ハーディガーディ、リュート、ギター、シターン、バンドーラ、オルファリオンがありました。弦楽器には、チェンバロとクラヴィコードがありました。打楽器には、トライアングル、口琴、タンバリン、ベル、ランブルポット、そして様々な種類の太鼓などがある。木管楽器には、ダブルリード・ショーム（オーボエ属の初期の種類）、リードパイプ、バグパイプ、横笛、リコーダー、ダルシアン、クルムホルンなどがある。簡素なパイプオルガンも存在したが、持ち運び可能なものもあったものの、主に教会でのみ使用されていた。[65]印刷術によって、楽器の説明や仕様、そして使用方法の指導が標準化された。[66]

ルネサンス期の声楽は、ますます精緻化するポリフォニー様式の隆盛で知られる。ルネサンス期全体を通じて存続した主要な典礼形式はミサ曲とモテットであり、特に宗教音楽の作曲家たちが自身の作品に世俗的な形式（マドリガーレなど）を取り入れ始めたことで、後期にはいくつかの発展が見られた。この時代の終わりには、モノディ、マドリガーレ・コメディ、インテルメディオといった、オペラの初期の劇的前身となるものが見られる。1597年頃、イタリアの作曲家ヤコポ・ペリは、今日オペラと呼ばれる最初の作品である『ダフネ』を作曲した。彼はまた、現代まで残る最初のオペラである 『エウリディーチェ』も作曲した。

ルネサンスの著名な作曲家には、ジョスカン・デ・プレ、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ、ジョン・ダンスタプル、ヨハネス・オケゲム、オルランド・ド・ラシュス、ギヨーム・デュ・フェイ、ジル・バンショワ、トーマス・タリス、ウィリアム・バード、ジョヴァンニ・ガブリエリ、カルロ・ジェズアルド、ジョン・ダウランド、ヤコブ・オブレヒト、エイドリアン・ヴィラールト、ジャック・アルカデルト、チプリアーノ・デ・ローレ、フランチェスコ・ダ・ミラノなどがいます。

慣習期

慣習期は、通常、慣習的な調性の形成から消滅までの時代として定義されます。[要出典]この用語は通常、約2世紀半にわたり、バロック時代、古典派時代、ロマン派時代を包含します。

バロック

ハーディ・ガーディ、チェンバロ、バス・ヴィオル、リュート、ヴァイオリン、バロック・ギターなどのバロック楽器

バロック音楽は、複雑な調性対位法と通奏低音（連続的な低音線）の使用が特徴です。音楽は、それ以前のすべての時代の単純な歌曲と比較して、より複雑になりました。 [67]ソナタ形式の始まりはカンツォーナで形作られ、主題と変奏のより形式化された概念も形成されました。音楽における不協和音と半音階を扱う手段としての長調と短調の調性が完全に形作られました。[68]

バロック時代には、チェンバロやパイプオルガンで演奏される鍵盤音楽がますます人気となり、ヴァイオリン属の弦楽器は今日一般的に見られる形態をとった。舞台音楽劇としてのオペラは、それ以前の音楽・劇形式から分化を始め、カンタータやオラトリオのような声楽形式がより一般的になった。[69]声楽家は初めて音楽に装飾音を加え始めた。[67]

平均律を取り巻く理論は、調律が難しい鍵盤楽器においてより幅広い半音階の可能性を可能にしたため、より広く実践されるようになった。J.S .バッハは平均律を使用しなかったが、当時一般的だったミーントーン・システムから、あらゆる調間の転調を音楽的に許容できる様々な音律への変更により、彼の平均律クラヴィーア曲集[70]が可能になった

バロック楽器には、初期の楽器（ハーディガーディやリコーダーなど）と多くの新しい楽器（オーボエ、ファゴット、チェロ、コントラバス、フォルテピアノなど）が含まれていました。ショーム、シターン、ラケット、木製コルネットなど、以前の時代の楽器の中には使われなくなったものもあります。バロック時代の重要な弦楽器には、バイオリン、ヴィオール、ビオラ、ヴィオラ・ダモーレ、チェロ、コントラバス、リュート、テオルボ（通奏低音のパートをよく演奏した）、マンドリン、バロック・ギター、ハープ、ハーディガーディがありました。木管楽器には、バロック・フルート、バロック・オーボエ、リコーダー、ファゴットがありました。金管楽器には、コルネット、ナチュラル・ホルン、ナチュラル・トランペット、セルパン、トロンボーンがありました。鍵盤楽器には、クラヴィコード、タンジェントピアノ、ハープシコード、パイプオルガン、そして後期にはフォルテピアノ（ピアノの初期のバージョン）が含まれていました。打楽器には、ティンパニ、スネアドラム、タンバリン、カスタネットが含まれていました。

バロック音楽とその後の古典派音楽の大きな違いの一つは、バロックアンサンブルで使用される楽器の種類がそれほど標準化されていなかったことです。バロックアンサンブルには、数種類の鍵盤楽器（例：パイプオルガン、チェンバロ）[71] 、追加の弦楽器（例：リュート）、擦弦楽器、木管楽器、金管楽器、そして通奏低音を演奏する不特定多数の低音楽器（例：チェロ、コントラバス、ビオラ、ファゴット、セルパントなど）が含まれていました。

バロック時代の声楽作品には、オラトリオやカンタータなどの組曲が含まれていました。[72] [73]世俗音楽はあまり一般的ではなく、通常は器楽音楽のみで特徴づけられました。バロック芸術と同様に、[74]主題は一般的に宗教的であり、カトリックの舞台のために作られました

バロック時代の著名な作曲家には、ヨハン・セバスチャン・バッハ、アントニオ・ヴィヴァルディ、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル、ヨハン・パッヘルベル、ヘンリー・パーセル、クラウディオ・モンテヴェルディ、バルバラ・ストロッツィ、ドメニコ・スカルラッティ、ゲオルク・フィリップ・テレマン、アルカンジェロ・コレッリ、アレッサンドロ・スカルラッティ、ジャン＝フィリップ・ラモー、ジャン＝バティスト・リュリ、ハインリヒ・シュッツなどがいます。

古典派

トーマス・ハーディ（1791年）によるヨーゼフ・ハイドン（1732～1809年）の描写

「クラシック音楽」という用語には中世から21世紀までのすべての西洋芸術音楽が含まれますが、古典派時代とは1750年代から1820年代初頭[75]までの西洋芸術音楽の時代、つまりヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、ルートヴィヒ・ヴァン ・ベートーヴェンの時代を指します

古典派時代には、作曲、演奏、スタイルの多くの規範が確立され、ピアノが鍵盤楽器として主流となった。オーケストラに必要な基本的な編成は、ある程度標準化された（ただし、より幅広い楽器の可能性が開発されるにつれて、編成も拡大していった）。室内楽は、セレナーデでは8人から10人ほどの演奏者によるアンサンブルまで含まれるようになった。オペラは、イタリア、フランス、ドイツ語圏で地域的なスタイルが生まれながらに発展していった。喜劇オペラの一種であるオペラ・ブッファが人気を博した。交響曲は音楽形式として独自の地位を確立し、協奏曲は名人技の演奏を披露する手段として発展した。オーケストラはもはやチェンバロを必要とせず、リードヴァイオリニスト（現在のコンサートマスター）が指揮することが多かった。[76]

古典派時代の音楽家は、チェロ、コントラバス、リコーダー、トロンボーン、ティンパニ、フォルテピアノ（現代のピアノの前身）、オルガンなど、バロック時代の楽器の多くを使い続けました。テオルボやラケットなど一部のバロック楽器は使われなくなりましたが、多くのバロック楽器は、バロックバイオリン（後のバイオリン）、バロックオーボエ（後のオーボエ）、バロックトランペット（通常のバルブ付きトランペットに移行）など、現在でも使用されているバージョンに変更されました。古典派時代には、オーケストラや弦楽四重奏などの室内楽で使用される弦楽器は、オーケストラの弦楽セクションを構成する4つの楽器、すなわちバイオリン、ビオラ、チェロ、コントラバスに標準化されました。フレット付きの弓で弾くヴィオラなどのバロック時代の弦楽器は段階的に廃止されました。木管楽器には、バセットクラリネット、バセットホルン、クラリネット・ダムール、古典派クラリネット、シャリュモー、フルート、オーボエ、ファゴットが含まれます。鍵盤楽器には、クラヴィコードとフォルテピアノが含まれます。チェンバロは1750年代と1760年代には通奏低音の伴奏に使用されていましたが、世紀末には使われなくなりました。金管楽器には、ブッサン、オフィクレイド（チューバの前身であるバス・サーペントの代替品）、ナチュラルホルンが含まれます。

管楽器は古典派時代に洗練されました。オーボエやファゴットのようなダブルリード楽器はバロック時代にある程度標準化されましたが、シングルリードのクラリネット属は、モーツァルトがオーケストラ、室内楽、協奏曲の分野でその役割を拡大するまで、広く使われることはありませんでした。[77]

古典派時代の著名な作曲家には、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、フランツ・シューベルト、カール・フィリップ・エマヌエル・バッハ、ルイジ・ボッケリーニ、アントニオ・サリエリ、カール・ツェルニー、ピエール・ローデなどがいます。ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンは、後期古典派と初期ロマン派の両方の要素を融合させた音楽を作曲した過渡期の作曲家として一般的に知られています。

ロマン派

ヨーゼフ・ダンハウザーが1840年に描いた、ピアノを弾くフランツ・リストを描いた絵画。左からアレクサンドル・デュマ、エクトル・ベルリオーズ、ジョルジュ・サンド、ニコロ・パガニーニ、ジョアキーノ・ロッシーニ、マリー・ダグーがピアノを弾くルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの胸像に囲まれている。

19世紀の最初の10年間から20世紀初頭にかけてのロマン派時代の音楽は、他の芸術形式におけるロマン主義と同様に、拡張された旋律線と表現力豊かで感情的な要素への関心の高まりが特徴でした。音楽形式は古典派時代の形式（それらが体系化されていたにもかかわらず）から脱却し始め、夜想曲、幻想曲、前奏曲といった自由形式の作品が書かれるようになり、主題の提示や展開に関する従来の考え方は無視または軽視されました。[78]音楽はより半音階的で不協和音が多く、調性的に多彩になり、調号に関する緊張が（古い形式の受け入れられた規範に関して）高まりました。[79]芸術歌曲（またはリート）はこの時代に成熟し、グランドオペラの壮大なスケールも同様に成熟し、最終的にはリヒャルト・ワーグナーのニーベルングの指環によって超越されました。[80]

19世紀には、作曲家や音楽家が貴族から独立した生活を送ることができるようになり、音楽機関は裕福なパトロンの支配から脱却した。西ヨーロッパ全域で中産階級が拡大し、音楽への関心が高まるにつれ、音楽の指導、演奏、保存のための団体が設立された。この時代に近代的な構造を実現したピアノ（冶金技術の産業的進歩も一因）は、中産階級の間で広く普及し、ピアノを求める声に応えて多くのピアノ製作者が生まれた。多くの交響楽団はこの時代に設立された。[79]音楽家や作曲家の中には、当時のスターがいたが、フランツ・リストやニッコロ・パガニーニのように、両方の役割を果たした者もいた。[81]

ヨーロッパの文化的思想や制度は、世界の他の地域への植民地拡大に追随し始めました。また、特に時代の終わりにかけて、エドヴァルド・グリーグ、ニコライ・リムスキー＝コルサコフ、アントニン・ドヴォルザークなどの作曲家が故郷の伝統音楽を作品に反映させたことで、音楽におけるナショナリズム（場合によっては当時の政治的感情を反映したもの）も高まりました。 [82]

ロマン派時代には、より力強く持続的な音色と広い音域を持つモダンピアノが、より繊細な響きのフォルテピアノに取って代わりました。オーケストラでは、既存の古典派楽器とセクション（弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器）が保持されましたが、これらのセクションは通常、より豊かで大きな音を出すために拡張されました。例えば、バロック時代のオーケストラには2人のコントラバス奏者がいたかもしれませんが、ロマン派のオーケストラには10人ものコントラバス奏者がいました。「音楽がより表現力豊かになるにつれて、標準的なオーケストラの音色は多くのロマン派の作曲家にとって十分に豊かではなくなりました。」[83]

特にオーケストラで使用される楽器の種類は拡大し、20世紀初頭には後期ロマン派やモダニズムの作曲家たちが大規模なオーケストラを編成したことで、その発展は頂点に達しました。打楽器の種類も多様化し、ロータリーバルブの導入によって金管楽器はより広い音域を演奏できるようになり、より大きな役割を担うようになりました。オーケストラの規模（古典派時代には通常40人程度）は100人以上にまで拡大した。[79] 例えば、グスタフ・マーラーの1906年の交響曲第8番は、150人以上の楽器奏者と400人以上の合唱団によって演奏されてきた。[84]コントラファゴット、バスクラリネット、ピッコロなどの新しい木管楽器が追加され、木琴、スネアドラム、チェレスタ（鐘のような鍵盤楽器）、ベル、トライアングルなどの新しい打楽器、[83]大型のオーケストラハープ、さらには音響効果用のウィンドマシンも追加された。サクソフォンは19世紀後半以降のいくつかの楽譜に登場し、通常はオーケストラの不可欠な部分としてではなく、ソロ楽器としてフィーチャーされている 。

ワーグナー・チューバはホルン属の改良型で、リヒャルト・ワーグナーの交響曲集『ニーベルングの指環』に登場します。また、アントン・ブルックナーの交響曲第7番ホ長調でも重要な役割を果たしており、リヒャルト・シュトラウス、ベーラ・バルトークらによる後期ロマン派およびモダニズム音楽のいくつかの作品でも使用されています。[85]コルネットは、少なくとも19世紀末までは、機敏性に劣ると考えられていたトランペットと並んで、19世紀の楽譜に頻繁に登場します

ロマン派時代の著名な作曲家には、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー、フレデリック・ショパン、エクトル・ベルリオーズ、フランツ・シューベルト、ロベルト・シューマン、クララ・シューマン、フェリックス・メンデルスゾーン、ファニー・マンデルスゾーン、フランツ・リスト、ジュゼッペ・ヴェルディ、リヒャルト・ワーグナー、ヨハネス・ブラームス、アレクサンダー・スクリャービン、ニコライ・メトネル、エドヴァルド・グリーグ、ヨハン・シュトラウス2世などがいます。グスタフ・マーラーとリヒャルト・シュトラウスは、後期ロマン派と初期モダニズムの両方の要素を融合させた音楽を作曲した過渡期の作曲家として一般的に考えられています。

20世紀と21世紀

1913年上演のストラヴィンスキー作曲『春の祭典』のコンセプトアート。マーラー、シベリウス、ヴォーン・ウィリアムズなど、20世紀初頭の多くの作曲家は、自然の力に深く影響を受けました。

世紀の変わり目の音楽は、表現力豊かなメロディー、複雑なハーモニー、そして壮大な形式を特徴とする、後期ロマン派のスタイルを特徴としていました。この時代は、ポスト・ロマン派の 交響曲作曲を推進した多くの作曲家の作品によって特徴づけられました。グスタフ・マーラーやリヒャルト・シュトラウスといった作曲家は、壮大な交響曲やオペラで西洋古典派の伝統を発展させ続け、ジャン・シベリウスやヴォーン・ウィリアムズといった作曲家は、作品に民族主義的な要素や民謡の影響を吹き込みました。セルゲイ・プロコフィエフはこの伝統から始まりましたが、すぐに近代主義の領域に進出しました。同時に、クロード・ドビュッシーが先導する印象派運動がフランスで発展し、モーリス・ラヴェルもまた著名な先駆者でした。[86]

モダニスト

近代音楽は、ポスト・ロマン派、印象派、表現主義、新古典派と特徴付けられる多くの作曲様式を包含していますモダニズムは、多くの作曲家が伝統的な調性、旋律、楽器編成、構造といった当時の一般的な慣習の特定の価値観を拒絶した時代を特徴づけるものである。[87]音楽史家の中には、音楽のモダニズムを1890年から1930年頃までの時代とみなす者もいる。 [88] [89]モダニズムは二度の世界大戦のいずれかで終焉したと考える者もいる。[90]さらに他の権威者たちは、モダニズムは特定の歴史的時代とは関連がなく、「作曲家の姿勢であり、時代とともに進化する生きた概念である」と主張する。 [91] 20世紀後半の衰退にもかかわらず、ピエール・ブーレーズ、ポーリン・オリヴェロス、武満徹、ジョージ・ベンジャミン、ジェイコブ・ドラックマン、ブライアン・ファーニホウ、ジョージ・パール、ヴォルフガング・リーム、リチャード・ワーニック、リチャード・ウィルソン、ラルフ・シャピーなど、モダニズムの思想と形式を発展させ続けた作曲家の中核は20世紀末にも残っていた。[92]

この時期に支配的だった2つの音楽運動は、1890年頃に始まった印象派と、1908年頃に始まった表現主義でした。それは、古い音楽のカテゴリーに挑戦し、再解釈する多様な反応、音楽の和声、旋律、音響、リズムの側面を組織化し、アプローチする新しい方法につながる革新、そして当時の芸術におけるより大きなモダニズムの時代と密接に関連した美的世界観の変化の時代でした。この時代に最も関連のある言葉は「革新」です。 [93]その主な特徴は「言語の多様性」であり、つまり、単一の音楽ジャンルが支配的な地位を占めることはなかったということです。[94]

オーケストラはモダニズム初期の時代に成長を続け、20世紀の最初の20年間にピークに達しました。19世紀にはほとんど登場しなかったサクソフォンは、補助楽器としてより一般的に使用されるようになりましたが、オーケストラの中核メンバーになることはありませんでしたサクソフォンは、モーリス・ラヴェルが編曲したモデスト・ムソルグスキーの『展覧会の絵』やセルゲイ・ラフマニノフの『交響的舞曲』など、一部の作品ではソロ楽器としてのみ登場するが、セルゲイ・プロコフィエフの『ロメオとジ​​ュリエット』第1組曲と第2組曲など、他の作品や多くの作品ではオーケストラ・アンサンブルの一員として登場する。ラヴェルの『ボレロ』など、いくつかの作品では、オーケストラの他のセクションと同様に、異なるサイズのサクソフォンを2本以上使用してセクション全体を形成する。ユーフォニアムは、グスタフ・ホルストの『惑星』やリヒャルト・シュトラウスの『英雄の生涯』など、後期ロマン派および20世紀の作品のいくつかで取り上げられており、通常は「テナー・チューバ」と記されたパートを演奏する。

20世紀初頭の著名な作曲家には、イーゴリ・ストラヴィンスキー、クロード・ドビュッシー、セルゲイ・ラフマニノフ、セルゲイ・プロコフィエフ、アルノルド・シェーンベルク、ニコス・スカルコッタス、エイトル・ヴィラ＝ロボス、カロル・シマノフスキ、アントン・ウェーベルン、アルバン・ベルク、セシル・シャミナード、パウル・ヒンデミット、アラム・ハチャトゥリアン、ジョージ・ガーシュウィン、エイミー・ビーチ、ベーラ・バルトーク、ドミトリ・ショスタコーヴィチなどが挙げられます。さらに、前述のマーラーとシュトラウスは、19世紀から引き継がれた過渡期の人物です。

ポストモダン／コンテンポラリー

ポストモダン音楽は、一部の権威者によると、1930年頃に始まった音楽の時代です。[88] [89]それはポストモダニズム芸術、つまりモダニズムの後継であり、それに反発する芸術と 特徴を共有しています

他の権威の中には、ポストモダン音楽を、1930年以降、20世紀後半から21世紀初頭にかけて作曲された「現代音楽」とほぼ同一視している者もいます。[95] [96]ポストモダン／現代音楽時代の多様な運動には、新ロマン主義、新中世、ミニマリスト、ポストミニマリストなどがあります。

21世紀初頭の現代クラシック音楽は、 1945年以降のすべての音楽形式を含むとよく考えられていました。 [97]一世代後の現在、この用語は、現在も存命の作曲家によって書かれた今日の音楽、つまり1970年代半ばに台頭してきた音楽を適切に指すようになりました。これには、モダニズム、ポストモダン、新ロマン主義、多元主義音楽のさまざまなバリエーションが含まれます。[92]

演奏

ウィーンで開催されたモーツァルト・イヤー2006で演奏する弦楽四重奏団

クラシック音楽を幅広く学んだ演奏家は、「クラシック音楽の訓練を受けている」と言われています。この訓練は、楽器や声楽の教師からの個人レッスン、または音楽院、大学、または大学が提供する音楽学士号や音楽修士号（教授からの個人レッスンを含む）などの正式なプログラムを修了することで得られる場合があります。クラシック音楽では、「…大学院（修士号）レベルまでの、広範な正式な音楽教育と訓練」が必要です。[98]

クラシック音楽のレパートリーを演奏するには、初見演奏とアンサンブル演奏の熟達度、和声原理、強力な聴音（耳で音程を修正および調整するため）、演奏実践に関する知識（例：バロックの装飾）、そして特定の作曲家または音楽作品（例：ブラームスの交響曲やモーツァルトの協奏曲）に期待されるスタイル／音楽的表現への精通が必要です。[要出典]

ヨーロッパのクラシック音楽は、ポピュラー音楽、フォークミュージック、インドクラシック音楽などの他のクラシック音楽の伝統と区別する重要な特徴として、レパートリーが記譜法で書き留められ、パートまたはスコアが作成される傾向があります。このスコアは通常、リズム、ピッチ、そして2人以上の音楽家（歌手または楽器奏者）が関与する場合は、各パートの調整方法の詳細を決定します。記譜された音楽の質により、高度な複雑さが可能になりました。例えばフーガは、大胆で独特な旋律線が対位法で織り交ぜられながらも、一貫した和声の論理を生み出すという驚くべき融合を実現しています。記譜法の使用は作品の記録を保存し、クラシック音楽家が何世紀も前の音楽を演奏することを可能にします

2000年代のクラシック音楽はバロック時代からロマン派時代にかけての音楽即興演奏の伝統のほとんどを失ってしまったが、その時代のスタイルで即興演奏を行った演奏者の例は存在する。バロック時代には、オルガン奏者は前奏曲を即興で演奏し、チェンバロを演奏するキーボード奏者は通奏低音のベース音の下の数字付き低音記号から和音を即興で演奏し、声楽と器楽の演奏者はともに音楽の装飾音を即興で演奏した。[99]ヨハン・セバスチャン・バッハは特に複雑な即興演奏で知られた。[100]古典派時代には、作曲家で演奏家のヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが様々なスタイルでメロディーを即興で演奏する能力で知られた。[101]古典派時代には、一部の名ソリストが協奏曲のカデンツァ部分を即興で演奏することもあった。ロマン派時代には、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンはピアノで即興演奏をしていました。[102]

他の音楽の伝統との関係

クラシック音楽は、作曲家の時代のポピュラー音楽の要素や素材をしばしば取り入れています。例としては、ブラームスが大学祝典序曲で学生の飲酒歌を用いたような時折見られる音楽、クルト・ヴァイルの『三文オペラ』に代表されるジャンル、そしてモーリス・ラヴェルを含む20世紀初頭から中期の作曲家へのジャズの影響（ヴァイオリンとピアノのためのソナタの「ブルース」と題された楽章に代表される）などが挙げられます。[103]ポストモダン、ミニマリスト、ポストミニマリストのクラシック音楽作曲家の中には、ポピュラー音楽への恩恵を認めている人もいます。[104] [検証失敗]

ジョージ・ガーシュウィンの1924年の管弦楽曲『ラプソディ・イン・ブルー』は、オーケストラ・ジャズ、あるいはシンフォニック・ジャズと評されています。この作品は、クラシック音楽の要素とジャズの影響を受けた効果を組み合わせています

クラシック音楽をベースにしたポピュラーソング、1970年代以降にパッヘルベルのカノンが活用されてきたこと、クラシック音楽の音楽家がポピュラー音楽の分野で成功を収めた音楽のクロスオーバー現象など、多くの例が逆方向の影響を示しています。 [105]ヘビーメタルでは、リッチー・ブラックモアやランディ・ローズを含む多くのリードギタリスト（エレキギターを演奏）が[106]、バロック時代または古典派時代の器楽音楽をモデルに演奏スタイルを作り上げました。[107]

フォークミュージック

クラシック音楽の作曲家は、しばしば民俗音楽（一般的にクラシック音楽の訓練を受けていない音楽家によって創作され、しばしば純粋に口承のみで伝えられる伝統に基づく音楽）を利用してきました。ドヴォルザークやスメタナ[ 108]のような作曲家は、作品に民族主義的な色合いを与えるために民俗音楽のテーマを使用し、一方バルトークのような作曲家は、民俗音楽の起源から完全に持ち出された特定のテーマを使用しました。[109] ハチャトゥリアンは、故郷アルメニアの民俗音楽だけでなく、中東や東ヨーロッパの他の民族集団の民俗音楽を作品に広く取り入れました。 [110] [111]

商業化

ラジオ放送とレコード店の出現により、クラシック音楽のライブ演奏がコンピレーションCDにまとめられるようになりました（タワーレコードのWQXR、1986年）。

クラシック音楽の定番曲の中には、商業的に使用されることが多いものがあります（広告や映画のサウンドトラックなど）。テレビコマーシャルでは、いくつかのパッセージが決まり文句になっており、特にリヒャルト・シュトラウスの『ツァラトゥストラはかく語りき』（映画『2001年宇宙の旅』で有名になった）の冒頭やカール・オルフの『カルミナ・ブラーナ』の冒頭部分「おお、運命よ」がそうだ。他の例としては、ヴェルディのレクイエムの「怒りの日」、エドヴァルド・グリーグの『ペール・ギュント』の「山の魔王の宮殿で」 、[112]ベートーヴェンの交響曲第5番の冒頭の小節、アラム・ハチャトゥリアンの「剣の舞」、ワーグナーの『ワルキューレ』の「ワルキューレの騎行」 、リムスキー＝コルサコフの「熊蜂の飛行」、アーロン・コープランドの『ロデオ』の抜粋などがある。[要出典]アニメーション黄金時代の作品の中には、クラシック音楽に合わせたアクションが数多くありました。注目すべき例としては、ウォルト・ディズニーの『ファンタジア』 [113]、トムとジェリーの『ヨハン・マウス』、ワーナー・ブラザースの『セビリアのラビット』と『オペラ座の怪人』 [114]などが挙げられます。

同様に、映画やテレビでは、洗練さや豪華さを伝えるために、クラシック音楽の定型的で決まりきった抜粋がよく使われます。このカテゴリーで最もよく聞かれる曲には、バッハの無伴奏チェロ組曲第1番、モーツァルトのアイネ・クライネ・ナハトムジーク、ヴィヴァルディの四季、ムソルグスキーの禿山の一夜（リムスキー＝コルサコフ編曲）、ロッシーニの「ウィリアム・テル序曲」などがあります。ショーン・ヴァンクールは、1920年代のクラシック音楽の商業化が音楽業界に悪影響を及ぼした可能性があると主張しています。[115]

教育

1990年代には、いくつかの研究論文や一般書籍で、「モーツァルト効果」と呼ばれるようになったものについて書かれました。これは、モーツァルトの音楽を聴いた結果、空間推論テストのスコアが一時的にわずかに上昇することが観察される現象ですこのアプローチはドン・キャンベルの著書で広く知られるようになり、ネイチャー誌に掲載された実験に基づいています。その実験では、モーツァルトを聴くと生徒のIQが一時的に8～9ポイント向上することが示唆されています。[116]この理論の普及版は、ニューヨーク・タイムズの音楽コラムニスト、アレックス・ロスによって簡潔に表現されています。「研究者たちは…モーツァルトを聴くと実際に賢くなることを明らかにした。」[117]プロモーターたちは、この効果を誘発すると主張するCDを販売しました。フロリダ州では、州立学校の幼児に毎日クラシック音楽を聴くことを義務付ける法律が可決され、1998年にはジョージア州知事が、ジョージア州で生まれたすべての子供にクラシック音楽のテープまたはCDを提供するために、年間10万5000ドルの予算を計上しました。モーツァルト効果に関する最初の研究の共著者の一人は、「害になるとは思いません。子供たちに素晴らしい文化体験をさせることには大賛成です。しかし、その資金は音楽教育プログラムにもっと有効に活用できると思います。」とコメントしています。 [118]

関連項目

参考文献

注釈

  1. 問題となっている古代ローマの市民権階級は、伝説の王セルウィウス・トゥッリウスがセルウィウス憲法で定めたガイドラインに由来しています。[12]
  2. ^ コットグレイヴの1611年の定義から数十年後の1690年、アントワーヌ・フルティエールの死後に出版された『宇宙辞典』は、アウルス・ゲッリウスに倣い、キケロ、ジュリアス・シーザー、サッルスティウス、ウェルギリウス、ホラティウスを称賛し、彼らを「古典的」と呼んだ。[13]
  3. ^ これが、 18世紀半ばの新古典主義運動が建築や絵画などの分野では広く普及したが、音楽では普及しなかった理由である。[16]
  4. ^ 18世紀初頭には、ステュアート王政復古に続いて宮廷音楽が短期間開花した。[11]マシュー・ロックや、後にヘンリー・パーセルなどの作曲家は、特に人気の宮廷仮面劇でかなりの成功を収めた。[17] [18]
  5. ^ ジョン・バニスターのコンサートは急速に人気を博し、後にリンカーン・イン・フィールズ、そしてエセックス・ストリートへと会場を移しました。最盛期には、彼のアンサンブルは50人近くの音楽家で構成されていました。[19]
  6. ^ 18世紀イギリスにおけるクラシック音楽のカノンの発展に関する詳細については、ウェーバー、ウィリアム（1994年秋）「18世紀イギリスにおける音楽カノンの知的起源」アメリカ音楽学会誌、47 (3): 488–520 . doi :10.2307/3128800. JSTOR  3128800を参照してください
  7. 19世紀から21世紀にかけて、一部の批評家は第一ウィーン楽派を異なる方法で定義しました。ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテや、後にルートヴィヒ・フィンシャーといった評論家はベートーベンをこの楽派から完全に除外しましたが、音楽学者フリードリヒ・ブルーメはフランツ・シューベルトに加えて3人全員を含めました。[22] チャールズ・ローゼンはハイドン、モーツァルト、ベートーベンを含めましたが、器楽のみでした。[22]
  8. ^ オックスフォード英語辞典（OED ）によると、英語文献における「クラシック音楽」という用語の最も古い使用例は、1829年のイギリス人音楽家ヴィンセント・ノヴェロの日記で、「ここは毎週日曜日にクラシック音楽を正しく、思慮深く演奏された演奏を聴きたいと思ったら、ここに来るべきだ」と記されている。[27]しかし、これはイギリス人作家ジョン・フェルサム・ダネリーの1820年の著書『徹底した低音とクラシック音楽の基本原理入門』のタイトルより少なくとも9年前のものである。[28] [29]
  9. ^ Taruskin 2005のタイトルに加えて、Grout 1973、Hanning 2002、Stolba 1998のタイトルも参照してください。これらはすべて「西洋音楽」という用語を含んでいますが、西洋世界の非クラシック音楽は基本的に除外されています。Grout 1973は1960年に初版が出版され、ジャズやポピュラー音楽に関する情報が含まれたのは、1996年にClaude V. Paliscaが作成した第5版になってからでした。 [35]
  10. ^ 音楽学者のRalph P. Lockeは、作曲家のTan Dunを例に挙げ、2004年の出版物のタイトル『西洋芸術音楽における東アジアの位置づけ』に言及しています。[36]また、Barone, Joshua (2021年7月23日)のタイトルも参照してください。「アジアの作曲家が西洋クラシック音楽でのキャリアを振り返る」。ニューヨーク・タイムズ。 2021年12月28日時点のオリジナルからのアーカイブBurkholder、Grout、Palisca 2014、1009ページは、「西洋文化が世界中に広がり、最も実践的な演奏家や興味深い新しい作曲家の一部が中国、日本、韓国から来ていることを考えると、『西洋（クラシック）音楽』という用語がまだ適切かどうか疑問に思うのも当然です。世界的な広がりを考えると、この伝統の名前を変更する時期が来ているのかもしれません。しかし、折衷的で多様になったとはいえ、そのルーツは依然として西洋文化にあり、ヨーロッパを経て古代ギリシャにまで遡ります」と述べています。
  11. ^ 入手可能なすべての証拠から、古代ローマは古代ギリシャの先人たちの慣習を大部分採用したため、重要な音楽的発展はほとんど、あるいは全くないと考えられます。[41]
  12. ^ 音楽学者のドナルド・ジェイ・グラウトは、20世紀になっても、そのようなギリシャ・ローマ音楽の残存しているものは断片と、さらにいくつかのまともな例だけであると指摘しています。[38]
  13. ^ 中世初期のヨーロッパ全体に音楽の概念的な体系がなかったわけではないかもしれない。セビリアのイシドロスの発言の伝統的な結論に反論するガンペル 2012 を参照。

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出典

書籍

雑誌および百科事典記事

参考文献

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