エモ
パンクロック音楽から派生した音楽ジャンル

エモ
エモバンドのサミアムとテキサス・イズ・ザ・リーズン
その他の名前
  • エモーショナル・ハードコア
  • エモコア
文体の起源
文化的起源
サブジャンル
フュージョンジャンル
地域の情勢
地元の風景
その他のトピック

エモ（/ ˈ iː m oʊ / EE -moh）は、ハードコア・パンクの音楽的特徴と感情的で告白的な歌詞を組み合わせたロック音楽のジャンルである。 1980年代半ばのワシントンD.C.のハードコア・シーンから、ハードコア・パンクやポスト・ハードコアのスタイルとして登場し、エモーショナル・ハードコアまたはエモコアとして知られていた。Rites of SpringやEmbraceなどのバンドがこのジャンルの先駆者であった。1990年代前半から半ばにかけて、エモは、Sunny Day Real Estate、Jawbreaker、Cap'n Jazz、Mineral、Jimmy Eat Worldなどのオルタナティヴ・ロック、インディー・ロック、パンク・ロック、ポップ・パンクのバンドに取り入れられ、再発明された。1990年代半ばまでに、ミッドウェスト・エモからはブレイド、プロミス・リング、アメリカン・フットボール、ゲット・アップ・キッズといったバンドが登場し、複数のインディーズ・レコード・レーベルがこのジャンルに特化した。一方、サンディエゴのバンド、ヘロインとアンティオック・アローが先駆けとなり、よりアグレッシブなスタイルのエモ、スクリーモも登場した。スクリーモは2000年代にホーソーン・ハイツ、シルバースタイン、ストーリー・オブ・ザ・イヤー、サーズデイ、ザ・ユーズド、アンダーオースといったバンドでメインストリームでの成功を収めた。

エモ・サブカルチャーは、ファンとアーティストの間にある特定の関係性と、ファッション、文化、行動の特定の側面を象徴しています。エモ・ファッションには、スキニージーンズ、黒のアイライナー、バンド名が入ったタイトなTシャツ、スタッズベルト、そして前髪を長く伸ばした真っ黒でストレートなフラットヘアが含まれます。2000年代初頭から中頃にかけて、このような服装をするエモ音楽ファンは「エモ・キッズ」または「エモ」と呼ばれていました。エモ・サブカルチャーは、社会的な疎外感、感受性、人間嫌い、内向性、不安といったステレオタイプと結び付けられてきました。うつ病、自傷行為、自殺との関連性が指摘され、2000年代初頭の人気が高まったことで、エモへの反発が起こりました。マイ・ケミカル・ロマンスやパニック！アット・ザ・ディスコなどのバンドは、エモを取り巻く社会的偏見や論争を理由に、エモというレッテルを拒否しました。どのバンドが「エモ」と分類されるかをめぐっては長らく論争があり、特に伝統的なエモシーンの外で活動を始めたバンドについては論争が続いてきた。この質問に対するあるファンの意見を取り上げるために、話題のウェブサイト「Is This Band Emo? 」が作成された。 [6]エモとそのサブジャンルであるエモポップは、ジミー・イート・ワールドやダッシュボード・コンフェッショナルの成功により2000年代初頭に主流文化に入り、多くのアーティストが大手レコードレーベルと契約を結んだ。マイ・ケミカル・ロマンス、 AFI 、フォール・アウト・ボーイ、レッド・ジャンプスーツ・アパラタスなどのバンドは、2000年代の残りの期間、このジャンルの人気を継続した。

2000年代後半には、タイガース・ジョー、アルジャーノン・キャドワラダー、TTNGなどのグループが1990年代のエモのサウンドと美学を取り入れ、このジャンルがたどった商業的な方向転換を拒否したことで、エモ・リバイバルが起こりました。このムーブメントは、モダン・ベースボール、ジョイス・マナー・アンド・ザ・ホテリエの成功により2010年代に注目を集め、タイトル・ファイト、ベースメント、シチズン、トゥーシェ・アモーレ、ラ・ディスピュートなどの様々なサウンドによって、単なる1990年代リバイバルの域を超えて拡大しました。同じ頃、エモ・ラップと呼ばれるフュージョンジャンルが主流となり、その最も有名なアーティストには、リル・ピープ、XXXテンタシオン、ジュース・ワールドなどがいます。エモ・リバイバル運動は2010年代後半に終焉を迎え、オリガミ・エンジェル、アウェイク・バットスティルインベッド、ホーム・イズ・ホエアなどの、より実験的な「ポスト・エモ」サウンドに取って代わられました。

特徴

エモはハードコアパンク[7] [8]から生まれ、ポストハードコアの一形態と考えられている。[9]初期のエモバンドは、通常のハードコアパンクよりも構造化されていないメロディーと感情的または内省的な歌詞を使用し、伝統的なハードコアパンクの攻撃性、怒り、ヴァース・コーラス・ヴァース構造とは区別されていた。[10]ケラング誌のライアン・デ・フレイタスによると、「90年代のエモは、断片的で感情に駆られた不完全さを表していた。」[11]

『Where Are Your Boys Tonight?: The Oral History of Emo's Mainstream Explosion』の著者クリス・ペインによると、エモは「（従来のハードコアよりも）メロディアスで、より繊細で、そしてしばしば非常に過激である。また、エモには非常にパフォーマンス的な側面もある」とのことだ。[12] CNNのサンドラ・ソングは、エモを「ハードコア・パンクへのよりソフトなアプローチで、震えるようなボーカルと刺激的な歌詞を持ち、他のバンドからは『ティーンの不安』のサウンドだと揶揄される」と評している。[13]アメリカン・ソングライターのエム・カサレナは、このジャンルは「不安でありながら、どこか悲惨な雰囲気」が特徴だと述べた。 [14]

エモはハードコアパンクにルーツを持つものの、オルタナティブロック、[15] インディーロック、[16] パンクロック、[17]ポップパンク[ 18] など、他の関連ジャンルとも関連付けられています。[ 19]ブルックリンヴィーガンのアンドリュー・サッチャーは、2001年はエモにとって一種の「岐路」だったという信念を表明し、その年は「エモにはさまざまなバリエーションがあった」と述べています。彼は次のように述べています。「1990年代に主流だった第2波エモのスタイルをまだ演奏しているバンドもあれば、第3波のサウンドを定義し始めたバンドもありました。ポストハードコアに傾倒しているバンドもあれば、ポップパンクやインディーロック、あるいはよりソフトでアコースティックギターとピアノをベースにした音楽を好むバンドもありました。」[20] ニューヨーク・タイムズ紙はエモを「感情的なパンク、ポスト・ハードコア、あるいはポップ・パンク」と評した。 「つまり、感情を表に出し、少しの優しさで音の攻撃を和らげようとするパンクだ。もし理解できるなら、セックス・ピストルズのリッキー・ネルソンが歌っている姿を想像してみてほしい」。[21]作家のマット・ディールはエモを「パンクの使命をより繊細に表現したもの」と呼んだ。[22]

エモミュージックの歌詞は、典型的には個人的で告白的なものであり[23] 、メリアム・ウェブスター辞典によれば「内省的で感情的な」ものである[24] 。テーマは通常、失恋[22] 、自己嫌悪、痛み、不安、自殺願望、愛、人間関係といったテーマを扱っている。[23] オールミュージックはエモの歌詞を「通常、自由連想詩か親密な告白」と評している[7] 。 『ニュー・グローブ音楽・ミュージシャン辞典』によると、「最も基本的な意味で、『エモ』という言葉は感情的な（emotional）の略語であり、この音楽がパンクの政治色が強い公的な抗議を捨て、より私的で内省的な関心事へと移行したことを示しています。音楽的には、この新しい感情感覚は、『春の祭典』の歌手ガイ・ピチョットのノスタルジックで詩的な歌詞と、彼のひび割れた、ほとんど取り乱した、激しいボーカルスタイルに最もよく表れています。」[25]

エモのギターダイナミクスは、パンクロックの柔らかさと強弱の両方を取り入れている。[23] AllMusicによると、1990年代のエモバンドのほとんどは「フガジ、サニーデイ・リアル・エステート、ウィーザーの要素をある程度取り入れている」という。[7]エモの中には、複雑なギターワーク、型破りな曲構成、極端なダイナミクスの変化など、プログレッシブミュージックの特徴に近いものもある。 [7]

語源

エモという言葉は人によって意味が異なります。実際、それは控えめな表現と言えるでしょう。エモは人によって全く異なる意味を持つようです。ピッグ・ラテンやトーマス・ピンチョンの小説のように、混乱はエモの特徴的な特徴の一つです。[...] この言葉は30年、2千年、そして2度のブッシュ政権を生き延び、繁栄してきました。[...] エモという言葉は、ほとんどのファンよりも古くから存在しています。誇りの源であり、嘲笑の的であり、混乱の象徴であり、そして時代の象徴でもありました。2度「次の大ブーム」となり、1度「今流行のブーム」となりました。しかし、その意味について誰も意見が一致しないだけでなく、今も昔も、エモであることを認めるメジャーバンドは一つも存在しません。一つも。

音楽評論家アンディ・グリーンウォルド著『Nothing Feels Good: Punk Rock, Teenagers, and Emo』（2003年11月15日刊行）。セント・マーチンズ・グリフィン社、1-2ページ。

「エモ」という言葉の起源は定かではないが、証拠から「エモ」という言葉は1980年代半ば、具体的には1985年に造られたことが示されている。『Nothing Feels Good: Punk Rock, Teenagers, and Emo』の著者アンディ・グリーンウォルドによると、 「「エモ」という言葉の起源は謎に包まれている...しかし、それが初めて一般的に使われるようになったのは1985年だ。マイナー・スレットがハードコアだとしたら、焦点を変えた『Rites of Spring』はエモーショナル・ハードコア、つまりエモコアだった」[26] 。 『Our Band Could Be Your Life』の著者マイケル・アゼラッドも、この言葉の起源を1980年代半ばに求め、「このスタイルはすぐに『エモコア』と呼ばれるようになり、関係者全員がこの用語を激しく嫌った」としている。[27]マイナー・スレットとダグ・ナスティのスティーブ・ナイルズとブライアン・ベイカーは、「エモーショナル・ハードコア」という言葉はエモ形成期にベイカーによって造られたものだと述べている。ベイカーはこの言葉を軽蔑的に使い、バンドにとって「補助的」で「見せかけ」的な性質だと認識していた。この言葉はすぐにスラッシャー誌で採用された。[28]他の説では、エンブレイスのコンサートで観客がバンドを侮辱するために「エモコア」と叫んだことに由来するとされている。[29] [30]また、マッケイが雑誌で自嘲的に使ったのが造語だとか、ライツ・オブ・スプリングが起源だと言う者もいる。[30]「エモコア」というレッテルはDCパンクシーンで急速に広まり、イアン・マッケイのディスコード・レコードと関係のある多くのバンドと結び付けられた。[29]多くのバンドがこの言葉を拒否したにもかかわらず、この言葉は使われ続けた。ジェニー・トゥーミーは回想する。「最初にその言葉を使ったのは、そのシーンの規模と熱狂ぶりに嫉妬する人たちだけだった。『Rites of Spring』はその言葉が生まれるずっと前から存在していたが、彼らはそれを嫌っていた。でも、人々が音楽を『グランジ』と呼び始めた時のように、嫌いなのにその言葉を使うという奇妙な瞬間があった。」[31]

「エモ」という言葉は、アーティスト、批評家、そしてファンの間で議論と意見の相違の種となってきました。この用語の定義が曖昧であると考える人もいます[32]。感情を表現するあらゆる音楽を指す言葉として使われることもあります[33]。「エモとその関連サブカルチャーが主流となったことで、この用語は他のジャンルと混同されるようになりました[34] 。さらに、伝統的なエモ音楽のファンは、このジャンルの定義が拡大していること、そして彼らが「商業化」と捉えているものに嫌悪感を表明しています[35] 。

『今夜の君たちはどこにいる？：エモの主流爆発の口述歴史』の著者、クリス・ペインは次のように評価している。「エモには人によって様々な定義がある。私にとっては、キャプテン・ジャズやアメリカン・フットボールのような昔のDIY音楽もあれば、マイ・ケミカル・ロマンスやパラモア、リル・ピープのようなエモ・ラップのような、よりポピュラーなものもある。」[12]

エモとレッテルを貼られたバンドの多くは、エモというレッテルを拒否した。[36]イアン・マッケイは、スラッシャー誌の記事でエンブレイスや他のワシントンD.C.のバンドが「エモコア」と呼ばれた後、ライブ中に「今までの人生で聞いた中で最も馬鹿げた話だ」と発言した。[37]サニー・デイ・リアル・エステートのメンバーは、自分たちは単なるロックバンドだと考えており、初期の頃は「エモコア」という言葉は侮辱だったと語っている。「エモコアやロックなどという言葉を使う人を軽蔑するつもりはないが、当時、エモコアという言葉はバンドに浴びせられる最悪の侮辱だった」[38] 。

クリス・ペインの著書『Where Are Your Boys Tonight?』（2023年）の中で、ベイサイド・ミュージックのボーカリスト、アンソニー・ラネリは、エモが2000年代に主流派として成功した頃に「汚い言葉」になったと考えていると述べている。彼は、この軽蔑的な言葉の使用は、ヒップスターたちが、当時の人気インディーロックグループ、特にザ・ストロークスほどクールではないと見なしたロックアーティストを軽蔑するためにこの言葉を使ったことに由来すると説明している。[39]マイ・ケミカル・ロマンスのボーカル、ジェラルド・ウェイは2007年に、エモは「クソの山だ [...] 僕たちがエモと見なされるバンドが一緒くたにされて、それがデフォルトで僕たちをエモにし始めていると思う。僕に言えることは、実際にレコードを聴いて、レコードを並べて聴いてみれば、実際には類似点がないことがわかるだろう、ということだけだ。」と述べている。[40]さらに、シリウスXMのクイン・ビジャレアルは、「2000年代と2010年代に『感情』を持つことは『クール』ではなかった。そのため、『エモ』という言葉は軽蔑的な意味を持つようになり、バンドやファンに拒否されることが多い」と述べた。[41]

パニック！アット・ザ・ディスコのブレンドン・ユーリーは「無知だよ！ ステレオタイプ的には、弱くて関係がうまくいっていない男が、どれだけ悲しいかを書くかだ。でも、僕らの曲を聴けば、そんなトーンの曲は一つもない」とコメントしている。[42]テイキング・バック・サンデーの アダム・ラザーラは、自分たちのバンドをエモではなく、常にロックンロールだと思っていたという。 [43]ゲット・アップ・キッズのギタリスト、ジム・サプティックは、2000年代のメインストリームのバンドと1990年代のエモバンドの違いについて、「僕らが育ったパンクシーンと今のパンクシーンは全く違う。今はグラムロックみたいだ。今年バンブーズル・フェスティバルに出演したけど、すごく場違いな感じだった…もしこれが僕らが作り上げた世界だとしたら、謝りたい」と語っている。[44] AFIのボーカリスト、デイビー・ハヴォックはエモを「とても奇妙で意味のない言葉」と表現した。[45]初期のエモミュージシャンたちもこのレッテルを否定している。ライツ・オブ・スプリングのボーカリスト、ガイ・ピチョットは、エモというレッテルは「時代遅れ」だと考えており、ライツ・オブ・スプリングは常にパンクロックバンドだと考えていた。「私がエモというレッテルを馬鹿げていると思う理由は、バッド・ブレインズが感情的じゃないとか、ロボットか何かだったとか、そういうことじゃないですか。私には全く理解できません。」[46]

「モール・エモ」という用語は、パラモア、ホーソーン・ハイツ、マイ・ケミカル・ロマンス、パニック！アット・ザ・ディスコ、フォール・アウト・ボーイといった主流派バンドを、商業的に成功しなかった先行バンドや後継バンドと区別するために使われてきた。[47] [48] [49]「モール・エモ」という用語は、エモが主流になった当時、多くのエモファンがエモの変化を嫌った2002年頃にまで遡る。[50]

『エモ・アンソロジー』の編集者であるトム・マレンは、2007年にこのジャンルに対する主流の認識に応えて、このジャンルの歴史に関する情報を提供することを目的として、ウェブサイト「Washed Up Emo」を立ち上げました。[51]彼はその後、2014年に「Is This Band Emo?」というウェブサイトを立ち上げ、様々なバンドがこのジャンルに分類されるかどうかをユーモラスな回答とともに解説しています。[52] [53]

歴史

1981年のハードコアパンクバンド、マイナー・スレット

先人たち

音楽ライターのルーク・ブリットンによると、「このジャンルの先駆者は1980年代後半に登場したというのが一般的な見方だ」という。[54]この10年間で、ワシントンD.C.では多くのハードコアパンクやポストハードコアのバンドが結成された。ハードコアパンクの実験的な派生であるポストハードコアは、ポストパンクに影響を受けていた。[55]初期のエモバンドに影響を与えたハードコアパンクバンドやポストハードコアバンドには、マイナー・スレット、[56]ブラック・フラッグ、ハスカー・ドゥなどがある。[57]

1984–1991: 起源

誰も議論していない、あるいは少なくとも大声で議論していない唯一の事実は、エモがハードコアから生まれたということだ。

音楽評論家のアンディ・グリーンウォルド著『Nothing Feels Good: Punk Rock, Teenagers, and Emo』（2003年）[58]

エモは、ポスト・ハードコアのサブジャンルとして始まり、[9] 1980年代のワシントンD.C.のハードコア・パンク[7]シーンの一部であり、ワシントンD.C.のハードコア・シーンの暴力的な部分とは異なるものであった。[10] [59] [60]ライツ・オブ・スプリングは1983年に結成され、[61]ハードコア・パンクの音楽スタイルを使用し、その音楽スタイルにメロディアスなギター、多様なリズム、個人的かつ感情的な歌詞を組み合わせた。[56]ノスタルジア、ロマンチックな苦味、詩的な絶望など、バンドのテーマの多くは、後のエモ・ミュージックでおなじみの比喩となった。 [62]パフォーマンスは観客が涙を流す公衆の面前での感情の浄化であった。[63]マイナー・スレットのイアン・マッケイはライツ・オブ・スプリングのファンになり（彼らの唯一のアルバムをレコーディングし、ローディーを務めた）、自己探求と感情の解放という同様のテーマを探求するエモ・バンド、エンブレイスを結成した。 [26] 1985年の「レボリューション・サマー」に関連して、同様のバンドが続いた。これは、ワシントンのシーンのメンバーが、通常のハードコアパンクの特徴から脱却し、異なる特徴を持つハードコアパンクスタイルに挑戦した試みであった。 [60]グレイ・マター、ビーフィーター、ファイアー・パーティー、ダグ・ナスティ、ソウルサイドなどのバンドがこの運動に関連していた。[26] [60]

「Rites of Spring」（1985年）の「Remainder」
『Rites of Spring』のメロディアスなギター、多様なリズム、そして個人的な歌詞はハードコアパンクシーンに変化をもたらし、1980年代に「エモーショナル・ハードコア」または「エモコア」スタイルの誕生に貢献した。[59]
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ワシントンD.C.のエモシーンはわずか数年しか続かず、1986年までにはエモの主要バンドのほとんど（ライツ・オブ・スプリング、エンブレイス、グレイ・マター、ビーフィーターなど）が解散していた。[64]しかし、そのアイデアと美学は手作りのジン、ビニールレコード、伝聞を通じて国中に急速に広まった。 [65]グリーンウォルドによると、ワシントンD.C.のシーンはエモのその後の発展の基礎を築いたという。

80年代半ばにワシントンD.C.で起こった出来事――怒りから行動へ、外向的な怒りから内なる葛藤へ、個人化された大衆から個人の大衆への変化――は、多くの点で、その後20年間にわたる全米のパンクシーンの変遷の試金石となった。イメージ、音楽の力、人々の反応、そしてバンドがフェードアウトするのではなく燃え尽きていく様子――これらすべては、Rites of Springの最初の数回の公演に端を発している。エモのルーツは、意図せずとも、首都で50人ほどの人々によって築かれた。そしてある意味では、エモはかつてないほど素晴らしく、かつてほど純粋なものになることはなかった。確かに、ワシントンD.C.のシーンは、「エモコア」がジャンルとしてコンセンサスを得た唯一の時代だった。[66]

メリーランド州出身のバンド、モス・アイコンとザ・ヘイテッドは、レボリューション・サマーの終盤に結成された。[67]以前のエモバンドとは異なり、モス・アイコンの音楽はパンクの従来のリズムや推進力を無視することが多かった。[68]音楽史家の中には、この頃から「エモコア」と「エモ」を区別する者もいる。[69]ジャーナリストのD・I・クラフチェクは、モス・アイコンとザ・ヘイテッドをエモコアではなくエモの先駆者と呼んでいる。[70]その後、エモのサウンドは、それぞれが独立していながらも、互いに絡み合いながら、いくつかの異なるシーンに広まっていった。[71]

1991–1994: 再発明

ワシントンD.C.のエモ運動が全米に広がるにつれ、地元のバンドがそのスタイルを真似し始めた。[72]エモは、スミスの宿命論、芝居がかった雰囲気、孤独感と、ハードコアパンクの妥協を許さないドラマチックな世界観を組み合わせた。[72]バンドの数や活動場所の多様さにも関わらず、1980年代後半のエモコアの美学はほぼ同じままだった。「感情を大げさに歌った歌詞が、ドラマチックだが明らかにパンクな音楽と結びついている」。[72] 1990年代前半から中頃にかけて、いくつかの新しいバンドがエモを再発明し、[73]インディーロックやポップパンクのようなジャンルのサブジャンルとしてエモを拡張した。[7]その代表格がジョーブレイカーとサニーデイ・リアル・エステートで、カルト的なファンを生み出し、エモを再定義し、主流に一歩近づけた。[73] 1991年のニルヴァーナの『ネヴァーマインド』の成功とそれに伴うグランジの台頭をきっかけに、アメリカではアンダーグラウンド・ミュージックとサブカルチャーが広く注目を集め、レコード会社は次なるロックのサブジャンルを模索しました。新たな流通網が生まれ、ツアールートが確立され、地方やインディーズのアーティストが全国的な舞台に進出しました。[73]全国の若者がインディーズ音楽のファンになり、パンク文化が主流となりました。[73]

ジョーブレイカーの「キス・ザ・ボトル」（1992年）
「Kiss the Bottle」は、ジョーブレイカーの代表曲であり、最も評価の高い曲の一つと考えられている。[要出典]
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サニーデイ・リアル・エステートがステージでパフォーマンス
サニーデイ・リアル・エステートの2010年のパフォーマンス

1980年代後半から1990年代前半のサンフランシスコのパンク・ロック界から登場し、ニューヨークで結成されたジョーブレイカーは、ポップ・パンクと感情的で個人的な歌詞を組み合わせた。[74] [75] [76]シンガー兼ギタリストのブレイク・シュワルツェンバッハは、しばしば自身の日記から取った個人的で身近な話題を歌詞に取り入れた。[74]しばしば難解で隠喩につつまれたそれらの歌詞は、シュワルツェンバッハの懸念との関係により、彼の言葉に苦味と不満を与え、普遍的で聴衆を惹きつけるものとなった。[77]リスナーは彼の歌よりも歌手に共感したため、シュワルツェンバッハはエモの最初のアイドルとなった。[77]ジョーブレイカーの1994年のアルバム「24 Hour Revenge Therapy」はファンに人気があり、1990年代半ばのエモの試金石となっている。 [78]ジョウブレイカーはゲフィン・レコードと契約し、ニルヴァーナやグリーン・デイといった主流バンドとツアーを行ったものの、1995年のアルバム『Dear You 』は主流のヒットには至らなかった。その後まもなくジョウブレイカーは解散し、シュワルツェンバッハはエモバンド、ジェッツ・トゥ・ブラジルを結成した。[79]

サニー・デイ・リアル・エステートは、1990年代初頭のグランジブームの絶頂期にシアトルで結成された。グランジブームもシアトルを象徴する存在だった。[80]バンドのデビューアルバム『ダイアリー』（1994年）のリードトラック「セブン」のミュージックビデオがMTVで放送され、バンドへの注目度が高まった。[81]

1994年～1997年: アンダーグラウンドでの人気

1980年代初頭から主にアンダーグラウンドで展開されていたアメリカのパンクとインディーロックのムーブメントは、1990年代半ばにメインストリーム文化の一部となりました。ニルヴァーナの成功により、大手レコード会社はオルタナティブロックやその他のアンダーグラウンドミュージックの人気に乗じて、インディーズバンドと契約・プロモーションを行いました。[82]

1994年、ジョーブレーカーの『24アワー・リベンジ・セラピー』とサニー・デイ・リアル・エステートの『ダイアリー』がリリースされたのと同じ年に、パンクロックバンドのグリーン・デイとオフスプリングが、それぞれダイヤモンドアルバム『ドゥーキー』 [83]とマルチプラチナアルバム『スマッシュ』 [84]でメインストリームに躍り出た。アンダーグラウンドミュージックがメインストリームになった後、エモは後退し、その後数年間で全国的なサブカルチャーとして再編成された。[82]この頃、アンダーグラウンドでは多くのエモバンドが登場したが、最も有名なのはアリゾナのバンド、ジミー・イート・ワールドで、1994年にデビューアルバムをリリースし、ミスターTエクスペリエンスやホレス・ピンカーなどのポップパンクバンドの影響を受けていた。[85]ジミー・イート・ワールドは1994年にセルフタイトルのデビューアルバムをリリースした。[86]ジミー・イート・ワールドは名声を高めるにつれ、この時代を代表するメロディックなサウンドのミネラルなど、多くの同世代のバンドとツアーを行った。 [87]カリフォルニアのウィーザーもエモと見なされることがあるバンドで、この時期に名声を博したが、[88]ウィーザーがエモのジャンルに属するかどうかは議論の余地がある。[89] [90]

ジョウブレイカー、ドライヴ・ライク・ジェフ、フガジに影響を受け、1990年代のエモはハードコア・パンクの要素を捨て、インディー・ロックの要素を取り入れた。パンクロックのDIY精神はそのままに、よりスムーズな楽曲とエモーショナルなボーカルを採用した。[91]グローブ・ミュージック・ディクショナリーのテオ・カテフォリスは次のように述べている。「これらのグループは、ストレートとダブル・タイムを行き来する拡張された楽曲形式と、クリーンなギターの音色とディストーションの炸裂によって、感情の不安定さを音楽に表現した。ボーカリストはパンクのシャウト・スタイルを意図的に避け、メロディックなラインを息の詰まるヘッド・ボイスで歌い、しばしば音域の上限まで緊張させ、それが音楽の感情的な緊迫感に貢献した。」[92]

キャプテン・ジャズのステージ
2010年のキャプテン・ジャズのライブ

1990年代のエモバンドの多くは、キャプテン・ジャズ、ブレイド、クリスティ・フロント・ドライブ、ミネラル、ジミー・イート・ワールド、ゲット・アップ・キッズ、プロミス・リングなど、米国中部で誕生した。[93]バンドの多くは独特のボーカルスタイルとギターメロディーを持っており、後にミッドウェスト・エモと呼ばれるようになった。[94]アンディ・グリーンウォルドによると、「この時期が、少年主導、眼鏡をかけ、敏感すぎる、頭脳明晰、チャイムのギターが主体の大学音楽など、今日まで続くエモのステレオタイプの多く、あるいはすべてを獲得した時期だった。」[91]エモバンドのテキサス・イズ・ザ・リーズンは、東海岸で3年間の活動期間中に、インディーロックとエモの橋渡しをし、サニー・デイ・リアル・エステートのメロディーとパンクな音楽性を融合させ、聴き手に直接語りかける歌声を披露した。 [95] [96]ライフタイムが1995年にジェイド・ツリー・レコードからリリースしたアルバム「 Hello Bastards」は、ハードコア・パンクとエモを融合させ、皮肉やアイロニーを避けてラブソングを好んだ。[96]このアルバムは数万枚を売り上げ、[97]ライフタイムはニュージャージーとロングアイランドのエモバンド、ブランド・ニュー、ミッドタウン、[98]ザ・ムービーライフ、マイ・ケミカル・ロマンス、[98]セイブズ・ザ・デイ、[98] [99]センシズ・フェイル、[98]テイキング・バック・サンデー[ 97] [98]サーズデイ[98] [100]の道を開いた。

ステージの前に4人の男性が集まっている
ウィーザー（写真）はアルバム『ピンカートン』をリリースしたが、当初は批評的にも商業的にも失敗に終わった。それでもなお、『ピンカートン』は1990年代のエモ・アルバムの中でも最も重要なアルバムの一つとされている。[101]

プロミス・リングの音楽は、よりスローでスムーズなポップパンク的なアプローチでリフを演奏し、それを歌手デイヴィー・フォン・ボーレンのイメージ主義的な歌詞と融合させた。歌詞はカエルのような甘い声と舌足らずな発音で歌われ、地下室や退役軍人会（VFW）のホールでライブを行った。[102 ]ジェイド・ツリーは1996年にデビューアルバム『30° Everywhere』をリリースし、数万枚を売り上げ、インディーズの基準では成功を収めた。[103]グリーンウォルドはこのアルバムを「頭に綿菓子をぶつけられたよう」と表現している。[104]カラテ、ヴァン・ペルト、ジャンヌ・ダルク、シャイネス・クリニックなどの他のバンドは、ポストロックやノイズロックの影響を受けたエモミュージックを演奏した。[105]彼らの歌詞の共通点は「大きな疑問を小さなシナリオに適用する」ことだった。[105] 1990年代半ばのエモの基礎となったのは、ウィーザーの1996年のアルバム「ピンカートン」だった。[106]ウィーザーのデビューアルバム「ピンカートン」が主流の成功を収めた後、 「ピンカートン」はよりダークで攻撃的なスタイルを見せた。[107] [108]フロントマンのリヴァース・クオモの曲は、乱雑で操作的なセックスと有名人との付き合い方に対する不安に焦点を当てていた。[108]批評的にも商業的にも失敗し、[108] [109]ローリングストーン誌はそれをその年で3番目に悪いアルバムと呼んだ。[110]クオモは公の場から身を引いて、[108]後にアルバムを「ひどい」「非常に痛い間違い」と呼んだ。[111]しかし、「ピンカートン」は、オルタナティブロックを発見し、その告白的な歌詞と拒絶のテーマに共感する若者の間で永続的な人気を得た。 [101]口コミ、オンライン掲示板、ナップスターのおかげで売上は着実に伸びた。[101]「誰も注目していなかったが」とグリーンウォルドは書いている。「おそらく誰も注目していなかったからだろうが、ピンカートンはこの10年間で最も重要なエモアルバムとなった。」[101] 2004年、MTVのジェームズ・モンゴメリーはウィーザーを「過去10年間で最も重要なバンド」と評した。[112]ピンカートンの 成功は徐々に大きくなり、2001年7月にRIAAからゴールド認定を受け、最終的には2016年9月にRIAAからプラチナ認定を受けた。[113]

ミネラルの「If I Could」（1997年）
アンディ・グリーンウォルドは「If I Could」を1990年代エモの「究極の表現」と呼んでいる。[114]
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1990年代半ばのエモはミネラルによって体現され、彼らの『The Power of Failing』（1997年）と『EndSerenading』（1998年）は、エモの典型的な特徴、すなわち陰鬱な音楽に、内気なナレーターが日常的な問題について真剣に歌うという要素を凝縮していた。[114]グリーンウォルドは「If I Could」を1990年代エモの「究極の表現」と呼び、「この曲の短いあらすじ ― 彼女は美しい、私は弱く、愚かで、内気。私は一人だが、一人になると驚くほど詩的になる ― は、エモの支持者が賞賛し、批判者が嫌悪したすべてのものを要約している」と書いている。[114]もう一つの重要なバンドはブレイドで、1998年のアルバム『Frame and Canvas』とB面曲「Forever Got Shorter」は、バンドとリスナーの境界線を曖昧にした。バンドは情熱と感情で観客を映し出し、ファンの声で歌った。[115]

プロミス・リングの「なぜ私たちは出会ったのか」（1997年）
プロミス・リングの「Nothing Feels Good」はポップとパンクを効果的に融合させ、大きな成功を収めた。[116]
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1990年代半ばのエモには何千人もの若いファンがいたものの、全国的な認知度には至らなかった。[117]いくつかのバンドは大手レコード会社から契約のオファーを受けたが、ほとんどはそのチャンスを活かす前に解散した。[118]ジミー・イート・ワールドは1995年にキャピトル・レコードと契約し、アルバム『スタティック・プレベイルズ』でファンを獲得したが、まだメインストリームには入っていない。[ 119]プロミス・リングは当時最も商業的に成功したエモバンドで、1997年のアルバム『ナッシング・フィールズ・グッド』の売上は5桁半ばに達した。[117]グリーンウォルドはこのアルバムを「ポップとパンク、諦めと祝福、ガールフレンドの魅力と友人、バンド仲間、そしてツアーへの情熱が融合した、その世代のエモの頂点」と呼んでいる。[120] 1990年代半ばのエモは「プラスチックとメガバイトではなく、ビニールと紙でできた最後のサブカルチャー」だった。[121]

1997年～2002年：独立の成功

エモの人気は1990年代後半に高まり、主流の成功への基礎を築いた。ディープ・エルム・レコードは1997年から2007年にかけて、11枚のコンピレーションアルバム『The Emo Diaries 』をリリースした。 [122]多くのバンドの未発表曲を重視したこのシリーズには、ジミー・イート・ワールド、Further Seems Forever、Samiam、the Movielifeが含まれていた。[122]ジミー・イート・ワールドの1999年のアルバム『Clarity』は、後のエモバンドの試金石となった。[123] 2003年、アンディ・グリーンウォルドは『Clarity』を「ここ10年で最も熱烈に愛されたロックンロールレコードの1つ」と呼んだ。[123]批評家からの温かい評価とドリュー・バリモアのコメディ映画『 Never Been Kissed』での「Lucky Denver Mint」の宣伝にもかかわらず、『Clarity』は商業的には成功しなかった。[124]それでも、アルバムは口コミで着実に人気を博し、最終的には7万枚以上を売り上げた。[125]ジミー・イート・ワールドは、ドリームワークス・レコードと契約する前に、次のアルバム「ブリード・アメリカン（2001年）」を自費で制作した。このアルバムは初週で3万枚を売り上げ、その後まもなくゴールドディスク、2002年にはプラチナディスクとなり、エモを主流にした。[126]ドライブスルー・レコードは、ミッドタウン、スターティング・ライン、ムービーライフ、サムシング・コーポレートなど、エモの特徴を持つポップパンクバンドを主に揃えた。[127]ドライブスルーはMCAレコードと提携したことで、エモの影響を受けたポップというブランドをより幅広い聴衆に届けることができた。[128]ドライブスルーの音楽に対するあからさまな大衆主義と資本主義的アプローチにより、バンドのアルバムやグッズはホットトピックなどの店で販売できた。[129]

セイブズ・ザ・デイは、エモがまだ主にアンダーグラウンドだった1990年代後半から2000年代前半にかけて、最も成功したエモバンドの1つでした。

独立系レーベルのVagrant Recordsは、 1990年代後半から2000年代前半にかけて成功を収めたエモバンド数名と契約を結んだ。ゲット・アップ・キッズは、Vagrantと契約する前から、デビューアルバム『Four Minute Mile』（1997年）を1万5千枚以上売り上げていた。レーベルは彼らを積極的にプロモーションし、グリーン・デイやウィーザーのツアーのオープニングアクトを務めさせた。[130] 1999年のアルバム『Something to Write Home About』は、ビルボードの Top Heatseekersチャートで31位に達した。 [131]その後2年間で、Vagrantはアニバーサリー、レジー・アンド・ザ・フル・エフェクト、ニュー・アムステルダムズ、アルカリ・トリオ、セイブズ・ザ・デイ、ダッシュボード・コンフェッショナル、ヘイ・メルセデス、ホット・ロッド・サーキットなど、数多くのエモ関連バンドと契約・レコーディングを行った。[132]セイブズ・ザ・デイは東海岸でかなりの支持を集めており、2枚目のアルバム『Through Being Cool』（1999年）を5万枚近く売り上げた後、[99]ヴァグラントと契約し『Stay What You Are』（2001年）をリリースした。『Stay What You Are』は初週で1万5千枚を売り上げ、[133]ビルボード200で100位に達し、 [134]米国で少なくとも12万枚を売り上げた。[135]ヴァグラントは2001年夏、マイクロソフトやコカコーラなどの企業のスポンサーを受けて、レーベルの全バンドが参加する全国ツアーを企画した。その大衆向けのアプローチとインターネットをマーケティングツールとして活用したことで、ヴァグラントは国内で最も成功した独立系レーベルの1つとなり、「エモ」という言葉の普及に貢献した。[136]グリーンウォルドによると、「他のどのイベントよりも、大衆にエモを定義したのは『ヴェイグラント・アメリカ』だった。それは主に、ツアーに出てエモを人々に届ける勇気があったからだ。」[133]

2002年～2004年: 主流への躍進

ジミー・イート・ワールドの「ザ・ミドル」（2001年）
「ザ・ミドル」はビルボードのモダン・ロック・トラック・チャートで1位を獲得し、ブリード・アメリカンのプラチナ獲得に貢献した。[137] [138]
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[2000年代初頭]、ボカラトン、ラスベガス、ニュージャージー州郊外、イリノイ州ロングアイランドといった文化の片田舎出身のバンドが、先人たちの個人的な感情への関心とパンクの遺産に新たな要素、つまりポップな野心を加えた。高速でパーカッシブなギターのかき鳴らし、耳から離れないリフ、熱狂的なドラミング、そしてスタジアムで歌いたくなるようなメロディーが、鼻にかかるようなスタイルで歌われ、泣き言を交え、時には叫び声へと昇華した。

ニューヨーカー誌のピーター・C・ベイカー（2023年7月28日）[1]

エモは2002年の夏に主流メディアに登場した。ブルックリン・ヴィーガンのアンドリュー・サッチャーは「10年前にグランジが主流になった時のように、これは10年以上かけて構築されてきたサウンドの集大成だったが、いったん軌道に乗り始めると、ほとんど一夜にして起こったことだ。無名のバンドはすぐにMTVに登場し、数え切れないほどのバンドが後に続いた」と説明した。[137] [20]この時期、エモミュージックのファンの多くは、黒くて分厚いフレームの眼鏡をかけ、古着屋の服を着ていた。[50]ジミー・イート・ワールドのアルバム「ブリード・アメリカン」は、ビルボードのオルタナティブ・ソングス・チャートで1位になった「ザ・ミドル」のおかげでプラチナになった。[137] [138] [139]ジミー・イート・ワールドの主流としての成功は、2000年代の残りの期間に登場するエモ・ポップ・ミュージックへの道を開き、[140]エモ・ポップは2000年代のエモ・ミュージックの非常に一般的なスタイルとなった。[141]ダッシュボード・コンフェッショナルというバンドが主流に躍り出た。ギタリスト兼リード・ボーカルのクリス・カラバによって設立されたダッシュボード・コンフェッショナルは、アコースティックな曲を作ることで知られている。[142]ダッシュボード・コンフェッショナルはもともとサイド・プロジェクトだった。カラバはエモ・バンドFurther Seems Foreverのメンバーでもあったし、[142]カラバが1995年に設立を支援したパンク・ロック・バンド Vacant Andys のメンバーでもあった。[143]ダッシュボード・コンフェッショナルのアルバム『The Places You Have Come to Fear the Most』は、インディペンデント・アルバム・チャートで5位に達した。[144]ダッシュボード・コンフェッショナルは、プラチナ・セールスを記録していないアーティストとしては初めてMTVアンプラグドのエピソードを録音した。[137] 2002年に発表されたライブアルバムと長編ビデオは、2003年5月22日にRIAAからプラチナ認定を受け、インディペンデント・アルバム・チャートで1位を獲得し、2007年10月19日時点で31万6000枚を売り上げた。[144] [142] [145]ダッシュボード・コンフェッショナルが主流の成功を収めたことで、カラバは雑誌「スピン」の表紙を飾り、ジム・デロガティスによると「モビーがテクノの代表的存在とみなされたように、あるいはカート・コバーンが不本意ながらグランジの皇太子となったように、カラバは『エモの顔』となった」という。[146]ダッシュボード・コンフェッショナルのスタジオアルバム3枚、The Places You Have Come to Fear the Most (2001)、A Mark, a Mission, a Brand, a Scar (2003)、Dusk and Summer (2006) は、いずれも2000年代半ばにRIAAによりゴールド認定された。[145] 2007年10月19日現在、The Places You Have Come to Fear the Mostは599,000枚を売り上げている。[147] 2007年10月19日現在、Dusk and SummerとA Mark, a Mission, a Brand, a Scarは、それぞれ米国で512,000枚と901,000枚を売り上げている。[147] 2007年10月19日現在、ダッシュボード・コンフェッショナルの2000年のデビューアルバムThe Swiss Army Romanceは338,000枚を売り上げている。[147] 2003年8月10日、ニューヨークタイムズは「アルカリン・トリオの3コードの哀愁からブライト・アイズのフォーク調の暴言、ブラン・ニューの博学なポップパンクからサーズデイのエントロピー的なアンセムまで、最もエキサイティングなロックミュージックの多くがエモジャンルから生まれている」と報じた。[148]

セイブズ・ザ・デイはグリーン・デイ、ブリンク182、ウィーザーとツアーを行い、マディソン・スクエア・ガーデンなどの大規模アリーナで演奏した。[149]セイブズ・ザ・デイはレイト・ナイト・ウィズ・コナン・オブライエンに出演し、オルタナティブ・プレスの表紙に登場し、「アット・ユア・フューネラル」と「フリーキッシュ」のミュージック・ビデオがMTV2でローテーションで放送された。[133] [150] テイキング・バック・サンデーは2002年にビクトリー・レコードからデビュー・アルバム『テル・オール・ユア・フレンズ』をリリースした。このアルバムでは「キュート・ウィズアウト・ザ・'E' (カット・フロム・ザ・チーム)」や「ユーアー・ソー・ラスト・サマー」などのシングル曲で、バンドはエモ界での成功を味わった。『テル・オール・ユア・フレンズ』は2005年にRIAAからゴールド認定を受け[151]、エモで最も影響力のあるアルバムの1つと考えられている。 2009年5月8日現在、『テル・オール・ユア・フレンズ』は79万枚を売り上げた。[152]タイム誌とニューズウィーク誌にヴァグラント・レコードに関する記事が掲載され、[153]「エモ」という言葉は非主流派のポップミュージックの総称となった。[154]

煙の立ち込めるステージでテイキング・バック・サンデー
テイキング・バック・サンデーの2007年8月24日公演

この成功をきっかけに、多くのエモバンドが大手レコード会社と契約し、このジャンルは市場性のあるものとなった。[155]ドリームワークス・レコードのシニアA&R担当者ルーク・ウッドによると、「業界ではエモを新しいラップロック、または新しいグランジとして見ている。作られている音楽を聴いている人は誰もいないと思う。皆、小売店でこのサウンドの人気をどう生かすかばかり考えている。」[156]テイキング・バック・サンデーはその後数年間も成功を続け、2004年のアルバム『Where You Want To Be』はビルボード200で3位に達し、2005年7月にはRIAAからゴールドディスクに認定された。 [157]ニールセン・サウンドスキャンによると、2006年2月17日時点でアルバムは米国で70万枚以上を売り上げた。[158]バンドの2006年のアルバム「Louder Now」はビルボード200で2位に達し、発売日から2か月弱でRIAAからゴールド認定を受け、[159] 2009年5月8日時点で674,000枚を売り上げた。[152]

木曜日のバンドコンサート
2006年にライブを行ったエモバンド、サーズデイ

よりダークで攻撃的なスタイルのエモも人気が出てきていた。ニュージャージー州を拠点とするサーズデイは、 2001年のアルバム『Full Collapse 』がビルボード200で178位に達した後、アイランド・デフ・ジャムと数百万ドルの複数アルバム契約を結んだ。[160]彼らの音楽はより政治的で、ポップなフックやアンセムに欠け、ザ・スミス、ジョイ・ディヴィジョン、ザ・キュアーに影響されていた。しかし、バンドの親しみやすさ、地下室でのライブ活動やセイヴズ・ザ・デイとのツアーにより、彼らはエモ・ムーブメントの一部となった。[161]サーズデイの2003年のアルバム『War All the Time』は、ビルボード200で7位に達した。[162]ホーソーン・ハイツ、ストーリー・オブ・ザ・イヤー、アンダーオース、アレクシソンファイアの4つのバンドが、スクリーモを普及させた。[163]その他のスクリーモバンドにはシルバースタイン[164]、センシズ・フェイル[165] [166]、ヴェンデッタ・レッド[163]などがある。アンダーオースのアルバム『They're Only Chasing Safety』（2004年）[167]と『Define the Great Line』（2006年）[168]はどちらもRIAAによりゴールドディスクに認定された。ジ・ユーズのセルフタイトルアルバム（2002年）は2003年7月21日にRIAAによりゴールドディスクに認定された。 [169]ジ・ユーズのセルフタイトルアルバムは2009年8月22日時点で841,000枚を売り上げている。[170]ザ・ユーズのアルバム『イン・ラヴ・アンド・デス』（2004年）は、2005年3月21日にRIAAによってゴールドディスクに認定された。 [171]ニールセン・サウンドスキャンによると、『イン・ラヴ・アンド・デス』は2007年1月2日時点で米国で689,000枚を売り上げた。[172]アレクシソンファイアのアルバム4枚がカナダでゴールドまたはプラチナディスクに認定された。[173] [174] [175] [176]

2004年～2010年: 人気絶頂期とエモポップ

2000年代中期から後半にかけて流行したエモヘアスタイル

エモポップは、ポップに影響を受けたフックを持つポップパンク志向のエモのサブジャンルであり、2000年代半ばから後半にかけて主要なエモスタイルになり、これらのバンドの多くはFueled by Ramen Recordsと契約し、中には黒髪にアイライナーを入れたゴス風の外見[140]を採用したものもあった。 [141]この時期、エモミュージックのファンの多くは、前髪を額で高くカットした黒髪を短く染めた外見をしていた。このファッションはその後、エモのアイデンティティの大きな部分を占めるようになった。[177] 2000年代半ばから後半に出現したシーンのサブカルチャーも、エモスタイルから多くのインスピレーションを得ている。[ 178 ]エモのキャッチーな音楽とわかりやすいテーマは、若い主流の聴衆に広くアピールし、ウェブサイトMyspaceによってエモサブカルチャーは国際的な現象となった。[141]しかし、この時期に登場したり主流になったエモバンドの中には、古いエモ音楽のファンの多くから拒絶されたものもあった。[141]

黒い服を着たマイ・ケミカル・ロマンスがステージに登場
マイ・ケミカル・ロマンスは、エモファッションに関連するアイライナーと黒い服の使用で知られています。

マイ・ケミカル・ロマンスは、2004年のアルバム『スウィート・リベンジ』でメインストリームに躍り出た。マイ・ケミカル・ロマンスは、ゴス風のエモなルックスと、コンセプトアルバムやロックオペラの制作で知られている。[179] [180] 『スウィート・リベンジ』は2005年にRIAAからプラチナ認定を受けた。[181]バンドの成功は3枚目のアルバム『ザ・ブラック・パレード』でも続き、発売初週に24万枚を売り上げ[182]、1年足らずでRIAAからプラチナ認定を受けた。[183]

5人組のエモバンド、ホーソーン・ハイツ
2007年のエモバンド、ホーソーン・ハイツ

フォール・アウト・ボーイの2004年のアルバム『From Under the Cork Tree』は、米国で270万枚を売り上げた。[184]バンドのアルバム『Infinity on High』は、ビルボード200で1位になり、発売初週に26万枚を売り上げ[185]、米国で140万枚を売り上げた。[184]フォール・アウト・ボーイの複数の曲がビルボードホット100のトップ10にランクインした。 [186]パニック！アットザディスコのアルバム『A Fever You Can't Sweat Out』は、RIAAによってダブルプラチナに認定され[187]、シングル「I Write Sins Not Tragedies 」は、ビルボードホット100で7位に達した。[188]パニック！アット・ザ・ディスコはエモとエレクトロニクスを融合させていることで知られており[189]、アルバム「A Fever You Can't Sweat Out 」はダンスパンク[ 191]とバロックポップ[192]の要素を取り入れたエモアルバムである。レッド・ジャンプスーツ・アパラタスの「Face Down 」はビルボードホット100で最高24位を記録し[193]、アルバム「Don't You Fake It 」は米国で85万2千枚を売り上げた。[194] AFIのアルバム「 Sing the Sorrow 」と「Decemberunderground」はどちらもRIAAからプラチナ認定を受け[195] [196] 、 「Decemberunderground」はビルボード200で最高1位を記録した。 [197]パラモアの2007年のアルバム「Riot!」は、2007年のアルバム「Riot!」と「Decemberunderground」の2枚が、それぞれRIAAからプラチナ認定を受けた。このアルバムはRIAAからダブルプラチナ認定を受け[198]、2000年代後半には「Misery Business」「Decode」「Crushcrushcrush」「That's What You Get」「Ignorance 」など、パラモアの曲がビルボードホット100にランクインした。[199]

2010年～現在：主流の衰退、アンダーグラウンドでの復活

2010年までに、エモの人気は下降し始めた。多くのエモバンドは人気を失ったり、ジャンルを変えたりした。[200] マイ・ケミカル・ロマンスのアルバム『Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys』は、伝統的なポップパンクスタイルを特徴としていた。[201] パラモアとフォール・アウト・ボーイは、2013年のアルバム『 Paramore』と『Save Rock and Roll』で、エモのジャンルを放棄した。[202] [203] [204]パラモアは、ニューウェーブの影響を受けたスタイルに移行した。[205 ]パニック・アット・ザ・ディスコも『Too Weird to Live, Too Rare to Die!』でエモポップのジャンルを放棄し、シンセポップスタイルに移行した。 [206] マイ・ケミカル・ロマンス[207]アレクシソンファイア[208]サーズデイ[209]を含む多くのエモバンドが解散し、このジャンルの存続可能性に対する懸念が高まった。[210]ブルックリン・ヴィーガンのアンドリュー・サッチャーは、「人気が反発を招き、急速に変化する音楽業界は最終的に主流のパンク系バンドから目をそらし、2000年代末までにこのジャンルは汚名を着せられ、最終的には主流から見ると死に絶えた」と説明している。[20]

2000年代後半～2010年代後半：第4波エモ

ステレオガムは、アルジャーノン・キャドワラダーのアルバム『 Some Kind Of Cadwallader』（2008年）をエモ・リバイバルの画期的なリリースとして挙げている[211]

エモ・リバイバルまたは第四波エモ[212]は2000年代後半に始まり、第三波エモのサウンドの商業性に対する反応として、第二波ミッドウェスト・エモのサウンドの影響を受けていた。 [213]このムーブメントは、ペンシルバニア州を拠点とするグループ、タイガース・ジョー[213] 、グロッカ・モラ[214] 、スノーイング・アンド・アルジャーノン・キャドワラダー、そしてイギリスのバンドTTNGから始まった。[215] 2018年のステレオガムの記事では、アルジャーノン・キャドワラダーの2008年のLP『Some Kind Of Cadwallader』がエモ・リバイバルの分水嶺となるリリースであるとされ、[211]ジャンキーによる2020年の記事では、タイガース・ジョーの2008年のセルフタイトルのセカンド・アルバムを「その時代にとって真のランドマーク的なリリース」と呼んだ。[213]フィラデルフィアのシーンは、この波を通して依然として目立っており、Everyone Everywhere、Modern Baseball、[212] Hop Along、[214] Jank、[216] Balance and Composure、mewithoutYouといったバンドを生み出した。[217]これらのバンドはDIY精神を掲げ、エモシーンに地下ライブを再導入した。彼らの影響を受け、ウェストバージニア州、ウィリアムティック、コネチカット州、シカゴなど、全米各地でアンダーグラウンド・エモシーンが形成された。[214]

当時のエモシーンで目立った要素の一つは、「ザ・ウェーブ」と呼ばれるムーブメントで、1990年代のエモ、スクリーモ、ポストハードコアのサウンドを復活させたバンドで構成されていた。[218] [219]この名称は当初、Touché Amoré、La Dispute、Defeater、Pianos Become the Teeth、Make Do and Mendのみを指すために作られたものだったが、2014年までに Balance and Composure、Into It. Over It.、 Title Fightといったグループも含むように拡大した。[220]ザ・ウェーブのスタイルは、オーストラリアやイギリス、特にウェールズの多くのグループに影響を与えた。[221] [222]当時、YouTubeチャンネル Dreambound はバンドを見つけるための最も重要な情報源の一つであり、多くの著名なバンドのミュージックビデオをアップロードしていた。[223]このシーンで最も目立っていたのは南ウェールズ出身のCaseyで、[222]オーストラリアのバンド Vacant Home と Ambleside も国際的な成功を収めた。[224] [225]このシーンの後期には、バンドはハードコアから受けた影響を減らし始め、代わりにクルックスUK、ホールディング・アブセンス、エンドレス・ハイツがポストロックやシューゲイザーに傾倒していった。[222]

第四波エモの最前線に立つアーティスト、タイトル・ファイト

エモの波の中でもう一つ注目すべきセグメントはソフトグランジのサウンドだった。[213]エモ、ポップパンク、オルタナティブロックの要素を融合した[226]このジャンルは、1990年代のエモやポストハードコア、ならびに1990年代初頭のスマッシング・パンプキンズ、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズなどのオルタナティブロックグループに影響を受けた音楽を作り始めたハードコアパンクシーンのバンドから始まった。最初の波のバンドは2010年代初頭に登場し、アドベンチャーズ、バランス・アンド・コンポージャー、ベースメント、シチズン、ピティ・セックス、スーパーヘブン、ターンオーバーなどが含まれていた。これらのバンドの大半はラン・フォー・カバー・レコードと契約し、ファズペダルを使用し、8ミリフィルムでミュージックビデオを撮影した。[227]タイトル・ファイトは2012年のアルバム『フローラル・グリーン』の成功により、このジャンルの最前線に立った。[228]

2010年代末までに、第四波エモで最も影響力のあるバンドの多くが解散した。モダン・ベースボールは2017年、タイトル・ファイトは2018年、バランス・アンド・コンポージャーは2019年に解散した。[217] [229]一方、ディフィーターやラ・ディスピュートなど、以前は多作だった他のバンドは活動休止期に入った。[217]

2020年代には、エモが2010年代の主流音楽に与えた影響と、ジャンル自体の復活がメディアで取り上げられた。[230] [33] BBCは2018年に「ギターベースのバンド以外にも、エモの影響はスタイルと歌詞の内容の両方において現代音楽の多くに見られる」と述べ、「ポップミュージックにおいてメンタルヘルスの問題への取り組みがますます一般的になっている」と指摘した。[54]

2010年代後半～現在：第五波エモ

ザ・リンガーのライター、イアン・コーエンは、第五波エモは2017年には早くも始まり、これらのエモグループはクライングやブレイブ・リトル・アバカスなどのバンドの影響を受けていると述べています。 [231]この第五波エモは第四波時代の多くのスタイル的要素を維持していましたが、ジャズやエレクトロニック・ミュージックなど他のジャンルのサウンドも取り入れ始めました。 [232]第五波エモは、トランスジェンダー、クィア、女性、黒人アーティストだけでなく、他の有色人種のアーティストを含むバンドの包括性に重点を置いているとして、BuzzFeedでも取り上げられています。[233]著名な第五波アーティストには、 Home Is Where、ドッグレッグ、グラス・ビーチ、オリガミ・エンジェル、プール・キッズ、アウェイクバットスティルインベッドなど。 [ 232]

サブジャンルと融合ジャンル

サブジャンル

スクリーモ

バンドのボーカリストとドラマーがバンドと一緒に演奏している。
2000年にインディアナ州ブルーミントンで演奏するスクリーモバンド、オーキッド

「スクリーモ」という言葉は、もともと1991年にサンディエゴで生まれたエモの攻撃的な派生ジャンルを指して使われていました。このジャンルは短い曲に「痙攣的な激しさと意図的に実験的な不協和音やダイナミクス」を融合させていました。[234]スクリーモは、ハードコアパンクの影響を受けたエモの不協和音の一種で、[163]典型的なロックの楽器編成を持ち、短い曲、混沌とした演奏、そして叫び声のようなボーカルが特徴です。

ザ・ユーズドのバンドメンバーが一緒に写っている写真
ユーズドのセルフタイトルアルバムは、カンザスシティスター紙によって「スクリーモ運動の傑作の一つ」と評された。[235]

このジャンルは「一般的に、パンク・リバイバル・シーン全体における攻撃的な側面に基づいている」。[163]それはシェ・カフェ[236]で始まり、ヘロイン、アンティオック・アロー[ 237] 、エンジェル・ヘア、モヒンダー、スウィング・キッズ、ポートレイト・オブ・パスト[238]などのグループが参加した。彼らはワシントンD.C.のポスト・ハードコア（特にフガジとネイション・オブ・ユリシーズ）[234] 、 ストレート・エッジ、シカゴのグループ、アーティクルズ・オブ・フェイス、ハードコア・パンク・バンド、ディー・クロイツェン[239]、そしてバウハウスのようなポスト・パンクやゴシック・ロックのバンドから影響を受けた。[234]アイ・ヘイト・マイセルフは、作家マット・ウォーカーによって「スクリーモ」ジャンルの礎石と評されているバンドである。[240]「音楽的には、アイ・ヘイト・マイセルフは非常にゆっくりとした慎重な演奏を特徴としており、静かで瞑想的な部分と、ジム・マーバーガーの津波のような叫び声によって駆動される騒々しくヘビーな部分との鮮明なコントラストが特徴である。」[241]その他の初期のスクリーモバンドには、Pg. 99、Saetia、Orchidなどがある。[242]

1990年代後半から2000年代初頭にかけてアメリカで結成され、2000年代を通して活動を続けたThe Used、Thursday 、 Thrice、Hawthorne Heightsは、スクリーモの普及に貢献した。 [163] RefusedやAt the Drive-Inなどのポストハードコアバンドが、これらのバンドの道を開いた。[163] Silverstein [243]やAlexisonfire [244]などのカナダのエモシーンのスクリーモバンドもこの時期に登場した。2000年代半ばまでに、スクリーモシーンが飽和状態になったため、多くのバンドがジャンルの枠を超え、より実験的な要素を取り入れるようになった。スクリーモ以外のバンドは、このジャンルの特徴的なグロテスクなボーカルスタイルを使用した。[163]この時期のスクリーモバンドの中には、ポップパンクやヘビーメタルなどのジャンルに影響を受けたものもあった。[163]

アイオワ・ステート・デイリーのジェフ・ミッチェルは「スクリーモのサウンドがどのようなものかという明確な定義はないが、かつては耳をつんざくほど大きな音で揺れていたのに、突然静かになりメロディアスなギターの音に変わるというテーマは、このジャンルによく見られるものだ」と書いている。[245]

サス

サス（別名：サッシー・スクリーモ、サススコア、ホワイトベルト・ハードコア、[246]ホワイトベルト、サスグラインド、ダンシー・スクリーモ）[247]は、1990年代後半から2000年代前半のスクリーモシーンから生まれたスタイルである。[248]このジャンルは、ポストパンク、ニューウェイヴ、ディスコ、エレクトロニック、ダンスパンク、[248] グラインドコア、ノイズロック、メタルコア、マスコアの要素を取り入れている。このジャンルは、あからさまに派手なマナー、エロティックな歌詞、シンセサイザー、ダンスビート、舌足らずのボーカルスタイルを取り入れているのが特徴である。 [249]サスバンドには、ブラッド・ブラザーズ、アン・アルバトロス、ザ・ナンバー・トゥエルブ・ルックス・ライク・ユー、ザ・プロット・トゥ・ブロウ・アップ・ザ・エッフェルタワー、ドーターズの初期の音楽、オーキッドの後期の音楽[246] [250] 、シーユー・スペースカウボーイなどがある。[251]

フュージョンジャンル

ステージ上で演奏するバンド
フォール・アウト・ボーイの2006年のパフォーマンス

エモポップ

エモポップ（またはエモポップパンク）は、ポップミュージックの影響、より簡潔な曲、そしてフック満​​載のコーラスで知られるエモのサブジャンルである。[140] AllMusicは、エモポップを「若々しい不安」と「洗練されたプロダクション」、そして主流の魅力を融合させ、「高音のメロディー、リズミカルなギター、そして思春期、人間関係、失恋をテーマにした歌詞」を用いていると評している。[140] ガーディアン紙は、エモポップを「甘ったるいボーイバンドポップ」とエモを掛け合わせたものだと述べた。[252]

エモポップは1990年代に発展した。JawbreakerやSamiamのようなバンドは、エモポップパンクスタイルを確立したことで知られている。[253] CMJ New Music MonthlyのNicole Keiperによると、Sense FieldのBuilding （1996年）は、バンドを「 Get Up KidsやJejuneのようなバンドと同じエモポップ陣営に押し上げた」という。[254] 2000年代初頭にエモが商業的に成功すると、ジミー・イート・ワールドの2001年のアルバムBleed Americanとそのシングル「The Middle」の成功により、エモポップも人気を博した。[140]ジミー・イート・ワールド、[140]ゲット・アップ・キッズ[255]プロミス・リング[256]も初期のエモポップバンドである。ジミー・イート・ワールドのアルバムClarity [257]のエモポップスタイルは、後のエモに影響を与えた。[258]エモバンドBraidの1998年のアルバムFrame & Canvasは、 AllMusicのBlake Butlerによってエモポップと評され、Braidのアルバムに5つ星のうち4つを与え、 「 Frame & CanvasはBraidの最高傑作の1つである」と書いた。[259]エモポップは1990年代後半に成功し、2000年代初頭に人気が高まった。ゲット・アップ・キッズは、Vagrant Recordsと契約する前に、デビューアルバムFour Minute Mile（1997年）を15,000枚以上売り上げた。レーベルは彼らを宣伝し、グリーン・デイやウィーザーのオープニングツアーに送り込んだ。[130] 1999年のアルバムSomething to Write Home Aboutは、ビルボードのTop Heatseekersチャートで31位に達した。[131]ニールセン・サウンドスキャンによると、2002年5月2日現在、『サムシング・トゥ・ライト・ホーム・アバウト』はアメリカで134,000枚を売り上げた。

エモポップがまとまるにつれ、Fueled by Ramenレーベルがこのムーブメントの中心となり、フォール・アウト・ボーイ、パニック！アット・ザ・ディスコ、パラモア（いずれも成功していた）と契約した。[140] 2つの地域シーンが生まれた。フロリダのシーンはFueled by Ramenによって作られ、中西部のエモポップはピート・ウェンツによって推進され、彼のフォール・アウト・ボーイは2000年代半ばにこのスタイルの最前線に躍り出た。[140] [260] [261] キャッシュ・キャッシュはTake It to the Floor （2008年）をリリースした。オールミュージックによれば、このアルバムは「空虚で、派手で、中身のない エモポップの決定版と言えるだろう[262]。ポストパンクやハードコアの影響を直接受けたバンドが演奏する、胸の奥からこみ上げてくるような激しい感情表現から、 70年代のクインシーの古いエピソードに出てくる「パンク」と同じくらい本物に見える子供たちが演奏する、ショッピングモール向きの蛍光色のポップへと、エモの変貌はほぼ完成された」と言えるだろう[262] 。ユー・ミー・アット・シックスは2008年にデビューアルバム『テイク・オフ・ユア・カラーズ』をリリースしたが、オールミュージックのジョン・オブライエンはこれを「『エモポップ初心者のためのハンドブック』に逐語的に従っている」と評している[263] 。このアルバムはイギリスでゴールドディスクに認定された[264] 。

エモラップ

エモラップは、エモミュージックとヒップホップミュージックを組み合わせたジャンルで、2010年代半ばから後半にかけて始まりました。[265]エモヒップホップの著名なアーティストには、リル・ピープ、[266] XXXテンタシオン、[265]ナッシング・ノーホエアなどがいます。[267] [268] 2010年代半ばから後半にかけて、エモラップは主流に躍り出ました。亡くなったラッパーのXXXテンタシオンの曲「Sad! 」は、2018年6月30日にビルボードホット100で1位に達しました。[269] リル・ウージー・ヴァートの曲「XO Tour Llif3 」は、ビルボードホット100で7位に達し、 [270]この曲はRIAAから6倍プラチナに認定されました。[271]

サブカルチャーとステレオタイプ

フォール・アウト・ボーイのピート・ウェンツは、スキニージーンズ、アイライナー、顔を覆う長い前髪のある真っ直ぐな黒髪というエモファッションの特徴を披露している。

エモは2000年代初頭、このスタイルに関連する多くのグループが10年間で最も売れたロックバンドとなったことで、広く使われる流行語となりました。エモの知名度が高まるにつれ、大衆メディアはエモを泣き虫な男性の脆さというステレオタイプに矮小化する傾向があり、そのレッテルはしばしば批判的な嘲笑の対象となりました。同時に、音楽ライターのジェシカ・ホッパーのような女性のエモファンは、この音楽が男性の主観的な苦しみに焦点を当てていることで、女性の役割が制限され、声を上げられない手の届かない存在に貶められていると嘆きました。このジャンルとして一括りにされるグループの大多数は、エモが持つ様々な否定的な意味合いを十分に認識しており、当然のことながら、エモ運動へのいかなる忠誠も断固として拒否しました。

グローブ音楽辞典のテオ・カテフォリス（2013年7月25日）[2]

エモが単なる音楽スタイルではなく、サブカルチャーとして始まったのは、1990年代半ばのサンディエゴ・スクリーモ・シーンに遡る。ヘロイン、アンティオック・アロー、スウィング・キッズといったこのシーンのバンドや参加者は、黒く染めた髪にストレートな前髪をしていたことから、 「スポック・ロック」と呼ばれることが多かった。 [246]スウィング・キッズのボーカル、ジャスティン・ピアソンは、後頭部からストレートな前髪と不規則なスパイクヘアを突き出しており、これがエモ・ヘアカットの原型となった。[246]この時代のエモ・ファッションは、すっきりとしたスタイルでギーク・シックな傾向があり、[272] 1950年代のミュージシャン、バディ・ホリーを彷彿とさせる厚縁眼鏡、ボタンダウンシャツ、Tシャツ、セーターベスト、タイトジーンズ、コンバース、カーディガンなどが一般的だった。[23]

2000年代半ばから後半にかけてのエモファッションには、スキニージーンズ、タイトなTシャツ（通常は半袖で、エモバンドの名前が書かれていることが多い）、スタッズベルト、コンバースのスニーカー、ヴァンズ、黒いリストバンドなどが含まれていました。[273] [274]太い角縁眼鏡もある程度流行し続け、[273]アイライナーと黒い爪は2000年代半ばに一般的になりました。[275] [276]エモファッションで最もよく知られているのは、そのヘアスタイルです。通常は真っ黒で、ストレートなストレートヘアで、長い前髪が顔の大部分を覆っており、[274]流行と呼ばれています。[274]エモがサブカルチャーになると、エモファッションに身を包み、その音楽に共感する人々は「エモキッズ」または「エモ」として知られるようになりました。[274]

エモは時折、感情、感受性、内気さ、内向性、不安といったステレオタイプと結び付けられてきた。[21] [277] [278]さらに物議を醸したのは、このジャンルを取り巻くステレオタイプには、うつ病、自傷行為、自殺などがあり、[274] [279]イギリスのタブロイド紙デイリー・メールがエモファンを「カルト」と描写したことも一因となっている。[280]エモとゴスは、「エモは自分自身を憎み、ゴスはすべての人を憎む」というステレオタイプによって区別されることが多かった。 [281] 2020年、インディペンデント紙はこのようなステレオタイプについて、「エモは、コミュニティと自己表現の手段を提供してくれるサブカルチャーに居場所を見つけたティーンエイジャーの破壊的な行動として特に注目されている」と書いている。[230]

受容と影響

エモガールとエモボーイが外で一緒にいます。
2人のエモなティーンエイジャー

これは本当におかしな時代です... こういった言語の多くは、自殺、鬱、自傷行為などの重いテーマが音楽の中で取り組まれているような若者の規範のようで、それを美化する形になることはほとんどありませんでした... 彼らの音楽は、そこから抜け出す方法、または人々がこれらのことを処理して対処できる方法、希望を与える方法でした。

クリス・ペイン（ 『Where Are Your Boys Tonight?: The Oral History of Emo's Mainstream Explosion』の著者）の言葉をCBCのアメリア・エクバルが引用（2023年6月19日）。[3]

2008年、イギリスのティーンエイジャー、ハンナ・ボンドさんが首つり自殺した事件で、検死官と母親のヘザー・ボンドは、エモミュージックが原因だと断定した。ボンドは、音楽とファンダムが自殺を美化していると主張した。彼らは、ハンナがマイ・ケミカル・ロマンスに熱中していたことが彼女の死と関連していると主張した。検死官は、ハンナがインターネットの「エモ・カルト」の一員であり、彼女のBeboページには血まみれの手首を持つエモガールの画像が掲載されていたと述べた。[282]ハンナは両親に対し、自傷行為は「エモの入会儀式」だと語ったと伝えられている。[282]ヘザー・ボンドはエモ文化を批判し、「ピンクのテディベアが首を吊っている『エモ』ウェブサイトがある」と述べた。[282]検死官の発言はデイリー・メール紙の連載記事で取り上げられ、そのうちの一つには「なぜ子供はエモという邪悪なカルトから逃れられないのか」という見出しが付けられていた。[280] NMEで報道された後、エモミュージックのファンは同誌に連絡を取り、同誌が自傷行為や自殺を助長しているという主張を否定した。数百人のティーンエイジャーが抗議活動を行い、デイリー・メール紙のオフィスまでデモ行進して反対を表明した。「子供たちは立ち上がった。子供たちは勝利したのだ」[12] [283]マイ・ケミカル・ロマンスはオンラインで反応し、「ハンナ・ボンドの自殺と悲劇的な死を最近知りました。悲しみに暮れる彼女のご家族に心からお悔やみ申し上げます。私たちの心と想いは彼らと共にあります」[284]バンドはまた、「私たちは常に暴力と自殺に反対であり、今もそうである」と投稿した[284] 。

ガーディアン紙は後に、この関連性と2000年代のエモに対する反発を「道徳的パニック」と表現し、 [285]一方、ケラング誌はこれをジューダス・プリーストとオジー・オズボーンを巻き込んだ歴史的な論争に例え、このサブカルチャーを不当に悪魔化し、若者の精神衛生問題を十分に調査していないと批判した。 [280]

フェミニスト・ロック・ジャーナリストで元ライオット・ガールの ジェシカ・ホッパーは、エモが男性の苦しみを美化し、女性を遠く離れた沈黙した存在としてしか捉えていないことを批判した。「レコード店の棚には、ひどい扱いを受けた男たちのレコードがずらりと並んでいた。どのレコードも、別れをテーマにしたコンセプトアルバムで、別れた相手を非難していた。エモの物議を醸す独白――ピーターパンのマッシュノートのジレンマを握りしめた拳――プッシー・ジェイルからのアルバム1枚分の手紙――男の苦しみとロバート・ブライ主義への頌歌として建造された大聖堂――女性によって引き起こされた悲惨さは、描写的なものから規範的なものへと変化した。エモは、女性たちが外部からの観察という停滞の中に閉じ込められ、他者の目を通して自分自身を観察する、単なる場の一つに過ぎなかったのだ。」[286] [287]

キャプションを参照
メキシコの「エモなんかクソくらえ」落書き

ワープド・ツアーの創設者ケビン・ライマンは、ツアーに参加したバンドからエモ・グループに対する「真の反発」があったと述べたが、その敵意は「幼稚なもの」だと一蹴した。[288]反発は激化し、2008年には反エモ・グループがメキシコシティ、ケレタロ、ティファナで10代の若者を襲撃した。[289] [290]ロシア下院では、エモ・ウェブサイトを規制し、学校や政府機関の建物でエモの服装を禁止する法案が提出された。エモ・サブカルチャーは、反社会的行動、うつ病、社会からの引きこもり、自殺を助長する「危険な10代のトレンド」と見なされていた。[291] [292] BBCは、2012年3月、イラクでシーア派民兵が58人ものイラクの若者エモを射殺または殴打したと報じた。 [293]一部のメタルファンやパンク・ファンは、エモを嫌悪し、エモ・サブカルチャーを批判することで知られていた。[294]

2025年、軟体動物の化石が、このジャンルにちなんで「エモ・ボルティカウダム」と命名されました。この名前は、この軟体動物の独特の特徴を反映するために選ばれました。Earth.comのサンジャナ・ガジビエ氏によると、「[エモ]は、その細長く折り畳まれた姿勢から名付けられました。これは、型破りで非凡な動き方を示唆しています。その名前は、エモスタイルとの文化的関連性と同様に、個性と適応力を反映しています。」[295] [296] [297] [298] [299] [300]

参照

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参考文献

Wikiquoteにエモに関する引用句があります。
  • ウィキメディア・コモンズのエモ関連メディア
  • Wondering Soundのアルバムごとのエモタイムライン
  • エモたちが2000年代の10代を振り返る。2025年1月26日公開。BBCニュース。
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