音楽において、形式とは楽曲や演奏の構造を指します。ジェフ・トッド・ティトンは著書『音楽の世界』の中で、楽曲の形式的な構造は、様々な構成要素によって決定づけられると示唆しています。例えば、「リズム、メロディー、ハーモニーといった音楽単位の配置（反復や変化を示す）、楽器の配置（ジャズやブルーグラスの演奏におけるソロの順序など）、交響曲のオーケストラ編成」などです。[1]つまり、「聴き手にとって意味のある音楽体験を生み出すために、楽曲がどのように形作られるか」ということです。[2]

「形式とは、楽曲の最大の形状を指します。音楽における形式は、上記の4つの構成要素（音、ハーモニー、メロディー、リズム）の相互作用の結果です。」[3]

これらの構成要素は、フレーズと呼ばれるより小さな単位に分割されることがあります。フレーズは音楽的なアイデアを表現しますが、単独では十分な重みがありません。[4]音楽形式は、これらのアイデアの拡大と発展を通じて、時間の経過とともに展開されます。調性和声においては、形式は主に終止、フレーズ、そして周期によって表現されます。[2]「形式」とは、楽曲のより大きな形を指します。音楽における形式は、音、ハーモニー、メロディー、リズムという4つの構造要素の相互作用の結果です。[3]

しかし、最近では、音楽の輪郭の影響下で形式が存在する可能性があり、これは輪郭形式としても知られています。[5] 2017年、スコット・サヴィッツはアントン・ウェーベルンの作品16第2番における出現を強調し、この概念に注目を集めました。

固定された構成に従わず、即興性に重きを置く作曲は自由形式とみなされます。ファンタジアはその一例です。[6]作曲家ドビュッシーは1907年に、「音楽は本質的に、伝統的で固定された形式に押し込められるものではないと、私はますます確信しています。音楽は色彩とリズムで構成されているのです。」と記しています。[7]

ラベリング

音楽家たちは、形式を記述するプロセスを支援するために、音楽の単位を文字でラベル付けするシンプルなシステムを開発しました。クレイグ・ライト教授は、著書『Listening to Music』の中で次のように述べています 。

音楽的アイデアの最初の表現はAで表されます。それに続く対照的なセクションはB、C、D、…と表記されます。最初の、あるいは他の音楽単位が変化形で繰り返される場合、その変化形は上付き数字で示されます（例： A 1、B 2）。各大きな音楽単位の細分は小文字（a、b、 …）で示されます。[8]

筆者の中には、密接に関連しているがわずかに異なるセクションを示すために、プライム ラベル ( 「B プライム」と発音されるB′や、 「B ダブル プライム」と発音されるB″など) を使用する人もいます。

組織のレベル

音楽形式の基礎レベルは、次の 2 つの部分に分けられます。

  • 脈拍を、アクセントのない拍とアクセントのある拍に配置すること。これは、調和されると、モチーフや音型を生み出す小節のセルです。
  • このような小節を反復と変奏によってさらに構成し、明確なリズムと持続時間を持つ真の音楽フレーズを形成する。このフレーズは、例えば長い終音と息継ぎのスペースによって定義される、メロディーとハーモニーに暗示される。この「フレーズ」は音楽形式の基本単位とみなすことができる。2拍または3拍の小節に分解することもできるが、その際立った性質は失われる。このレベルにおいても、反復と対比、弱音と強音、クライマックスと休止といった原則の重要性が見て取れる。[9] [a]このように、形式は3つの構成レベルで理解することができる。この解説では、これらのレベルを大まかにパッセージ、ピース、サイクルと呼ぶことにする。

通路

構成の最小レベルは、音楽フレーズが音楽的な文章や「段落」（例えば歌の詩）にどのように構成されているかに関わるものです。これは、歌詞の韻律や拍子、あるいはダンスのステップ に例えられ、しばしばそれによって決定づけられます。

例えば、12小節ブルースは特定の詩形式ですが、共通韻律は多くの賛美歌やバラードに見られます。また、エリザベス朝のガリアードは、多くのダンスと同様に、反復するステップのパターンに合うように、特定のリズム、テンポ、そしてメロディーの長さを必要とします。より単純な音楽スタイルは、このレベルの形式でほぼ完全に定義される可能性があり、したがって、最初に述べた緩やかな意味と大きく異なるわけではなく、リズム、ハーモニー、音色、臨時記号、そしてメロディーの慣習を伴う可能性があります。

作品（または動き）

次のレベルは、任意の単一の自己完結的な楽曲または楽章の全体構造に関係します。上で言及した賛美歌、バラード、ブルース、またはダンスが、同じ音楽素材を無限に繰り返すだけの場合、その楽曲は全体として連節形式であると言われます。設定、装飾、または楽器編成などで、毎回明確で持続的な変化を伴って繰り返される場合、その楽曲は主題と変奏曲です。詩と合唱が交互に繰り返される歌や、ハンガリーのチャルダッシュの緩急が交互に繰り返されるセクションのように、2つの明確に異なる主題が無限に交互に繰り返される場合、これは単純な2部形式を生み出します。主題が（おそらく2回）演奏され、その後新しい主題が導入され、そして最初の主題に戻って楽曲が終了する場合、単純な3部形式になります。

「三部作」や「二部作」といった用語は、複雑な楽曲が異なる構成レベルで両方の要素を持つ場合があるため、大きな議論や誤解を生む可能性がある。[要出典]メヌエットは、他のバロック舞曲と同様に、一般的には単純な二部構成（AABB ）であったが、ソロ楽器用に編曲された別のメヌエット（トリオと呼ばれる）の導入によって拡張されることがよくあった。その後、最初のメヌエットが再び繰り返され、楽曲は終了する（これが三部形式であるABA ） 。つまり、楽曲は低い作曲レベルでは二部作であるが、高い作曲レベルでは三部作である。西洋音楽学では、構成レベルは明確かつ普遍的に定義されておらず、「セクション」や「パッセージ」といった言葉は、さまざまな学者によってさまざまなレベルで使用されており、シュランカー[要出典]が指摘するように、その定義は音楽家によって考案された無数の革新や変奏に対応できていない。

サイクル

最も壮大なレベルの構成は「循環形式」と呼ばれる。[要出典]これは、複数の独立した作品を大規模な作品に編成するものである。例えば、関連するテーマを持つ歌曲集は歌曲集として、バロック舞曲集は組曲として演奏される。オペラやバレエでは、歌曲と舞曲をさらに大規模な形式に編成することもある。交響曲は一般的に1つの作品とみなされるが、実際には複数の楽章に分かれている（単独で演奏すれば、通常は独立した作品として機能する）。このレベルの音楽形式は、これもまた様々なジャンルに適用され、生み出すものであるが、音楽の構成方法をより重視する。例えば、交響曲、協奏曲、ソナタは規模や目的が異なっているものの、構成方法は概ね共通している。この大きな形式を構成する個々の作品は、楽章と呼ぶことができる。

西洋音楽における一般的な形式

ショールズは、ヨーロッパの古典音楽には、単純二部構成、単純三部構成、複合二部構成、ロンド、変奏曲付きアリア、フーガの6つの独立した形式しかないと提唱した（ただし、音楽学者アルフレッド・マンは、フーガは主に作曲方法であり、時には特定の構造的慣習を採用することがあると強調した）。[10]

チャールズ・カイルは形式と形式の詳細を「部分的、発展的、または変分的」に分類した。[11]

断面形状

この形式は、明確な単位[12]の連続から構成され、文字で表すこともできますが、導入部とコーダ、提示部、展開部と再現部、詩、合唱またはリフレイン、ブリッジなどの総称で呼ばれることもよくあります。セクション形式には以下のものがあります。

節形式

連節形式（詩繰り返し形式、合唱形式、AAA歌曲形式、または一声歌曲形式とも呼ばれる）は、テキストのすべての詩節またはスタンザが同じ音楽で歌われる歌の構造です。

メドレーまたは「チェーン」形式

メドレー、ポプリ、またはチェーン形式は、その正反対で、「無制限のバリエーション」です。つまり、単に自己完結的なセクション ( ABCD ...) の不定のシーケンスであり、場合によっては繰り返し ( AABBCCDD ...) が含まれます。

バイナリ形式

二部形式の例としての「グリーンスリーブス」。

「二部形式」という用語は、長さがほぼ同じ2つのセクションを持つ楽曲を表すために使用されます。二部形式はABまたはAABBと表記されます。[13]グリーンスリーブスの例を用いると、最初のシステムは2番目のシステムとほぼ同じです。最後の1小節半がわずかに異なるため、最初のシステムをA、2番目のシステムをA′（Aプライム）と呼びます。次の2つのシステム（3番目と4番目）もほぼ同じですが、最初の2つのシステムとは全く新しい音楽的アイデアです。最後の1小節半がわずかに異なるため、3番目のシステムをB、4番目のシステムをB′（Bプライム）と呼びます。全体として、この楽曲は二部形式：AA′BB′です。[13]

三項形式

三部形式は、三部が第一部の主要なアイデアを繰り返すか、少なくともそれを含む3部構成の音楽形式で、ABAと表記されます。[14]単純三部形式と複合三部形式の両方があります。ダ・カーポ・アリアは通常、単純三部形式（つまり「頭から」）で演奏されます。複合三部形式（またはトリオ形式）も同様にABAパターンを採用していますが、各セクション自体は二部形式（繰り返される可能性のある2つのサブセクション）または（単純）三部形式のいずれかです。

ロンド形式

この形式は、繰り返される主題と、それとは異なる（通常は対照的な）セクション（「エピソード」と呼ばれる）が交互に現れます。非対称形式（ABACADAEA）または対称形式（ABACABA）の場合があります。繰り返されるセクション、特に主題は、より徹底的に変化させられる場合もあれば、エピソードの一つが主題の「発展形」となる場合もあります。同様の構成として、バロック時代の協奏曲グロッソのリトルネッロ形式があります。アーチ形式（ABCBA）は、主題の中間的な繰り返しがない対称的なロンドに似ています。

変分形式

変奏形式とは、変奏が重要な形成要素となる形式です。

主題と変奏：主題は、それ自体が任意の短い形式（二部構成、三部構成など）をとることができ、唯一の「セクション」を形成し、無限に繰り返される（連節形式のように）が、そのたびに変化（A、B、A、F、Z、A）し、一種のセクション連鎖形式を形成する。17世紀のイギリス音楽、パッサカリア、シャコンヌで多用されたこの変奏の重要なバリエーションは、グラウンドベースである。グラウンドベースとは、繰り返されるベース主題またはバッソ・オスティナートの上で、その周囲に残りの構成が展開されるもので、多くの場合、ポリフォニックまたは対位法的な糸を紡ぎ、あるいは即興的に分割やデスキャントを行うが、必ずしもそうではない。スコールズ（1977）は、これを無伴奏または伴奏付きの独奏器楽音楽の最も優れた形式であると述べているロンドには、さまざまなセクション（ AA 1 BA 2 CA 3 BA 4）または（ ABA 1 CA 2 B 1 A）が含まれることがよくあります。

ソナタ・アレグロ形式

ソナタ・アレグロ形式（ソナタ形式、あるいは第一楽章形式とも呼ばれる）は、典型的には提示部、展開部、再現部という名目上の区分を持つ、より大きな三部形式をとる。通常、A部（それぞれ提示部と再現部）は2つまたは3つの主題または主題群に分割され、それらを分離して再結合することでB部（展開部）が形成されるが、必ずしもそうではない。例えば、(AabB[aおよび/またはbの展開]A 1 ab 1 +コーダ) のように表記される。

ソナタ形式は、「古典派から20世紀に至るまで、音楽形式の最も重要な原則、あるいは形式様式である」[15]。通常、多楽章構成の作品では第一楽章の形式として用いられる。そのため、「第一楽章形式」または「ソナタ・アレグロ形式」とも呼ばれる（最も一般的な第一楽章はアレグロ・テンポであるため）。[16]

ソナタ形式楽章の各セクションには独自の機能があります。

  • 冒頭に紹介があるかもしれません。
  • 序論に続いて、提示部が最初の必須セクションとなります。ここでは主題の素材を基本的な形で提示します。提示部には通常2つの主題または主題群があり、それらはしばしば対照的なスタイルと調性を持ち、転換によって繋がっています。提示部の最後には、セクションを締めくくる終結主題があります。
  • 序論の次には展開部が続き、序論の内容が展開されます。
  • 展開部の後には再現部と呼ばれる戻り部があり、ここで主題の素材は主調に戻ります。
  • 楽章の終わりには再現部の後にコーダが置かれることがある。 [16]

いくつかの形式は、ジャンル特有の形式も含め、主にポピュラー音楽で使用されています。ポピュラー音楽の形式は、しばしば連節形式（AAAソング形式）、32小節形式（AABAソング形式）、ヴァース・コーラス形式（ABソング形式）、12小節ブルース形式（AABソング形式）から派生しています。[17]

断面形状

  • AABA（アメリカンポピュラー）
  • AB 別名バース/コーラス
    • ABC（ヴァース/コーラス/ブリッジ）
  • アバブ
  • ABAC 別名ヴァース/コーラス/ヴァース/ブリッジ
  • ABCD（通し作曲）
  • ブルースの曲の形式

[17]を参照

拡張フォーム

拡張形式とは、上記のいずれかの形式をルートとして、追加のセクションによって拡張された形式です。例えば、

  • AAAAA
  • アアババ

複合形

ハイブリッド歌曲形式とも呼ばれる。複合歌曲形式は、2つ以上の歌曲形式を組み合わせたものである。[17]

  • 紹介またはイントロ
  • 詩
  • 控える
  • プレコーラス / 上昇 / 上昇
  • コーラス
  • ポストコーラス
  • 橋
  • ミドルエイト
  • ソロ / インストゥルメンタルブレイク
  • 衝突
  • CODA / アウトロ
  • アドリブ（CODA / Outroでよく使われる）

循環的な形態

13世紀には、関連する歌曲をまとめた歌曲集（組曲が関連する舞曲集であるように）が登場しました。オラトリオは、歌手によって演じられるのではなく、語り手によって語られる物語として、16世紀後半に形作られました。[要説明]

参照

注記

  1. ^ 参照:拍子 (音楽)

参考文献

  1. ^ ティトン、ジェフ・トッド（2009年）『世界の音楽：世界の人々の音楽入門』ティモシー・J・クーリー（第5版）ベルモント、カリフォルニア州：シルマー・センゲージ・ラーニング、ISBN 978-0534595395. OCLC  214315557.
  2. ^ ab コストカ, ステファン、ペイン, ドロシー (1995).トーナル・ハーモニー, p.152. マグロウヒル. ISBN 0-07-035874-5。
  3. ^ ab ベンワード, ブルース、セイカー, マリリン (2003). 『音楽の理論と実践』第1巻, p.87. マグロウヒル. ISBN 0-07-294262-2。
  4. ^ スプリング、グレン（1995年）『音楽形式と分析：時間、パターン、比率』ハッチソン、ジェレ。イリノイ州ロンググローブ：ウェーヴランド・プレス。p.  [ページ必要]。ISBN 978-1478607229. OCLC  882602291。
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  6. ^ タラスキン、リチャード（2009年）。『無言歌集』。オックスフォード西洋音楽史。オックスフォード大学出版局。ISBN 9780199813698。
  7. ^ Benward & Saker (2009).『音楽の理論と実践』第2巻, p.266. McGraw-Hill. ISBN 978-0-07-310188-0。
  8. ^ ライト、クレイグ・M. (2014). 『音楽を聴く』（第7版）. ボストン、マサチューセッツ州: シルマー/センゲージ・ラーニング. p. 44. ISBN 9781133954729. OCLC  800033147。
  9. ^ マクファーソン、スチュワート(1930). 「Form」. 『Form in Music』（新訂版）. ロンドン: ジョセフ・ウィリアムズ.
  10. ^ マン、アルフレッド (1958). 『フーガの研究』 WWノートン・アンド・カンパニー社
  11. ^ チャールズ・ケイル（1966年）『アーバン・ブルース』シカゴ大学出版局、ISBN 0-226-42960-1。
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  13. ^ ab コストカ, ステファン; ペイン, ドロシー (2009). 『トーナル・ハーモニーと20世紀音楽入門』 ニューヨーク: マグロウヒル. p. 335.
  14. ^ エベネザー・プラウト (1893)。音楽形式。ロンドン：オーグナー。[ページが必要]
  15. ^ グローブ音楽・音楽家辞典. オックスフォード大学出版局. 2004. ISBN 978-0195170672。
  16. ^ ab 「ソナタ・アレグロ形式」。ルーメン・ミュージック・アプリシエーション。
  17. ^ abc 「歌の形式ガイド – 歌の形式の概要」Songstuff、2025年3月12日。

さらに読む

  • チェスター、アンドリュー. 1970. 「ロック美学の再考：ザ・バンド」.ニュー・レフト・レビュー1、第62号（7-8月号）、p.78-79.サイモン・フリスとアンドリュー・グッドウィン編『オン・レコード：ロック、ポップ、そして書かれた言葉』に再録、p.315-19. ニューヨーク：パンテオン、1990年。
  • チャールズ・ケイル. 1987. 「参加の不一致と音楽の力」.文化人類学2, 第3号（8月）: 275–83.
  • キャドワラダー、アレン. 1990. 「形態と音調のプロセス：異なる構造レベルのデザイン」.シェンケル研究の動向、A. キャドワラダー編、ニューヨーク、その他：シルマー・ブックス、1-21。
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  • シュマルフェルト、ジャネット. 1991.「シェンカーの概念と伝統的および最近の形式理論との調和に向けて」、音楽分析10: 233–287。
  • ビーチ、デイヴィッド。1993年、「シューベルトのソナタ形式の実験：形式的・調性的なデザインと基礎構造」、音楽理論スペクトラム15：1-18。
  • スミス、ピーター. 1994. 「ブラームスとシェンカー：ソナタ形式への相互応答」、音楽理論スペクトラム16：77-103。
  • スミス、チャールズ・J. 1996.「音楽形式と基本構造：シェンカーの『形式論』の考察」『音楽分析』 15: 191-297.
  • バーナム、スコット. 2001. 「形態」、ケンブリッジ西洋音楽理論史、Th.クリステンセン編、ケンブリッジ: CUP: 880-906.
  • ウェブスター、ジェームズ。2009年、「音楽形式、形式、そして形式学：三つの方法論的考察」 、P.ベルジェ編、ルーヴェン：LUP：123-139。
  • フーパー、ジェイソン. 2011. 「ハインリヒ・シェンカーの初期形態構想、1895-1914年」『理論と実践』 36: 35-64.
  • シュマルフェルト、ジャネット. 2011. 『生成の過程：19世紀初頭の音楽における形式の分析と哲学的視点』、ニューヨーク：オックスフォード大学出版局。
  • チェッキ、アレッサンドロ (編)。 2015.シェンカーのフォルメンレーレ。Rivista di Analisi e Teoria Musicale XXI、第 2 番。
Wikiquote に音楽形式に関する引用句があります。
  • パーシー・ゲッチウス著『音楽形式のレッスン』（1904年）
  • ロバート・T・ケリー著『音楽形式の学習ガイド：標準化された形式カテゴリーと概念の完全な概要』 2019年1月11日アーカイブ、Wayback Machineにて
  • アラン・ベルキン著『音楽作曲実践ガイド』
  • 形態形成：形態を構築するための一般的な手順（パナイオティス・ココラス著）