ジョー・レイ（アーティスト）
ジョー・レイ
生まれる1944年（81～82歳）
ボーモント、テキサス州、アメリカ合衆国
教育カリフォルニア芸術大学、サウスウェスタンルイジアナ大学
知られている絵画、樹脂鋳造彫刻、写真、パフォーマンスアート
ジョー・レイ『ニュー・アイ』、鋳造樹脂とプレキシガラス、7インチ x 11インチ x 11インチ、1969年。

ジョー・レイ（1944年生まれ）は、ロサンゼルスを拠点に活動するアメリカ人アーティストです。[ 1 ] [ 2 ]彼の作品は抽象と具象の間を行き来し、絵画、彫刻、パフォーマンスアート、写真などの媒体を使用しています。[ 3 ] [ 4 ] [ 5 ]彼は1960年代初頭にキャリアをスタートし、ライト・アンド・スペース運動、[ 6 ] [ 7 ]ラリー・ベルなどの初期の樹脂鋳造彫刻家、[ 8 ] [ 2 ] 1970年代に影響力のあったアフリカ系アメリカ人の集団であるスタジオZなど、ロサンゼルスのいくつかの著名なアートコミュニティに所属していました。レイは、デイビッド・ハモンズ、センガ・ネングディ、ヒューストン・コンウィルなどのアーティストとともにスタジオZの創設メンバーでした。[ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]評論家のキャサリン・ワグリーはレイを「特定の素材や戦略よりも、あらゆる種類の光と空間（宇宙的、超能力的、精神的、地理的）を理解することに非常に熱心な芸術家」と評した。彼女や他の人々は、この傾向がレイの過小評価につながったと示唆している。[ 6 ] [ 12 ] [ 2 ]

レイは、ロサンゼルス現代美術館（MOCA）、ロサンゼルス郡立美術館（LACMA）、サンフランシスコ近代美術館（SFMOMA）、ヒューストン現代美術館、ロサンゼルスのアフリカンアメリカン美術館などで展示を行ってきました。[ 13 ] [ 14 ] [ 15 ] [ 16 ] [ 17 ]彼の作品は、LACMAとノラ・エクルズ・ハリソン美術館のコレクションに収蔵されています。[ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]

幼少期とキャリア

レイは1944年テキサス州ボーモントで生まれ、ルイジアナ州アレクサンドリアで育った。[ 4 ]高校で金属工業、美術、音楽のコースを取った後、サウスウェスタンルイジアナ大学で美術を学んだ。以前は人種隔離されていたこの大学で、黒人学生の数少ない一人だった。[ 2 ] [ 21 ] 1963年、彼はバスでロサンゼルスに行き、すぐに多様でまだ定義が定まっていないアートシーンに参加した。[ 5 ] [ 6 ] [ 2 ]彼はアメリカ陸軍に徴兵され、ワッツの反乱の2週間後の1965年にベトナムに派遣された。[ 2 ] [ 21 ] 1967年にベトナムから帰国したレイは、歴史的、現代的なアフリカ系アメリカ人文化の中心地として発展していたロサンゼルスのレイマートパーク地区に定住し、ラリー・ベル、ダグ・エッジ、テリー・オシェイらとともに樹脂を使った彫刻の実験を始めました。[ 1 ] [ 6 ] [ 2 ]

レイは1969年の第4回ワッツ・サマー・フェスティバル美術展で初めて作品を発表し、その後サンフ​​ランシスコ近代美術館、オークランド美術館、ロングビーチ美術館、ロサンゼルス・カウンシル・オブ・カリフォルニア（LACMA）でのグループ展（「24 Young Los Angeles Artists」1971年、「10 Years of Contemporary Art Council Acquisitions」1973年）で認められた。[ 8 ] [ 22 ] 1970年にLACMAからYoung Talent Awardを受賞した後、[ 15 ] [ 19 ]新設のカリフォルニア芸術大学の1期生として入学し、ジョン・バルデッサリ、アラン・カプロー、ナム・ジュン・パイクに師事した。[ 1 ] [ 2 ]在学中、彼はパフォーマンス、写真、ビデオアートを試し、1973年の最初のクラスでBFAを取得して卒業しました。[ 23 ] [ 5 ] [ 24 ] 1978年から1980年の間、彼はヴィジャ・セルミンズ、ロバート・アーウィンらとともに、MOCAロサンゼルス芸術家諮問委員会の15人の創設メンバーの一人でした。[ 2 ]

ジョー・レイ《無題（部分）》、ゼラチン・シルバー・プリント31点、全体サイズ52インチ×52インチ、1970～72年。LACMA所蔵。

レイはその後、ロサンゼルス・カウンティ美術館（LACMA）の展覧会「Made In California: Art, Image and Identity (1900–2000)」[ 15 ]、アサンブラージュ・アート展「LA Object & David Hammons Body Prints」（2007年、ニューヨーク・ティルトン・ギャラリー；ロサンゼルス・ロバーツ＆ティルトン）[ 25 ] [ 26 ] 、 「The Artist's Museum」（ロサンゼルス現代美術館、2010年）[ 13 ] 、ニューオーリンズのProspect.3などに参加した。[ 27 ] 2017年には、ロサンゼルスのダイアン・ローゼンスタイン・ギャラリーで、レイの50年間の作品展「Complexion Constellation」が開催された。[ 3 ] [ 1 ]

仕事と受付

レイの1960年代から70年代にかけての作品は、抽象的なキャストレジン彫刻から、ドキュメンタリー調の写真作品、そしてパフォーマンス作品まで多岐にわたりました。批評家たちは、後者の2つのタイプの作品は、彼の非具象的な作品制作に浸透し、他のキャストレジンや光と空間をテーマとするアーティストと彼を区別するアイデンティティの要素を物語っていると指摘しています。[ 1 ] [ 28 ] [ 29 ] [ 6 ] 1970年代後半以降、彼は内的空間と外的空間、そして人種的アイデンティティと不平等に関する問題を探求する、抽象的で象徴的なミクストメディアの絵画に重点を置くようになりました。[ 27 ] [ 5 ]批評家のシャナ・ニス・ダンブロットは、レイの作品の一見すると折衷的な要素は「光、色、光学的/曖昧な現象、そして知覚、肖像画、パフォーマンス、抽象化に関する社会政治的文脈の連続体の上に、彼の作品全てを結びつける概念的かつ美的ゲシュタルトの糸を張っている」と書いている。[ 1 ]

樹脂鋳造彫刻

1960年代半ば、レイは樹脂を使った彫刻の研究を始めました。樹脂はアーティストにとって新しい素材であり、光とともに光と空間運動を定義するようになりました。[ 2 ] [ 7 ] [ 5 ]レイを含むこれらの彫刻家は、素材の科学的、技術的な側面と、固体の形をとる能力や周囲の一時的な光と動きによって動く能力など、より難解で知覚を変える特性の両方を取り入れました。[ 30 ] [ 1 ] [ 24 ]レイの初期の樹脂彫刻は半透明で、純粋な球、半球、弧、リングという基本的な形状を採用していました。[ 30 ] [ 5 ] [ 6 ]彼はそれらに顔料を加えました。キャンディーカラーの色合いのもの（Two Arcs and Half-Sphere 、1969年）や、 New Eye （1969年）のように白黒のものもありました。[ 3 ] [ 30 ]後者の作品は、彼を光と空間のアーティストの両方と結びつけ、人種問題を参照する白黒のチューブで、フリーウェイ10の南にあるレイマートパーク、アロンゾデイビスとデールブロックマンデイビスのブロックマンギャラリー、ギャラリー32を中心としたアフリカ系アメリカ人の代替アートの世界と結びつけました。[ 30 ] [ 9 ] [ 31 ] [ 26 ]

レイの樹脂作品は、科学と精神、陶酔的な知覚、個々の人間の身体とそのシステム、そして宇宙への彼の関心を表現している。[ 16 ] [ 4 ]後期の作品「リング・アンド・スフィア」（1980-83年）は、7つの深い色の不透明なリングと球が並んで配置され、様々なメタファーを想起させる、丹念な職人技の作品と評されている。[ 30 ] [ 20 ]キュレーターのエド・シャッドは、この彫刻は「原子核の極小の世界から人間の心臓の構造、そして星や太陽系のパターンに至るまで、人間的な線を描いている」と述べており、7つのペアはその数字の「神秘的で数秘術的な意味」と結びつき、謎めいたエッジを加えている。[ 30 ]

キュレーターたちは、レイの1970年代の写真作品を、都市の日常や、人々と周囲の環境との時に不安定な関係を記録することに惹かれたアーティストたちの作品群の中に位置づけている。[ 23 ] 1970年、彼はルイジアナ州の故郷に戻り、そこで暮らす子供たち、大人、ショットガンハウス、そして街路を撮影した。率直でドキュメンタリー調のポートレート作品（白黒ゼラチンシルバープリント31点）は、「無題」シリーズ（1970～72年）を構成し、彼がその地域とその生活について抱いていた感情を伝えると同時に、時間と場所を跨いだ彼自身の軌跡を描き出している。[ 23 ] [ 1 ] [ 28 ]

ジョー・レイ、「Flaming Star Nebula #1」、キャンバスに描かれたアクリル画とスプレーペイント、96インチ x 60インチ、2017年。

このシリーズと同時期に、レイは共同でパフォーマンスアートのプロジェクトに取り組んでいた。ユーモラスなシナリオやステージ上のライブイベントで、写真やビデオで記録されることが多かった。例えば、人間洗車（レイと友人たちが大きな柔らかいブラシに扮して白い泡を全身にまぶす）や、コンサート中に天井の落とし戸からロープを使ってステージ上を降りるといったパフォーマンスなどである。[ 6 ] [ 2 ] 1971年、レイ、テリー・オシェイ、ダグ・エッジは、ウォルター・ホップスとロバート・アーウィンの支援を受けた初期のアーティスト主導型かつ社会主義的なプロジェクトであるマーケット・ストリート・プログラム（1971-73年）の初回展覧会に登場した。[ 8 ] [ 32 ] [ 33 ]彼らは、個々に樹脂彫刻を発表するのではなく、コンセプチュアルなアイデアと写真を用いて、現代アーティストに対する一般的なクリシェ（ダンディ、アウトサイダー、リバティスト、ロマンチストなど）を探求するトリオとして実験を行い、その成果を「ファンタジー・ショー」と名付けた。[ 8 ] [ 32 ] [ 33 ]それらのイメージには、ブニュエルのような3人用のブラックタイの宴会、男らしさを偽装しただらしない上半身裸のバイカーのシナリオ、レイと3人の女性とのポーカーゲームなどがあり、パサデナ美術館でチェスをしている有名な1963年のデュシャンの写真を参考にしている。[ 8 ] [ 33 ] [ 3 ] [ 1 ]

絵画

1970年代後半、レイは樹脂の現象的性質に興味を持ち、夜空を観察するようになった。夜空の性質 ― 遠く離れた色の深み、空間の屈折、暗い空気、白い光 ― は、同様に科学、想像力、そして感情的な表現力を融合させていた。[ 1 ]彼はこれらの関心事を、アクリル絵具、スプレーペイント、ミクストメディアを用いた天体風景画シリーズ「ネビュラ・ペインティング」で探求し、2020年代まで制作を続けている。[ 1 ] [ 6 ]初期のネビュラ・ペインティングでは、色彩豊かな身振りと雰囲気を、制作の文脈を反映した鋭い言葉を慎重に用いて表現していた。例えば、絵画「In Space」（1980年）には、「人種」や「顔色星座」という幽霊のような文字が書かれている。[ 1 ] [ 6 ]批評家たちは、彼の後期の「ネビュラ」作品を、より鮮やかで催眠的な作品であり、「ポスト印象派とアクショニズムのアブ・エクスの特性、文字通り漠然とした抽象表現の感情的な寓話、そして宇宙旅行科学の宇宙的傾向を融合させた」ものだと評している（例えば、Flaming Star Nebula #1、2017年、Red Yellow Black White and Burnt Sienna、2020年）。[ 1 ] [ 6 ]

ジョー・レイ、アメリカ、キャンバスにアクリル、綿布、パネルに、48インチ×72インチ、1993年。LACMA所蔵。

1990年代、レイは、否定的なステレオタイプや人種差別的呼称を覆すシンボルや形式的要素としての画像を流動的に使用することで、アイデンティティ、人種的正義、包摂の問題を探求したアサンブラージュ絵画を制作した。[ 5 ] [ 27 ]ロドニー・キング警察の暴力事件と無罪判決によって引き起こされたロサンゼルス暴動の1年後、彼は作品「US」と「Blue Spade」（両方とも1993年）を含むシリーズを完成させた。前者の作品タイトルは、アメリカ合衆国と、包括的にも分割的にも機能する代名詞「us」（私たち）の矛盾の両方を指し、「us vs. them」（私たち対彼ら）である。[ 18 ] [ 4 ]このシリーズは、自由と平等と抑圧と抗議のシンボルを並置した。アメリカの国旗の伝統的な青い部分の代わりに使用した、西アフリカ系移民にとって重要な意味を持つガーナの織物であるケンテ布、コンクリートから生えているように見える花、汚れた都市の歩道、怒り、または抽象表現主義を示唆する黒い塗料の飛沫、白く塗られた鞭、血のように赤い十字架、人種差別的な中傷、カードゲーム、道具を想起させるスペードの形。[ 18 ] [ 4 ] [ 5 ]

2014年、このシリーズはマイケル・ブラウン銃撃事件の余波の中、ニューオーリンズのプロスペクト3で上演された。ニューオーリンズ・タイムズ・ピカユーン紙のレビューで、ダグ・マキャッシュは「2014年秋にレイの絵画に出会い、その背景を読んだことは、芸術が瞬間を刻む力があることを強調する、ぞっとする体験だった」と書いた。[ 4 ]

参考文献

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