ジュディス・マレー（アーティスト）
ジュディス・マレー
生まれる1941年（84～85歳）
ニューヨーク市、アメリカ合衆国
教育プラット研究所、サンフェルナンド国立芸術アカデミー
知られている絵画、デッサン
配偶者ロバート・ヤスダ
受賞歴ジョン・S・グッゲンハイム・フェローシップ、アメリカ芸術文学アカデミー、全米芸術基金
Webサイトジュディス・マレー

ジュディス・マレー（1941年生まれ）は、ニューヨーク市を拠点に活動するアメリカの抽象画家である。 [ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] 1970年代から活動し、特異で自らに課した規則に厳密に従いながら、多岐にわたる独立した一連の作品を制作してきた。[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] 1975年以降、彼女は、赤、黄、黒、白の絵の具を基本パレット（そこから無限の色相を混ぜる）と、キャンバスの右端に沿って描かれた垂直のバーによってオフセットされたほぼ正方形の横長の形式に限定している。このバーは、作品の残りの部分の視覚的な引き立て役として機能し、各絵画の境界と抽象オブジェクトとしての地位を認めている。[ 4 ] [ 7 ] [ 8 ] [ 9 ]評論家のリリー・ウェイは、マレーの作品を「感覚、感受性、そして逸脱が絵の具を通してどのように伝えられるかについての長い独白」であり、事実の世界を受け入れることで「抽象芸術家が至高で持続的なフィクションを構築できる」と評している。[ 10 ]

ジュディス・マレー、「Once in the Morning」、リネンに油彩、72インチ x 151インチ、2014年。

マレーはグッゲンハイム・フェローシップを受賞し、アメリカ芸術文学アカデミーと全米芸術基金から賞を受けている。[ 11 ] [ 12 ] [ 13 ]彼女は国際的に展示を行っており、MoMA PS1、クロックタワー・ギャラリー、ダラス美術館での個展、[ 10 ] [ 14 ] 、ホイットニー美術館、パラッツォ・グリマーニ美術館（ヴェネツィア・ビエンナーレ）、近代美術館（メキシコシティ）、国立アカデミー博物館でのグループ展などに参加している。[ 15 ] [ 13 ] [ 16 ]マレーはニューヨーク市とフロリダ州シュガーローフ・キーに、夫でアーティストのロバート・ヤスダとともに住み、活動している。[ 13 ] [ 17 ]

幼少期とキャリア

マレーは1941年にニューヨーク市で生まれたが、幼少期の大半を南フロリダの海岸近くで過ごした。[ 18 ]彼女は幼少期、長期の闘病中に絵を描き始め、絵画の勉強を始めた。彼女は1958年にブルックリンのプラット・インスティテュートで学業を続け、1962年に美術学士号を取得した。1963年にスペインのマドリードにあるサンフェルナンド王立美術アカデミーに入学した後、プラットに戻り、美術学修士号（MFA）を取得した（1964年）。[ 18 ]卒業後、マレーは鉄のカーテンの向こう側にあるポーランド全土で開催されたグラフィカ・アメリカンスカ展にアーティスト・イン・レジデンスとして米国情報局に勤務した。[ 17 ]米国に戻ると、彼女はハワイ大学とニューヨーク工科大学で教鞭を執り、後にロングアイランド大学、プラット・インスティテュート、プリンストン大学で教鞭を執った。[ 17 ] [ 5 ]

1970年代初頭、マレーは後にソーホーとして知られるようになるマンハッタン南部のエリアに住み、活動した先駆的なアーティストの一人でした。[ 17 ]彼女はニューヨークの歴史的なベティ・パーソンズ/ジョック・トルーマン・ギャラリー（1976年）とクロックタワー・ギャラリー（1978年）、ダラス美術館（1982年）などで個展を開催しました。[ 4 ] [ 19 ] [ 7 ] [ 20 ]その10年間、彼女はホイットニー・ビエンナーレ（1979年）[ 21 ]やPS1、ホールウォールズ、ウェザースプーン美術館でのグループ展、そしてミルウォーキー美術館、現代美術センター、ハイ美術館を巡回した展覧会「Art in Our Time」にも参加しました。[ 22 ] [ 13 ] [ 18 ]

初期のキャリアでは、マレーはニューヨークのパム・アドラー・ギャラリー（1979-86年）とロサンゼルスのジャン・ターナー・ギャラリーで作品を発表した。[ 23 ] [ 20 ] [ 24 ] それ以来、MoMA PS1（2001年）、スンダラム・タゴール・ギャラリー（ニューヨーク、ビバリーヒルズ、シンガポール、2002-18年）、ファイブマイルズ・ギャラリー（2019年）などで個展や二人展を開催している。[ 10 ] [ 6 ] [ 9 ] [ 25 ]

仕事と受付

批評家はマレーを「熱烈な、しかし教条的ではないモダニスト」かつ色彩主義者と評し、「包括的で制限のない形式主義」[ 10 ]は抽象化の内外を問わずアート界の流行に左右されず独自の道筋を示してきた。[ 5 ] [ 19 ] MoMA PS1の創設者アラナ・ハイスは、マレーは初期のハードエッジな幾何学的抽象から、ジェスチャーとインパストを用いて知覚的および触覚的な体験を呼び起こす後期の表現スタイルへとゆっくりとだが着実に進化することで、予測可能性を回避してきたと示唆している。 [ 19 ]彼女の作品には、初期モダニスト、ニューヨーク・スクール、抽象表現主義者、エル・グレコ、アルバート・ピンクハム・ライダー、そして東洋の影響などが見られる。[ 2 ] [ 26 ] [ 27 ]彼女の色彩と構成は、インド、アジア、南米、熱帯地方への旅で出会った場所、芸術、文化からも影響を受けている。[ 17 ] [ 28 ]彼女は主にリネンのキャンバスに油彩で作品を制作し、明るい色彩、光の感覚、そして多様で触覚的な表面とマークメイキングで最もよく知られている絵画を制作しています。[ 24 ] [ 29 ] [ 30 ] [ 2 ]批評家のリチャード・カリーナは、彼女の作品は「直感的なもの、遊び心、そして刺激的なものと見事な対比をなす明快さ、規律、そして構造を示している」と書いています。[ 6 ]

ジュディス・マレー、ホイットニー美術館インスタレーション（1979年）、写真作品：（左）「Red Angle」、キャンバスに油彩、60.5インチ x 64.5インチ、1978年；（右）「Broadway」、キャンバスに油彩、60.5インチ x 64.5インチ、1978年。

ハードエッジな抽象表現（1974年～1991年）

マレーの初期の油絵は、ハードエッジな抽象画の伝統に則った、控えめなサイズで簡素な作品であった。[ 31 ] [ 32 ] [ 33 ]赤、不透明な白、黄色の不規則な幾何学的形状が官能的な黒地に浮かんでいるのが特徴で、対称性に頼ることなくバランスと安定性の問題を探求していた（例えば、1976年の「バラスト」シリーズ）。[ 4 ] [ 34 ] [ 19 ] [ 7 ]これらの曖昧な「人物」は、帆、翼、凧、月、エキゾチックな海の生き物、あるいは退廃的で危険なとげのある植物と比較すると、自然界から得たというよりは、想像力や潜在意識から生まれたものであった。[ 4 ] [ 31 ] [ 35 ] [ 10 ]マレーの最初の大規模な個展（パーソンズ・トルーマン、1976年）を批評したソーホー・ウィークリー・ニュースの評論家ジョン・ペローは、彼女を「非順応的な画家」と評し、そのイメージは記号や図表のように、終わりはないが抑制された論理を示唆していると表現した。ヴィレッジ・ヴォイスは、彼女の「風変わりな抽象画」を1979年のホイットニー・ビエンナーレのハイライトの一つに数えた（例えば、レッド・アングルとブロードウェイ、どちらも1978年）。[ 4 ] [ 22 ]

ジュディス・マレー、「継承」、リネンに油彩、72インチ×76インチ、1988-89年。

マレーがダラス美術館で展示した作品は、ロシア構成主義（例えば、レッド・ウィング、1980年、スモーク、1979-82年）を想起させる、より複雑で力強い構成の中に、先細りの弧、ダイナミックな線、そして破片やシミターのような形状を採用している。[ 7 ] [ 14 ] [ 30 ]ダラス・タイムズ・ヘラルド紙は、マット、グロス、そしてわずかにテクスチャのある様々な表面の「純粋な視覚的輝き」と、右端の細い黄褐色のバーによって支えられた「反律動で応えるリズム」について報じた。[ 14 ] 1980年代半ば、マレーは厚い顔料で盛り上げた部分、下塗りの層、まだら模様で優しく形作られた人物と地を描いた絵画を実験し始めた。ニューヨーク・タイムズ紙は、神秘的な光と黒、そしてダイナミックな形態と抑制された形態の対比が際立つと評した（例えば、マーキュリーやビショップ、1983–84年）。[ 5 ] [ 35 ] [ 36 ]ロサンゼルス・タイムズ紙の批評家クリスティン・マッケナは、これらの作品を「説明のつかない意味を帯びたユング派の形」を中心に構築された「擬人化された抽象画」と表現し、意識への闘争のエネルギーと示唆に満ちていると述べた。[ 24 ]

表現的抽象（1992–2006）

マレーは 1990 年代に作品の周囲の空間に焦点を合わせ始め、徐々に硬いエッジを排除していった。[ 37 ]これらのより分散した構成は、モザイクのような表面を作り出す力強い羽毛のようなジェスチャーを通じて、質感、雰囲気、脈打つ光の感覚を強調している (例: Madurai、1994 年、Mars、1997 年)。[ 38 ] [ 8 ] [ 10 ] 90 年代の終わりまでに、マレーは、フロリダ キーズでの体験など、文字通りではなく抽象的に伝えられた感覚 (光、エネルギー、空、水、土地、植物) など、自然界をますます呼び起こす 8 x 9 フィートの絵画を制作していた。[ 10 ]批評家のバリー シュワブスキーは、この新しい作品は「ロマンチックな親和性」と緊急性とドラマ性を表していると書いている。彼はマレーを「温和な叙情詩人」と評し、感性（活発な筆致、明滅する光と触覚）と抑制（各作品における一貫した構成）を融合させた人物だとした。[ 8 ]彼女のタイトルの多くは、ウォレス・スティーブンスの詩にヒントを得たものもあり、場所や夜の気分の詩学を喚起させるものであった。例えば、『Night Fishing』（1998年）、『Camouflage for the Moon』（1997年）、『Shadows in Our Sun』（1999年 - 2000年）などである。[ 8 ] [ 10 ]リリー・ウェイはこれらの作品を鮮やかでスタッカート的な「風景のない風景、表現ではなく参照を探る」と表現している。[ 10 ]

2000年代、批評家たちは引き続きマレーの叙情的な表現、空気のような筆遣い、光の感覚、そしてますます、作品に深み、動き、具体的な物質性を与えている彫刻的な絵の具の使い方を強調した。[ 19 ] [ 37 ] [ 39 ] [ 27 ]アラナ・ハイスとエドワード・レフィングウェルは、マレーの主題は「絵の具そのものである」が、同時に水面に落ちる夕暮れの光（ Primary Document 、2006年の灰色とカリグラフィーのような白い跡）や燃えるような夕焼けの赤とピンク（Royal Flush、2006年）などの現実の感覚を呼び起こすと述べている。[ 19 ] [ 37 ] [ 39 ] [ 27 ]雰囲気のある作品「マグネティック・サウス」（2006年）は、太陽のように明るく、変動する黄色とピンクの太いストロークのフィールドで、濃密で抽象的なジェスチャーと色の構成を通して均衡と首尾一貫した構造を達成するマレーの能力の見事な展示としてしばしば引用されます。[ 37 ] [ 27 ] [ 19 ]絵画の制作（その大部分は梯子の上で行われました）は、アルバート・メイスルズとマーク・レディアンによるエピソード形式のドキュメンタリー「ジュディス・マレー：フェーズとレイヤー」で3か月間にわたって追跡されました。[ 40 ] [ 41 ]

後期の絵画（2007年～）

ジュディス・マレー、アメリカ芸術文学アカデミー展示（2005年）、写真作品：（左）「First Light」、キャンバスに油彩、96インチ x 108インチ、2004年；（右）「La Forza de Destino」、キャンバスに油彩、96インチ x 108インチ、2004年。

批評家のバーバラ・マカダムは、マレーの後期の作品は「抽象的なジェスチャー表現に固執する大胆な姿勢」をとっていると述べている。[ 1 ]これらの絵画は、深く魅惑的な色彩と複雑に調和したバラ色、灰色、クリーム色、オレンジ色、金色、銀色、そして東洋の影響（ラージプート絵画、ペルシャ絨毯や織物、中国絵画）と西洋の印象派や点描画技法を橋渡しする不連続な空間感覚を特徴としている。[ 29 ] [ 1 ]

リリー・ウェイは、マレーの「コンティニュアム」（2009年）展について、彼女が「爆発的で複雑で重なり合ったリズム」を持ち、「流動的な風景、移り変わる世界、宇宙の渦巻くエネルギー」を想起させる、より絵画的なモードへの移行を継続していると述べた。[ 29 ]マレーの「ウィズアウト・ボーダーズ」（2012年）展は、初期のハードエッジな作品と現在の表現スタイルを統合したもので、批評家のローレンス・オズグッドとデイヴィッド・コーエンにそれぞれ「驚くべき出発」と「突破口」を告げた。 [ 2 ] [ 30 ]彼女は、セザンヌのような短い筆遣いの積み重ね、生き生きとしたパターン、右端のバーを使用し続ける一方で、1970年代の人物像をミニチュアで思い起こさせる小さな散在した幾何学的形状を導入した。風変わりで、透明感があり、ほとんど紋章のようなこれらの形態は、一見すると「 First Day」や「A Night in Tunisia」 （いずれも2011年）といった作品の今や特徴的な全面模様を「侵略」しているかのようだ。[ 2 ] [ 30 ]

マレーの適切な名前が付けられた展覧会「テンペスト」（2018年）は、モザイクのような旋風のような構成で、色彩豊かでエネルギッシュな筆致があふれており、批評家たちはそれを画面を横切る蜂の群れや魚の群れに例えている。[ 1 ] [ 28 ] [ 9 ]中心となるのは、大きな二連画「朝に一度」（2014年）で、深遠な空間感覚と金色のマークの毛布が特徴で、批評家たちはそれをクリムトの室内装飾の豪華さに例えた。[ 1 ]この展覧会では、マレーの晩年の新たな展開も紹介された。それは、小さくて特徴的でなく素早い印象を与える11インチ×14インチのキャンバスで、より広いバー（正方形のフォーマットの錯覚を維持するため）、交差する視点、中断するジェスチャー（例：Poof、Junction、Gaggle、2017–8年）を採用している。それらは浮力、動き、そして自然の力が暴走することを示唆している。[ 1 ] [ 28 ] [ 9 ]

公共コレクションと認定

マレーの作品は、メトロポリタン美術館[ 42 ]、ホイットニー美術館[ 43 ] 、アメリカ議会図書館[ 44 ] 、ニューヨーク公共図書館、大英博物館[ 45 ] 、ブルックリン美術館[ 46 ] 、カーネギー研究所、ホノルル美術館、MITリストビジュアルアーツセンター、ヒューストン美術館[ 47 ]、国立美術館（ポーランド）、フィラデルフィア美術館[ 48 ] 、スミソニアンアメリカ美術館[49 ]、米国務省[ 50 ] 、ウォーカーアートセンター[ 51 ]、イェール大学美術館などの公的および私的コレクションに永久所蔵されている。[ 52 ]

彼女はジョン・サイモン・グッゲンハイム記念財団（2002年）と全米芸術基金（1983年）のフェローシップとアメリカ芸術文学アカデミー賞（2005年）を受賞しました。 [ 11 ] [ 12 ] [ 13 ]彼女は2009年に全米デザインアカデミーに選出され、 1985年からアメリカ抽象芸術家協会の会員です。[ 13 ] [ 53 ]彼女はまた、リンカーンセンターからモーツァルトフェスティバルのいくつかのイベントのポスターや版画のアートワークの制作を依頼されました。 [ 54 ]

参考文献

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