コンサートバンド
フルコンサートバンド—インディアナ・ウィンド・シンフォニーのコンサート、2014年

コンサートバンドは、吹奏楽団、吹奏楽アンサンブル、吹奏楽交響楽団、吹奏楽団、交響楽団、交響楽団、 交響楽団、または交響楽吹奏アンサンブルとも呼ばれ、[ 1 ]木管楽器、金管楽器、打楽器の楽器群のメンバーで構成される演奏アンサンブルであり、[ 2 ]ピアノ、コントラバス、ハープが含まれることもあります。まれに、シンセサイザー、エレキギター、ベースギターなどの非伝統的な楽器がアンサンブルに加わることもあります。[ 3 ]

コンサートバンドの音楽には、一般的にオリジナルの管楽器、コンサートマーチ、オーケストラ編曲の編曲、軽音楽、ポピュラー音楽が含まれます。コンサートバンドはマーチングバンドと似た楽器編成ですが、マーチングバンドの主な目的は行進しながら演奏することです。一方、コンサートバンドは通常、定位置のアンサンブルとして演奏しますが、ヨーロッパのアンサンブルでは両方を行うことが多いです。

起源

コンサートバンドの起源はフランス革命にまで遡ることができる。当時は大規模な楽団が愛国的な祭りや祝賀行事に集まることがよくあった。これらの楽団は大衆の注目を即座に集めるポピュラー音楽を演奏した。しかしながら、フランス革命の間中、真摯な作曲家たちはバンドのための音楽を作曲することに興味を示さなかった。これは主に楽器編成によるものであった。コンサートバンドは（現在でも）必要な楽器の種類や数が標準化されておらず、正しい種類の楽器に正しい数のパートを書くことはほぼ不可能であった。楽器の質も、作曲家がコンサートバンドのための音楽を作曲したがらないことに影響を与えた。当時の管楽器は音程を合わせて演奏するのが難しく、ピッチやリズムを十分な速さで切り替えるのが難しいことが多かった。[ 4 ]このことが今度は、楽団がオーケストラの楽章や編曲から移調した楽曲に固執することに影響を与え、これは現代まで続いている。

19世紀、イギリスとアメリカの伝統における管楽器と打楽器の大規模なアンサンブルは、主に儀式や祝祭の場で軍楽隊として存在し、演奏される作品は主に行進曲でした。吹奏楽団が交響楽団に匹敵するコンサート形式で演奏されたのは、管弦楽曲やオペラ作品の編曲が編曲・演奏された場合のみであり、大規模な吹奏楽団のためのオリジナルのコンサート作品は比較的少なかったためです。

作曲家がコンサートバンドのための作品を書き始めたのは20世紀初頭になってからでした。当時のコンサートバンドの作曲家たちは、バンド向けの質の高い音楽が不足していることに不満を抱き、その問題を解決するために作品を書き、演奏し始めました。コンサートバンドのための最初の、そして最も重要なオリジナル作品の一つである、グスターフ・ホルストによる「バンドのための第一組曲」は1909年に作曲されました。この時代の作曲家には、他にレイフ・ヴォーン・ウィリアムズ、リヒャルト・ワーグナー、アーロン・コープランドなどがいます。[ 5 ]

計装

1950年代以前、吹奏楽団は様々な楽器の組み合わせで構成されていました。吹奏楽団の現代的な「標準的な」楽器編成は、 1952年にイーストマン音楽学校のフレデリック・フェネルによってイーストマン・ウィンド・アンサンブルとして確立されました。これはオーケストラをモデルとしており、作曲家が様々な響きを生み出すために演奏者を選抜できる集団です。[ 6 ]フェネルによれば、吹奏楽団は革命的なものではなく、音楽から自然に発展したものだったということです。

今日のバンド

軍楽隊

軍楽隊—アメリカ陸軍軍楽隊

軍楽隊は、軍事機能、特に軍隊において音楽任務を遂行する人員の集団です。典型的な軍楽隊は、主に管楽器と打楽器で構成されています。軍楽隊の指揮者は、一般的にバンドマスターまたは音楽監督の称号を持ちます。オスマン帝国の軍楽隊は、13世紀に遡る世界最古の軍楽隊と考えられています。[ 7 ]

軍楽隊はもともと、戦場で軍隊を統制するために太鼓やラッパ、横笛などの楽器を使用していました。戦争中の通信システムが進歩するにつれて、戦場で信号装置として楽器を使用することはなくなりました。それ以降、軍楽隊は儀式的な役割を果たし、兵士を慰問し、地域社会のために演奏するようになりました。役割が変化すると、楽器も変化しました。初期の吹奏楽団のレパートリーの大半は、オーケストラ作品の編曲を演奏するために、より幅広い楽器が使用されました。[ 8 ]これらの軍楽隊は現代のドラムとビューグルの隊へと発展し、コンサートバンドの概念を広めるのに貢献しました。現代の軍隊には、多くの場合、複数の種類のバンドがあります（たとえば、米国海兵隊にはドラムとビューグルの隊と吹奏楽団があります）。

プロのバンド

軍と関係のないプロのコンサートバンドは世界中に存在し、特に先進国で多く見られます。しかし、ほとんどのバンドはフルタイムのポジションを設けていません。こうしたコンサートバンドへの参加は競争率が非常に高く、演奏者と入団者の比率は極めて低いです。軍と関係のないプロのコンサートバンドの例としては、以下のようなものがあります。

コミュニティバンド

コミュニティバンドとは、特定の地域に住むボランティア（無給）のアマチュア音楽家によって構成されるコンサートバンドまたはブラスバンドのアンサンブルです。地方自治体の支援を受けている場合もあれば、自主的に活動している場合もあります。これらのグループは定期的にリハーサルを行い、少なくとも年に1回は公演を行います。中にはマーチングバンドとして活動し、パレードなどの野外イベントに参加するバンドもあります。コミュニティバンドはボランティアによる音楽団体ですが、芸術監督（指揮者）や様々な運営スタッフを雇う場合もあります。

コミュニティバンドの台頭は、産業化に一部起因すると言える。楽器の製造が容易になったことで、入手性が大幅に向上した。[ 9 ]これは、多くのアマチュアが町のバンドを結成できるようになったことを意味し、彼らの編成は典型的には愛国歌、行進曲、ポピュラー音楽で構成されていた。アメリカ南北戦争は、アメリカのコミュニティバンドにとって転換点となった。アマチュア出身者であれプロ出身者であれ、多くの軍楽隊員が終戦後、独自のコミュニティバンドを結成しようとした。[ 10 ]この時代に結成された多数のバンドは、「バンドの黄金時代」をもたらし、ジョン・フィリップ・スーザやパトリック・ギルモアといった指揮者たちがその先導役となった。[ 11 ] [ 12 ] 20世紀の新しい娯楽形態、すなわちラジオと蓄音機の登場は、コミュニティバンドの衰退を招いた。これにより、以前はコミュニティバンド向けに販売していた楽器メーカーは、学校向けの販売に注力するようになった。[ 13 ]学校の音楽プログラムの拡大は、卒業生たちが再びバンドで演奏したいという思いから、コミュニティバンドへの関心を回復させるのに役立った。

著名なコミュニティバンドには次のようなものがあります。

アメリカ合衆国

イギリス

カナダ

オーストラリア

ノルウェー

ポルトガル

フィンランド

学校のバンド

高校のコンサートバンド—BHSバンドの演奏、2013年

スクールバンドは、生徒の音楽家たちが一緒にリハーサルや器楽演奏を行うグループです。スクールバンドは通常、1人または複数の指揮者（バンドディレクター）の指揮下にあります。スクールバンドは木管楽器、金管楽器、打楽器で構成されますが、上級レベルのバンドでは弦楽器やベースギターも含まれる場合があります。[ 14 ]

アメリカの伝統的な高校では、多くのバンドはスキルレベルやその他の要素によって複数のレベルに分かれています。そのような学校では、上級バンドに進むにはオーディションが必要となる場合もありますが、共通レベルは誰でも参加できます。例えば、多くのアメリカの高校では、「コンサートバンド」は入門レベルのバンド、「シンフォニックバンド」は中級レベルのバンド、「ウィンドアンサンブル」は上級レベルのバンドを指します。

計装

ジョン・フィリップ・スーザ・バンドが1911年の世界ツアー中に演奏した大規模なコンサートバンド（ヴァイオリン独奏者のニコリン・ツェデラーを含む）の初期の楽器編成が紹介されている。 [ 15 ]

吹奏楽団の楽器編成は完全に標準化されておらず、作曲家によってパートが追加または省略されることがよくあります。以下のリストで括弧で囲まれた楽器とパートは、あまり一般的ではありませんが、それでもよく使用されます。一部の吹奏楽団ではこれらの楽器が欠落しているため、これらの楽器の重要なパートは他のパートにキューされることがよくあります。

楽器編成はアンサンブルの種類によって異なります。中学校や高校のバンドでは、楽器編成やパート数が少なくなることがよくあります（例えば、ダブルリードが使用できなかったり、ホルンパートが4つではなく2つだったりするなど）。これは、経験の浅い演奏者にとって難易度が低いことと、学校ではあまり一般的ではない楽器が入手できないことが多いためです。

標準的なコンサートバンドは、利用可能な人員と指揮者の好みに応じて、各パートに複数の演奏者が配置されます。コンサートバンドは、理論上、わずか35パートから最大200人のメンバーを編成できます。一方、吹奏楽団では、二重奏はほとんど、あるいは全くありません。一般的には、クラリネットやフルートが二重奏されることがあり、特にディヴィジ・パッセージに対応する場合が多いです。また、特定の楽曲の要件に応じて、各パートに1人の演奏者が配置される場合もあります。吹奏楽団では、チューバ2本とユーフォニアムまたはバリトン2本が同じパートを演奏する こともよくあります。

ハープは主に管楽器と打楽器で構成されていますが、弦楽器、例えばストリングベースやコンサートハープも楽譜に使われることが多いです。[ 16 ]ハープの使用は、ジョン・フィリップ・スーザとエドウィン・フランコ・ゴールドマンのプロおよび軍楽隊に取り入れられていたことに遡ります。こうしたバンドには、スーザ・バンドとツアーを行った最初の女性楽器奏者の一人であるウィニフレッド・バンブリックや、アメリカ海軍バンドで演奏したビクター・サルヴィなど、国内のトップクラスのハープ奏者が参加していることがよくありました。[ 17 ]特筆すべきは、アメリカ空軍バンドがチェロの楽譜を作っていることで、これはアンサンブル独自の慣習であり、指揮者ジョージ・S・ハワードの在任期間にまで遡ります。[ 18 ]

コンサートバンドの楽曲では、複雑な打楽器パートが一般的で、多くの打楽器奏者が必要となることがよくあります。多くの人が、これがオーケストラ（通常は大規模な打楽器編成ではない）とコンサートバンドの大きな違いだと考えています。昔の編曲やコンサートバンドでは、ティンパニはオーケストラと同様に独立したセクションとして扱われていましたが、今日のバンドではティンパニは打楽器セクションの一部とみなされています。そのため、ティンパニ奏者は他の打楽器を兼任することがよくあります。

現代音楽では、演奏者に珍しい楽器や効果音の使用が求められることがよくあります。例えば、サイレンを使用する曲もあれば、リコーダーやワーリーチューブの演奏、歌、ハミング、スナップ、手拍子、さらには紙をくしゃくしゃにする演奏などを求める曲もあります。吹奏楽団は多様な楽器編成と多数の演奏者で構成されているため、非常に柔軟なアンサンブルを構成し、多様な音響効果を生み出すことができます。

楽器は、マーチングバンドが演奏する環境に合わせて、時代とともに進化を遂げてきました。例えば、クラリネットは古いオーボエよりも適していることが判明し、18世紀にはより広く使用されるようになりました。より重くかさばる楽器は、トロンボーンやコルネットに取って代わられました。19世紀には、キーやバルブが追加され、特定の音域や音符の演奏が容易になり、バンドの楽器は大きく進化しました。これは、すべての音楽家にとって大きな変革をもたらしました。[ 4 ]

  1. ^ a b必要に応じて、フルート 2 または 3 が重複されることもあります。
  2. ^必要に応じて、オーボエ 2 が重複することもあります。
  3. ^必要に応じて、ファゴット 2 が 2 倍になることもあります。
  4. ^ A 管クラリネットはプロのコンサートバンドで使用されることがあり、一般的には、パートの調号を簡素化するために B♭ 管または A 管クラリネットが代用される交響楽団と同様の目的で使用される。
  5. ^コントラバスクラリネットのパートは通常、B♭とE♭（コントラアルト）の両方で提供されます。
  6. ^ほとんどの場合、ソプラノ サックスが必要な場合は、アルト サックスの最初のパートがソプラノ サックスに置き換えられます。
  7. ^ごく稀に、アルトサックス1本のみで演奏される場合もあります（例：ホルスト・バンド・スイート）。しかし、この慣習は一般的に廃止され、ほとんどの場合2本のアルトサックスが使用されるようになりました。
  8. ^トランペットとコルネットのパートはしばしば互換性があるとみなされ、コルネットパート3つまたは4つとトランペットパート2つに分割されることもあります。しかし、この慣習は現在では行われておらず、通常は古い作品（例えば1950年以前）や編曲でのみ見られます。トランペットはほぼ常にB♭管ですが、プロのコンサートバンドの全盛期にはE♭管、D管、C管のモデルが一般的に使用されていました。
  9. ^必要に応じて、トランペット 1 が 2 倍になることもあります。
  10. ^古い作品には、中間部の金管楽器パートがしばしば存在し、E♭管のアルトホルン／テナーホルン、 F管またはE♭管のフレンチホルン、あるいはメロフォンで演奏できるものが多かった。演奏者が自分の楽器の調に合わせて演奏できるよう、F管とE♭管の両方のパート譜が通常用意されていた。現代の出版社の中には、E♭管のホルンパート譜を収録しているところもあるが、これはF管のホルンパート譜をE♭管に移調したものに過ぎない。アルトホルン／テナーホルンは特にイギリスで一般的で、テナーホルンと呼ばれることが多い。
  11. ^トロンボーンのパートは通常3つのパートに分かれ、最初の2つのパート（トロンボーン1、2）はテナートロンボーン、3番目のパートはバストロンボーンで演奏されます。ただし、稀に4番目のパートが必要な場合、トロンボーン3がテナー、トロンボーン4がベース、またはトロンボーン3と4が両方ともベースとなることがあります。楽譜には通常、どちらが推奨されるかが記されています。
  12. ^必要に応じて、トロンボーン 1 が 2 重になることもあります。
  13. ^バリトン/ユーフォニアムのパートは通常、ヘ音記号（実音）とト音記号（B ♭、記譜より長9度低い音）の両方で提供されます。
  14. ^バリトンとユーフォニアムはしばしば互換的に使用されますが、作品によっては2つの楽器に別々のパートが割り当てられているものもあります。作曲家が「バリトン」と書く場合、実際にはより口径の大きいユーフォニアムを念頭に置いている場合がほとんどです。
  15. ^コンサートバンドの打楽器アンサンブルは、2人から14人以上の演奏者で構成されます。使用される打楽器の種類は、演奏される楽曲によって異なります。現代のコンサートバンドの楽曲、特に高校や大学のバンドでは、様々な文化圏の打楽器が数多く使用されています。
  16. ^ティンパニは常に打楽器パートに含まれ、独自の五線譜を持ち、低音部記号で表記されます。
  17. ^弦楽器のベースパートは、より高度なバンド楽曲や大規模なアンサンブル編成に一般的に含まれています。現代のバンド楽曲では、弦楽器のベースパートがエレクトリックベースに置き換えられることもあります。一部の高校や、ほとんどの大学、プロのバンドでは、アンサンブルにベーシストがいます。

レパートリー

レパートリーの開発

20世紀初頭までは、吹奏楽のために特別に作曲された楽曲はほとんどなく、そのため管弦楽曲からの編曲や、他の楽曲を編曲した作品が数多くレパートリーにありました。しかし、吹奏楽が軍隊の行進曲という限られた領域からコンサートホールへと移行するにつれ、作曲家の間でも人気が高まり、現在ではコンサートバンドや吹奏楽のために多くの作品が作曲されています。今日では吹奏楽のために作曲する作曲家もいますが、他のジャンルで活躍する著名な作曲家の中にも、吹奏楽のための作曲に才能を発揮している人は少なくありません。これは特に日本に当てはまります。日本には吹奏楽部の作曲に対する巨大な市場があり、その大きな要因は、全日本吹奏楽連盟や東京佼成ウインドオーケストラ、大阪市吹奏楽団などの主要なプロのアンサンブル、そして米国で最も長く続いている吹奏楽部委嘱シリーズであるカッパ・カッパ・サイおよびタウ・ベータ・シグマ委嘱プログラムによる委嘱によるところが大きいのです。

コンサートバンドの著名な作曲家

20世紀初頭から中期

20 世紀初頭から中期にかけて、特にコンサート バンド向けに書かれた文学作品を確立した最も重要な人物は次のとおりです。

20世紀後半から現在まで

過去50年間、多くの作曲家が吹奏楽のための主要な作品を作曲してきました。中には、コンサートバンドの発展に貢献したことで名声を博した作曲家もいます。

重要なコンサートバンドの文献

風帯研究

吹奏楽に関する研究は、1964年にアメリカ吹奏楽団長協会傘下の「 Journal of Band Research」[ 19 ]を通じて本格的に始まりました。

21世紀初頭には、吹奏楽研究を推進する団体が、吹奏楽に関連した研究を発表するようになりました。ドイツに拠点を置くIGEB（1974年設立）[ 20 ] 、世界交響楽団・アンサンブル協会（WASBE、1983年設立）[ 21 ]、米国に拠点を置く組織であるヒストリック・ブラス・ソサエティ（1988年設立）[ 22 ] 、全米吹奏楽協会（NBA、1960年設立）[ 23 ]、全米大学吹奏楽団監督協会（CBDNA、1941年設立）[ 24 ]などです。

国際的に著名な吹奏楽研究者としては、フランスのバンドを研究するヴィンセント・デュボア、フィンランドのバンドを研究するポール・ニエミスト、吹奏楽団の指揮者を研究するフレデリック・ハリス、米国の女性バンドを研究するジル・M・サリバン、米国のバンドを研究するフランク・バティスティ、日本とポリネシアのバンドを研究するデイビッド・ヘバート、米国の軍楽隊を研究するパトリック・M・ジョーンズ、ヨーロッパのバンドとレパートリーを研究するデイビッド・ウィットウェルなどがいます。

バンド協会

著名なバンド協会としては次のようなものがあります:

参照

参考文献

  1. ^ 「究極ガイド：コンサートバンドとは？」 Dawkes Music、2019年1月23日。 2022年6月1日閲覧。
  2. ^ Harpstead, Ella (2019年9月3日). 「コンサートバンド101：吹奏楽入門」 . Your Classical . 2022年6月1日閲覧。
  3. ^ハープステッド、エラ（2019年8月26日）「No strings attachment: get to know the instruments in a concert band（邦題：コンサートバンドの楽器を知ろう）」 Your Classical誌。 2022年6月1日閲覧。
  4. ^ a bシュミット＝ジョーンズ、キャサリン。「吹奏楽団の短い歴史」。親のための吹奏楽ガイド。OpenStax CNX。pp. 31–39 (34) 。2024年3月8日閲覧–インターネットアーカイブ経由。
  5. ^リース、エミリー（2013年9月9日）「Learning to Listen: Back to School」Your Classical . 2022年6月2日閲覧。
  6. ^ Wakin, Daniel J. (2004年12月9日). 「革新的なバンド指揮者、フレデリック・フェネル氏（90歳）が死去」 .ニューヨーク・タイムズ. 2021年4月22日閲覧。
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  8. ^ 「第一次世界大戦における楽団の歴史 パート1」。Taps Bugler: Jari Villanueva。2019年8月1日。 2020年11月11日閲覧。
  9. ^ローワー、デビー (2016). 「コミュニティバンドに関する研究：過去、現在、そして未来」 .音楽教育への貢献. 41 : 15–30 . JSTOR 24711126 . 
  10. ^ハーツ、ジェイソン (2003). 『アメリカン・コミュニティ・バンド：歴史と発展』（修士論文）マーシャル大学.
  11. ^ 「バンドの黄金時代」を特集したバンドコンサート.ペンシルベニア州ステートカレッジ. 2020年11月11日閲覧。
  12. ^ 「吹奏楽団の歴史：19世紀アメリカの吹奏楽団」ww2.lipscomb.edu . 2020年11月11日閲覧。
  13. ^ Guion, David (2019年9月2日). 「アメリカの学校バンド」 . Musicology for Everyone . 2020年11月11日閲覧。
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  16. ^リード、アルフレッド、ニューバート、デイヴィッド（1988年5月）「木管楽器グループにおける弦楽ベース」アメリカン・ストリング・ティーチャー誌、38 （ 2 ）：66-69。doi：10.1177 /000313138803800225。OCLC 7254879185。S2CID 125597639。  
  17. ^ Govea, WM (1995). 『19世紀および20世紀のハープ奏者：バイオ批評資料集』グリーンウッド・プレスpp. 20, 249. ISBN 978-0-313-36946-9. OCLC  650310430 .
  18. ^スコフィールド、ドナルド・エドワード・ジュニア (2017).アメリカ空軍バンドの歴史と音楽教育との関係：創設期、1941-1945年.ボストン大学. p. 119. ISBN 978-1-369-86947-7. OCLC  8518794570 . ProQuest 1917411365 . 
  19. ^ 「JBR Home」 . The Journal of Band Research . 2021年4月22日閲覧。
  20. ^近年拡大した活動には、研究賞、デジタル書籍、伝記シリーズ、モノグラフシリーズなどがある。IGEB：国際吹奏楽研究振興協会
  21. ^ WASBEジャーナルは2006年から査読制になりました。WASBEジャーナル
  22. ^ 「Historic Brass Society – Historic Brass Society Journal」。2020年8月6日時点のオリジナルよりアーカイブ。2020年7月5日閲覧。
  23. ^ 「NBAジャーナル」Nationalbandassociation.org . 2021年4月22日閲覧。
  24. ^ CBDNAジャーナルは2010年に設立されました。CBDNAジャーナル
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