ミュージカル

『ブラック・クルック』は1866年にブロードウェイで上演されたロングランミュージカルです^{。 [1]}

ミュージカルは、歌、セリフ、演技、ダンスを組み合わせた演劇形式です。ミュージカルのストーリーと感情的な内容（ユーモア、哀愁、愛、怒り）は、言葉、音楽、動き、そしてエンターテインメントの技術的な側面を通して、統合された全体として伝えられます。ミュージカルはオペラやダンスなどの他の演劇形式と重複しますが、セリフ、動き、その他の要素と比較して音楽に同等の重要性が与えられていることで区別されます。20世紀初頭以降、ミュージカルの舞台作品は一般的に単にミュージカルと呼ばれています。

音楽は古代から演劇の一部でしたが、近代西洋ミュージカルは19世紀に登場し、フランスのジャック・オッフェンバック、イギリスのギルバート＆サリバン、アメリカのハリガン＆ハートの作品によって多くの構造要素が確立されましたこれに続いて、イギリスで登場したエドワード朝時代のミュージカル・コメディや、 20世紀初頭のジョージ・M・コーハンなどのアメリカのクリエイターによるミュージカル作品が登場した。プリンセス劇場のミュージカル（1915～1918年）は、20世紀初頭のレビューやその他の軽薄な娯楽を超えた芸術的な一歩であり、 『ショウ・ボート』（1927年）、『汝は歌う』（1931年）、『オクラホマ!』（1943年）といった画期的な作品につながった。その後の数十年間で最もよく知られたミュージカルには、 『マイ・フェア・レディ』（1956年）、『ファンタスティックス』（1960年）、 『ヘアー』（1967年）、『コーラスライン』（1975年）、『レ・ミゼラブル』（1985年）、『オペラ座の怪人』（1986年）、『レント』（1996年）、『ウィキッド』（2003年）、『ハミルトン』 （2015年）などがある。

ミュージカルは世界中で上演されています。ニューヨークやロンドンの大規模予算のブロードウェイやウエストエンドなどの大規模な会場で上演されることもあります。また、オフ・ブロードウェイ、オフ・オフ・ブロードウェイ、地方劇場、フリンジ劇場、コミュニティ劇場などの小規模な会場で上演されることもあります。ミュージカルは、教会、学校、その他の公演スペースで、アマチュアや学校のグループによって上演されることがよくあります。アメリカ合衆国とイギリスに加えて、ヨーロッパ大陸、アジア、オーストラリア、カナダ、ラテンアメリカにも活気のあるミュージカルシーンがあります。

定義と範囲

ブックミュージカル

『ゲイエティ・ガール』（1893年）は、最初のヒットミュージカルの1つでした。

20世紀以降、「ブック・ミュージカル」とは、歌と踊りが、真摯な劇的目標を掲げた、よく練られた物語に完全に統合され、笑い以外の真の感情を呼び起こすことができるミュージカル劇と定義されてきました。^{[2] [3]}ブック・ミュージカルの3つの主要な要素は、音楽、歌詞、そして台本です。ミュージカルの台本（台本）とは、物語、登場人物の描写、そして台詞や舞台指示を含む劇的構造を指しますが、台詞と歌詞を合わせてリブレット（イタリア語で「小さな本」を意味する）と呼ばれることもあります。音楽と歌詞はミュージカルの楽譜を構成し、歌、付随音楽、そしてミュージカルシーン（多くの場合、歌と台詞を組み合わせた、音楽に合わせて設定された演劇的シーケンス）が含まれます。^{[4]ミュージカルの解釈は、演出家、音楽監督、通常は振付師、そして時には}オーケストラ編曲者を含むクリエイティブチームの責任です。ミュージカルの制作は、舞台美術、衣装、舞台装置（小道具）、照明、音響といった技術的な側面によっても創造的な特徴づけられます。クリエイティブチーム、デザイン、そして解釈は、通常、オリジナル作品から後続作品へと変化します。しかし、ボブ・フォッシーによる『シカゴ』の振付のように、オリジナル作品から引き継がれる要素もあります。

ミュージカルの長さは決まっていません。短い一幕物から数時間に及ぶ多幕物（または複数夜にわたる上演）まで様々ですが、ほとんどのミュージカルは1時間半から3時間です。ミュージカルは通常2幕構成で、短い休憩が1回含まれ、第1幕は第2幕よりも長くなっています。第1幕では通常、ほぼすべての登場人物とほとんどの音楽が紹介され、しばしば劇的な対立やプロットの複雑さの導入で終わります。一方、第2幕では数曲の新曲が登場することもあります。通常、重要な音楽テーマが再演され、対立や複雑さが解決されます。ブックミュージカルは通常、ショーの後半で再演される4曲から6曲の主要なテーマ曲を中心に構成されますが、音楽的に直接関連しない一連の曲で構成されることもあります。ミュージカルナンバーの間には、一般的にセリフが散りばめられていますが、「歌われたセリフ」またはレチタティーヴォが使用される場合もあります。特に、 『ジーザス・クライスト・スーパースター』、 『ファルセット』、 『レ・ミゼラブル』、『エビータ』、『ハミルトン』といった、いわゆる「歌い通し」のミュージカルでは顕著です。21世紀には、ブロードウェイやウエストエンドで、一幕物で上演された短いミュージカルもいくつかあります。

ブックミュージカルにおいて、最も劇的な緊張感が高まる瞬間は、しばしば歌で表現されます。諺にもあるように、「感情が言葉では言い表せないほど強くなったら歌い、歌では言い表せないほど強くなったら踊る」のです。^[5]ブックミュージカルでは、歌は登場人物（複数可）と物語の中での状況に合わせて作られるのが理想的です。しかし、ミュージカルの歴史の中で（例えば1890年代から1920年代にかけて）、音楽と物語のこの統合が希薄だった時代もありましたニューヨーク・タイムズの批評家ベン・ブラントリーは、2008年の『ジプシー』再演を評論した際、演劇における歌の理想について次のように述べている。「歌と登場人物の間には全く隔たりがない。ミュージカルが理想的な存在意義を達成しようと高みを目指す稀有な瞬間に、まさにそれが生まれるのだ。」^[6]一般的に、5分間の歌の中で歌われる言葉の数は、5分間のセリフで話される言葉の数よりもはるかに少ない。したがって、ミュージカルでは、同長さのストレートプレイよりもドラマを展開する時間が短くなる。なぜなら、ミュージカルは通常、セリフよりも音楽に多くの時間を費やすからである。ミュージカルという圧縮された性質の中で、脚本家は登場人物とプロットを発展させなければならない。

ミュージカルで上演される題材は、オリジナルの場合もあれば、小説（『ウィキッド』、『マン・オブ・ラ・マンチャ』）、演劇（『ハロー・ドリー！ 』、 『回転木馬』）、古典伝説（『キャメロット』 ）、歴史的出来事（『エビータ』 、 『ハミルトン』）、映画（『プロデューサーズ』 、『ビリー・エリオット』）から翻案された場合もあります。一方、『ウエスト・サイド物語』、『マイ・フェア・レディ』、『サウンド・オブ・ミュージック』、『オリバー！』、『シカゴ』など、多くの成功したミュージカル作品がミュージカル映画に翻案されています。

オペラとの比較

ジョージ・ガーシュウィン

ミュージカルは演劇形式のオペラと密接に関連していますが、通常、いくつかの要素を比較検討することで両者を区別します。第一に、ミュージカルは一般的にセリフに重点を置いています。^[7]しかし、ミュージカルの中には全編伴奏付きで歌い通すものもあり、『魔笛』などのオペラやほとんどのオペレッタには、伴奏のないセリフが含まれています。^[7]第二に、ミュージカルでは通常、物語を伝える上で不可欠な要素として、特に主役や合唱団によるダンスが多く含まれています。第三に、ミュージカルでは、様々なジャンルのポピュラー音楽、あるいは少なくともポピュラーな歌唱や音楽スタイルが使用されることが多いです。^[8]

最後に、ミュージカルは通常、オペラの慣習を避けます。特に、ミュージカルはほとんどの場合、観客の言語で上演されます。例えば、ブロードウェイやウエストエンドで上演されるミュージカルは、たとえ元々別の言語で書かれていたとしても、必ず英語で歌われます。オペラ歌手は主に歌手であり、俳優は副次的であり（ダンスをする必要はほとんどありません）、ミュージカルの出演者は、多くの場合、まず俳優ですが、歌手とダンサーでなければなりません。3つすべてに同等の才能を持つ人は「トリプル・スレット」と呼ばれます。ミュージカルの音楽作曲家は、ミュージカルの出演者を念頭に置いて、役のボーカルの要求を考慮することがよくあります。今日、ミュージカルを上演する大劇場では、一般的にオペラの文脈では一般的に認められない方法で、マイクを使用し、俳優の歌声を増幅することが一般的です。 ^[9]

ジョージ・ガーシュイン、レナード・バーンスタイン、スティーヴン・ソンドハイムの作品など、ミュージカルとオペラの両方の作品が上演されている。^{[10] [11]同様に、古いオペレッタやライトオペラ（}ギルバート＆サリバンの『ペンザンスの海賊』など）の中には、ミュージカルとして現代風にアレンジされたものがある。作品によっては、その作品がどの芸術形式に属するかを定義する上で、演出スタイルが音楽的・劇的内容とほぼ同じくらい重要な場合もある。^[12]ソンドハイムは「ブロードウェイで上演されるものはミュージカル、オペラハウスで上演されるものはオペラだ、と本当に思っている。それだけだ。舞台となる土地、地方、観客の期待などが、それを形作るのだ」と語っている。^[13]より軽いオペラ形式と、より音楽的に複雑または野心的なミュージカルの間には、形式上、重複する部分が残っている。実際には、「ミュージカル劇」、「ミュージカル・コメディ」、「オペレッタ」、「ライト・オペラ」など、様々な種類のミュージカルを区別することはしばしば困難です。^[14]

オペラと同様に、ミュージカルの歌唱は一般的に、舞台前の低い場所に設置されたピット・オーケストラと呼ばれる器楽アンサンブルによって伴奏されます。オペラでは通常、従来の交響楽団が用いられますが、ミュージカルは一般的に27人から数人までのアンサンブルに合わせて編成されます。ロック・ミュージカルでは通常、主にロック楽器の小グループが用いられ、^[15]また、ピアノ1台または2台の楽器のみを使用するミュージカルもあります。^[16]ミュージカルの音楽は、「オペレッタ、クラシック技法、フォークミュージック、ジャズ、そして舞台設定に適した地域的または歴史的なスタイルなど、さまざまなスタイルと影響」を用いています。^{[4]ミュージカルは、オーケストラによる}序曲で始まる場合があり、「楽譜の有名なメロディーの抜粋を織り交ぜた」序曲で始まることがあります。^[17]

東洋の伝統とその他の形式

中国オペラの演奏者

音楽を含む東洋の演劇には、京劇、台湾オペラ、日本の能楽、インドのミュージカル（サンスクリット劇、インド古典舞踊、パールシー劇、ヤクシャガナなど）など、様々な伝統があります。[ 18 ]インドは20世紀以降、「^{ボリウッド}」ミュージカルと呼ばれる数多くのミュージカル映画を制作しており、日本では近年、 人気アニメや漫画をベースにした2.5Dミュージカルが数多く制作されています。

多くのミュージカルの短縮版または簡略化された「ジュニア」版が学校や青少年団体向けに提供されており、子供たちが上演するために制作または改作された非常に短い作品は、ミニミュージカルと呼ばれることもあります。^{[19] [20]}

歴史

初期の前身

ジョン・ウェッブによるロードスの風景。 『ロードス包囲戦』（1656年）の初演のバックシャッターに描かれました

ヨーロッパにおけるミュージカルの起源は古代ギリシャの演劇にまで遡ることができ、紀元前5世紀には音楽と舞踊が舞台の喜劇や悲劇に取り入れられていました。^{[21] [22]}しかし、古代の形式の音楽は失われており、後のミュージカルの発展にはほとんど影響を与えませんでした。^[23] 12世紀と13世紀には、宗教劇が典礼を教えていました。俳優たちは屋外のページェントワゴン（車輪付きの舞台）を使って物語の各部を演じました。詩的な形式が散文の対話と交互に使われることもあり、典礼の聖歌は新しいメロディーに取って代わられました。^[24]

ヨーロッパルネサンスでは、古い形式が音楽劇の2つの前身へと進化した。騒々しい道化師がお馴染みの物語を即興で演じるコンメディア・デラルテと、後のオペラ・ブッファである。イギリスでは、エリザベス朝およびジェームズ朝の演劇には頻繁に音楽が盛り込まれ、^[25]短い音楽劇が夜の劇的娯楽に含まれるようになった。^[26]チューダー朝時代には、音楽、ダンス、歌、演技を伴う宮廷仮面劇が発達し、高価な衣装と複雑な舞台装置を伴うことが多かった。^{[27] [28]}これらは、イギリスのオペラとして認識できる歌劇へと発展し、その最初の作品は通常『ロードス島の包囲戦』（1656年）と考えられている。^[29]一方フランスでは、17世紀後半にモリエールが彼の滑稽な喜劇のいくつかを歌（ジャン＝バティスト・リュリ作曲）とダンスを伴う音楽娯楽に変えた。これらは、ジョン・ブロウ^[31]やヘンリー・パーセル^[29]といった作曲家によるイギリスオペラ^[30]の短期間に影響を与えました。

18世紀以降、イギリスで最も人気のある音楽劇の形式は、ジョン・ゲイの『ベガーズ・オペラ』のようなバラード・オペラ（当時の人気曲のメロディーに合わせて歌詞が書かれたものが多い、オペラのパロディー）と、後にコンメディア・デラルテから発展したパントマイム、そしてマイケル・バルフの『ボヘミアン・ガール』（1845年）のような、主にロマンチックな筋書きのコミック・オペラでした。一方、大陸では、シングシュピール、コメディ・アン・ヴォードヴィル、オペラ・コミック、サルスエラなどの軽い音楽娯楽が登場していました『ベガーズ・オペラ』は記録に残る最初のロングラン劇であり、1728年に62回連続上演された。その後、100回を超える上演までにはほぼ1世紀を要したが^[32]、記録は1820年代後半に150回に達した。^{[33] [34] 19世紀までにイギリスでは}ミュージックホール、メロドラマ、ブルレッタなどの他のミュージカル劇場が発達したが、これらの劇場が普及した理由の1つは、ロンドンの劇場のほとんどがミュージックホールとしてのみ認可されており、音楽のない劇の上演が認められていなかったことであった。

植民地時代のアメリカには、1752年まで劇場がほとんど存在しなかった。この年、ロンドンの実業家ウィリアム・ハラムが、兄ルイスが経営する植民地に俳優の一団を派遣したのである。^[35 ] 1753年の夏、ニューヨークでは、『ベガーズ・オペラ』などのバラッド・オペラやバラッド・ファルスが上演された。^[35] 1840年代までには、P.T.バーナムがマンハッタン南部で娯楽施設を経営していた。^[36]アメリカの初期のミュージカル劇場には、ブルレッタやパントマイムなどイギリスの形式もあったが、^[23]作品のタイトルが必ずしも作品の内容を決定づけるものではなかった。1852年のブロードウェイのエクストラバガンザ 『魔法の鹿』は、「シリアスで喜劇的で悲劇的な、オペラ的で歴史的で派手な、バーレティカルな魔法の物語」と宣伝されていた。^[37]ニューヨークの劇場は1850年頃から徐々にダウンタウンからミッドタウンへと移転し、タイムズスクエア地区に進出したのは1920年代と1930年代になってからでした。ニューヨークでの公演はロンドン公演に大きく遅れをとりましたが、ローラ・キーンの「ミュージカル・ブルレッタ」『セブン・シスターズ』 （1860年）は253回公演を記録し、それまでのニューヨーク・ミュージカル劇場の記録を塗り替えました。^[38]

1850年代から1880年代

ポスター、1879年頃

1850年頃、フランスの作曲家エルヴェは、彼がオペレットと呼ぶ喜劇的なミュージカル劇の形式を実験していました。^[39]オペレッタの最も有名な作曲家は、1850年代から1870年代のジャック・オッフェンバックと、 1870年代と1880年代のヨハン・シュトラウス2世です。 ^[23]オッフェンバックの豊かな旋律と、彼の台本作家による機知に富んだ風刺が組み合わさり、その後のミュージカル劇のモデルとなりました。^[39]フランスのオペレッタの翻案（ほとんどが下手な、際どい翻訳で上演された）、ミュージカル・バーレスク、ミュージックホール、パントマイム、ブルレッタは、1870年代までロンドンのミュージカル舞台を席巻しました。^[40]

19世紀半ばのアメリカにおけるミュージカル・エンターテインメントには、後にヴォードヴィルへと発展した粗野なバラエティ・レビュー、すぐに大西洋を渡ってイギリスに伝わったミンストレル・ショー、そしてイギリスの一座によってアメリカで初めて普及したヴィクトリア朝時代のバーレスクなどがあった。^[23]クルト・ゲンツルは、ユリウス・アイヒベルク作曲、ベンジャミン・E・ウルフ脚本・作詞による『アルカンタラの医者』（1862年）を「アメリカ初のミュージカル」としているが、^[41]さらに古い作品も挙げている。^[42] 1866年にニューヨークで初演され大成功を収めたミュージカル・エンターテインメント『黒い悪魔』は、ダンスと物語を彩る独自の音楽を組み合わせたものだった。露出度の高い衣装で知られるこの壮大な作品は、記録破りの474回公演を記録した。^[43]同年、『黒いドミノ/あなたと私と郵便局の間』は、自らを「ミュージカル・コメディ」と称した最初のショーとなった。 1874年、エドワード・E・ライスとJ・チーヴァー・グッドウィン作の『エヴァンジェリン あるいはアルカディアの美女』がニューヨークで初演され、ロングフェローの『エヴァンジェリン』を大まかに基に、オリジナルのアメリカのストーリーと音楽が付けられ、成功を収め、ボストン、ニューヨークで再演され、ツアーも繰り返された。^[44]コメディアンのエドワード・ハリガンとトニー・ハートは、1878年（ 『マリガン・ガード・ピクニック』）から1885年までブロードウェイでミュージカルをプロデュースし、主演を務めた。これらのミュージカル・コメディでは、ニューヨークの下層階級の日常生活からとられた人物や状況が取り上げられた。初期のミュージカルで主演していた評判の怪しい女性歌手ではなく、一流の歌手（リリアン・ラッセル、ヴィヴィアン・シーガル、フェイ・テンプルトン）が主演した。 1879年、ネイト・サルズベリーの『ザ・ブルック』は、アメリカの現代ダンススタイルと「劇団員たちが川下りの旅に出る…途中で多くの障害や災難に遭遇する」というアメリカの物語を盛り込んだ、またしても全国的な成功を収めた。^[44]

交通の便が改善され、ロンドンやニューヨークの貧困が減り、街灯のおかげで夜間の移動が安全になったため、増え続ける劇場の観客数は飛躍的に増加した。芝居の上演時間が長くなり、利益と演出価値が向上し、男性たちが家族を連れて劇場を訪れるようになった。連続500回以上の上演を記録した最初のミュージカルは、1878年のフランスのオペレッタ『ノルマンディーの鐘』（705回上演）だった。^{[33] [45]}イギリスのコミックオペラはヨーロッパのオペレッタの成功したアイデアを多く取り入れたが、ギルバート・アンド・サリヴァンの12作を超える長期上演されたコミックオペラのシリーズほど成功したものはなく、その中には『HMSピナフォア』（1878年）や『ミカド』（1885年）などがある。^[39]これらは大西洋の両側とオーストラリアで大センセーションを巻き起こし、成功したショーと見なされるものの基準を引き上げるのに貢献した。^[46]これらのショーは家族向けの観客向けに作られており、際どいバーレスク、下品なミュージックホールショー、時には健全でない娯楽を求める観客を引きつけるフランスのオペレッタとは対照的でした。^[40] 19世紀のミュージカル作品で『ミカド』の公演回数を上回ったのはごくわずかで、例えば『ドロシー』は1886年に初演され、931回の上演回数という新記録を樹立しました。ギルバートとサリバンの後のミュージカルへの影響は大きく、歌詞とセリフが一貫したストーリーを展開するようにミュージカルを「統合」する方法の例を生み出しました。^{[47] [48]}彼らの作品は、イギリス^{[49] [50]}とアメリカの初期のミュージカル作家や作曲家によって賞賛され、模倣されました。^{[46] [51]}

1890年代から新世紀へ

シドニー・ジョーンズの『ザ・ゲイシャ』ボーカルスコアのカバー

『チャイナタウンへの旅』（1891年）はブロードウェイのロングラン公演の王者であり（1919年の『アイリーン^{』まで）、657回上演されたが、ニューヨークでの公演は、1920年代まで、ロンドン公演に比べ、いくつかの例外を除いて比較的短いものであった。 [33]}ギルバートとサリバンの作品は広く海賊版が出回ったほか、ニューヨークではレジナルド・デ・コーヴェンの『ロビン・フッド』（1891年）やジョン・フィリップ・スーザの『エル・キャピタン』（1896年）といった作品によって模倣された。 『クーンタウンへの旅』（1898年）は、ブロードウェイで完全にアフリカ系アメリカ人によって製作・上演された最初のミュージカル・コメディであり（主にミンストレル・ショーのルーティンに触発された）、その後ラグタイム風のショーが続いた。 1890年代から20世紀初頭にかけて、ブロードウェイでは何百ものミュージカル・コメディが上演されました。ニューヨークのティン・パン・アレーで書かれた曲で構成されており、ギルバート・アンド・サリバンの作品とは異なるアメリカンスタイルを創造しようと尽力したジョージ・M・コーハンの作品も含まれています。ニューヨークで最も成功したショーの後には、しばしば大規模な全国ツアーが続きました。 ^[52]

一方、ゲイ・ナインティーズでは、プロデューサーのジョージ・エドワーズが率いるミュージカルがロンドンの舞台を席巻しました。エドワーズは、観客がサヴォイ風のコミックオペラとその知的、政治的、不条理な風刺に代わる新しいものを求めていると感じていました。彼はゲイエティ劇場や他の劇場で、軽快でポピュラーな曲、軽快でロマンチックな掛け合い、スタイリッシュなスペクタクルを特徴とする、現代的な衣装で家族向けのミュージカル劇場のスタイルを試しました。これらはコミックオペラの伝統を引き継ぎ、バーレスクやハリガン・アンド・ハートの作品の要素を取り入れていました彼はバーレスクの猥褻な女性たちを、自らが演じる「立派な」ゲイエティ・ガールズ一座に置き換え、音楽と視覚的な楽しさを完璧にした。最初の作品『イン・タウン』（1892年）と『ゲイエティ・ガール』（1893年）の成功は、その後30年間のスタイルを決定づけた。物語は概して軽妙でロマンティックな「貧しい乙女が貴族に恋をし、あらゆる困難を乗り越えて彼を勝ち取る」という内容で、アイヴァン・キャリル、シドニー・ジョーンズ、ライオネル・モンクトンが音楽を担当した。これらのショーはすぐにアメリカで広く模倣され、エドワード朝時代のミュージカル・コメディは、それ以前のコミック・オペラやオペレッタといった音楽形式を駆逐した。『ゲイシャ』（1896年）は1890年代で最も成功した作品の一つで、2年以上上演され、国際的な大成功を収めた。

『ニューヨークの美女』（1898年）は、ロンドンで1年以上上演された最初のアメリカのミュージカルとなりました。イギリスのミュージカル・コメディ『フロロドラ』（1899年）は大西洋の両側で人気を博し、『中国の蜜月』（1901年）はロンドンで1074回、ニューヨークで376回という記録的な上演回数を記録しました。 ^[34] 20世紀に入ると、シーモア・ヒックスはエドワーズとアメリカのプロデューサー、チャールズ・フローマンと協力し、さらに10年間にわたって人気ショーを制作しました。エドワード朝時代のミュージカル・コメディのヒット作には、『アルカディアンズ』（1909年）や『クエーカー・ガール』（1910年）などがあります。 ^[53]

20世紀初頭

ヴィクター・ハーバート

エドワード朝時代のミュージカル・コメディとの競争により、英語圏の舞台から事実上排除されていたオペレッタは、1907年に『メリー・ウィドウ』でロンドンとブロードウェイに戻り、大陸のオペレッタの翻案はミュージカルと直接競合するようになりました。フランツ・レハールとオスカー・シュトラウスは、第一次世界大戦まで英語で人気を博した新しいオペレッタを作曲しました。[ ^54]アメリカでは、ビクター・ハーバートが『フォーチュン・テラー』（1898年）、 『おもちゃの国のベイブス』 （1903年）、『モディスト夫人』（1905年）、 『赤い風車』（1906年）、 『いたずらなマリエッタ』（1910年） など、一連の不朽の名作オペレッタを上演しました

1910年代、P・G・ウッドハウス、ガイ・ボルトン、ジェローム・カーンのチームは、ギルバートとサリバンの足跡をたどり、「プリンセス・シアター・ショー」を創作し、ミュージカルが軽快で大衆的な娯楽とストーリーと歌の連続性を組み合わせることができることを示して、カーンの後の作品への道を開きました。^[47]歴史家ジェラルド・ボードマンは次のように書いています

これらのショーは、後のほぼすべての主要なミュージカル・コメディの発展の基盤を築き、磨き上げました。…登場人物と状況は、ミュージカル・コメディの許容範囲内で、信憑性があり、ユーモアは状況や登場人物の性質から生まれました。カーンの美しく流れるようなメロディーは、アクションを盛り上げたり、登場人物の性格を発展させたりするために用いられました。…[エドワード朝の]ミュージカル・コメディは、しばしば当たり外れのある歌を挿入するという欠点がありました。プリンセス劇場のミュージカルは、アプローチの変化をもたらしました。当時最も観察力があり、教養があり、機知に富んだ作詞家であったP・G・ウッドハウスと、ボルトン、ウッドハウス、カーンのチームは、今日まで影響を与え続けています。^[55]

第一次世界大戦の暗い時代、劇場に通う人々は現実逃避的な娯楽を求め、劇場に集まりました。1919年のヒットミュージカル『アイリーン』は670回上演され、1938年までブロードウェイの記録を保持していました。^[56]イギリスの劇場ファンは、『山の乙女』（1,352回上演）や特に『チュー・チン・チョウ』のような、はるかに長い上演期間を支持しました。2,238回の上演は、それ以前のどのミュージカルの2倍以上であり、40年近くも破られる記録となりました。^[57] 『ベガーズ・オペラ』の再演でさえ、1,463回上演されました。^[58] 『ビング・ボーイズ・アー・ヒア・イン・ブリテン』のようなレビューや、フローレンツ・ジーグフェルドと彼の模倣者たちによるアメリカでのレビューも、非常に人気がありました。^[37]

1920年の『サリー』の楽譜

狂騒の20年代のミュージカルは、ヴォードヴィルやミュージックホールなどの軽い娯楽から影響を受け、ストーリーを犠牲にして派手なダンスルーチンやポピュラーソングを強調する傾向があった。この10年間の典型は、『サリー』、『レディ、ビー・グッド』、『ノー・ノー・ナネット』、『オー・ケイ!』、『ファニー・フェイス』などの明るい作品だった。忘れられがちなストーリーにもかかわらず、これらのミュージカルにはマリリン・ミラーやフレッド・アステアなどのスターが登場し、カーン、ジョージ＆アイラ・ガーシュイン、アーヴィング・バーリン、コール・ポーター、ロジャース＆ハートによる何十もの不朽の人気曲が生まれた。ポピュラー音楽は、「ファッシネイティング・リズム」、「ティー・フォー・ツー」、「サムワン・トゥ・ウォッチ・オーバー・ミー」など、ミュージカル劇場のスタンダード曲が主流だった。多くのショーはレビューで、スケッチや歌の連続で、互いにほとんどまたは全く関連性がなかった。これらの中で最も有名なのは、毎年ブロードウェイで上演されるジーグフェルド・フォリーズという豪華な歌とダンスのレビューで、豪華な舞台装置、精巧な衣装、美しいコーラスガールを特徴としていた。^[23]これらのスペクタクルは制作費も引き上げ、ミュージカルの上演は一般的に高価になった。^[37] アフリカ系アメリカ人だけのショーであるシャッフル・アロング^{（1921年）はブロードウェイでヒットした。 [59] 1920年代には、}ルドルフ・フリムルやジークムント・ロンベルグなどの新世代のオペレッタ作曲家も登場し、ブロードウェイで一連の人気ヒット作を生み出した。^[60]

ロンドンでは、アイヴァー・ノヴェロやノエル・カワードといった作家スターが人気を博しましたが、19世紀から1920年代にかけてのイギリス・ミュージカル劇場の優位性は、特に第一次世界大戦後、徐々にアメリカの革新に取って代わられました。カーンをはじめとするティン・パン・アレーの作曲家たちがラグタイムやジャズといった新しい音楽スタイルを劇場に持ち込み、シューバート兄弟がブロードウェイ劇場を掌握したのです。ミュージカル作家のアンドリュー・ラムは、「19世紀の社会構造に見られるオペラや演劇のスタイルは、20世紀の社会とその独特の表現様式により適した音楽スタイルに取って代わられました。より直接的なスタイルはアメリカから生まれ、19世紀の伝統に縛られなくなった発展途上の社会でアメリカで繁栄することができたのです」と述べています。^[61]フランスでは、19世紀初頭から1920年代にかけて、イヴォンヌ・プランタンなどのスターのためにコメディ・ミュージカルが書かれました。^[62]

ショウボートそして大恐慌

1920年代の比較的軽薄なミュージカルや感傷的なオペレッタをはるかに超えて進歩したブロードウェイの『ショウボート』（1927年）は、プリンセス劇場のミュージカルよりも脚本と音楽のさらに完全な統合を表しており、劇的なテーマは音楽、セリフ、設定、動きを通して語られました。これは、カーンの音楽の叙情性とオスカー・ハマースタイン2世の巧みな台本を組み合わせることで実現しました。ある歴史家はこう書いています。「ここで、ミュージカル・コメディとは異なる、全く新しいジャンル、ミュージカル劇が登場した。今や…他のすべてはその劇に従属していた。今や…歌、ユーモア、演出が、単一の不可分な芸術的実体へと完全に統合されたのだ。」^[63]

ロジャースとハート

ブロードウェイ公演後の『ショウ・ボート』全米ツアーのさなかに大恐慌が到来すると、大衆は主に軽妙で現実逃避的な歌と踊りの娯楽へと回帰した。^[55]大西洋の両岸の観客は娯楽に費やすお金がほとんどなく、この10年間で500回以上の公演回数を記録した舞台はごくわずかだった。レビュー『バンド・ワゴン』 （1931年）ではフレッド・アステアと妹のアデルが共演し、ポーターの『エニシング・ゴーズ』（1934年）はエセル・マーマンがミュージカル界のファーストレディとしての地位を確固たるものにし、彼女はその後も長年その地位を維持した。カワードとノヴェロは『ダンシング・イヤーズ』など、昔ながらの感傷的なミュージカルを上演し続け、一方ロジャースとハートはハリウッドから戻り、一連のブロードウェイ・ミュージカルを成功させた。その中には『オン・ユア・トーズ』（1936年、レイ・ボルジャー出演、古典舞踊を劇的に使用した最初のブロードウェイ・ミュージカル）、『ベイブス・イン・アームズ』（1937年）、『シラキュースから来た少年たち』（1938年）などがある。ポーターは『デュ・バリーは淑女だった』（1939年）を加えた。1930年代の米国で最も長く上演されたミュージカルは『ヘルザポッピン』（1938年）で、観客参加型レビューで1,404回上演され、ブロードウェイの新記録を樹立した。^[56]英国では『ミー・アンド・マイ・ガール』が1,646回上演された。^[58]

それでも、いくつかのクリエイティブチームが『ショウ・ボート』の革新性を基に作品を作り始めた。ガーシュイン兄弟による政治風刺劇『汝よ歌え』 （1931年）は、ピューリッツァー賞を受賞した最初のミュージカルとなった。^{[23] [64]} アーヴィング・バーリンとモス・ハートによるレビュー『千人が集う』（1933年）では、歌やスケッチが新聞の見出しに基づいており、アフリカ系アメリカ人のエセル・ウォーターズが白人俳優と共演した初のブロードウェイショーとなった。ウォーターズのナンバーには、リンチされた夫を悼む女性の嘆きの歌「晩餐会」などがあった。 ^[65]ガーシュイン兄弟の『ポーギーとベス』（1935年）では、キャスト全員がアフリカ系アメリカ人で、オペラ、フォーク、ジャズの技法が融合されていた。オーソン・ウェルズ監督の『ゆりかごは揺れる』 （1937年）は、非常に政治的な労働組合支持の作品で、それをめぐる論争にもかかわらず、108回上演された。^[37]ロジャースとハートの『私はむしろ正しい』 （1937年）は、ジョージ・M・コーハンがフランクリン・D・ルーズベルト大統領を演じた政治風刺劇であり、クルト・ヴァイルの『ニッカーボッカーの休日』は、ニューヨーク市の初期の歴史を描きながら、ルーズベルトの善意を温厚に風刺している。

映画は舞台に挑戦状を叩きつけた。無声映画は限られた競争相手しかいなかったが、1920年代末までに『ジャズ・シンガー』のような映画が同期音声付きで上演されるようになった。低価格の「トーキー」映画は、1930年代初頭までにヴォードヴィルを事実上消滅させた。 ^[66] 1930年代の経済危機と映画との競争にもかかわらず、ミュージカルは生き残った。実際、ミュージカルは、陽気な90年代や狂騒の20年代のギャグやショーガールのミュージカル、そしてオペレッタの感傷的なロマンスを超えて、テーマ的に進化を続け、ジョージ・アボット監督が主導する技術的な専門知識とテンポの速い演出、そして自然な会話スタイルを加えた。^[23]

黄金時代（1940年代から1960年代）

1948年、セント・ジェームズ劇場でのロジャース＆ハマースタイン（左と右）とアーヴィング・バーリン（中央）

1940年代

1940年代はポーター、アーヴィング・バーリン、ロジャース＆ハート、ワイル、ガーシュインらのヒット作で幕を開け、経済の回復とともに500回以上の上演回数を記録したものもあったが、芸術的な変化の兆しも見え始めていた。ロジャース＆ハマースタインの『オクラホマ!』（1943年）は、 『ショウボート』で始まった革命を完結させるものであり、一貫した筋書き、物語を盛り上げる歌、そして筋書きを進め登場人物を成長させるドリームバレエやその他のダンスをフィーチャーし、露出度の高い女性を舞台上に並べるための口実としてダンスを使うのではなく、ミュージカルのすべての側面をしっかりと融合させた。^[3]ロジャース＆ハマースタインはバレエ振付師アニエス・ド・ミルを雇い、日常的な動作を用いて登場人物が考えを表現できるようにした。この作品は、ミュージカルの慣習を覆し、第一幕の幕開けをコーラスガールの集団ではなく、バターをかき混ぜる女性で飾り、舞台裏の声で「ああ、なんて美しい朝」の冒頭を無伴奏で歌わせた。この作品は絶賛され、興行収入は爆発的に伸び、ピューリッツァー賞を受賞した。^[67] ブルックス・アトキンソンはニューヨーク・タイムズ紙で、この作品のオープニングナンバーがミュージカルの歴史を変えたと評し、「軽快なメロディーに乗せて歌われたあの詩の後では、古いミュージカル舞台の陳腐さは耐えられなくなった」と記している。^[68]この作品はブロードウェイ初の大ヒット作品となり、計2,212回の公演が行われ、映画化もされた。この作品は、現在でもチームの作品の中で最も頻繁に上演されている作品の一つである。ウィリアム・A・エヴェレットとポール・R・レアードは、この作品は「『ショーボート』のように、画期的な作品となり、20世紀演劇の重要な瞬間について著述する後代の歴史家たちが、『オクラホマ！』との関係性に基づいて時代を特定し始めた」と書いています。^[69]

メアリー・マーティンはこの時代のブロードウェイのヒット作にいくつか出演しました

「 『オクラホマ！』以降、ロジャースとハマースタインはミュージカル演劇という形式に最も重要な貢献をした... 彼らが生命力に満ちた、しばしば社会思想に富んだ演劇を創作した例は、他の才能ある作家たちが自分自身のミュージカル演劇を創作するための必要な励みとなった。」^[63]二人の共演者は、ミュージカル劇場で最も愛され、最も長く続いている古典の並外れたコレクションを作り上げ、その中には『回転木馬』（1945年）、『南太平洋』（1949年）、『王様と私』（1951年） 、 『サウンド・オブ・ミュージック』（1959年）などがある。これらのミュージカルの中には、ほとんどの初期のショーよりも深刻な主題を扱っているものもある。『オクラホマ！ 』の悪役は殺人容疑者で精神異常者。『回転木馬』は配偶者虐待、窃盗、自殺、死後の世界を扱っている。『南太平洋』は異人種間の結婚を『ショウボート』よりも徹底的に掘り下げている。 『王様と私』の主人公は舞台上で死ぬ。『サウンド・オブ・ミュージック』の背景は、1938年のナチス・ドイツによるオーストリア併合です。

このショーの創造性はロジャース＆ハマースタインの同時代の人たちを刺激し、アメリカ・ミュージカルの「黄金時代」を告げた。^[68]戦時中のショーが始まった「黄金時代」には、アメリカーナがブロードウェイで披露された。その一例が『オン・ザ・タウン』（1944年）で、ベティ・コムデンとアドルフ・グリーンが脚本を書き、レナード・バーンスタインが作曲、ジェローム・ロビンスが振付を担当している。この物語は戦時中を舞台に、ニューヨークで24時間の休暇中の3人の水兵が恋に落ちるという内容だ。このショーはまた、水兵とその女性たちと同様に、国の将来が不透明であるという印象を与える。アーヴィング・バーリンは狙撃手アニー・オークリーの経歴を基に『アニーよ銃をとれ』（1946年、1147回上演）を上演した。バートン・レーン、EYハーバーグ、フレッド・セイディーは、政治風刺とアイルランドの奇抜さを組み合わせたファンタジー作品『フィニアンの虹』（1947年、725回上演）を上演し、コール・ポーターはウィリアム・シェイクスピアの『じゃじゃ馬ならし』からインスピレーションを得て『キス・ミー・ケイト』（1948年、1,077回上演）を上演した。アメリカのミュージカルは、昔ながらのイギリスのカワード/ノヴェロ風のショーを圧倒した。その最後の大ヒット作の一つが、ノヴェロの『パーチャンス・トゥ・ドリーム』（1945年、1,021回上演）だった。^[58]黄金時代のミュージカルの定式は、「アメリカンドリーム」に対する広く信じられていた4つの認識のうちの1つ以上を反映していた。それは、安定と価値はプロテスタントの結婚観によって認可され制限された愛の関係から生まれる、夫婦は都市から離れた郊外や小さな町で子供と道徳的な家庭を築くべき、女性の役割は主婦と母親である、というものである。アメリカ人は独立心と開拓精神を持ち合わせており、成功は自力で築き上げたものだと考えられている。^[70]

1950年代

ジュリー・アンドリュースとリチャード・バートン主演『キャメロット』（1960年）

1950年代はアメリカのミュージカルの発展にとって極めて重要だった。^[71] フランク・レッサーとエイブ・バロウズの『ガイズ・アンド・ドールズ』（1950年、1,200回公演）ではデーモン・ラニヨン演じる個性的なキャラクターが中心となり、アラン・ジェイ・ラーナーとフレデリック・ローウェの『ペイント・ユア・ワゴン』（1951年）はゴールド・ラッシュが舞台だった。そのショーの比較的短い7か月の公演期間にも関わらず、ラーナーとローウェは再び共同作業を始める。今度はジョージ・バーナード・ショーの『ピグマリオン』をレックス・ハリソンとジュリー・アンドリュース主演で翻案した『マイ・フェア・レディ』（1956年）で、2,717回の上演回数は長年ロングラン記録を保持していた。これらのミュージカルは全て、人気のハリウッド映画となった。この10年間のイギリス人クリエイターによるヒット作は、ロンドンで2,078回の公演を記録しアンドリュースのアメリカデビューとなった『ボーイフレンド』（1954年）と、2,283回の公演でイギリスのロングラン記録を破った『サラダデイズ』（1954年）の2つだった。^{[58] [57]}

『三文オペラ』は2707回上演され、 『ファンタスティックス』までオフ・ブロードウェイ・ミュージカルの最長記録となりました。この作品はまた、小規模で小さなオーケストラの形式でもオフ・ブロードウェイでミュージカルが収益を上げられることを示して、画期的な出来事となりました。これは1959年にジェローム・カーンとP・G・ウッドハウスの『ジェーンに捧ぐ』が2年以上上演されたことで確認されました。1959年から1960年のオフ・ブロードウェイ・シーズンには、『リトル・メリー・サンシャイン』 、『ファンタスティックス』 、そしてオスカー・ワイルドの1895年のヒット作『真面目が肝心』をミュージカル化した『恋するアーネスト』など、12のミュージカルとレビューが含まれていました。^[72]

レナード・バーンスタイン、1971年

『ウエスト・サイド物語』（1957年）は、ロミオとジュリエットを現代のニューヨークに舞台化し、反目し合うモンタギュー家とキャピュレット家を、ジェッツ家とシャークス家という対立する民族ギャング団に変貌させた。脚本はアーサー・ローレンツ、作曲はレナード・バーンスタイン、作詞は新人のスティーブン・ソンドハイムが担当した。音楽と振り付けの革新性で批評家から絶賛されたが^{[73] [74]}、同年のメレディス・ウィルソン作詞作曲の『ミュージックマン』ほど商業的には成功せず、同年トニー賞最優秀ミュージカル賞を受賞した^{。 [75]} 『ウエスト・サイド物語』は1961年に映画化され、批評的にも商業的にも成功を収めた。 ^{[76] [77]}ローレンツとソンドハイムは1959年の映画『ジプシー』で再びタッグを組み、ジュール・スタインが主役のストリッパー、ジプシー・ローズ・リーの母親、ローズ・トンプソン・ホヴィックの物語の音楽を提供した。

演出家や振付師は少なくとも19世紀以来ミュージカルのスタイルに大きな影響を与えてきたが、^[78]黄金時代のミュージカル作品に動きとダンスを完全に統合する上で中心的な役割を担ったのはジョージ・アボットと彼の協力者および後継者たちであった。^{[79]アボットは1936年の}『オン・ユア・トーズ』で物語を伝える手段としてバレエを導入し、続いてアニエス・ド・ミルが『オクラホマ!』でバレエと振付を導入した。^{[80]アボットがジェローム・ロビンスと}『オン・​​ザ・タウン』などでコラボレーションした後、ロビンスは演出家と振付師の役割を兼任し、『ウエスト・サイド物語』、『フォーラムへ行く途中で不思議なことが起こった』（1962年） 、 『屋根の上のバイオリン弾き』（1964年）でダンスのストーリーテリング力を強調した。ボブ・フォッシーは、アボットの『パジャマ・ゲーム』（1956年）と『ダム・ヤンキース』（1957年）の振付を担当し、これらのヒット作に遊び心のあるセクシュアリティを吹き込んだ。後に彼は『スイート・チャリティ』（1968年）、『ピピン』（1972年）、『シカゴ』（1975年）の演出・振付も手掛けた。その他の著名な演出・振付家には、ガワー・チャンピオン、トミー・チューン、マイケル・ベネット、ジリアン・リン、スーザン・ストローマンなどがいる。著名な演出家としては、同じくアボットでキャリアをスタートさせたハル・プリンス^[79]やトレバー・ナン^[81]などがいる。

黄金時代には、自動車会社などの大企業がブロードウェイの才能ある人材を雇い、企業ミュージカル、つまり従業員や顧客だけが観るプライベートショーの脚本を書かせ始めました。^{[82] [83]} 1950年代は、ロジャース＆ハマースタインの最後のヒット作『サウンド・オブ・ミュージック』で幕を閉じました。この作品はメアリー・マーティンにとってもヒット作となりました。1443回の公演が行われ、トニー賞のミュージカル作品賞を共同受賞しました。1965年の映画版の大ヒットと合わせて、歴史上最も人気のあるミュージカルの一つとなっています。

1960年代

1960年、「ファンタスティックス」がオフ・ブロードウェイで初演された。この親密な寓話的なショーは、グリニッチ・ヴィレッジのサリバン・ストリート劇場で40年以上静かに上演され、史上最長のロングランミュージカルとなった。同作の作者は1960年代に、「セレブレーション」や、初の2人登場人物のブロードウェイ・ミュージカルである「アイ・ドゥ！アイ・ドゥ！」など、他の革新的な作品をプロデュースした。1960年代には、 「屋根の上のバイオリン弾き」（1964年、3,242回公演）、「ハロー・ドリー！ 」 （1964年、2,844回公演）、「ファニー・ガール」（1964年、1,348回公演） 、 「ラ・マンチャの男」 （1965年、2,328回公演）などの大ヒット作や、 「キャバレー」のようなきわどい作品がいくつか生まれ、ロック・ミュージカルの出現で幕を閉じた。イギリスでは、「オリバー！」が大ヒットした。 （1960年）は2618回上演されましたが、この10年間のロングラン公演の王者は4344回上演された『白黒ミンストレル・ショー』 ^{（1962年）でした。 [58]}この10年間からミュージカルの歴史に大きな影響を与えた2人の人物、スティーブン・ソンドハイムとジェリー・ハーマンです。

バーナデット・ピーターズ（2008年上演）は、ソンドハイムのミュージカル5作品に主演しています

ソンドハイムが作詞作曲を手掛けた最初の作品は『フォーラムへ行く途中でおかしなことが起こった』 （1962年、964回公演）で、プラウトゥスの作品を基にバート・シェベロヴとラリー・ゲルバートが脚本を書き、ゼロ・モステルが主演した。ソンドハイムは、以前の時代に典型的だったロマンチックな筋書きに集中していたこのミュージカルの先へと進み、より暗い作品になり、現在と過去の生活の粗野な側面を探求する傾向があった。ソンドハイムの初期の作品には他に『口笛が吹ける』 （1964年、リー・レミックとアンジェラ・ランズベリーが主演していたにもかかわらず9回公演のみ）や、ヒット作『カンパニー』 （1970年）、『フォリーズ』（1971年）、『リトル・ナイト・ミュージック』（1973年）などがある。その後、ソンドハイムは、思いもよらないところからインスピレーションを得た。『太平洋序曲』（1976年）では日本の西洋貿易への開国、『スウィーニー・トッド』 （1979年）では産業革命時代のロンドンで復讐を企てる伝説の殺人理髪師、『日曜日はジョージと公園で』 （1984年）ではジョルジュ・スーラの絵画、 『イントゥ・ザ・ウッズ』（1987年）ではおとぎ話、 『アサシン』 （1990年）では大統領暗殺者のコレクションなどである。

ソンドハイムのミュージカルの中には商業的な魅力に欠ける作品もあると主張する批評家がいる一方で、歌詞の洗練さと音楽の複雑さ、そしてショーにおける歌詞と音楽の相互作用を称賛する批評家もいます。ソンドハイムの注目すべき革新性には、逆再生のショー（『メリリー・ウィー・ロール・アロング』）や、前述の『誰でも口笛が吹ける』などがあります。『誰でも口笛が吹ける』では、第一幕の最後にキャストが観客に自分たちが狂っていると告げます。

ジェリー・ハーマンは、イスラエル建国を描いたブロードウェイ初演作『ミルク・アンド・ハニー』（1961年、563回公演）から始まり、 『ハロー・ドリー！』（1964年、2844回公演）、『メイム』（1966年、1508回公演）、『ラ・カージュ・オ・フォール』（1983年、1761回公演）といった大ヒット作へと続き、アメリカのミュージカル劇場で重要な役割を果たしました『ディア・ワールド』（1969年）や『マック・アンド・メイベル』（1974年）といった、あまり成功しなかったショーにも、記憶に残る楽曲が残されている（ 『マック・アンド・メイベル』は後にロンドンでヒット作としてリメイクされた）。ハーマンが作詞作曲したショー・チューンの多くは、人気のスタンダード曲となっている。その中には「ハロー・ドリー！」「ウィ・ニード・ア・リトル・クリスマス」「アイ・アム・ホワット・アイ・アム」「メイム」「ベスト・オブ・タイムズ」「パレード・パセス・バイ」「プット・オン・ユア・サンデー・クローズ」「イット・オンリー・テイクス・ア・モーメント」「ボスム・バディーズ」「アイ・ウォント・センド・ローズ」などがあり、ルイ・アームストロング、エディ・ゴーメ、バーブラ・ストライサンド、ペトゥラ・クラーク、バーナデット・ピーターズといったアーティストによってレコーディングされている。ハーマンの歌集は、2つの人気ミュージカル・レビュー『ジェリーズ・ガールズ』 （ブロードウェイ、1985年）と『ショーチューン』（オフ・ブロードウェイ、2003年） の題材にもなっている。

ミュージカルは1950年代の比較的狭い範囲から逸脱し始めました。ロック音楽はいくつかのブロードウェイミュージカルで使用されるようになりました。その始まりは『ヘアー』で、ロック音楽だけでなく、ヌードやベトナム戦争、人種関係、その他の社会問題に関する物議を醸す意見も取り上げられました。^[84]

社会的​​なテーマ

『ショウボート』と『ポーギーとベス』の後、アメリカやその他の地域で少数民族の公民権を求める闘いが進むにつれ、ハマースタイン、ハロルド・アーレン、イップ・ハーバーグらは、少数民族に対する社会的寛容の正常化を目指し、人種的調和を促すミュージカルやオペラをもっと書くよう大胆になった。人種的寛容に焦点を当てた黄金時代の初期の作品には、 『フィニアンズ・レインボー』や『南太平洋』などがある。黄金時代の終わりに向けて、いくつかのショーはユダヤ人の主題や問題を取り上げ、例えば『屋根の上のバイオリン弾き』、『ミルク・アンド・ハニー』、『ブリッツ！』、そして後の『ラグス』などがある。『ウエスト・サイド物語』の元の構想は、復活祭と過越祭の祭りの間のローワー・イースト・サイドを舞台とし、敵対するギャングはユダヤ人とイタリア系 カトリック教徒というものでした。後にクリエイティブ・チームはポーランド人（白人）対プエルトリコ人の対立の方が新鮮だと判断しました。^[85]

ミュージカルにおける寛容の重要なテーマは、ここ数十年にわたって続いています。『ウエスト・サイド物語』の最終的な表現は、人種的寛容のメッセージを残しました。1960年代末までに、ミュージカルは人種的に統合され、 『ヘアー』のように、黒人と白人のキャストメンバーが互いの役を演じるようになりました。^[86]同性愛もミュージカルで探求され、 『ヘアー』に始まり、『ラ・カージュ・オ・フォール』、『ファルセット』、『レント』、『ヘドウィグ・アンド・アングリーインチ』など、近年のショーではさらに公然と描かれています。『パレード』は反ユダヤ主義とアメリカの歴史的な人種差別の両方を繊細に探求した作品であり、 『ラグタイム』も同様にアメリカにおける移民とマイノリティの経験を探求しています。

1970年代から現在

1970年代

『ヘアー』の成功後、1970年代には『ジーザス・クライスト・スーパースター』 、『ゴッドスペル』、『ロッキー・ホラー・ショー』、『エビータ』 、 『ヴェローナの二紳士』など、ロックミュージカルが隆盛を極めました。これらのミュージカルの中には、「コンセプトアルバム」として始まり、後に舞台化されたものもあり、最も有名なのは『ジーザス・クライスト・スーパースター』と『エビータ』です。セリフがなかったり、ドラマチックで感情的なテーマを持つオペラを彷彿とさせるものもあり、これらはコンセプトアルバムとして始まり、ロックオペラと呼ばれることもありました。 『レーズン』、『ドリームガールズ』、『パーリー』 、 『ウィズ』などのショーは、ブロードウェイにアフリカ系アメリカ人の影響を大きくもたらしました。より多様な音楽ジャンルやスタイルが、オン・ブロードウェイ、特にオフ・ブロードウェイのミュージカルに取り入れられました。同時に、前述のように、スティーブン・ソンドハイムもいくつかのミュージカルで成功を収めました。

『コーラスライン』は、ジョセフ・パップのパブリック・シアターがブロードウェイに上演した55作品のうちの1つです

1975年、ダンスミュージカル『コーラスライン』は、マイケル・ベネットがブロードウェイの「ジプシー」（主演俳優のサポート役として歌と踊りをする人々）と行ったグループセラピー形式のセッションの録音から生まれました。ジェームズ・カークウッド・ジュニアとニック・ダンテは、数百時間に及ぶテープから、ミュージカルのオーディションに関する本を作り上げ、セッションでの多くの実話を盛り込みました。セッションに参加した人の中には、最終的にショーの中で自分自身や互いの役を演じた人もいました。マーヴィン・ハムリッシュの音楽、エドワード・クレバンの作詞による『コーラスライン』は、マンハッタン南部のジョセフ・パップのパブリック・シアターで初演されました。当初は期間限定で上演される予定でしたが、最終的にはブロードウェイのシューバート・シアター^[87]に移り、6137回公演が行われ、当時のブロードウェイ史上最長のロングラン公演となりました。このショーはトニー賞を総なめし、ピューリッツァー賞を受賞し、ヒット曲「What I Did for Love」はスタンダードソングとなりました^[88]

ブロードウェイの観客は、黄金時代のスタイルや内容から多様なミュージカルを歓迎した。ジョン・カンダーとフレッド・エブは『キャバレー』でドイツにおけるナチズムの台頭を、また古いボードビルの技法に頼った禁酒法時代の『シカゴ』で殺人とメディアを探った。スティーブン・シュワルツの『ピピン』はカール大帝の時代を舞台にしている。フェデリコ・フェリーニの自伝的映画『8 1/2』は、モーリー・イェストンの『ナイン』となった。80年代末には、『エビータ』と『スウィーニー・トッド』が、ドラマチックなストーリー、壮大な音楽、スペクタクルな特殊効果を頼りにした、1980年代のよりダークで巨額の予算のミュージカルの先駆けとなった。同時に、『ANNIE /アニー』 、『42番街』、『ワン・アンド・オンリー』、そしてリバイバル公演された『ノー・ノー、ナネット、アイリーン』などのヒット作には、依然として古風な価値観が受け入れられていた。 1970年代には多くのミュージカルの映画版が作られましたが、『屋根の上のバイオリン弾き』、『キャバレー』、『グリース』といった注目すべき例外を除いて、批評的にも興行的にも成功したものはほとんどありませんでした。^[89]

1980年代

キャメロン・マッキントッシュ

1980年代には、ヨーロッパの「メガミュージカル」がブロードウェイ、ウエストエンドなどに影響を与えた。これらは通常、ポップな音楽、大規模なキャスト、壮大なセットと特殊効果（シャンデリアの落下（オペラ座の怪人）やヘリコプターのステージへの着陸（ミス・サイゴン）など）、そして巨額の予算を特徴とする。小説や他の文学作品に基づいたものもあった。作曲家アンドリュー・ロイド・ウェバーとプロデューサーのキャメロン・マッキントッシュのイギリス人チームは、 T・S・エリオットの詩に基づいた1981年のミュージカル「キャッツ」でメガミュージカル現象の先駆けとなり、 「コーラスライン」を抜いてブロードウェイで最も長く上演されているショーとなった。ロイド・ウェバーは続いてローラースケートで演じる「スターライト・エクスプレス」（1984年）、同名小説を原作とした「オペラ座の怪人」（1986年、これもマッキントッシュと共演）を上演した。1950年の同名映画を原作としたミュージカル『サンセット大通り』 （1993年）も上演された。『ファントム』は『キャッツ』を抜いてブロードウェイ史上最長のロングラン公演となり、現在もその記録を保持している。^{[90] [91]}クロード＝ミシェル・シェーンベルクとアラン・ブーブリルのフランス人チームは同名小説を原作として『レ・ミゼラブル』を執筆し、1985年のロンドン公演はマッキントッシュのプロデュースでウエストエンドとブロードウェイ史上最長のロングランミュージカルとなった。同チームはプッチーニのオペラ『蝶々夫人』に着想を得た『ミス・サイゴン』 （1989年）でもヒット作を手がけた。^{[90] [91]}

メガミュージカルの巨額の予算は、ブロードウェイとウエストエンドにおける経済的成功に対する期待を再定義しました。以前は、数百回の公演でショーがヒットと見なされることもありましたが、数百万ドルの制作費がかかるため、利益を上げるためには何年も上演する必要がありました。メガミュージカルは世界中で再演され、収益性を高めると同時に、ミュージカルの観客層を世界中に拡大しました。^[91]

1990年代

オードラ・マクドナルド

1990年代には、ジェイソン・ロバート・ブラウンやマイケル・ジョン・ラキウサなど、オフ・ブロードウェイの作品からキャリアをスタートさせた新世代の舞台作曲家が登場した。これらのアーティストの最も目立った成功は、ジョナサン・ラーソンのショー「レント」（1996年）である。これは、オペラ「ラ・ボエーム」に基づくロック・ミュージカルで、マンハッタンの苦境に立たされた芸術家コミュニティを描いている。ブロードウェイやウエストエンドのミュージカルのチケットの値段が高騰し、多くの観客の予算を超えていたが、「レント」は若い観客の間でミュージカルの人気を高めるために宣伝された。若いキャストとロックに強く影響された音楽を特徴としており、ミュージカルはヒットした。その若いファン（多くは学生で、自らを「RENTheads」と称する）は、 20ドルの最前列チケットが当たる抽選に当たろうと、ネダーランダー劇場に詰めかけ、何十回もショーを観劇した者もいた。ブロードウェイの他のショーも『レント』に倣い、公演当日券や立ち見席のチケットを大幅に割引して提供しましたが、割引は学生のみに提供されることが多かったです。^[92]

1990年代には、大企業がミュージカル制作に影響を与えました。最も重要なのはディズニー・シアトリカル・プロダクションズで、ディズニーのアニメーション映画のミュージカルの一部を舞台化しました。 『美女と野獣』（1994年）、『ライオンキング』（1997年）、『アイーダ』 （2000年）を皮切りに、エルトン・ジョンが音楽を担当しました。『ライオンキング』はブロードウェイ史上最高の興行収入を記録したミュージカルです。 ^[93] ザ・フーの『トミー』（1993年）は、ロックオペラ『トミー』の舞台化で、899回の公演という好成績を収めましたが、ストーリーを美化し、ロック音楽を「ミュージカル化」したとして批判されました。^[94]

1980年代と1990年代には大規模なミュージカルの数が増加したにもかかわらず、『ファルセットランド』、 『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』、『バットボーイ：ザ・ミュージカル』、そして10,013回上演された『ブラッド・ブラザーズ^{』など、低予算で小規模なミュージカルも批評的にも興行的にも成功を収めました。 [95]}これらの作品のテーマは多岐にわたり、音楽もロックからポップスまで多岐にわたりますが、オフ・ブロードウェイやロンドンの小規模劇場で上演されることが多く、その演出の中には想像力豊かで革新的であると評価されているものもあります。^[96]

2000年代～現在

トレンド

新世紀に入り、プロデューサーや投資家は多額の投資を確実に回収しようと、親しみやすさを重視してきました。中には、（たいていは低予算で）新しく独創的な作品に挑戦した者もいました。例えば、『ユーラインタウン』（2001年）、『アベニューQ』（2003年）、『ザ・ライト・イン・ザ・ピアッツァ』 （2005年）、『春のめざめ』 （2006年）、『イン・ザ・ハイツ』（2008年）、 『ネクスト・トゥ・ノーマル』 （2009年）、『アメリカン・イディオット』（2010年）、『ブック・オブ・モルモン』 （2011年）などです。『ハミルトン』（2015年）は、「ドラマ化が不十分なアメリカの歴史」を、ヒップホップの要素を取り入れた異例のヒット作へと変貌させました。^[97] 2011年、ソンドハイムはあらゆる形態の「現代ポップミュージック」の中で、ラップは「伝統的なミュージカルに最も近い」ものであり、「未来への一つの道」であると主張しました。^[98]

しかし、21世紀の主要市場で上演される作品のほとんどは、安全なルートを辿っています。『屋根の上のバイオリン弾き』『コーラスライン』『南太平洋』『ジプシー』『ヘアー』 『ウエスト・サイド物語』『グリース』といったお馴染みの作品のリバイバル、あるいは『スカーレット・ピンパーネル』『ウィキッド』『ファン・ホーム』といった文学作品などの実績のある素材の翻案などです。その結果、既存の観客層を獲得できることを期待しています。この傾向は特に映画化作品で顕著で、『プロデューサーズ』『スパマロット』『ヘアスプレー』『キューティ・ブロンド』『カラーパープル』 『ザナドゥ』『ビリー・エリオット』 『シュレック』『ウェイトレス』『恋はデジャ・ブ』などが挙げられます。^[99]一部の批評家は、映画のプロット、特にディズニー作品（ 『メリー・ポピンズ』や『リトル・マーメイド』など）の再利用は、ブロードウェイやウエストエンドのミュージカルを創造的な表現の場ではなく、観光名所と同等にしてしまうと主張しています。^[37]

2015年、ハミルトンのキャストがオバマ大統領と会う

今日では、デビッド・メリックやキャメロン・マッキントッシュのような単独のプロデューサーが作品を支援することは少なくなっています。ブロードウェイは企業スポンサーが主流であり、ミュージカルを上演するためには1000万ドル以上の投資が必要となるため、提携関係が結ばれることがよくあります。2002年の『モダン・ミリー』のクレジットには10​​人のプロデューサーが記載されており、その中には複数の個人で構成される団体も含まれていました。^[100]通常、オフ・ブロードウェイや地方の劇場は、小規模でしたがって費用の安いミュージカルを制作する傾向があり、新しいミュージカルの開発はニューヨークやロンドン以外の地域、または小規模な会場で行われることが増えています。例えば、『春のめざめ』、『ファン・ホーム』、『ハミルトン』は、ブロードウェイで上演される前にオフ・ブロードウェイで開発されました。

いくつかのミュージカルは、1980年代に大成功を収めたスペクタクル形式に戻り、古代ローマ人が模擬海戦を行って以来、演劇の歴史を通して時折上演されてきた壮大なショーを彷彿とさせました例としては、『ロード・オブ・ザ・リング』（2007年）、『風と共に去りぬ』（2008年） 、 『スパイダーマン：ターン・オフ・ザ・ダーク』 （2011年）のミュージカル化が挙げられる。これらのミュージカルには演劇経験の浅い作詞家が携わり、高額な制作費がかかったにもかかわらず、概して赤字に終わった。一方、『ドロウジー・シャペロン』、『アベニューQ』、『第25回パットナム郡スペリングビー』、『ザナドゥ』、『ファン・ホーム』などは小規模な作品として上演され、ほとんどの場合休憩なしで上演時間が短く、興行的にも成功を収めた。2013年、『タイム』誌はオフ・ブロードウェイのトレンドは「没入型」演劇であると報じ、『ナターシャ、ピエール、1812年の大彗星』（2012年）や『愛はここに』（2013年）といった、観客の周囲や観客の中で演出が行われるショーを例に挙げた。^{[101]これらのショーは、}ルシール・ローテル賞にそれぞれ11部門でノミネートされ、共同記録を樹立しました。[ ^102]また、現代的な音楽が特徴です。^{[103] [104]}

2013年、シンディ・ローパーは『キンキーブーツ』の作詞作曲により、「男性の共演者なしで[トニー賞の]作曲賞を受賞した初の女性作曲家」となりました。2015年には、初めて女性だけの作曲チームであるリサ・クロンとジャニーン・テソリが『ファン・ホーム』でトニー賞の作曲賞（およびクロンが脚本賞）を受賞しました。^[105]ただし、男性ソングライターによる作品は引き続き多く制作されています。^[106]

ジュークボックス・ミュージカル

もう一つのトレンドは、すでにヒットしている曲のコレクションに合わせて、最小限のプロットを作成することです。『バディ 〜バディ・ホリー物語〜』の初期の成功に続き、『ムーヴィン・アウト』 （2002年、ビリー・ジョエルの曲に基づく）、『ジャージー・ボーイズ』 （2006年、フォー・シーズンズ）、『ロック・オブ・エイジズ』（2009年、1980年代のクラシックロックをフィーチャー）、『スリラー・ライブ』 （2009年、マイケル・ジャクソン）など、数多くの作品が制作されました。このスタイルはしばしば「ジュークボックス・ミュージカル」と呼ばれます。^[107]同様の、しかしよりプロット重視のミュージカルは、特定のポップグループの定番曲を中心に作られています。『マンマ・ミーア！ 』（1999年、 ABBAの曲に基づく）、『アワー・ハウス』（2002年、マッドネスの曲に基づく）、 『ウィ・ウィル・ロック・ユー』 （2002年、クイーンの曲に基づく）などがあります。

映画とテレビのミュージカル

ザック・エフロンとゼンデイヤはヒュー・ジャックマンと共演し、『グレイテスト・ショーマン』に出演しました

1980年代から1990年代初頭にかけて、実写ミュージカル映画は『ビクター/ビクトリア』 『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』、1996年の『エビータ』を除いてほぼ消滅していた。^[108] 21世紀に入り、バズ・ラーマン監督が『ムーラン・ルージュ!』 (2001年)でミュージカル映画の復活を開始した。その後、『シカゴ』 (2002年)、『オペラ座の怪人』 (2004年)、『レント』 (2005年)、『ドリームガールズ』 (2006年)、『ヘアスプレー』『魔法にかけられて』『スウィーニー・トッド』 (すべて2007年)、『マンマ・ミーア!』 (2008年)、『ナイン』 (2009年)が続いた。『レ・ミゼラブル』と『ピッチ・パーフェクト』（ともに2012年）、 『イントゥ・ザ・ウッズ』と『ラスト・ファイブ・イヤーズ』（ともに2014年）、『ラ・ラ・ランド』 （2016年）、『グレイテスト・ショーマン』（ 2017年）、 『アリー/スター誕生』と『メリー・ポピンズ リターンズ』 （ともに2018年）、『ロケットマン』 （2019年）、 『イン・ザ・ハイツ』とスティーブン・スピルバーグ版『ウエスト・サイド物語』（ともに2021年）など。ドクター・スースの『グリンチがクリスマスを盗んだ』（2000年）と『キャット・イン・ザ・ハット』（2003年）は、児童書を実写映画化したミュージカル作品です。 1989年の『リトル・マーメイド』から1990年代にかけて、ディズニーをはじめとするアニメーション映画が大成功を収めた（ 『サウスパーク ビッグ、ロンガー＆アンカット』（1999年）のような大人向けの作品も含む）後、21世紀の最初の10年間は​​アニメーション映画ミュージカルの公開本数は減少した。^[108]このジャンルは2010年に『塔の上のラプンツェル』（2010年）、『リオ』（2011年）、『アナと雪の女王』（2013年）で復活を遂げた。アジアでは、インドが数多くの「ボリウッド」映画ミュージカルを制作し続けており、日本もアニメやマンガを題材にしたミュージカルを制作している。

1990年代には、『ジプシー』（1993年）、『シンデレラ』（1997年） 、 『ANNIE/アニー』（1999年）など、テレビ向けのミュージカル映画が人気でした。21世紀の最初の10年間に制作されたテレビ向けミュージカルの中には、『南太平洋』（2001年）、『ミュージックマン』（2003年） 、『ワンス・アポン・ア・マットレス』 （2005年）など、舞台版を翻案したものや、2007年には舞台ミュージカル『キューティ・ブロンド』のテレビ版が放送されました。さらに、2002年の『コンタクト』 、2003年の『キス・ミー・ケイト』『オクラホマ！』など、舞台で撮影され、公共テレビで放送されたミュージカルもいくつかあります。テレビ向けミュージカル『ハイスクール・ミュージカル』（2006年）とその続編は特に成功を収め、舞台ミュージカルや他のメディアにも翻案されました。

ダヴ・キャメロンは、『ディセンダント』、『ヘアスプレー・ライブ！』、『シュミガドーン！』などのテレビミュージカルに出演しています

2013年、NBCは「サウンド・オブ・ミュージック ライブ！」 ^[109]からミュージカルの生放送シリーズを開始しました。この作品は賛否両論の評価を受けましたが、視聴率では成功を収めました。^[110]その後の放送には、 「ピーター・パン ライブ！」（NBC 2014年）、「ウィズ ライブ！」（NBC 2015年）^[111]、英国放送の「サウンド・オブ・ミュージック ライブ」（ITV 2015年）^{[112] 、} 「グリース：ライブ」（Fox 2016年）^{[113] 、 [114] 、} 「ヘアスプレー ライブ！」（NBC、2016年）、「クリスマス・ストーリー ライブ！」（Fox、2017年）^{[115] 、} 「レント：ライブ」（Fox 2019年）^[116]などがあります

テレビ番組の中には、エピソードをミュージカル風にアレンジした作品もあります。例としては、『アリー マクビール』 、『ジーナ 戦士プリンセス』（「苦い組曲」と「竪琴、竪琴、心は燃えている」）、サイク（「サイク：ザ・ミュージカル」）、バフィー ～恋する十字架～（「ワンス・モア、ウィズ・フィーリング」）、ザッツ・ソー・レイヴン、 『ダリア』、 『デクスターズラボ』、 『パワーパフガールズ』、『フラッシュ』、『ワンス・アポン・ア・タイム』、『オズ』、『スクラブス』 （1つのエピソードは『アベニューQ』のクリエイターによって執筆された）、バットマン：ブレイブ＆ボールド（「ミュージック・マイスターの騒乱」）、ザット '70s ショー（第100話、「ザット '70s ミュージカル」）などがあります。他には、ザ・シンプソンズ、30 ROCK /サーティー・ロック、ハンナ・モンタナ、サウスパーク、ボブズ・バーガーズ、ファミリー・ガイなどのいくつかのエピソードのように、エピソードの途中で登場人物が突然ミュージカル風に歌い踊り出すシーンがある。^[117]ミュージカル形式を多用したテレビ番組には、コップ・ロック、フライト・オブ・ザ・コンコルド、Glee /グリー、スマッシュ、クレイジー・エックス・ガールフレンドなどがある。

インターネット向けに制作されたミュージカルもあります。ニール・パトリック・ハリスが演じる低俗なスーパーヴィランを描いた『ドクター・ホリブルのシング・アロング・ブログ』もその一つです。この作品はWGAの脚本家ストライキ中に執筆されました。^[118] 2006年以降、リアリティ番組は、（通常は女性の）主役をキャスティングするためのタレントコンテストを開催することで、ミュージカルの復活を宣伝するために活用されてきました。例としては、『マリアのような問題をどうやって解決するのか？』、『グリース：君こそ私の欲しいもの！』、『どんな夢でも大丈夫』、『キューティ・ブロンド：ザ・ミュージカル エル・ウッズを探して』、『何でもする』、『虹の彼方に』などがあります。2021年には、『シュミガドーン！』が1940年代と1950年代の黄金時代のミュージカルのパロディであり、オマージュでした。^[119]

2020～2021年の劇場閉鎖

COVID-19パンデミック中のミネソタ州ミネアポリスの『野獣の心』劇場の看板

COVID -19パンデミックにより、2020年初頭には世界中の劇場や演劇祭が閉鎖され、ブロードウェイ^{[120]やウエストエンドのすべての劇場も閉鎖された[121]}。多くの舞台芸術機関は、新しい（または拡張された）デジタルサービスを提供することで、適応したり損失を軽減したりしようとした。特に、多くの劇団の以前に録画された公演のオンラインストリーミングや^{[122] [123] [124]}、特注のクラウドソーシングプロジェクトが生まれた。^{[125] [126]}例えば、シドニー・シアター・カンパニーは俳優たちに、舞台で以前演じたキャラクターのモノローグを自宅で話し合い、演じる自分たちの姿を撮影するよう依頼した。^[127]ハミルトンやマンマ・ミーア！などのミュージカルのキャストは、Zoom通話で団結して、個人や大衆を楽しませた。^{[128] [129]}一部の公演はライブ配信されたり、屋外やその他の「社会的距離」を保った形で上演されたりして、観客がキャストと交流できる場合もあった。^[130]ラジオ演劇祭が放送された。^[131] 『レミーのおいしいレストラン』のようなバーチャルミュージカルやクラウドソーシングミュージカルも制作された。^{[132] [133] 『}ハミルトン』のような人気ミュージカルの映画版がストリーミングプラットフォームで公開された。^[134]アンドリュー・ロイド・ウェバーは自身のミュージカルの録音をYouTubeで公開した。^[135]

閉鎖とチケット販売の減少により、多くの劇団が財政危機に陥りました。一部の政府は芸術への緊急支援を提供しました。^{[136] [137] [138]}一部のミュージカル劇場は2021年初頭までに断続的に再開し始め、^[139]ウエストエンドの劇場は再開を6月から7月に延期し、^[140]ブロードウェイは9月から再開しました。^[141]しかし、2021年を通してパンデミックの急増により、市場が再開した後も一部の劇場は閉鎖されました。^{[142] [143]}

国際的なミュージカル

19世紀から20世紀の大部分にかけて、アメリカとイギリスはブックミュージカルの最も活発な供給源でした（ただし、ヨーロッパではスペインのサルスエラなど、その時期とそれ以前に、様々な形式の人気のあるライトオペラやオペレッタが制作されていました）。しかし、他の国のライトミュージカルの舞台は、ここ数十年でより活発になっています

他の英語圏の国（特にオーストラリアとカナダ）のミュージカルは、地元で成功することが多く、時にはブロードウェイやウエストエンドに進出することもあります（例：『オズの魔法使い』 『ドロウジー・シャペロン』）。南アフリカには活発なミュージカルシーンがあり、『アフリカン・フットプリント』や『ウモジャ』のようなレビューや、 『キャット・アンド・ザ・キングス』や『サラフィナ！』のようなブックミュージカルが国際ツアーを行っています。地元では、『ヴェレ』 『ラブ・アンド・グリーン・オニオンズ』『虹の彼方に：最新作オールゲイ…エクストラバガンザ』 『バンブルック・マウンテン』『イン・ブリーフス - クィアの小さなミュージカル』などのミュージカルが成功を収めています

1930年の『パリゼット』公演における、日本の女性宝塚歌劇団

ヨーロッパ大陸で成功したミュージカルには、ドイツ（『エリクサー』、『ルートヴィヒ2世』）、オーストリア（『吸血鬼の踊り』、『エリザベート』 、『モーツァルト！ 』、 『レベッカ』）、チェコ共和国（『ドラキュラ』）、フランス（ 『スターマニア』 、 『ノートルダム・ド・パリ』 、 『レ・ミゼラブル』 、『ロミオとジュリエット』 、『モーツァルト、オペラ・ロック』）、スペイン（『どうか私をさらってください』、『ミュージカル サンチョ・パンサ』）などのショーがあります。

日本では近年、『魔女の宅急便』や『テニミュ』など、アニメや漫画を原作とした、アニメと実写の両方の日本独自のミュージカルが成長しています。人気の『美少女戦士セーラームーン』メタシリーズは、13年間で29の『美少女戦士セーラームーン』ミュージカルが上演されました。1914年からは、現在5つの劇団を擁する女性だけの宝塚歌劇団によって、人気レビューシリーズが上演されてきました。アジアの他の地域では、主に映画の形で上演されているインドのボリウッドミュージカルが大成功を収めています。 ^[144]

2002年の『レ・ミゼラブル』のツアー公演を皮切りに、様々な西洋ミュージカルが中国本土に輸入され、英語で上演されてきました。^[145]中国における西洋作品のローカライズの試みは、2008年に北京の中央戯劇学院で『Fame』が中国人キャスト全員で北京語で上演されたことから始まりました。 ^[146]それ以来、他の西洋作品も中国で中国語で中国人キャストで上演されてきました。西洋ミュージカルのスタイルで制作された最初の中国作品は、2005年の『The Gold Sand』です。 ^[145]さらに、著名な中国人プロデューサーであるLi Dunは、2007年に中国の古典的な恋愛悲劇に基づいた『Butterflies』 、 2011年には『Love U Teresa』を制作しました。 ^[145]

アマチュアおよび学校公演

ナポリ・プレイヤーズ・ティーンズ『Thoroughly Modern Millie』、2009年

ミュージカルは、教会、学校、その他の公演スペースで、アマチュアや学校のグループによって上演されることがよくあります。^{[147] [148]}アマチュア劇場は何世紀にもわたって存在していましたが、新世界でさえ^{[149] 、} フランソワ・セリエとカニンガム・ブリッジマンは1914年に、19世紀後半以前はアマチュア俳優はプロから軽蔑されていたと書いています。サヴォイ・オペラの上演を許可されたアマチュアのギルバート・アンド・サリバン劇団が結成された後、プロはアマチュア団体が「音楽と演劇の文化を支えている」ことを認識しました。現在では、彼らは正当な舞台のための有用な訓練学校として認められており、ボランティアの中から多くの現代の人気俳優が生まれています。^[150]英国国立オペラ・ドラマ協会は1899年に英国で設立されました。1914年には、その年に英国で約200のアマチュア演劇団体がギルバート・アンド・サリバンの作品を上演していたと報告しています^[150]同様に、20世紀初頭にはアメリカで100以上のアマチュア劇場が設立されました。この数はアメリカ国内で推定18,000にまで増加しています。^[149]アメリカの教育演劇協会には、約5,000の学校が加盟しています。^[151]

関連性

ブロードウェイのライオンキング

ブロードウェイリーグは、2007〜08年シーズンにブロードウェイのショーのチケットが1,227万枚購入され、総売上高はほぼ10億ドルに達したと発表した。^[152]また、2006〜07年シーズンには、ブロードウェイのチケットの約65％が観光客によって購入され、外国人観光客は観客の16％であったと報告している。^[153]ロンドン劇場協会は、2007年はロンドンの観客動員数で記録を樹立したと報告した。ロンドン中心部の主要な商業劇場と助成金を受けた劇場の総観客数は1,360万人で、チケット収入総額は4億6,​​970万ポンドだった。^[154]国際的なミュージカルシーンはここ数十年でますます活発になっている。しかし、スティーヴン・ソンドハイムは2000年に次のようにコメントしている。

ブロードウェイには2種類のショーがあります。リバイバルと、何度も繰り返される同じ種類のミュージカルです。どれもスペクタクルです。『ライオンキング』のチケットは1年前に購入し、基本的に家族は子供たちに、劇場とはそういうものだという考えを伝えます。年に一度見る壮大なミュージカル、映画の舞台版です。それは演劇とは全く関係がありません。馴染みのあるものを見ることに関係しています。…劇場自体が消滅するとは思いませんが、かつてのような姿には決してなりません。…それは観光名所なのです。」^[155]

しかし、ここ数十年におけるオリジナル作品や、映画、演劇、文学の創造的な再解釈の成功を指摘し、演劇史家のジョン・ケンリックは次のように反論しました

ミュージカルは死んだのか？…絶対にそうではない！変化している？常に！ミュージカルは、オッフェンバックが1850年代に最初の脚本を書いて以来、変化し続けています。そして、変化はミュージカルが今もなお生き生きと成長を続けるジャンルであることを示す最も明確な兆候です。ミュージカルが大衆文化の中心にある、いわゆる「黄金時代」に戻ることはあるでしょうか？おそらくないでしょう。大衆の嗜好は根本的に変化しており、商業芸術は、お金を払う大衆が許すところにしか流れません。^[37]

参照

• ミュージックポータル
• シアターポータル

• キャストレコーディング
• ミュージカル一覧
• 舞台でライブ撮影されたミュージカル一覧
• ロングランミュージカル
• ミュージカル
• パルシーシアター
• 2.5Dミュージカル

注釈と参考文献

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15. これらには、エレキギター、エレキベースシンセサイザー、ドラムキットが含まれる場合があります。
16. オーケストレーション情報へのリンクを含むインデックスを表示。2010年2月13日にWayback Machineにアーカイブ。MTIshows.com、2015年10月4日アクセス
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外部リンク

• インターネット・ブロードウェイ・データベース – キャストとプロダクションリスト、楽曲リスト、受賞リスト
• Guidetomusicaltheatre.com - あらすじ、キャストリスト、楽曲リストなど
• ブロードウェイ・ミュージカル・ホーム
• ミュージカルの歴史（V&A博物館ウェブサイト）（2011年4月12日アーカイブ）
• Castalbumdb – ミュージカル・キャスト・アルバム・データベース
• 主要なミュージカルのあらすじと登場人物紹介 (StageAgent.com)