1895 年パリ公演のジュゼッペ・ヴェルディの『オテロ』のためにマルセル・ジャンボンがデザインした舞台デザイン模型。
ニュージーランド・オペラによる2016年モーツァルトの魔笛の舞台デザイン
2010年ファミリーシリーズの舞台デザイン、グレン・デイヴィス
2019年、ステアウェルシアターが上演した「オレステイア」のシンプルな赤いカーテンのセットデザイン

舞台美術（ステージデザイン、セットデザインとも呼ばれる）は、演劇やミュージカルなどの演劇作品における舞台装置を制作する仕事です。この用語は映画やテレビ番組[1]にも適用され、プロダクションデザイン[2]と呼ばれることもあります。舞台デザイナーは、作品全体の芸術的目標をサポートするために、舞台装置や舞台装置を制作します。舞台デザインは、舞台美術の一側面であり、舞台装置デザインに加え、照明や音響も担当します。

現代の舞台デザイナーは、芸術的プロセスにおいて共同制作者としての役割を担うことが多くなっており、作品の物理的な空間を形作るだけでなく、ブロッキング、ペース、そしてトーンにも影響を与えています。リチャード・フォアマンの有名な言葉にあるように、舞台デザインとは「出来事が起こっていることを知覚する世界を創造する」方法です。[3]これらのデザイナーは、演出家、脚本家、そしてチームの他のクリエイティブメンバーと緊密に協力し、作品の物語性と感情的なトーンを補完する視覚的コンセプトを開発します。この共同作業的な役割を担ってきた著名な舞台デザイナーには、ロビン・ワグナー、ユージン・リー、ジム・クレイバーグ などがいます。

歴史

舞台美術の起源は、古代ギリシャの野外円形劇場に遡ります。当時は、基本的な小道具と舞台装置を用いて上演されていました。ルネサンス期を通して舞台装置と遠近法の進歩が進んだことで、より複雑で写実的な舞台装置を舞台美術に用いることが可能になりました。舞台美術は、19世紀から20世紀にかけて、技術と演劇の進歩と連動して進化しました。[3]

新しい舞台芸術運動

20世紀初頭、アメリカの舞台デザインは「ニュー・ステージクラフト」の導入により劇的な変革を遂げました。[3] [4]アドルフ・アッピアやエドワード・ゴードン・クレイグといったヨーロッパの先駆者たちからインスピレーションを得て、アメリカのデザイナーたちは19世紀の過度に詳細な自然主義から脱却し始めました。[3]代わりに、彼らは簡素化されたリアリズム、抽象化、ムード主導の舞台環境、そして象徴的なイメージを採用しました。ロバート・エドモンド・ジョーンズ、リー・サイモンソン、ノーマン・ベル・ゲデスといったこの運動の先駆者たちは、アメリカにおける舞台デザインへのより解釈的で芸術的なアプローチの基礎を築きました。

詩的リアリズムとその遺産

ニュー・ステージクラフトに続き、ジョー・ミールツィナーやボリス・アロンソンといったデザイナーたちは、詩的リアリズムと呼ばれる様式の定義に貢献しました。[3]柔らかな照明、ロマンチックなイメージ、スクリム、断片的な舞台装置を特徴とするこの様式は、厳格なリアリズムよりも作品の感情的なトーンを重視しました。これらのデザイナーはしばしば劇作家や演出家と緊密に協力し、アーサー・ミラーやテネシー・ウィリアムズの初期作品といったアメリカ演劇の古典作品の雰囲気や意味を形作りました。

現代のトレンドの重要な要素の一つは、スペクタクルの統合です。[3]壮大なビジュアル、機械化された舞台装置、そして精巧な特殊効果へのこの動きは、ブロードウェイの舞台と地方の劇場の両方に新たな形を与えました。キネティックセットの制作で知られるデイヴィッド・ミッチェルのようなデザイナーは、映画が舞台デザインに与えた影響を反映したスペクタクルへの推進を体現しています。このトレンドは、観客の感覚体験を重視し、伝統的なストーリーテリング手法だけでなく、視覚的なインパクトと技術力にも焦点を当てています。

同時に、多くのデザイナーがミニマリズムと抽象化を探求し、過度に写実的な表現から離れ、リアリズムよりもムードを重視した象徴的で示唆に富んだ空間を創造しています。演出家や劇作家との協働者としてのデザイナーの役割の進化も、これらのトレンドを後押ししています。今日、デザイナーは作品のビジョンや物語を形作る上で、より平等な発言権を持つようになっています。

舞台デザインの要素

舞台デザインにはいくつかの重要な要素が含まれます。

セットプレー
これらは、舞台の空間環境を定義する、プラットフォーム、壁、家具などの物理的な構造物です。舞台装置は、物語の時代、場所、雰囲気を反映するように綿密に構築されます。
小道具
俳優が演技中に用いる小道具は、舞台設定を確定させ、物語を盛り上げるのに役立ちます。小道具は日常的なものから空想的なものまで多岐にわたり、物語に不可欠な存在であり、登場人物の特徴を明らかにしたり、プロットを進展させたり、テーマを象徴したりするのに役立ちます。
背景
シアター ロイヤルでのクリスマス パントマイム。ジョン ヘニングスによる舞台背景は、悲劇的なバークとウィルスの遠征を記念したものです。
ペイントまたはデジタル投影された背景や平面的な舞台装置は、舞台上に奥行きと遠近感の錯覚を生み出します。これらの要素はシーン全体の雰囲気を決定づける役割を果たし、デザインの必要に応じて、細部まで緻密に表現することも、抽象的な表現にすることもできます。技術の進歩により、プロジェクションやデジタル要素によって、視覚的なストーリーテリングを強化する、ダイナミックで変化に富んだ背景を実現できるようになりました。
点灯
照明デザインは、舞台の雰囲気やパフォーマンスのトーン、焦点を設定する上で、舞台デザインに不可欠な要素です。照明技術の進歩により、照明の可能性は広がり、デザイナーは色、強度、動きを自在にコントロールできるようになりました。
機能性
俳優、スタッフ、そしてショーの技術仕様の要求を満たすために、セットは実用的で実用的でなければなりません。セットを構築する際、デザイナーはアクセシビリティ、視点、出入口を考慮する必要があります。機能性は、セットが俳優の身体的な動きをサポートし、シーンの変更に対応し、安全基準を維持できるようにします。芸術的なデザインと実用的なデザインのバランスを見つけることは、全体的なデザインの基本です。
風景画と絵画
舞台美術とは、作品の視覚的なストーリーテリングを高める、非常に精緻で写実的な絵画を制作することです。舞台美術家は、デザイナーのビジョンを具現化するために、背景、テクスチャ、その他の要素を描きます。彼らは、トロンプ・ルイユ（視覚を欺く技法）、テクスチャの適用、フェイク仕上げなど、伝統的および現代的な様々な技法を駆使して、舞台上に写実的または抽象的な環境を作り出します。[5]デジタル技術と機械化技術の進歩に伴い、舞台美術家はコンピューター生成画像（CGI）やデジタルプロジェクションなどの技術も作品に取り入れるようになりました。[5]

舞台デザイナー

舞台デザイナーは、演出家やその他のクリエイティブチームメンバーと協力し、作品のビジュアルコンセプトを策定し、舞台環境をデザインします。彼らは、以下の内容を含む一連のデザイン図面を作成する責任を負います。

  • すべての固定された風景要素を示す基本的なフロア プラン。
  • すべての動く舞台要素を、舞台上の位置と保管位置の両方とともに表示した複合フロア プラン。
  • すべての要素を組み込んだステージ空間の完全なフロアプラン。
  • すべての景観要素の正面図と、必要に応じてユニットのセクションの追加立面図。

計画段階において、舞台デザイナーは複数のスケールモデルやレンダリングを作成することがよくあります。モデルは、建設のための最終図面が完成する前に作成されることがよくあります。[6]これらの精密な図面は、舞台デザイナーが他の制作スタッフ、特にテクニカルディレクター、プロダクションマネージャー、担当舞台美術家、小道具担当者と効果的にコミュニケーションをとるのに役立ちます。

ヨーロッパやオーストラリアでは、[7] [8]多くの舞台美術家が衣装デザイン、照明デザイン、音響デザインも担当しています。彼らは一般的にシアターデザイナー、舞台美術家、あるいはプロダクションデザイナー と呼ばれます。

舞台デザインには、大工仕事、建築、テキスト分析、予算編成などのスキルが求められることが多い。[1]さらに、成功する舞台デザイナーは、アイデアを明確に伝える能力、監督のビジョンに共感する能力、デザインにおける技術的な課題に対処する能力など、演劇のコラボレーションに関する深い理解も必要となる。[9]

現代の舞台デザイナーの多くは、かつては手作業で行われていた設計図を作成するために3D CADモデルを使用しています。 [10] CADツールはデザイナーが技術図面を作成する方法に革命をもたらし、調整や制作チーム全体への伝達が容易な、正確で拡張性の高い計画を可能にしました。[4]

影響力のある舞台デザイナー

最も影響力のある舞台デザイナーには次のような人たちがいます。

テネシー・ウィリアムズの『ガラスの動物園』の一場面。照明と背景が劇の雰囲気を盛り上げている。

ロビン・ワグナー： 『コーラスライン』や『プロデューサーズ』といったブロードウェイ・ミュージカルの作品で知られるワグナーのデザインは、伝統美と現代美の境界を曖昧にすることが多い。彼の舞台美術は、ドラマチックなセンスと革新的な空間の使い方で高く評価されており、物語の展開と観客の感情移入の両方を高めている。[5]

ユージン・リー：現代の舞台美術の重要人物であるリーは、『スウィーニー・トッド』と『ガラスの動物園』における作品で、物語の重要な要素となる没入感のある環境を創造する彼の才能を如実に示しています。彼の作品には、照明デザインと舞台装置を融合させることで、観客との感情的な繋がりを生み出すことが多々あります。[5]

ジム・クレイバーグ：『赤い靴』や『ピピン』などの作品におけるクレイバーグの舞台美術は、物語の感情的な核心を支える、非常に演劇的でダイナミックな空間の創造に焦点を当て、監督やデザイナーとの共同作業のプロセスを示している。[5] [3]

ボブ・クロウリー：ブロードウェイミュージカル『ライオンキング』の作品で知られるクロウリーのデザインは、伝統的なアフリカの美学と現代的な演劇的アプローチを融合させた象徴的な作品です。彼の作品は人形劇と舞台美術の融合に影響を与え、舞台装置を物語のプロセスにおいて積極的な役割を担わせています。[5]

舞台デザインにおける文化の違い

舞台デザインは文化によって大きく異なり、多様な伝統、芸術的感受性、歴史的背景を反映しています。これらの違いは、ヨーロッパ、アメリカ、オーストラリアの舞台デザインの実践、そして非西洋の演劇の伝統を比較すると特に顕著です。[4]

ドイツやフランスなどの国では、デザイナーは一般的に舞台美術家（scenographer）と呼ばれます。これは、舞台デザイン、照明、衣装デザインを統合し、統一された芸術的ビジョンを形成する役割を強調する用語です。このデザインアプローチは、特にヨーロッパのオペラでよく知られています。[5]アメリカの舞台デザインは、伝統的に舞台装置の構築と作品の物理的な環境に重点を置いています。特にブロードウェイミュージカルや演劇においては、デザイナーはリアリズムのイリュージョンを作り出す役割を担うことが多いです。[3] [4]

オーストラリアでは、舞台美術家は複数の分野にわたる役割を担うことがよくあります。特に地方劇場では、多くのオーストラリアのデザイナーが舞台装置と衣装の両方のデザインに携わり、制作の初期段階から照明デザイナーや音響デザイナーと緊密に連携することがよくあります。[9]

中国、インド、日本の演劇など、西洋以外の演劇の伝統では、象徴的な要素、ミニマルな舞台装置、ダイナミックな舞台の動きを重視し、舞台演出に大きく異なる手法が用いられることが多い。[4]例えば、日本の歌舞伎では、精巧な衣装と様式化された象徴的な舞台装置を用いて意味を伝え、写実的な表現よりも色彩の象徴性と抽象的なデザインに重点を置いている。[4]京劇では、象徴的な大きな背景幕とミニマルな舞台装置を用いることで、俳優の演技を引き立て、身振りや音楽を強調している。[4]

著名な舞台デザイナー

舞台デザイナーのロバート・エドモンド・ジョーンズ(1887–1954) が腰の高さのテーブルで絵を描いている (1920 年頃)。

著名な舞台デザイナーには次のような人たちがいます。

参照

参考文献

  1. ^ ab “Set Designer | Berklee”. Berklee . 2023年11月5日閲覧。
  2. ^ エルホフ, マイケル; マーシャル, ティモシー編 (2008). 「セットデザイン」.デザイン辞典. ビルクハウザー. pp.  345– 347. doi :10.1007/978-3-7643-8140-0. ISBN 978-3-7643-7739-7。
  3. ^ abcdefgh アーロンソン、アーノルド (1984). 「アメリカン・セノグラフィー」 .ドラマ・レビュー. 28 (2): 3– 22. doi :10.2307/1145574. ISSN  0012-5962. JSTOR  1145574.
  4. ^ abcdefg ブリュースター、カレン、シェーファー、メリッサ (2011年1月1日). 「舞台デザインの基礎：舞台美術、衣装、照明デザインの基礎ガイド」ETSU Authors Bookshelf .
  5. ^ abcdefg Crabtree, Susan; Beudert, Peter (2012-09-10). Scenic Art for the Theatre (第0版). Routledge. doi :10.4324/9780080489681. ISBN 978-1-136-02746-8。
  6. ^ Pincus-Roth, Zachary (2008年1月31日). 「ASK PLAYBILL.COM: Sets」. Playbill . 2019年10月31日閲覧。
  7. ^ 「演劇デザイナーとしてのトレーニング」ロンドン大学セントラル・スクール・オブ・スピーチ・アンド・ドラマの記事。2016年9月3日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2011年4月2日閲覧。
  8. ^ 「舞台美術、MA/MFA」.ロイヤル・セントラル・スクール・オブ・スピーチ・アンド・ドラマ. 2023年11月8日閲覧。
  9. ^ ab ヘイフォード、ミシェル (2021-05-20). 『学部生のための演劇研究：学生のためのガイド』（第1版）. ラウトレッジ. doi :10.4324/9781003023807. ISBN 978-1-003-02380-7。
  10. ^ 「舞台美術デザイナー」イェール大学学部制作. 2021年12月22日閲覧。

さらに読む

  • オスカー・G・ブロケット、マーガレット・ミッチェル、リンダ・ハードバーガー共著。『メイキング・ザ・シーン：ヨーロッパとアメリカ合衆国における舞台デザインとテクノロジーの歴史』、トービン・シアター・アーツ・ファンド、テキサス大学出版局刊、2010年。古代ギリシャ以来の舞台デザインの歴史を辿る。
  • ペクタル、リン著『劇場のデザインと絵画』（マグロウヒル、1995年）。演劇、オペラ、バレエの舞台美術プロセスを詳述。基礎となるテキストには、専門的な図解とデザインプロセスに関する包括的な参考文献が掲載されています。詳細な線画と写真による豊富な図解で、舞台美術と舞台美術の美しさと技巧が伝わってきます。
  • アロンソン、アーノルド (1991). 「ポストモダンデザイン」.シアタージャーナル. 43 (1): 1– 13. doi :10.2307/3207947. JSTOR  3207947.
  • ガディ、デイビン・E. (2017). 「デザイン要素」.ライブエンターテイメントのためのメディアデザインとテクノロジー. pp.  27– 50. doi :10.4324/9781315442723-2. ISBN 978-1-315-44272-3。
  • ヘンケ、ロバート (2021). 「ハビエル・ベルサル・デ・ディオス作『チンクエチェント』の劇場空間における視覚体験（レビュー）」.シアター・ジャーナル. 73 (1): 111– 112. doi :10.1353/tj.2021.0007. Project MUSE  787014 ProQuest  2507722208.
  • ウィキメディア・コモンズにある舞台美術に関連するメディア。
  • プラハ パフォーマンス デザイン & スペース クアドレナリー 世界最大の舞台美術イベント。
  • 舞台美術とは何か？米国とヨーロッパの劇場設計の実践の違いを説明する記事。