フィンセント・ファン・ゴッホの絵画「オーヴェルの教会」（1890年）青い空を背景にした灰色の教会
オーヴェルの教会、ヴィンセント・ヴァン・ゴッホの油絵（1890年）

視覚芸術とは、絵画、デッサン、版画、彫刻、陶芸、写真、ビデオ、画像、映画制作、デザイン、工芸、建築といった芸術形態を指します。舞台芸術、コンセプチュアルアート、テキスタイルアートといった多くの芸術分野も、視覚芸術の側面だけでなく、他の種類の芸術も含んでいます。視覚芸術には、[1]応用芸術[ 2] 、例えば工業デザイン、グラフィックデザイン、ファッションデザイン、インテリアデザイン、装飾美術[3]も含まれます。

「視覚芸術」という用語の現在の用法には、応用美術や装飾美術、工芸品だけでなく、ファインアートも含まれますが、これは常にそうだったわけではありません。20世紀初頭にイギリスやその他の地域でアーツ・アンド・クラフツ運動が起こる以前は、何世紀にもわたって「アーティスト」という用語は、装飾美術、工芸品、応用視覚芸術媒体ではなく、ファインアート（絵画、彫刻、版画など）の分野で活動する人に限定されることがよくありました。この区別は、アーツ・アンド・クラフツ運動の芸術家によって強調され、彼らは高度な芸術形式と同様に地方芸術形式を重視しました。[4]美術学校では、職人を芸術の実践者とはみなさないという立場をとり、ファインアートとクラフトを区別していました。

西洋美術、そしてそれほどではないが彫刻を他の芸術よりも重視する傾向の高まりは、東アジア美術のみならず西洋美術にも見られる特徴である。両地域において、絵画は芸術家の想像力に最も大きく依存し、手作業から最も遠いものと考えられてきた。中国絵画においては、少なくとも理論上は紳士的なアマチュアによって実践されていた「学者画」の様式が最も高く評価されていた。西洋におけるジャンルの階層構造にも同様の考え方が反映されている。

教育と訓練

視覚芸術の訓練は、一般的に徒弟制度や工房制度といった様々な形態で行われてきました。ヨーロッパでは、芸術家の権威を高めようとするルネサンス運動が、芸術家を養成するためのアカデミー制度の誕生に繋がり、今日では芸術分野でのキャリアを目指す人のほとんどは、高等教育機関の美術学校で訓練を受けています。視覚芸術は現在、ほとんどの教育制度において選択科目となっています。[5] [6]

東アジアでは、非専門芸術家に対する芸術教育は、典型的には筆遣いに重点を置いていた。中国周の時代には書道は君子の六芸の一つに数えられ、中国帝国では書道と中国絵画は学者官僚の四芸の一つに数えられていた。[7] [8] [9]

ラテンアメリカにおける芸術発展の先駆者であるブエノスアイレスは、1875年に画家のエドゥアルド・スキアフィーノ、エドゥアルド・シヴォリらによって設立された国立芸術刺激協会を創設しました。彼らの組合は1905年に国立美術アカデミーとして改組され、1923年には画家で学者のエルネスト・デ・ラ・カルコバの主導により、国立高等芸術学校であるブエノスアイレス大学の学部として設立されました。現在、この国における芸術教育の主導的な機関は、UNA国立芸術大学です。[10]

描画

クリスティアーン・トニスによる女性戦士の精緻なデッサン「絶滅」。1981年にグラファイトと色鉛筆で制作され、サイズは13.6 x 18.5インチ。2010年12月よりクンストフェライン・ファミリー・モンテスに所蔵されています。
クリスチャン・トニス- 女性戦士 #14「絶滅」、紙に鉛筆と色鉛筆、1981年

描画は、オンラインおよびオフラインで利用できるさまざまなツールとテクニックを使用して、画像、イラスト、またはグラフィックを作成する手段です。一般的には、鉛筆 、ペンとインク、インクブラシ、ワックスカラーペンシル、クレヨン、木炭、パステル、マーカーなどの乾いた媒体を使用して、ツールからの圧力を適用したり、表面上でツールを動かしたりして、表面にマークを付けることが含まれます。ペン、スタイラスなどのデジタルツールも使用され、これらの効果をシミュレートします。描画で使用される主なテクニックは、線描画、ハッチング、クロスハッチング、ランダムハッチング、シェーディング、落書き、点描、ブレンディングです。描画に優れた芸術家は、製図家または製図家と呼ばれます。[11]

絵画や描画の歴史は数万年前に遡ります。[12] 後期旧石器時代の美術には、少なくとも4万年前に始まった具象美術が含まれます。 [13] 手形や単純な幾何学的形状からなる非具象的な 洞窟壁画はさらに古いものです。 [12]動物を描いた 旧石器時代の洞窟壁画は、フランスのラスコー、スペインのアルタミラ、[14] アジアのスラウェシ島のマロス、 [15]オーストラリアのガバーンムンなどの地域で発見されています。[16]

古代エジプトでは、パピルスに描かれたインク画（人物を描いたものが多い）が絵画や彫刻のモデルとして使われていました。[17]ギリシャの花瓶に描かれた絵は、当初は幾何学的なものでした。その後、紀元前6世紀には黒絵式陶器で人型が描かれるようになりました。 [18]

14世紀までにヨーロッパで紙が一般的になり、[ 19]サンドロ・ボッティチェリ、ラファエロ、ミケランジェロ、レオナルド・ダ・ヴィンチなどの巨匠たちがデッサンを取り入れ、絵画や彫刻の準備段階ではなく、デッサン自体を芸術として扱うこともあった。[20]

絵画

文字通りに絵画とは、媒体（メディウム）に分散させた顔料と接着剤（糊）を、紙、キャンバス、壁などの表面（支持体）に塗布する行為である。しかし、芸術的な意味で用いられる場合、この行為をデッサン、構図、その他の美的配慮と組み合わせて用いることで、制作者の表現的・概念的な意図を顕現させることを意味する。絵画はまた、精神的なモチーフや思想を表現するためにも用いられ、この種の絵画の舞台は、陶器に描かれた神話上の人物を描いた作品からシスティーナ礼拝堂、そして人体そのものまで多岐にわたる。[21]

歴史

起源と初期の歴史

ラスコーの壁画
ネフェルタリとイシス

絵画も、絵画と同様に、洞窟や岩壁にその起源が記録されています。[22]最古の洞窟壁画は、3万2000年から3万年前のものとされ、南フランスのショーヴェ洞窟で発見されています。 [23]有名なラスコーの多色壁画は約1万7000年から1万5500年前のものです。[24]赤、茶、黄、黒の色合いで、壁や天井に描かれた絵画には、バイソン、牛（オーロックス）、馬、鹿が描かれています。[25]

古代エジプトの墓には人物画が見られる。ラムセス2世の神殿には、王妃ネフェルタリがイシスに導かれる姿が描かれている。[26]ギリシャ人も絵画制作に貢献したが、その作品の多くは失われている。現存する最も優れた作品の一つは、ヘレニズム時代の ファイユームのミイラ肖像画である。もう一つの例は、ポンペイのイッソスの戦いのモザイク画で、おそらくギリシャ絵画に基づいていると思われる。ギリシャ・ローマ美術は紀元前4世紀にビザンチン美術に影響を与え、イコン絵画の伝統を創始した。[27]

ルネサンス

中世の修道士によって制作された彩飾写本に次いで、ヨーロッパ美術に大きく貢献したのはイタリアのルネサンス画家たちでした。13世紀のジョットから16世紀初頭のレオナルド・ダ・ヴィンチ、ラファエロに至るまで、この時代はイタリア美術が最も豊かな時代であり、キアロスクーロ技法を用いて三次元空間の錯覚を生み出しました。[28]

北ヨーロッパの画家たちもイタリア派の影響を受けていました。ベルギーのヤン・ファン・エイク、オランダのピーテル・ブリューゲル（父） 、ドイツのハンス・ホルバイン（子）は、当時最も成功した画家たちです。彼らは油彩によるグレージング技法を用いて、深みと明るさを表現しました。

オランダの巨匠

レンブラントの絵画「夜警」群衆とともに闊歩する二人の男
レンブラント：夜警、1642年

17 世紀には、肖像画や聖書の場面で特に記憶されている多才なレンブラントや、オランダ人の生活の室内場面を専門とする フェルメールなど、偉大なオランダの巨匠たちが登場しました。

バロック

バロックはルネサンスの後、16世紀後半から17世紀後半にかけて始まった。バロックの主要な芸術家には、テネブリズムを多用したカラヴァッジョがいる。イタリアで学んだフランドルの画家ピーテル・パウル・ルーベンスは、アントワープの地元の教会で働き、マリー・ド・メディシスのためにもシリーズを描いた。アンニーバレ・カラッチはシスティーナ礼拝堂から影響を受け、幻想的な天井画というジャンルを生み出した。バロックで起こった発展の多くは、宗教改革とそれに続く対抗宗教改革によるものである。バロックを特徴づけるものの多くは、劇的な照明と全体的な視覚効果である。[29]

印象派

クロード・モネ：印象・日の出（1872年）

印象派は19世紀フランスでクロード・モネ、ピエール＝オーギュスト・ルノワール、ポール・セザンヌなどの芸術家たちの緩やかな連携から始まりました。彼らは自由な筆致で描く新しいスタイルを絵画に持ち込み、アトリエではなく屋外で現代生活の写実的な場面を描くことをしばしば選択しました。これは、筆遣いによって示される美的特徴の新たな表現と現実の印象によって達成されました。彼らは、純粋で混じりけのない色と短い筆遣いを用いることで、強烈な色彩の振動を実現しました。この運動は、時間を経て新たな技術や芸術の認識に適応していくダイナミックな芸術に影響を与えました。細部へのこだわりは達成においてそれほど優先されなくなり、芸術家の目から見た風景や自然の偏った見方が探求されました。[30] [31]

ポスト印象派

19世紀末にかけて、若い画家たちが印象派をさらに発展させ、幾何学的な形態と不自然な色彩を用いて感情を描き出し、より深い象徴主義を追求しました。特に注目すべきは、アジア、アフリカ、日本の美術に強い影響を受けたポール・ゴーギャン、フランスに移住し、南国の強い陽光の中で絵を描いたオランダ人、フィンセント・ファン・ゴッホ、そしてパリのモンマルトル地区の夜の生活を鮮やかに描いたトゥールーズ＝ロートレックです。[32]

象徴主義、表現主義、キュビズム

ノルウェーの芸術家エドヴァルド・ムンクは、19世紀末にフランスの印象派画家マネに影響を受け、象徴主義的な表現手法を確立しました。彼の代表作である『叫び』 （1893年）は、現代人の普遍的な不安を表現していると広く解釈されています。ムンクの影響もあり、 20世紀初頭にドイツでドイツ表現主義運動が勃興し、エルンスト・キルシュナーやエーリヒ・ヘッケルといった芸術家が感情的な効果を求めて現実を歪曲し始めました。

並行して、フランスではキュビズムと呼ばれる様式が発展しました。芸術家たちは、構図における鋭い構造のボリュームと空間に着目しました。パブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックがこの運動の主導的な提唱者でした。物体は分解され、分析され、抽象的な形で再構成されます。1920年代までに、この様式はダリとマグリットによってシュルレアリスムへと発展しました。[33]

版画

古代中国の女性楽器奏者の彫刻
古代中国の女性楽器奏者の彫刻

版画とは、芸術的な目的で、母型上に画像を作成し、それをインクやその他の顔料を用いて二次元（平面）の表面に転写することです。[34]モノタイプの場合を除き、同じ母型を使用して多くの版画を制作することができます。[35]

歴史的に、主要な技法（媒体とも呼ばれる）は、木版画、[36] 線彫り、[37] エッチング、[38] リトグラフ、[39]スクリーン印刷、[40] （セリグラフ、シルクスクリーン）であり、その他にもデジタル技法[41 ]を含め、多くの技法が存在します。通常、版画は紙に印刷されますが、[19]布や羊皮紙[42]からより現代的な素材に至るまで、さまざまな媒体が用いられます。[43]

ヨーロッパの歴史

1830年頃以前に制作された西洋版画は、古典版画として知られています。ヨーロッパでは、1400年頃から、ビザンチン世界とイスラム世界で発達した印刷技術を用いて、木版画と呼ばれる紙への版画が主流となりました。ミヒャエル・ヴォルゲムートは1475年頃からドイツの木版画を改良し、オランダ人のエアハルト・ロイヴィッチは初めてクロスハッチング技法を用いました。18世紀末には、アルブレヒト・デューラーが西洋木版画を未だかつてないレベルにまで高め、一枚木版画の地位を高めました。[44]

中国の起源と実践

中国の金剛般若経は、西暦868年に書かれた世界最古の木版印刷本です。
世界最古の印刷本である中国の『金剛般若経』（西暦868年）

中国では、約1100年前に木版に挿絵を刻み、それを紙に印刷する版画技術が発達しました。当初は主に宗教画が描かれていましたが、宋代には風景画も制作されるようになりました。明（1368～1644年）と清（1616～1911年）の時代には、宗教画と美術版画の両方において、この技法が完成しました。[45] [46]

日本の発展、1603～1867年

葛飾北斎錦絵「富嶽三十六景 赤富士 南風晴 朝」
葛飾北斎：富嶽三十六景より赤富士（1830–1832）

日本の木版画（日本語：木版画、moku hanga）は、浮世絵で最もよく知られている技法であるが、同時代には絵入りの本の印刷にも広く使われていた。木版画は、活版印刷が登場するはるか以前から中国で本の印刷に何世紀も使われてきたが、日本で広く採用されたのは江戸時代（1603–1867）になってからである。[47] [48]西洋の版画と似ている点もあるが、木版画は水性インクを使用する（油性インクを使用する西洋の木版画とは対照的）点で大きく異なり、鮮やかな色彩、光沢、色の透明性を幅広く実現できる。

浮世絵の衰退と近代印刷技術の導入後も、木版画は、浮世絵のような伝統的な様式だけでなく、現代美術とも解釈できるようなより革新的あるいは西洋的な様々な形態においても、文章の印刷手段として、また芸術作品の制作手段として存続した。20世紀初頭には、浮世絵の伝統と西洋絵画の技法を融合させた新版画が人気を博し、川瀬巴水や吉田博の作品は国際的な人気を博した。[49] [50]「アダチ版画研究所」や「竹笹堂」といった機関は、今も昔と同じ材料と技法を用いて浮世絵版画を制作し続けている。[51] [52]

写真

写真撮影は、光の作用を利用して画像を作成するプロセスです。物体から反射または放出された光のパターンは、時間制限された露光によって感光媒体、つまりストレージチップに記録されます。[53]このプロセスは、機械式シャッター[54] 、またはカメラと呼ばれる化学処理装置またはデジタル化装置に光子を電子的に時間制限された露光で照射することによって行われます。[55]

この言葉はギリシャ語のφῶς「phos」（光）とγραφή「graphê」（描く、または書く）に由来し、文字通り「光で描く」という意味です。[56]伝統的に、写真撮影の成果物は「写真」と呼ばれてきました。「写真」という用語は略語であり、多くの人は「画像」と呼んでいますが、電子キャプチャや光学およびコンピューティングにおけるグラフィック表現のより広い概念を反映して、「画像」という用語が「写真」に取って代わることが多くなってきています。[57]

建築

ブルターニュの木造住宅

建築とは、建物やその他の構造物を企画、設計、建設する プロセスと成果です。 [58]建物という物質的な形態をとった建築作品は、しばしば文化的シンボルや芸術作品として認識されます。 [ 59]歴史上の文明は、しばしば現存する建築的成果と同一視されます。[60]

建築に関する現存する最古の著作は、紀元1世紀初頭のローマ建築家ウィトルウィウスによる『建築について』である。 [61]ウィトルウィウスによれば、良い建物は3つの原則、すなわち堅固さ、便利さ、そして快適さを満たすものでなければならないとされている。[62]現代英語では以下のようになる。

  1. 耐久性– 建物は頑丈に立ち、良好な状態を維持する必要があります。
  2. 実用性 – 使用目的に適している必要があります。
  3. 美しさは審美的に心地よいものでなければなりません。[63]

建築は、ニーズ（住居、安全、礼拝など）と手段（利用可能な建築資材とそれに伴う技能）の間の力学から発展しました。[64]文化が発展し、知識が口承や慣習を通じて形式化されるにつれて、建築は工芸品となり、「建築」はその工芸品の最も高度に形式化されたバージョンに与えられた名称です。[65]

映画制作

映画製作とは、最初の構想とリサーチから、脚本執筆、撮影と録音、アニメーションやその他の特殊効果、編集、音声と音楽の作業、そして最終的に観客への配給までを通じた、映画を作るプロセスのことです。これは、ドキュメンタリー、映画における演劇や文学の流れ、詩的または実験的な実践を含む、あらゆる種類の映画の創作を広く指し、ビデオベースのプロセスを指す場合にもよく使用されます。

コンピュータアート

デズモンド・ポール・ヘンリー、ドローイング・マシン1による絵画、1960年頃

視覚芸術家はもはや伝統的な視覚芸術媒体に限定されません。コンピュータは1960年代から視覚芸術に利用されてきました。[66]コンピュータの用途には、画像や形のキャプチャまたは作成、[67]それらの画像の編集（複数の構成の検討を含む）[68]、そして最終的なレンダリングまたは印刷（3D印刷を含む） [69]が含まれます。

コンピュータアートとは、コンピュータが制作や展示において役割を果たすものである。[70]このようなアートには、画像、音声、アニメーション、ビデオ、CD-ROM、DVD、ビデオゲーム、ウェブサイト、アルゴリズム、パフォーマンス、ギャラリーインスタレーションなどがある。[71]

多くの伝統的な分野が現在デジタル技術を統合しているため、伝統的な芸術作品とコンピュータを用いて制作された新しいメディア作品との境界線は曖昧になっています。 [72]例えば、アーティストは伝統的な絵画とアルゴリズムアートなどのデジタル技術を組み合わせることがあります。[73]その結果、最終成果物によってコンピュータアートを定義することは困難です。しかしながら、この種の芸術は美術館の展示に登場しますが、絵画のように形式というよりもツールとして捉えられることが多いです。[74]一方、コンピュータベースの芸術作品の中には、新しい概念的かつポストデジタル的な流れに属するものもあり、それらは同じ技術とその社会的影響を探求の対象としています。[75]

コンピュータの使用により、イラストレーター、写真家、写真編集者、3Dモデラー、手工芸家の間の区別は曖昧になった。 [76]洗練されたレンダリングおよび編集ソフトウェアは、多才な画像開発者を生み出した。写真家はデジタルアーティストになるかもしれない。[77]イラストレーターはアニメーターになるかもしれない。手工芸はコンピュータ支援によるものもあれば、コンピュータ生成画像をテンプレートとして使用することもある。 [78]コンピュータのクリップアートの使用により、文書のページ付けの過程でクリップアートに簡単にアクセスして編集できるため、視覚芸術とページレイアウトの区別は曖昧になった。 [79]

造形芸術

造形芸術とは、彫刻や陶芸など、成形や造形といった可塑性の素材を物理的に操作する芸術形態を指す用語です。この用語は、文学や音楽以外のあらゆる視覚芸術にも適用されています。[80] [81]

石、木、コンクリート、鋼鉄など、彫刻や成形が可能な素材も、適切な道具を用いれば調整が可能なため、狭義の定義に含まれる。[82]芸術における「プラスチック」という用語のこの用法は、ピエト・モンドリアンの用法、そして彼が「ネオプラスティシズム」と名付けた運動の用法とは異なる。[83] [84]

彫刻

彫刻とは、硬質または可塑性の素材、音、文字、光などを、成形または組み合わせて作られる三次元 芸術作品であり、一般的には石（岩石または大理石）、粘土、金属、ガラス、木材などが用いられます。彫刻の中には、直接材料を探したり彫ったりして作られるものもあれば、組み立てたり、焼成、溶接、成型、鋳造などによって作られるものもあります。彫刻にはしばしば彩色が施されます。[85]彫刻を制作する人は彫刻家と呼ばれます。

最も古い彫刻作品として疑いの余地がないのは、ヨーロッパと南西アジアに位置し、後期旧石器時代初期に活動していたオーリニャック文化に属する。この文化の人々は、最古の洞窟壁画を制作しただけでなく、精巧に作られた石器を開発し、ペンダント、ブレスレット、象牙のビーズ、骨製のフルート、そして立体的な小像を製作した。[86] [87] [88]

彫刻は、成型または調整可能な材料を使用するため、造形芸術の 1 つと見なされます。パブリック アートの大部分は彫刻です。庭園に集められた多くの彫刻は、彫刻庭園と呼ばれることがあります。彫刻家は、必ずしも手で彫刻を作るわけではありません。20 世紀に技術が向上し、技術的な熟練度よりもコンセプチュアル アートが人気になったことで、より多くの彫刻家が、作品の制作をアート ファブリケーターに依頼するようになりました。ファブリケーションでは、アーティストがデザインを作成し、ファブリケーターに制作費を支払います。これにより、彫刻家は、セメント、金属、プラスチックなど、手作業では作成できないような材料を使って、より大きく複雑な彫刻を作成できます。彫刻は、3D プリント技術で作成することもできます。

アメリカ合衆国では、視覚芸術作品の著作権を保護する法律において、「視覚芸術」の定義はより限定的となっている。[89]

「視覚芸術作品」とは、
(1) 絵画、素描、版画または彫刻で、1 部のみ存在するか、著者が署名し連番を付した 200 部以下の限定版、または彫刻の場合は、著者が連番を付し署名またはその他の識別マークを付した 200 部以下の鋳造、彫刻、または製作の複数の彫刻として存在するもの、または
(2) 展示目的のみに制作された静止写真画像で、著者が署名した 1 部のみ存在するか、著者が署名し連番を付した 200 部以下の限定版として存在するものをいう。

視覚芸術作品 には、
(A)(i) ポスター、地図、地球儀、図表、製図、模型、応用美術、映画またはその他のオーディオビジュアル作品、書籍、雑誌、新聞、定期刊行物、データベース、電子情報サービス、電子出版物、または類似の出版物は含まれない。
  (ii) 商品または広告、宣伝、説明、覆い、包装用の材料または容器。
  (iii) (i)または(ii)に規定する品目の一部。
(B)雇用契約に基づいて制作された著作物。
(C) この法律に基づく著作権保護の対象とならない著作物。[89]

参照

参考文献

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  • ArtLex – 視覚芸術用語のオンライン辞書（2005年4月24日アーカイブ）
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  • メトロポリタン美術館による美術史年表。