アメリカのポピュラー音楽
Pop music in the united states

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フランシス・デンスモアとブラックフット族の酋長マウンテン・チーフ。1916 年にアメリカ民族学局の蓄音機録音セッション中に撮影。

アメリカのポピュラー音楽（「アメリカン・ポップ」とも呼ばれる）は、アメリカ合衆国で制作されたポピュラー音楽であり、アメリカのポップカルチャーの一部です。アメリカのポピュラー音楽の独特なスタイルは19世紀初頭に誕生し、20世紀にはアメリカの音楽業界がブルースなどのジャンルの要素を取り入れた一連の新しい音楽形式を生み出しました。これらのポピュラースタイルには、カントリー、R&B、ジャズ、ロックなどが含まれます。1960年代と1970年代には、アメリカのポピュラー音楽において多くの重要な変化が見られ、ヘビーメタル、パンク、ソウル、ヒップホップといった新しいスタイルの発展も見られました。

アメリカのポピュラー音楽は驚くほど多様で、ラグタイム、ブルース、ジャズ、スウィング、ロック、ブルーグラス、カントリー、R&B、ドゥーワップ、ゴスペル、ソウル、ファンク、ポップ、パンク、ディスコ、ハウス、テクノ、サルサ、グランジ、ヒップホップなど、様々なスタイルがあります。さらに、アメリカの音楽業界は非常に多様で、ザディコ、クレズマー、スラックキーといった地域特有のスタイルも数多く支持されています。これらのスタイルは必ずしも主流とは言えないものの、商業的に録音されており、フォーク音楽やクラシック音楽とは対照的なポピュラー音楽の例と言えるでしょう。

アメリカのポピュラー音楽のスタイルは世界の文化に大きな影響を与えてきました。

ひげをきれいに剃り、厳粛な表情でカメラを見つめている白人男性の頭と肩。
アメリカ初の大衆ソングライター、スティーブン・フォスター

アメリカのフォークシンガー、ピート・シーガーは、ポップミュージックを「フォークミュージックと美術音楽の両方を取り入れたプロフェッショナルな音楽」と定義しました。[1] 19世紀のポピュラーミュージックは、主に劇場音楽、バンド音楽、ダンスミュージック、教会音楽といった初期の音楽的伝統から派生したものです。[2]特定の地域や民族のポピュラーミュージックとは対照的に、アメリカのポピュラーミュージックと言える最も初期の歌曲は、スティーブン・フォスターとその仲間による感傷的なパーラーソングや、ミンストレルショー（歌、踊り、喜劇のパフォーマンスを特徴とする演劇）で使用されることを意図した歌曲でした。ミンストレルショーでは一般的にアフリカの楽器とダンスが使用され、出演者は顔を黒く塗る、いわゆるブラックフェイスと呼ばれる技法が用いられました。[1] 19世紀半ばまでに、ツアー劇団がこの音楽をアメリカ全土だけでなく、イギリス、西ヨーロッパ、さらにはアフリカやアジアにも持ち込んでいました。ミンストレルショーは、一般的にショーの音楽がアフリカ系アメリカ人スタイルであるかのように宣伝されていたが、これはしばしば真実ではなかった。[3]音楽史家のラリー・バーンバウムによると、ミンストレルショーの音楽は主にヨーロッパ起源であり、イギリス、アイルランド、スコットランドの 民族音楽に基づいていた。[4]同様に、作家のリチャード・カーリンは、ミンストレルショーがアフリカ起源の楽器であるバンジョーを使用し、黒人文化を普及させた一方で、ミンストレル音楽は主にヨーロッパのダンス曲の融合であったと述べている。[5]アンドリュー・ストットは、「ブラックフェイス流行」の火付け役となった曲の多くはヨーロッパ起源であったと述べている。[6]

顔を黒く塗った5人の人物が、生き生きと大げさなやり方で楽器を演奏している。
ダン・エメット作曲「Dandy Jim from Caroline」の楽譜カバー、ロンドン、1844年頃。

アメリカで個人消費向けに出版された最初のポピュラー音楽は、1808年にアイルランドで出版されたトーマス・ムーアの『アイリッシュ・メロディーズ』である。これは主にアイルランドの民謡を私的演奏用に編曲した複数巻の本である。[7]ムーアに触発されたジョン・ヒル・ヒューイットは、個人消費向けのポピュラー音楽のスタイルを作曲した最初のアメリカ人ソングライターとなり、彼の最も有名な曲「ミンストレルズ・リターン・フロム・ウォー」は国際的なヒットとなった。[7] [8]黒人は南北戦争時代以前からアメリカの大衆文化に参加しており、少なくとも1820年代のニューヨークのアフリカン・グローブ・シアターや、1818年に黒人作曲家フランシス・ジョンソンによる最初の音楽が出版されたことに遡る。ジョンソンはフィラデルフィアを拠点とし、1820年代から1840年代にかけてアメリカ史上初のプロのバンドの一つを率いた。[9]しかし、これらの重要なマイルストーンは、依然として完全にヨーロッパ音楽の慣習の範囲内で起こった。 1830年代と1840年代の著名なポピュラー音楽には、ヘンリー・ラッセルとハッチンソン・ファミリーによる出版物が含まれていました。[10]

最初に大ヒットしたミンストレルソングは、トーマス・「ダディ」・ライス作の「ジャンプ・ジム・クロウ」で、1832年に初演され、1836年にロンドンでライスが演奏した際には大反響を呼んだ。ライスは、アイルランドのジグから取り入れた旋律で、厩務員の踊りを真似て踊った。ミンストレル音楽の人気白人演奏者には、ジョージ・ワシントン・ディクソンやジョエル・スウィーニーなどがおり、彼らの旋律はスコットランドとアイルランドの旋律を踏襲していた。[11]アフリカ的要素としては、西アフリカの弦楽器に由来すると考えられているバンジョーの使用や、アクセントやリズムの加法などが挙げられた。 [2] 1843年以降、バージニア・ミンストレルズがミンストレルショーの形式を普及させた最初のグループとなり、1850年までにミンストレルショーは全米に広まった。[11]

ルイ・モロー・ゴットシャルクは、19世紀半ばに音楽に多大な貢献をしたピアニストでした。

ミンストレルショーの歌の多くは今日でも記憶に残っており、特にダニエル・エメットとスティーブン・フォスターの歌は記憶に深く刻まれている。後者は、デイヴィッド・ユーエンによれば「アメリカ初の大作曲家であり、世界でも傑出した作詞家の一人」である[3] 。フォスターの歌は、その露骨な感傷性と奴隷制の容認において、ミンストレル時代の典型であった。しかしながら、フォスターは、妻を亡くした黒人男性を描いた物憂げでメランコリックな歌「ネリーは淑女だった」など、当時のほとんどの作詞家よりも、黒人を人間らしく描くことに尽力した。[4] 1851年、フォスターの歌「オールド・フォークス・アット・ホーム」は全米で大ヒットとなった[12] 。

ミンストレルショーは、アフリカ系アメリカ人の音楽が大衆向けに流用される長い伝統の始まりを示し、19世紀半ばに国際的な評価を得た最初のアメリカ独自の音楽形態となった。ドナルド・クラークが指摘するように、ミンストレルショーは「本質的に黒人音楽であり、最も成功した演目は白人のものであったため、黒人起源の歌や踊りが白人の演者によって模倣され、それが黒人の演者にも取り入れられ、結果として黒人自身もある程度模倣するようになった」。クラークは、ブラックフェイスの使用は、自由黒人と奴隷黒人の両方の残酷な生活を美化しようとした白人アメリカ人の願望に起因するとしている。黒人を、プランテーション生活や、白人聴衆に訴えやすいシンプルで楽しい歌を演奏するのに最適な、幸せで気楽な人々として描くことで。[5]白人聴衆が本物のアフリカ系アメリカ人音楽に触れるようになったのは南北戦争中のことであり、最初は1861年の奴隷霊歌 「ゴー・ダウン、モーゼス」、次に1871年のアカペラグループのフィスク・ジュビリー・シンガーズの霊歌のパフォーマンスを通してだった。 [4]南北戦争後、実際の黒人一座によるミンストレルショーが国中に広まり、ジェームズ・A・ブランドなどの黒人作曲家が1870年代に「キャリー・ミー・バック・トゥ・オールド・ヴァージニー」や「オー、デム・ゴールデン・スリッパーズ」などの曲で全国的な成功を収めた。[4] [11]南北戦争後の時期には、パトリック・ギルモアやジョン・フィリップ・スーザなどの指揮者によるプロのバンド音楽の人気も最高潮に達した。[9]軍楽隊の作曲で知られるスーザは、米国海兵隊バンドで米国およびヨーロッパで大きな名声を得た。[9

「ディキシー」の楽譜

ブラックフェイスのミンストレルショーは19世紀後半を通じて人気を博し、20世紀初頭にかけて徐々に衰退していった。この時期には、チャールズ・M・バラスの『黒い悪魔』に端を発する、エクストラヴァガンザと呼ばれる豪華で精巧な演劇が興隆した。[6]エクストラヴァガンザは、女性が透け透けの衣装を着て卑猥な歌を歌うなど、性的に刺激的であるとして、当時の新聞や教会から批判された。デイヴィッド・ユーエンは、これをアメリカのミュージカルとポピュラーソングにおける「長く活発な性的搾取の歴史」の始まりと表現した。[7]その後、エクストラヴァガンザは、19世紀末に大流行した風刺的でパロディ的なバーレスク・パフォーマンスの要素を取り入れていった。 [8]

エクストラバガンザやバーレスクと同様、バラエティショーも喜劇的で下品な演出で、19世紀中盤から末期にかけて人気を博し、その頃にはヴォードヴィルへと進化していた。この形式は、女性や子供に自分のショーに来場するよう勧めようとしたトニー・パストールなどのプロデューサーによって革新されたが、劇場は長い間、荒くれ者や無秩序な群衆の領域であったため、女性や子供は躊躇していた。[9] 20世紀初頭までには、ヴォードヴィルは女性や子供のための尊敬される娯楽となり、ガス・エドワーズなどの作詞家は国中で人気の曲を書いた。[10]最も人気のあるヴォードヴィルショーは、ジーグフェルド・フォリーズのように、一連の歌と寸劇で、その後のブロードウェイミュージカルの発展やティン・パン・アレーの歌に大きな影響を与えた。[13]

ティン・パン・アレー

西28丁目のティン・パン・アレー。

ティン・パン・アレーは、ニューヨーク市西28番街とその周辺地域を指していました。[14]ニューヨーク市は1890年代半ばまでに音楽出版の中心地となりました。この時代の作詞家たちは、定型的な歌を書き、その多くは感傷的なバラードでした。[11]この時代、特に米西戦争後、アメリカ合衆国が世界的な大国となり、国民意識が高まりました。鉄道と郵便サービスの利便性と効率性の向上は、ポピュラーソングを含む思想の普及に貢献しました。[要出典]

ティン・パン・アレーの最も著名な出版者には、ウィリス・ウッドワード、M・ウィットマーク・アンド・サンズ、チャールズ・K・ハリス、エドワード・B・マークス、ジョセフ・W・スターンなどがいた。スターンとマークスはティン・パン・アレーの作詞家の中でも特に有名で、1894年にアマチュアとして共同で作詞作曲を始めた。[12]

ティン・パン・アレーの出版者の中には、ポピュラーで主流のバラードや他のすっきりとした歌に加えて、荒々しくきわどい歌に力を入れた者もいた。クーン・ソングはティン・パン・アレーのもう一つの重要な要素であり、ミンストレル・ショーの薄められた歌に「ラグタイムのリズムを取り入れることで活気と熱気」を加えたものだった。[13]最初にポピュラーになったクーン・ソングは、ジョセフ・P・スケリーが1880年に作曲した「ダンディ・クーンズ・パレード」と、J・S・パトナムが1883年に発表した「ニュー・クーン・イン・タウン」であり、これに続いてアーネスト・ホーガンやメイ・アーウィンのようなクーン・シャウターの波が続いた。[4] [14]クーン・ソングの有名な黒人作曲家には、バート・ウィリアムズ、ジョージ・W・ジョンソン、アーヴィング・ジョーンズがいる。[15] [4]さらに、「ラグ」という言葉が楽譜に初めて登場するのは、アーネスト・ホーガンの1896年の歌「All Coons Look Alike to Me」の伴奏部分であり、この2つのジャンルのつながりが示されています。[4]

ブロードウェイ

ファニー・ブライスは、コメディの才能と表現力豊かな歌声で知られる、愛されたブロードウェイのスターでした。

20世紀初頭には、ミュージカル専門の劇場群であるブロードウェイの成長もありました。ブロードウェイは世界有数のミュージカル劇場となり、ドナルド・クラークがこの時代を作詞作曲の黄金時代と呼ぶに至った多くの楽曲を生み出しました。劇場やプロットの制約に合わせ、楽しめる楽曲を制作する必要性が、作詞作曲の発展を促し、ジョージ・ガーシュイン、ヴィンセント・ユーマンス、アーヴィング・バーリン、ジェローム・カーンといった作曲家の台頭を促しました。 [15]これらのソングライターが書いた楽曲は、現在も人気を保ち、グレート・アメリカン・ソングブックとして知られています。[16]

エディ・カンター（右）とバート・ゴードン（別名「マッド・ロシアン」）

19世紀を通じて上流階級の間で外国のオペラが人気を博し、一方でミュージカルの他の様式としてはオペレッタ、バラッドオペラ、オペラプフなどがあった。ギルバート・アンド・サリバンのイギリスのオペレッタは特に人気があったが、アメリカの作品は聴衆を得るのに苦労した。ジョージ・M・コーハンはアメリカのミュージカル作曲家として初めて有名で、オペレッタから離れた最初の人物であり、作品の中で母国語を使ったことでも有名である。しかし20世紀初頭には、ウィル・マリオン・クック、ジェイムズ・リース・ヨーロッパ、ジェイムズ・P・ジョンソンらの作品に始まり、黒人の劇作家、作曲家、音楽家がミュージカルに大きな影響を与えるようになった。最初の大ヒットした黒人ミュージカルは1921年の『シャッフル・アロング』であった。 [16]

輸入オペレッタや、コーハンのような白人やクック、ヨーロッパ、ジョンソンのような黒人による国内作品はすべて、ブロードウェイの形成に影響を与えた。ガーシュイン、ポーター、カーンのような作曲家は、ヨーロッパのモデルに依存しないアメリカ独特の感覚で、喜劇ミュージカルを国民的娯楽にした。これらの人々のほとんどはユダヤ人だったが、コール・ポーターだけが大きな例外だった。彼らは19世紀にロシア帝国の迫害から逃れてきた移民の子孫で、ニューヨーク市のさまざまな地区に最も影響力を持って定住した。[17]初期のミュージカルの多くは黒人音楽の影響を受けており、 「イン・ダホメー」のように初期ジャズの要素が見られる。これらの作品のユダヤ人作曲家は、伝統的なアフリカ系アメリカ人のブルーノートと彼ら自身のユダヤの民俗音楽とのつながりを見出していたのかもしれない。[17]

ブロードウェイ・ソングは世紀の変わり目頃に録音されましたが、演劇の文脈以外で広く普及したのはずっと後のことでした。ジェローム・カーンの「They Didn't Believe Me 」は、全国的に人気を博した初期の楽曲です。カーンの後期の革新には、1927年の『ショウ・ボート』に始まる、初期の作品の楽曲をベースに構築された、やや形のないストーリーよりも、より説得力のあるプロットが含まれていました。ジョージ・ガーシュウィンは、1919年の『スワニー』から始まり、後にジャズやオーケストラのための作品を手掛け、ブロードウェイで最も影響力のある作曲家と言えるでしょう。彼の最も長く愛されている作品は、オペラ『ポーギーとベス』でしょう。これは二人の黒人の物語で、ガーシュウィンはこれを一種の「フォーク・オペラ」、つまりアメリカの慣用句に基づいた新しいスタイルのアメリカ・ミュージカルの創造として意図していました。[18]

ラグタイム

アーサー・コリンズは当時「ラグタイム歌手の王」とみなされていました。

ラグタイムはピアノを中心としたダンス音楽のスタイルで、シンコペーションのリズムと半音階が使われていた。[19]このジャンルの最も有名な演奏家および作曲家は、間違いなくスコット・ジョプリンである。ドナルド・クラークは、ラグタイムは最初はミンストレルショーで、その後ヴォードヴィルで使われたクーンソングの集大成であり、ミンストレルショーのリズムが主流に浸透した結果であると考えている。また、ラグタイムの独特なサウンドは、キーボードを使ってアフリカ系アメリカ人のバンジョーを模倣しようとしたことから生まれた可能性があると示唆している。[20]音楽史家のイライジャ・ウォルドによると、ラグタイムはアメリカで最初の真のポップジャンルを構成しており、ミンストレルショーの音楽などの初期のアメリカ音楽は、独自のスタイルやサウンドを持っているというよりも、ブラックフェイスやコメディとの関連で特徴づけられていた。[18]

ラグタイムは本質的にアフリカ系アメリカ人に根ざしているため、アメリカのポピュラー音楽の中で真に黒人音楽と言える最初のスタイルと一般的に考えられています。ラグタイムはポピュラー音楽にシンコペーションとより本格的な黒人サウンドをもたらしました。人気のラグタイムの曲は楽譜として記譜され販売されていましたが、ラグタイムというスタイル自体はアメリカ全土でよりインフォーマルな形で演奏されていました。これらのアマチュア演奏家たちは、より自由なラグタイムを演奏し、それがやがてジャズに大きな影響を与えました。[21]

アル・ジョルソンは、ヴォードヴィルと初期のトーキー映画の両方において非常に影響力のある人物でした。

トーマス・エジソンによる蓄音機の発明は、録音音楽の誕生を促しました。最初に発売された蓄音機は、アメリカ海兵隊バンドによる「 Semper Fidelis 」でした。当初は発売は少なかったものの、売上が伸びるにつれて流通量が増加しました。初期の録音曲は、ヴォードヴィル、バーバーショップ・カルテット、行進曲、オペラ、ノベルティ・ソング、その他の人気曲がミックスされていました。「The Good Old Summertime」「Shine On Harvest Moon」「Over There」といった多くのスタンダード曲はこの時代に生まれました。ジャズの分野でも初期のヒット曲がいくつかありました。 1917年のオリジナル・ディキシーランド・ジャズ・バンドの録音に始まり、その後、より本格的なニューオーリンズ・ジャズ・スタイルで演奏するキング・オリバーズ・クレオール・ジャズ・バンドが続きました。[22]

ブルースは、アメリカの歴史においてポピュラー音楽の録音が爆発的に増加した1920年代よりずっと前から存在していました。マ・レイニー、ベッシー・スミス、メイミー・スミスといった女性ブルース歌手が人気を博した1920年代に、この分野における最初のヒット曲はメイミー・スミスの「クレイジー・ブルース」でした。これらの都会的なブルース歌手たちは、ポピュラー音楽の概念を、誰でも簡単に演奏できるシンプルな曲から、主に個々の歌手と結びついた作品へと変えました。 「サム・オブ・ジーズ・デイズ」で知られるソフィー・タッカーのような歌手は、ヒット曲と密接に結びつき、彼女たちの個性的な解釈は曲そのものと同じくらい重要になりました。[23]

同時に、パラマウント・レコードやオーケー・レコードといったレコード会社が、主にアフリカ系アメリカ人の聴衆を対象としたブルースを中心とした人種音楽という分野を立ち上げました。これらのアーティストの中でも特に有名なのは、チャーリー・パットン、ロニー・ジョンソン、ロバート・ジョンソンなどであり、彼らは後のブルースやブルース派生ジャンルの発展に大きな影響を与えました。[19]

ジャズ・アーティスト、ルディ・ヴァレー。1920年代から1930年代にかけて名声を博したアメリカの歌手、俳優、バンドリーダー。

ジャズは、ブルーノート、シンコペーション、スウィング、コールアンドレスポンス、ポリリズム、即興演奏を特徴とする音楽です。元々はダンスミュージックの一種でしたが、現在では「長らくポピュラー音楽、あるいは土着音楽の一種とみなされ、またコンサートホールの音楽と重要な相互作用を持つ洗練された芸術形式にもなっている」とされています。[24]ジャズの発展は、現代のラグタイム、ブルース、ゴスペル、カントリーミュージックとほぼ同時期に起こりました。これらはすべて、明確な境界線のない連続体の一部と見なすことができます。特にジャズはラグタイムと最も密接に関連しており、より複雑なリズムの即興演奏を用いることでラグタイムと区別され、暗黙の拍から大きく離れた音符を配置することが多かったです。初期のジャズバンドは、ベントノートやブルーノート、楽器による「グロウル」やスメアなど、ブルースの語彙を多く取り入れていました。[要出典] ジャズ・アーティストのルディ・ヴァレーは、おそらく20世紀のマスメディア・ポップスターの最初の完全な例となった。[20]ヴァレーは最も著名な歌手となり、おそらく新しいスタイルのポピュラー歌手、クルーナーの先駆者となった。[20]

ポール・ホワイトマンは1920年代に最も人気のあるバンドリーダーであり、「ジャズの王様」の称号を自らに求めました。当時最高の白人ジャズミュージシャンを多数起用したにもかかわらず、後世のジャズ愛好家はホワイトマンの音楽を真のジャズとはほとんど関係がないと評価することがよくあります。しかしながら、ジャズと精巧なオーケストレーションを融合させるという彼の発想は、後世の作曲家や編曲家によって繰り返し取り上げられています。[要出典]

デューク・エリントンは、1920 年代から 1930 年代にかけてジャズのサウンドの形成に貢献した多作な作曲家、バンドリーダー、ピアニストでした。

ホワイトマンはガーシュインの「ラプソディ・イン・ブルー」を委嘱し、ホワイトマン楽団によって初演された。テッド・ルイスの楽団は1920年代、ポール・ホワイトマンに次ぐ人気を誇り、特に1920年代後半の録音においては、ホワイトマンよりも気取らない、より本物のジャズを演奏していたと言えるだろう。この10年間の他の「ジャズ」バンドには、ハリー・レザー、レオ・ライスマン、エイブ・ライマン、ナット・シルクレット、ジョージ・オルセン、ベン・バーニー、ボブ・ヘリング、ベン・セルヴィン、アール・バートネット、ガス・アーンハイム、ルディ・ヴァリー、ジーン・ゴールドケット、イシャム・ジョーンズ、ロジャー・ウルフ・カーン、サム・ラニン、ヴィンセント・ロペス、ベン・ポラック、フレッド・ウェアリングらがいた。[21]

ビング・クロスビーは、滑らかなバリトンの声、リラックスした歌い方、そして数々のヒット曲でよく知られています。

1920年代、これらのアーティストが演奏する音楽は大衆に非常に人気があり、一般的にジャズと呼ばれていました。しかし今日では、ジャズ純粋主義者によって軽蔑され、「スウィートミュージック」と呼ばれています。今日「ジャズ」とみなされる音楽は、少数派によって演奏される傾向がありました。しかし、1920年代から1930年代初頭にかけては、大多数の人々が今日私たちが「スウィートミュージック」と呼ぶ音楽を聴いており、ハードコアジャズは「ホットミュージック」または「レースミュージック」に分類されていました。[要出典]

レナ・ホーンは、魅惑的な美貌と特徴的な声で、スウィング時代に人気歌手兼女優になった。

当時最大かつ最も影響力のあるレコードレーベル、ビクター・トーキング・マシーン（1928年以降はRCAビクター）は、 1926年10月にエディ・キングが退社するまで、「スウィート・ジャズ」の発展を抑制していました。キングは権威主義者として知られ、当時のポピュラー音楽の基準に合致するソロ演奏を除き、仕事中の飲酒や楽譜からの著しい逸脱を許しませんでした。これは、著名なトランペット奏者ビックス・バイダーベックを含む多くのビクター・ジャズ・アーティストを苛立たせました。サドハルターは著書『ロスト・コード』の中で、演奏者にかなりの自由が認められていた1927年のゴールドケット管弦楽団の録音を例に挙げ、「もしエディ・キングが指揮を執っていて、もっと自由主義的なナット・シルクレットが指揮を執っていなかったら、この演奏はどうなっていただろうか」と述べている。ビクターの記録には、キングが実際にゴールドケット管弦楽団を指揮した1926年1月と2月に5回もの録音セッションが記録されているため、ゴールドケットとキングのアプローチの比較は容易に可能である。[要出典]

アメリカのポップミュージックの初期のジャンルの一つは、20世紀初頭に人気のあったダンススタイル、スウィングブームでした。 [22] 1935年、スウィングミュージックは大衆に人気を博し、すぐにジャズに取って代わり、最も人気のある音楽ジャンルとなりました（当初は多少の抵抗もありましたが）。スウィングミュージックは、通常ダブルベースとドラムで構成される力強いリズムセクションと、中速から高速のテンポ、そしてスウィング音などのリズム要素が特徴です。スウィングは、ブルースの要素とティン・パン・アレーのポップセンスが融合した、1930年代のジャズの一種です。[25]スウィングは他のジャズよりも大規模なバンドを使用し、素材を緻密にアレンジするバンドリーダーが率いており、ジャズの不可欠な要素であった即興演奏を抑制していました。デイヴィッド・クラークはスウィングを「単にポピュラーミュージックの骨格を与えるのではなく、ポピュラーミュージックの中心となる最初のジャズ志向のスタイル」と呼びました。[26] 1930年代末までに、ボーカリストはますます目立つようになり、アメリカ音楽家連盟のストライキの後、大規模なバンドでのレコーディングが法外な費用がかかるようになり、最終的に中心的な舞台に立つようになりました。[27]スウィングはスウィングダンスと呼ばれる人気のダンスを伴うようになり、これは全米で白人と黒人の両方の聴衆、特に若者の間で非常に人気がありました。[要出典]

ブルースの多様化と普及

リード・ベリー（別名ハディー・ウィリアム・レッドベター）は、数十年にわたって活躍した多作なブルース・ミュージシャンでした。

アメリカの主流派が好んで聴いていたジャズやスウィングミュージックに加え、少数民族や地方の聴衆など、特定の集団の間で人気のあったジャンルも数多くありました。1920年代に始まり1940年代に大きく加速したブルースは、急速に多様化し、幅広い新しいスタイルを生み出していきました。これには、リズム・アンド・ブルース（R&B）と呼ばれるアップテンポでエネルギッシュなスタイル、カントリーミュージックと呼ばれるブルースとアングロ・ケルト音楽の融合、ゴスペルミュージックと呼ばれる賛美歌や霊歌とブルースの構造の融合などが含まれます。これらの他のスタイルよりも後の1940年代には、ブルース、R&B、カントリーが融合したロックンロールと呼ばれるスタイルが生まれ、1960年代初頭にはアメリカのポピュラーミュージックの主流となりました。[要出典]

カントリーミュージックは、主にアフリカ系アメリカ人のブルースやスピリチュアルとアパラチア地方のフォークミュージックを融合したもので、ポップス聴衆向けにアレンジされ、1920年代に人気が出ました。特に重要だったのは、アイルランドとスコットランドのメロディー、ダンスミュージック、バラード、ボーカルスタイル、[28]およびネイティブアメリカン、スペイン、ドイツ、フランス、メキシコの音楽です。初期のカントリーの楽器編成は、ヨーロッパ由来のフィドルとアフリカ由来のバンジョーを中心に展開し、後にギターが加わりました。カントリーミュージックの楽器編成では、コールアンドレスポンス形式、即興音楽、シンコペーションのリズムなど、アフリカの要素が取り入れられています。さらにその後、20世紀初頭のハワイアンミュージックの人気や、ソル・ホオピイ、ラニ・マッキンタイアなどのミュージシャンの影響により、ウクレレやスチールギターなどの弦楽器が一般的になりました。[29]現代カントリーミュージックのルーツは、一般的に1927年にスカウトマンのラルフ・ピアがジミー・ロジャースとカーター・ファミリーを録音したことに遡る。彼らの録音は現代カントリーミュージックの基礎と考えられている。1927年以前にもカントリーと呼べるポピュラーミュージックは存在したが、エース・コリンズが指摘するように、これらの録音は国内音楽市場に「ごくわずかで、非常に不安定な」影響を与え、当時ヒルビリー音楽として知られていた音楽と表面的に似ているだけだった。[30]ロジャースとカーターズに加えて、ボブ・ウィルズというミュージシャンが初期の影響力のある演奏家で、1920年代から30年代にかけて非常に人気があったウェスタン・スウィングと呼ばれるスタイルで知られ、カントリーミュージックにジャズの影響を大きくもたらした。[要出典]

ベッシー・スミスは、 1937 年に悲劇的な死を遂げた後も、1940 年代初頭のブルース界で強力な存在感を保ち続けました。

リズム アンド ブルース (R&B) は、1930 年代から 1940 年代に生まれたスタイルで、より複雑な楽器編成によるリズミカルでアップテンポなブルースです。作家のアミリ・バラカは、初期のR&Bを「ブルース歌手が叫ぶ後ろで、巨大なリズム隊が激しく音を立てて演奏していた（歌手は、様々な電気楽器の鳴り響く音やリズムセクションの激しい音にかき消されないように大声で叫ばなければならなかった）」と表現した。 [31] R&Bはこの時期に録音されたが、それほど多くはなく、レコード会社も、その示唆に富んだ歌詞と力強いリズムのために、ほとんどの聴衆、特に中流階級の白人には合わないと感じて、広く宣伝しなかった。[32]ルイ・ジョーダンのようなバンドリーダーが初期R&Bのサウンドに革新をもたらした。ジョーダンのバンドは、小規模なホーンセクションと目立つリズム楽器を特徴とし、ブルージーな歌詞のテーマを持つ曲を使用していた。1940年代末までに、彼は19曲の大ヒット曲を生み出し、ワイノニー・ハリス、ジョン・リー・フッカー、ロイ・ミルトンといった同時代のミュージシャンたちの道を切り開いた。[要出典]

キリスト教の霊歌と田舎のブルース音楽は、現在ゴスペル音楽として知られるものの起源です。1920年代頃から、アフリカ系アメリカ人の教会では、信者が即興で、しばしば音楽的な方法で宗教的信仰を宣言（証言）する形で、初期のゴスペルが演奏されていました。現代のゴスペルは、作曲家、特にトーマス・A・ドーシーの作品から始まりました。彼は「馴染みのある霊歌や賛美歌をベースに、ブルースやジャズのリズムを融合させた曲を作曲した」のです。[33] 20世紀初頭のこれらの教会から、ゴスペル音楽は全米に広まりました。ゴスペル音楽はほぼ完全にアフリカ系アメリカ人の教会と結び付けられ、通常は1人以上の名手ソリストと合唱団が演奏しました。[要出典]

ロックンロールは、カントリー、ブルース、R&Bを主として発展したポピュラー音楽の一種です。世界で最も人気の高い音楽スタイルであるロックですが、その正確な起源と初期の発展については激しい議論が交わされてきました。音楽史家のロバート・パーマーは、このスタイルの影響は実に多岐にわたり、アフロ・カリビアンの「ボ・ディドリー・ビート」、ビッグバンド・スウィングの要素、そしてキューバン・ソンや「メキシカン・リズム」といったラテン音楽などが含まれていると指摘しています。[34]もう一人の作家、ジョージ・リプシッツは、ロックはアメリカの都市部で生まれ、「ブルース、カントリー、ポルカ、ザディコ、ラテン音楽がそれぞれ個別に伝えていた社会的な意味合いが、都市環境の中で融合し、新たな表現を見出した多言語の労働者階級文化」が形成されたと主張しています。[35]

1950年代と1960年代

『パル・ジョーイ』（1957年）の予告編に登場するフランク・シナトラ。

20世紀半ば、アメリカのポピュラー音楽は数々の重要な変化を経験しました。ポップミュージックの分野は、この時期に飛躍的に発展しました。レコード価格の低下が需要を刺激し、レコード業界の利益を増加させたからです。その結果、音楽マーケティングはますます重要になり、それまで聞いたこともないほどの人気を誇る主流のポップスターが数多く誕生しました。そうしたスターの先駆者の多くは、ディーン・マーティン、ルディ・ヴァリー、トニー・ベネット、ペリー・コモ、フランキー・レインといったイタリア系アメリカ人のクルーナー歌手、そして最も有名なのは「ファンを熱狂させた最初のポップ・ボーカリスト」フランク・シナトラでした。[36]最も成功したクルーナー歌手の一人はビング・クロスビーです。クロスビーは、人気歌手のアル・ジョルソンを自身に大きな影響を与えた人物の一人として挙げています。ペリー・コモもクロスビーを高く評価しています。[23]クロスビーはフランク・シナトラのこの歌唱にも影響を与えており、[24]クロスビーとシナトラは1956年の映画『上流社会』で一緒に歌った。[25]

パティ・ペイジは、滑らかな歌声と多彩な歌唱スタイルで知られ、1950年代のベストセラー女性アーティストの一人でした。

しかしながら、現代のティーンポップスターの時代は1960年代に始まった。1960年代のアメリカのポップミュージックの例として、モンキーズが挙げられる。[26] モンキーズのようなバブルガムポップグループは、音楽的能力よりも、見た目とレコードの売り上げ力だけで選ばれた。しかし、同時期には、ロック、ソウル、ポップフォークなど、アメリカのポピュラー音楽の分野でより永続的な存在感を獲得した新しい形式のポップミュージックも台頭した。1960年代末までに、2つの展開がポピュラー音楽を完全に変えた。それは、主流音楽に明確に反対し、しばしば政治活動や社会運動と連携したカウンターカルチャーの誕生と、プロの作曲家から歌手兼作詞家であるパフォーマーへの移行である。[要出典]

ロックンロールが初めて主流のポピュラー音楽に登場したのは、ロカビリーと呼ばれるスタイルでした。ロカビリーは、初期のロックサウンドにカントリーミュージックの要素を融合させたものです。黒人によるロックンロールは、それまで主流の音楽界ではあまり成功しておらず、当時の一部の評論家は、R&Bやカントリースタイルで堂々と歌える白人パフォーマーが成功するだろうと考えていました。テネシー州メンフィスのサン・レコードのサム・フィリップスは、エルヴィス・プレスリーにそのようなパフォーマーを見出しました。プレスリーは後に歴史上最も売れたミュージシャンの一人となり、世界中の聴衆にロックンロールを届けました。[37]プレスリーの成功に先んじたのは、白人パフォーマーのビル・ヘイリーです。彼の「ロック・アラウンド・ザ・クロック」は、ロック時代の幕開けとされることもあります。しかし、ヘイリーの音楽は、ロカビリーの「より自由なリズム」よりも「よりアレンジされ」、「より計算された」ものでした。また、ヘイリーとは異なり、ロカビリーはサックスやコーラスを使用していませんでした。[38]

「ロックンロールの王様」と呼ばれることも多いエルヴィス・プレスリーは、カリスマ性のあるステージでの存在感と、ロック、ポップ、ブルースを独自に融合させた音楽で、1960 年代の音楽チャートを席巻しました。

R&Bは1950年代を通じて黒人聴衆の間で絶大な人気を誇っていたが、そのスタイルは挑発的な性質のため、白人や立派な中流階級の黒人にはふさわしくないと考えられていた。R&Bの人気曲の多くは、パット・ブーンなどの白人ミュージシャンによって、より受け入れやすい主流のスタイルで演奏され、ポップヒットとなった。[39]しかし1950年代末には、ボ・ディドリーやチャック・ベリーなど、黒人ブルースロックやカントリーに影響を受けたR&Bの人気アーティストが白人リスナーの間で前例のない人気を得る波が押し寄せた。[40]時が経つにつれ、R&Bのプロデューサーたちは、リトル・リチャードやファッツ・ドミノのような、よりロックをベースとしたアーティストに徐々に目を向けるようになった。[ 27]

バーブラ・ストライサンドはその力強い歌声とドラマチックなパフォーマンスで知られ、1960 年代に最も成功し、高く評価された歌手の一人となりました。

ドゥーワップは、1950年代に人気を博したグループによって演奏された、ボーカルハーモニー音楽の一種である。[28]ドゥーワップはロックの一種とみなされることもあるが、より正確には、R&B、ゴスペル、ジャズのボーカルにブルースやポップスの要素を融合させたものである。[41]しかし、1960年代までは、ロックとドゥーワップ、R&Bなどの関連スタイルの境界線は非常に曖昧であった。ドゥーワップは、R&Bから派生した音楽として初めて「形を整え、人々が新しく、異なっていて、奇妙で、自分たちのものだと認識するようになった」（強調は原文のまま）音楽スタイルとなった。[42]ドゥーワップの人気が高まるにつれて、ザ・レイヴンズのジミー・リックスが始めたベースボーカルの起用など、より多くの革新が加えられた。[ 43]ドゥーワップの演奏者は当初ほぼ全員が黒人だったが、すぐに白人と混血のグループがいくつか人気を博した。これらにはディオン＆ザ・ベルモンツのようなイタリア系アメリカ人のグループがいくつか含まれ、一方で女性ボーカリストを加えたり、ほぼ男性ばかりだった分野に女性だけのグループを結成したグループもあった。これにはザ・クイーンズやザ・シャンテルズなどがある。[44]

1950年代には、後の音楽スタイルに大きな影響を与える短い流行がいくつかありました。ピート・シーガーやザ・ウィーバーズなどのアーティストは、古き良きアングロ・アメリカン音楽の復興という形を普及させました。[45] この分野は最終的に政治的左翼や共産主義と結び付けられるようになり、アーティストがブラックリストに載せられ批判されるようになるにつれて、受け入れられにくくなりました。しかし、このポップフォークの形態は、1950年代のフォークロックや関連スタイルという形で大きな影響を与えました。普及したアングロ・フォーク音楽のむしろ散発的な成功と並んで、マンボ、ルンバ、チャチャチャ、ブーガルーを含む一連のラテンダンスの流行がありました。これらの成功も散発的で短命でしたが、ラテン音楽はロック、ソウル、その他のスタイルに継続的な影響を与え続け、最終的には1970年代にサルサ音楽へと進化しました。[要出典]

国: ナッシュビル・サウンド

ハンク・ウィリアムズは、カントリーミュージック史上最も偉大なアーティストの一人とよく称され、1950年代にこのジャンルに大きな影響を与えました。

1920年代後半から、南部と中西部の田舎で、当初「オールド・タイム」または「ヒルビリー」と呼ばれた独特のスタイルの音楽が放送され、録音されるようになった。初期のアーティストには、カーター・ファミリー、チャーリー・プールと彼のノース・カロライナ・ランブラーズ、ジミー・ロジャースなどがいた。この音楽の演奏と普及は当初地域限定だったが、第二次世界大戦による人口移動により、より広範囲に広まった。戦後、レース・ミュージックやヒルビリー・ミュージックとして知られていたものなど、特殊なスタイルへの関心が高まり、これらのスタイルはそれぞれリズム・アンド・ブルース、カントリー・アンド・ウエスタンと改名された。[46]大手レコード会社は、2種類のカントリー・アーティストのプロモーションに一定の成功を収めた。テックス・ウィリアムズのような南部のノベルティ・パフォーマーと、フランキー・レインのような、ポップスとカントリーを伝統的に感傷的なスタイルで融合させた歌手である。[29]この時期にはハンク・ウィリアムズ[ 30]の台頭もありました。彼はアラバマ州北西部でティー・トットという黒人ストリートミュージシャンからブルースを学んだ白人カントリー歌手です。[47]ハンク・ウィリアムズは1953年に亡くなる前に、それぞれ100万枚以上を売り上げたシングルを11曲録音し、ナッシュビルサウンドの先駆者となりました。[要出典]

パッツィー・クラインは、1960年代の最も象徴的な女性カントリー歌手の一人でした。

ナッシュビル・サウンドは1950年代に生まれたカントリー・ミュージックの人気ジャンルで、人気のビッグバンド・ジャズとスウィングにホンキートンク・カントリーの叙情性を融合させたものだった。[48]ハンク・ウィリアムズのレコードの人気により、レコード会社はカントリー・ミュージックが主流の聴衆を獲得できると確信した。その後、レコード会社はカントリー・ミュージックから荒々しいホンキートンクの要素を取り除き、ウィリアムズを有名にしたあからさまな田舎風のサウンドを排除しようとした。ナッシュビルの業界はロカビリー・パフォーマーのエルヴィス・プレスリーの台頭に反応して、カントリーとポップスの垣根を越えたパフォーマーを売り出していた。[31] RCAのカントリー・ミュージック部門の責任者であるチェット・アトキンス[32]は、カントリーの荒々しい要素を捨てることでナッシュビル・サウンドの革新に最も貢献したが、一方オーウェン・ブラッドリーは洗練された制作技術と滑らかな楽器編成を用い、これが最終的にナッシュビル・サウンドの標準となり、弦楽器や合唱も取り入れられるようになった。[33] 1960年代初頭までに、ナッシュビルサウンドは多くの伝統主義的な演奏家やファンから骨抜きにされたと認識され、その結果、ラボックサウンドや、最も影響力のあったベーカーズフィールドサウンドのような多くのローカルシーンが生まれました。[要出典]

1950年代を通じて、カントリーミュージックで最も人気があったのは、洗練されたポップ志向のナッシュビル・サウンドでした。多くのミュージシャンはより荒々しいサウンドを好み、ラボック・サウンドやベーカーズフィールド・サウンドが発展しました。ベーカーズフィールド・サウンドは、1950年代半ばから後半にかけてカリフォルニア州ベーカーズフィールドで、ウィン・スチュワートなどの演奏家によって革新されました。ウィンは、ブレイクビーツなどのウェスタン・スウィングやロックの要素とホンキートンクのボーカルスタイルを融合させました。[49]彼に続いて、バック・オーウェンズやマール・ハガードなど、このスタイルを普及させた演奏家が次々と登場しました。[要出典]

魂

ジェームス・ブラウンは「ソウルのゴッドファーザー」として知られている

ソウルミュージックは、R&Bとゴスペルを融合させた音楽で、1950年代後半にアメリカ合衆国で誕生しました。ソウルミュージックは、ゴスペルの技法を用い、ボーカリストに重点を置き、世俗的なテーマを採り入れていることが特徴です。1950年代のサム・クック、レイ・チャールズ[34]、ジェームス・ブラウンの録音は、ソウルミュージックの始まりと一般的に考えられています。ソロモン・バークがアトランティック・レコードに提供した初期の録音は、このスタイルを確立しました。ピーター・グラルニックが記しているように、「バークとアトランティック・レコードが手を組んで初めて、ムーブメントらしきものが生まれた」のです[50] 。

ミシガン州デトロイトのモータウン・レコード社は、ポップスの影響を強く受けた一連のソウル・レコードで成功を収めた。これらのレコードは白人リスナーにも受け入れられ、R&Bやソウルが主流の聴衆にクロスオーバーするきっかけとなった。[35]ソウル・ミュージックのレコーディングの重要な中心地は、FAMEスタジオがあったアラバマ州フローレンスだった。ジミー・ヒューズ、パーシー・スレッジ、アーサー・アレクサンダーがフェイムでレコーディングを行い、1960年代後半にはアレサ・フランクリンもこの地域でレコーディングを行った。フローレンスの隣町にちなんでマッスル・ショールズと呼ばれることが多いフェイム・スタジオは、スタックスと密接な関係にあり、メンフィスで活動していた多くのミュージシャンやプロデューサーもアラバマでのレコーディングに参加した。[要出典]

メンフィスでは、スタックス・レコードがソウルの先駆者であるオーティス・レディング、ウィルソン・ピケット[ 36] 、ドン・コヴェイなどの作品を制作しました。エディ・フロイドやジョニー・テイラーといったスタックスの他のアーティストもソウルミュージックに多大な貢献をしました。1968年までに、ソウルミュージック運動は分裂し始め、ジェームス・ブラウンとスライ＆ザ・ファミリー・ストーンがソウルとリズム・アンド・ブルースを抽象化し、他の形式へと発展させ始めました。グラルニックは、「何よりも…ソウルの時代をひどく不安定な形で終焉に導いたのは、1968年4月のマーティン・ルーサー・キングの死だったように思う」と記しています。[51]

1960年代のロック

ドアーズはロック、ブルース、サイケデリックを融合して、ダークで催眠的なサウンドを生み出しました。

1960年代に生まれた主要な新ロックジャンルの一つに、カリフォルニア出身のディック・デイルが開拓したサーフ・ロックがあります。サーフ・ロックは、歪んだトゥワング・サウンドを特徴とする、主にインストゥルメンタルとギターをベースとしたロックで、南カリフォルニアのサーフィンを基盤とした若者文化と結び付けられていました。デイルはレオ・フェンダーと共同で、「ショーマン・アンプと…サーフ・ミュージックに独特のファジーなサウンドを与えるリバーブ・ユニット」を開発しました。[52]

ビーチ・ボーイズは、音楽的基盤ではないにしても、サーフィンの歌詞の焦点に触発され、 1961年に「サーフィンUSA 」などのヒット曲を連発してキャリアをスタートさせた。彼らのサウンドはインストゥルメンタルでもギターベースでもなく、「豊かで濃密、そして紛れもなく特別な」「浮遊感のあるボーカルと、フォー・フレッシュマン風のハーモニーが、ドローンで推進力のある重厚なサウンドに重なる」ものだった。[53]ビーチ・ボーイズのソングライター、ブライアン・ウィルソンは、台頭しつつあったカウンターカルチャーと関わるようになるにつれて、徐々にエキセントリックなスタイルへと変化し、新しいスタジオ技術を試していった。[37]

カウンターカルチャーは、特にベトナム戦争反対などの政治活動や、さまざまなヒッピーの理想の推進を含んだ若者の運動であった。ヒッピーは主に2種類の音楽と結び付けられていた。ボブ・ディランやグラム・パーソンズのような人々のフォークロックやカントリーロック、およびジェファーソン・エアプレインやドアーズのようなバンドのサイケデリックロックである。[38]この運動は、1960年代の大半を通じて人気を博したイギリスのバンドの波であるブリティッシュ・インヴェイジョンと非常に密接な関係がある。ブリティッシュ・インヴェイジョンには当初、ビートルズ、ローリング・ストーンズ、[39]ゾンビーズなどのバンドが含まれ、後にムーディー・ブルースやザ・フーなどのバンドが加わった。[40]これらのバンドのサウンドはハードエッジなロックで、ビートルズは当初、リトル・リチャード、チャック・ベリー、スモーキー・ロビンソン、シュレルズ、アイズレー・ブラザーズなどの古典的な黒人ロックの曲に似た曲で知られていた。[54]その後、カウンターカルチャーが発展するにつれて、ビートルズはより高度な技術やシタールなどの珍しい楽器、そしてより独創的な歌詞を使い始めました。[41]

屋外で、ジョーン・バエズがアコースティックギターを弾いているボブ・ディランの隣に座っている。1960 年代頃。
ジョーン・バエズとボブ・ディラン

フォーク・ロックは、キングストン・トリオやアルマナック・シンガーズなどのグループが時折主流となって成功したことを基盤とし、一方でウディ・ガスリーやピート・シーガーは、田舎の白人フォーク音楽を政治的に急進化させるのに貢献した。[55]人気ミュージシャンのボブ・ディランは、フォークとロックを融合させ、初期のシーンを公民権運動と密接に結びつけて、1960年代半ばに頭角を現した。その後、ザ・バーズやフライング・ブリトー・ブラザーズなどのカントリー・ロック・バンドや、ジョーン・バエズやカナダ人のジョニ・ミッチェルなどのフォーク志向のシンガーソングライターが続いた。しかし、60年代の終わりには、ジェームス・テイラーやキャロル・キングなどのポップ・シンガーソングライターの歌詞には、政治的または社会的な意識はほとんど見られなくなり、彼ら自身の作詞曲は非常に個人的で感情的なものとなった。[要出典]

サイケデリック・ロックは、カリフォルニア州サンフランシスコ市と密接な関係のある、ハードで力強いギター・ロックでした。ジェファーソン・エアプレインは、1967年の「Somebody to Love」と「White Rabbit」で全米で大ヒットを記録した唯一のサンフランシスコのサイケデリック・バンドでしたが、フォーク、カントリー、ブルーグラス風のジャムバンドであるグレイトフル・デッドは、「サンフランシスコのシーンのあらゆる要素を体現し、…カウンターカルチャーを国内の他の地域に広めた」バンドでした。グレイトフル・デッドはまた、ティモシー・リアリーのような人々の思想、特にLSDを含む幻覚剤を精神的・哲学的な目的で用いることを、カウンターカルチャー、そして国内の他の地域に紹介したことでも知られています。[56]

1970年代と1980年代

ラモーンズは1970年代に誕生しました。

1960年代から1970年代初頭にかけての激動の政治、社会、そして音楽の変化を経て、ロック音楽は多様化しました。かつてロックンロールと呼ばれていた、比較的明確な音楽スタイルは、単にロック音楽と呼ばれる包括的なカテゴリーへと進化しました。この包括的な用語は、やがてヘビーメタル、パンクロック、そして時にはヒップホップといった多様なスタイルを包含するようになりました。しかし、1970年代には、これらのスタイルのほとんどは主流音楽の一部ではなく、アンダーグラウンド音楽シーンで発展していました。[要出典]

1970年代初頭には、1960年代フォークロックの内省的で深く感情的で個人的な歌詞を引き継ぐシンガーソングライターの波が押し寄せた。ジェームス・テイラー、キャロル・キングなどがその例で、彼らは皆、パフォーマンスと同じくらい作詞能力でも知られていた。同時期には、オールマン・ブラザーズ・バンドやレーナード・スキナードといったブルージーなサザンロックやカントリーロックのグループが台頭した。[57] 1970年代には、シンプルで控えめで落ち着いたポップロックの一種であるソフトロックが誕生し、アメリカやブレッドなど多くのバンドがその代表例だが、今日ではほとんど記憶に残っていない。多くは一発屋だった。[58]さらに、シカゴやスティックスといったハードなアリーナロックバンドも大きな成功を収めた。[要出典]

灰色のあごひげと長い赤毛、ベレー帽をかぶったウィリー・ネルソンがカメラを見ながら微笑んでいるヘッドショット。
ウィリー・ネルソン

1970年代初頭には、荒々しくエッジの効いたカントリーミュージックの新しいスタイルが台頭し、瞬く間に最も人気のあるカントリーミュージックの形態となった。これはアウトローカントリーと呼ばれ、ウィリー・ネルソンやウェイロン・ジェニングスといった主流のスターが参加したスタイルである。[59]アウトローカントリーはロック色が強く、歌詞は犯罪、特に薬物やアルコールにまつわるパフォーマンスに焦点を当てていた。彼らは髪を長く伸ばし、デニムやレザーを身につけ、ヒッピーのような風貌で、ナッシュビルサウンドを推進していた清潔感のあるカントリーシンガーとは対照的だった。[60]

1970年代半ばまでに、ダンスミュージックの一種であるディスコが人気を集め、アンダーグラウンドのダンスクラブからアメリカのメインストリームへと進化しました。ディスコは、サタデー・ナイト・フィーバーの公開と、その映画とビージーズのサウンドトラックをめぐる現象を受けて絶頂期を迎えました。しかし、ディスコの時代は短く、1980年までには、ニューウェイヴなど、パンクロックシーンから発展したいくつかのジャンルにすぐに取って代わられました。ブルース・スプリングスティーンは、まず1970年代半ばから後半、そしてその後1980年代を通して、中流階級および下流階級の共感を呼ぶ、深遠で不可解な歌詞とアンセミックな曲で大スターになりました。[61]

1970年代のファンクとソウル

チャカ・カーンはソウルフルな歌声を披露し、「ファンクの女王」としての地位を確固たるものにした。

1970年代初頭、ソウルミュージックはサイケデリックロックなどのスタイルの影響を受けました。当時の社会的、政治的動揺に触発され、マーヴィン・ゲイやカーティス・メイフィールドなどのアーティストは、アルバムに収録されるような、痛烈な社会批評を盛り込んだ作品をリリースしました。ジェームス・ブラウンなどのアーティストは、ソウルをよりダンス志向の音楽へと導き、最終的にはファンクへと進化しました。ファンクは、パーラメント・ファンカデリック、ザ・ミーターズ、そしてジェームス・ブラウン自身といった1970年代のバンドに代表される一方で、ウォー、ザ・コモドアーズ、アース・ウィンド・アンド・ファイアーといったより多才なグループも人気を博しました。1970年代には、フィラデルフィアのホール＆オーツのような非常に洗練された商業的なブルーアイド・ソウルのバンドが主流の成功を収めたほか、ザ・デルフォニックスやハワード大学のユニフィクスといった新世代の街角のハーモニーやシティソウルのグループも登場しました。[要出典]

1970年代末までに、フィラデルフィア・ソウル、ファンク、ロック、そして他のほとんどのジャンルは、ディスコの影響を受けた楽曲に席巻されました。この時期、オージェイズやスピナーズといったファンクバンドはヒット曲を連発しました。1980年にディスコが終焉を迎えた後も、ソウルミュージックは短期間生き残り​​ましたが、再び変貌を遂げました。エレクトロミュージックやファンクの影響が加わることで、ソウルミュージックはより生々しさを増し、より洗練されたプロダクションへと変化しました。その結果、 R&Bと呼ばれるようになった音楽ジャンルが誕生し、通常は以前のリズム・アンド・ブルースとは区別され、コンテンポラリーR&Bとして認識されました。[要出典]

1980年代のポップ

マイケル・ジャクソンは文化的アイコンとして登場し、ポップミュージックの歴史において最も影響力のある人物の一人となりました。

1960年代までに、 「リズム・アンド・ブルース」という用語は広く使われなくなり、「ソウル・ミュージック」といった用語が黒人アーティストによるポピュラー音楽を指すようになりました。しかし1980年代には、「リズム・アンド・ブルース」は再び使われるようになり、その多くはR&Bという形で、現在まで使われ続けています。コンテンポラリーR&Bは、プリンスのような官能的なファンク歌手が人気を博し、マイケル・ジャクソンやマドンナのようなダンス志向のポップスターが登場したことで誕生しました。[62]

1980年代末までに、ポップロックは主にラジオ向きのグラムメタルバンドで構成されていました。彼らはイギリスのグラムメタル・ムーブメントに由来するイメージを、マッチョな歌詞とアティテュード、そしてハードロックミュージックとヘビーメタルの技巧的なソロ演奏で表現していました。この時代のバンドには、デフ・レパードのような多くのイギリスのバンドに加え、モトリー・クルー、ガンズ・アンド・ローゼズ、ボン・ジョヴィ、ヴァン・ヘイレンといったヘビーメタルの影響を受けたアメリカのバンドも含まれていました。[63]

マドンナは1980年代に誰もが認めるポップの女王として君臨した。[要出典]

1980年代半ばには、ゴスペル音楽の人気がピークを迎えました。コンテンポラリー・クリスチャン・ミュージック（CCM）と呼ばれる新しいゴスペルの形態が誕生しました。CCMは1960年代後半から存在し、ポップ／ロックのサウンドに軽微な宗教的歌詞を加えたものでした。1980年代半ばには、エイミー・グラント、マイケル・W・スミス、キャシー・トロッコリといったアーティストの活躍により、CCMはゴスペルの最も人気のある形態となりました。エイミー・グラントは1980年代のCCM、そしてゴスペル界で最も人気のある歌手であり、CCMで前例のない成功を収めた後、1980年代と1990年代にはメインストリームのポップスへと進出しました。マイケル・W・スミスもCCMでかなりの成功を収めた後、ポップミュージックでも成功を収めました。グラントは後にCCM初のナンバーワン・ポップ・ヒット（「ベイビー・ベイビー」）とCCMのベストセラー・アルバム（『ハート・イン・モーション』）をプロデュースしました。[要出典]

1980年代、カントリーミュージックのチャートは、カントリーミュージックからわずかな影響を受けただけのポップシンガーによって席巻され、この傾向はその後も続いています。1980年代には、ドワイト・ヨーカムのようなアーティストや、エミルー・ハリス、リッキー・スキャッグスといった新しい伝統主義者 の台頭により、ホンキートンク・スタイルのカントリーが復活しました。 [64]また、アンクル・テューペロのようなオルタナティブ・カントリー・アーティストも登場しました。その後、ウィスキータウンのライアン・アダムスやウィルコといったオルタナティブ・カントリー・アーティストが主流の成功を収めました。[要出典]

地下世界の誕生

リディア・ランチやソニック・ユースなどのアーティストは前衛的なサウンドを実験し、音楽を構成するものの境界に挑戦しました。

1970年代には、主流のアメリカのポピュラー音楽とは全く対照的に、多様なスタイルが数多く登場した。これらのジャンルは、主流の聴衆に多くのレコードを売るという意味で広く普及していたわけではないが、フォーク音楽やクラシック音楽とは対照的なポピュラー音楽の例であった。 1970年代初頭、ニューヨーク市のアフリカ系アメリカ人とプエルトリコ人はヒップホップ文化を発展させ、これもヒップホップと呼ばれる音楽スタイルを生み出した。 ほぼ同時期に、ニューヨークのラテン系、特にキューバ人とプエルトリコ人は、ラテン音楽の多くの形式をR&Bやロックと融合させたサルサ音楽も発明した。パンクロックやヘビーメタルのジャンルは、1970年代にはイギリスと最も密接に関連していたが、1970年代後半から1980年代にかけて、さまざまなアメリカの派生音楽が進化した。一方、デトロイトは、後に世界中のポピュラー音楽の主要部分となる、ハウスやテクノなどの一連のエレクトロニック音楽のジャンルをゆっくりと進化させた。[要引用]

ヒップホップ

ソルト・ン・ペパは、史上最も成功し、最も影響力のある女性ラップグループの一つとなった。

ヒップホップは文化的な運動であり、音楽はグラフィティやブレイクダンスと共にその一部である。この音楽は２つの部分、すなわちラップ（素早い、高度にリズミカルで叙情的な歌声）とDJ（サンプリング、インストゥルメンテーション、ターンテーブル、ビートボックスによる楽器演奏）で構成される。[65]ヒップホップは1970年代初頭にニューヨーク市ブロンクス区で生まれた。ジャマイカ移民のDJクール・ハークはヒップホップの祖として広く認められている。彼は人気曲のリズムにトースティングする習慣を持ち込んだ。ニューヨークではクール・ハークのようなDJは人気のファンク、ディスコ、ロックの曲のレコードをかけていた。MCは元々、曲を紹介し、観衆を興奮させて踊り続けさせるために登場した。時間が経つにつれて、DJ はパーカッションのブレイク (曲のリズミカルなクライマックス) を分離し始め、その結果、MC がラップする繰り返しのビートが生まれました。[要出典]

ラップには、友人や敵への挨拶、ダンスへの激励、そして色彩豊かでしばしばユーモラスな自慢話などが含まれていた。1980年代初頭には、シュガーヒル・ギャングやLLクール・J、カーティス・ブロウといったシーンの有名人による「ラッパーズ・ディライト」といった人気ヒップホップ曲が登場していた。他のアーティストは政治的な歌詞や社会問題への意識を試み、ジャズ、ヘビーメタル、テクノ、ファンク、ソウルなどを融合させた楽曲を披露した。ヒップホップは1980年代後半に多様化し始めた。オルタナティブ・ヒップホップや、デ・ラ・ソウルやグルといったラッパーによって開拓された、ジャズラップと密接に関連するフュージョンといった新しいスタイルが登場した。この時代にヒップホップを全国的に有名にした最大の功績は、パブリック・エネミーとN.W.A.の2組だった。前者は扇動的で政治的な歌詞で、後者はギャングスタラップの先駆者となった。[要出典]

サルサ

グロリア・エステファンは、彼女のバンド、マイアミ・サウンド・マシーンとともに、1980年代の最も成功したラテン音楽アーティストの一人となった。

サルサ音楽は、多様な、主にカリブ海由来のリズムで、多くのラテンアメリカ諸国で人気があります。サルサには様々なスタイルとバリエーションがあり、「サルサ」という言葉は、キューバ由来の人気音楽ジャンル（チャチャチャやマンボなど）のほぼあらゆる形態を指すのに使用できます。しかし、より具体的には、サルサとは、1970年代半ばにニューヨーク市周辺からアメリカ合衆国に移住したキューバ人とプエルトリコ人のグループによって発展した特定のスタイル、および1980年代のサルサ・ロマンティカのようなスタイルの派生を指します。[66]

サルサ音楽は常に4/4拍子である。音楽は2小節ごとにフレーズが組まれ、繰り返されるリズムパターンと歌詞や楽器のフレーズの始まりが用いられる。典型的には、パーカッションで演奏されるリズムパターンはかなり複雑で、しばしば複数の異なるパターンが同時に演奏される。クラーベのリズムはサルサの基礎を形成する重要な要素である。パーカッション以外にも、ギター、トランペット、トロンボーン、ピアノなど、演奏者によって様々な旋律楽器が伴奏として用いられる。バンドは通常、ホーンセクションとリズムセクションに分かれ、1人または複数の歌手（ソネロまたはサルセロ）が率いる。[67]

パンクとオルタナティブ・ロック

ブラック・フラッグは、当時の他のパンクバンドと同様に、DIYパンクシーンから登場した。

パンクは、当時のポピュラー音楽、特に味気なく退屈だと見なされていたディスコに対する反発として1970年代に始まった、一種の反抗的なロック音楽でした。パンクは、ヴェルヴェット・アンダーグラウンド、ストゥージズ、ニューヨーク・ドールズなどのアメリカのバンドに影響を受けました。[68]パンクは騒々しく、攻撃的でありながら通常は非常にシンプルで、演奏するのに音楽の訓練をほとんど必要としませんでした。70年代後半には、セックス・ピストルズやクラッシュなどのイギリスのバンドが、イギリス国内で、そしてそれほどではないにせよアメリカでも、かなりの名声を博しました。この分野のアメリカのバンドには、最も有名なラモーンズや、最終的にはポップ・ニューウェイヴに進化​​する前にパンクと密接に関連した、より芸術的な種類の音楽を演奏したトーキング・ヘッズなどのグループがいました。[69]他の主なアーティストには、ブロンディ、パティ・スミス、テレビジョンなどがあります。これらのバンドのほとんどは、パンクロックの「グラウンド・ゼロ」[42]とされるCBGBというクラブでキャリアをスタートさせました。ニューヨークのこの小さなクラブは1975年に「未録音ロックバンドのトップ40」をフィーチャーしたフェスティバルを開催しました。これらのバンドには、前述のラモーンズ、セックス・ピストルズ、ブロンディなどが含まれていました。[要出典]

REM は1980 年代にオルタナティヴ ロックの先駆的なバンドの 1 つになりました。

ハードコアパンクは、 1970年代後半に世界中で爆発的に流行したパンクロックに対するアメリカの若者の反応でした。ハードコアは、パンクロックやニューウェイヴのエリート主義や芸術主義的な傾向を削ぎ落とし、不満を抱えた若者に訴えかける、短く、テンポが速く、激しい楽曲を生み出しました。ハードコアはロサンゼルス、ワシントンD.C.、ニューヨーク、ボストンといったアメリカの大都市で爆発的に流行し、1980年代末までにほとんどのアメリカの都市で独自のローカルシーンが生まれました。[70]

オルタナティブ・ロックは、アメリカにおいて1980年代のハードコアシーンから主流の音楽シーンとは対照的に発展した、多様なロックバンドの集まりです。この10年間に発展したオルタナティブ・ロックのサブジャンルには、インディー・ロック、ゴシック・ロック、ノイズ・ロック、グランジ、カレッジ・ロックなどがあります。ほとんどのオルタナティブ・バンドは、1970年代のアンダーグラウンドおよびオルタナティブ・ミュージックの基礎を築いたパンクへの集団的な恩恵によって団結していました。このジャンルはロックと見なされていますが、一部のスタイルはアメリカのフォーク、レゲエ、ジャズの影響を受けています。パンクやハードコアと同様に、オルタナティブ・ロックは1980年代のアメリカではほとんど主流ではありませんでしたが、ツアー、カレッジ・ラジオ、ファンジン、口コミを通じて草の根的にインディーシーンを確立することで、オルタナティブ・バンドは次の10年間でこのジャンルがアメリカの一般大衆の意識の中で躍進するための基礎を築きました。 [要出典]

重金属

メガデスは元メタリカのギタリスト、デイヴ・ムステインによって結成され、すぐにスラッシュメタル界の有力バンドとしての地位を確立しました。

ヘビーメタルは、攻撃的で疾走感あふれるリズムと、増幅された歪んだギター、そして一般的に壮大な歌詞と技巧的な楽器演奏を特徴とする音楽形式です。ヘビーメタルは、ブルース、ブルースロック、ロック、そしてプログレッシブロックが発展したものです。その起源は、1967年から1974年にかけて、ブルースとロックを融合させ、ギターとドラムを中心とした重厚なサウンドを生み出したイギリスのハードロックバンドにあります。ブラック・サバスのようなこの分野の先駆者の多くはイギリス人でしたが、ブルー・チアーやジミ・ヘンドリックスといったアメリカのアーティストに影響を受けたバンドも数多くいました。[要出典]

1970年代初頭、ブルー・オイスター・カルトやエアロスミスといったアメリカの最初のメジャーバンドが登場し、エディ・ヴァン・ヘイレンといったミュージシャンがキャリアをスタートさせた。しかし、ヘビーメタルは依然として主にアンダーグラウンド現象にとどまっていた。1980年代には、パーティー好きのスピリットとグラムロック風のビジュアル美学（「ヘアメタル」と呼ばれることもある）を備えたポップベースのハードロックが、ポイズン、ボン・ジョヴィ、モトリー・クルー、ラットといっ​​たスーパースターに牽引され、音楽チャートを席巻した。1987年のガンズ・アンド・ローゼズは、サンセット・ストリップの荒々しい裏社会を反映したイメージのハードロックバンドで、ヘアメタルの過度に洗練されたイメージへの反発でもあったが、このバンドの大成功は、多くの点でハードロック／メタルシーンの最後のあがきであった。 1980年代半ばには、「ヘヴィメタル」という用語が多くの論争の的となり、このスタイルは様々な方向に枝分かれしていったため、ファン、レコード会社、ファンジンによって新たな分類が作られるようになった。しかし、様々なサブジャンルの違いは、特定のスタイルに属すると主張するアーティスト自身でさえ、明確に理解できないこともあった。1980年代のアメリカにおけるメタルのサブジャンルの中で最も顕著だったのは、アンスラックス、メガデス、メタリカ、スレイヤーといったバンドによって開拓された、スピード感があり攻撃的なスラッシュメタルだった。[要出典]

1990年代

ブリトニー・スピアーズが1990年代後半の音楽業界とポップカルチャーに与えた影響は計り知れない。彼女は当時のポップミュージックのサウンドとスタイルを形作る上で極めて重要な役割を果たした。

1990年代のアメリカのポピュラー音楽における最も重要な変化は、おそらくグランジ人気によるオルタナティヴ・ロックの台頭でしょう。これはそれ以前は明らかに反主流派のジャンルの集まりでしたが、1990年代初頭から大きな名声を獲得しました。このジャンルは初期には主に、ブルース・パヴィットとジョン・ポーンマンが設立したサブ・ポップ・レコードにありました。このレーベルと契約した重要なグランジ・バンドはグリーン・リヴァー（このバンドのメンバーの半数は後にパール・ジャムの創設メンバーになります）、ソニック・ユース（グランジ・バンドではありませんが、グランジ・バンドに影響を与えており、実際、キム・ゴードンの強い要望でデヴィッド・ゲフィン・カンパニーがニルヴァーナと契約しました）、そしてニルヴァーナです。グランジはオルタナティブロックのサブジャンルの一つで、「暗く陰鬱なギターベースのスラッジ」サウンドを特徴とし、[71]ヘビーメタルやパンク、ソニックユースなどのバンドの要素を取り入れ、「型破りなチューニングで、ありきたりなポップソングを完全に歪ませる」という特徴を持つ。[72]ニルヴァーナなどのバンドのサウンドに「メロディアスでビートルズ的な要素」が加わったことで、グランジは全米で大人気となった。


[73]グランジは1990年代初頭に商業的に成功し、1991年から1994年にかけてピークを迎えた。米国太平洋岸北西部の都市、特にワシントン州シアトルのバンドがグランジを生み出し、後に主流の聴衆に人気を博した。グランジ人気のピーク時にちょうど成人した、いわゆるジェネレーションXは、グランジと密接な関係があり、そのサウンドは「（その）世代の絶望を定義する」のに役立った。 [74]フー・ファイターズやクリードなどのバンドは、ポスト・グランジとして知られるオルタナティヴ・ロックの一形態となり、音楽的に影響を受けたグランジ・バンドとは異なり、ラジオ向きだったため人気を博した。グリーン・デイやブリンク182などのポップ・パンク・バンドも人気を博した。1990年代後半には、リンキン・パーク、コーン、リンプ・ビズキット、スリップノットなどのバンドによりニュー・メタルが登場した。インディペンデント・カルチャーは、ローファイ（ベック、スパークルホース、ガイデッド・バイ・ヴォイシズ）、マスロック（スリント、シェラック） 、ポストロック（エクスプロージョンズ・イン・ザ・スカイ、トータス）といった新しいジャンルとともに、アンダーグラウンド・シーンで眠りについた。エモコアやポストハードコアは、アット・ザ・ドライブインやフガジといったバンドによってより広く知られるようになった。 [要出典]

ギャングスタラップはヒップホップの一種で、歌詞がマッチョなセクシュアリティ、肉体、そして危険で犯罪的なイメージに焦点を当てているのが主な特徴です。ギャングスタラップの起源は、1980年代半ばのフィラデルフィアのスクールリーDや西海岸のアイス-Tのラップに遡りますが、このスタイルは、トゥー・ショートやN.W.A.などが名声を博したロサンゼルスやオークランド周辺で始まったと一般的に言われています。この西海岸のラップシーンは、1990年代初頭にギャングスタラップの歌詞と重厚でぼんやりとしたトーンを組み合わせたGファンクサウンドを生み出し、1970年代のPファンクからのサンプリングに頼ることが多かったです。このサウンドの最も有名な提唱者は、画期的なラッパーのドクター・ドレーとスヌープ・ドッグでした。[要出典]

2000年代

2000年代はケイティ・ペリーがポップ界のスーパースターとして注目を集めた時代だった。

1990年代末から2000年代初頭にかけて、ポップミュージックは主にポップヒップホップとR&B風ポップの組み合わせで構成され、多くのボーイズバンドも登場した。ビヨンセ（ソロ活動やデスティニーズ・チャイルドのリードシンガーとして活躍）、ブリトニー・スピアーズ、クリスティーナ・アギレラ、ケイティ・ペリー、レディー・ガガ、テイラー・スウィフトなど、著名な女性歌手もアメリカや世界のポピュラーミュージックで地位を固めた。また、2000年代中盤から後半にかけて、ヒップホッププロデューサーがポピュラーミュージックに与えた影響も注目に値する。アッシャーの『Confessions』やネリー・ファータドの『Loose』で初めて耳になったサウンドは、マドンナ、エイコン、レディー・ガガといったアーティストによって人気ラジオで模倣された。 2000年代後半から2010年代初頭にかけて、ポップミュージックはヨーロッパのエレクトロニックダンスミュージックシーンから大きな影響を受けるようになり、デヴィッド・ゲッタ、カルヴィン・ハリス、スウェディッシュ・ハウス・マフィア、スクリレックスなどのプロデューサーを通じて大学生の間で根付きました。[要出典]

ヒップホップとポップの融合も2000年代から2010年代初頭にかけて主流となり始めました。2010年代初頭には、ブルーノ・マーズ、ドレイク、リル・ウェイン、2チェインズ、ケンドリック・ラマー、マシン・ガン・ケリー、マックルモアといった著名なアーティストがメインストリームの音楽シーンを席巻し始めました。[要出典]

1990年代のカントリーミュージックの主流は、カントリーの要素がごくわずかしか含まれていないポップスでした。これには、クリント・ブラック、シャナイア・トゥエイン、フェイス・ヒル、そしてクロスオーバースターの先駆けであるガース・ブルックスなど、1990年代のベストセラーアーティストの多くが含まれます。[75]

一方、ギター・リバイバルが起こり、ポストパンク・リバイバルやガレージロック・リバイバルと呼ばれる新世代のオルタナティブ・ギター・バンドが誕生しました。この世代を代表するアメリカのバンドには、ホワイト・ストライプス、ザ・ストロークス、ザ・キラーズなどが挙げられます。

国際的および社会的影響

レディー・ガガの奇抜​​な衣装はファッション業界に永続的な影響を残した。

アメリカのポピュラー音楽は国際的に非常に人気を博しています。ロック、ポップ、ヒップホップ、ジャズ、カントリーなど、世界中にファンがいます。1960年代半ばから1970年代半ばにかけて、世界のポピュラー音楽とアメリカのポピュラー音楽の要素を組み合わせる試みがなされました。しかし、その融合は概して成功しませんでした。[43]例えば、 BBCラジオのDJアンディ・カーショウは、カントリーミュージックは事実上世界中で人気があると指摘しています。[76]実際、「アメリカ人が世界文化に貢献したすべてのものの中で、（アメリカのポピュラー音楽は）（最も）世界中に受け入れられてきました」[77] 。西アフリカのアフロビートの基盤となったファンク、ジャマイカのレゲエの主要な源泉であるR&B、そして世界中のほぼすべてのポピュラー音楽ジャンルに多大な影響を与えたロックなど、アメリカのポピュラー音楽の他のスタイルも国際的に形成的な影響を与えてきました。ロック、カントリー、ジャズ、ヒップホップは多くの国で定着しており、オーストラリアのカントリーミュージック、タンザニアのボンゴフレイバ、ロシアのロックなどの地域的な多様性を生み出しています。[要出典]

ロックはポピュラー音楽に形成的な影響を与え、「ポピュラー音楽の概念そのもの」を変革するほどの影響を与えた。[78]一方、チャーリー・ジレットは、ロックンロールは「都市生活の容赦ない脈動と圧倒的なボリュームを音楽自体に取り入れた最初のポピュラージャンルだった」と主張している。[79]

アメリカのポピュラー音楽の社会的影響は、米国内外で感じられてきました。19世紀後半の華やかなイベントの頃から、アメリカのポピュラー音楽は性的に刺激的すぎる、暴力、薬物乱用、そして一般的に不道徳な行動を助長するとして批判されてきました。[要出典]

参照

注記

  1. ^ ガロファロはティン・パン・アレーから始まる例として、ラグタイムについても触れた章がある。
  2. ^ ユーエンはその一例で、国民的バラードや愛国歌、フォークミュージック、黒人の歌、ミンストレルショーとその歌、そしてヴォードヴィルの奇抜なショーをカバーしている。
  3. ^ Ewen、69ページ。Ewenは、ダン・エメットが「ポピュラーソングの作曲家」であったと主張し、さらに、彼と同時代人で、アメリカ初の大作曲家であり、世界でも傑出した作詞家の一人であるスティーブン・フォスターについても言及している。
  4. ^ クラーク、28～29ページ。クラークは「主人は冷たい地面に」という歌が奴隷制を感傷的に表現しようとする明らかな試みであると指摘する一方で、多くの奴隷は主人を愛していたに違いないとも指摘している。奴隷たちは主人にあらゆる面で依存していたのである。またクラークは、「ネリーは淑女だった」のような歌は黒人の経験を普通の人間の感情として描写しており、シェイクスピアの登場人物と同じくらいリアルな人間として描かれていると指摘している。
  5. ^ Ewen、81ページ。ミリー・キャベンディッシュがフットライトの前に軽やかに歩み出て、観客の男性に挑発的な指を振り、甲高い赤ちゃん声で「You Naughty, Naughty Men」（T.ケニックとG.ビックネル作）を歌ったとき、アメリカのミュージカル劇場とアメリカのポピュラーソングは、性的搾取の長く活発な歴史をスタートさせた。
  6. ^ Ewen、94 ページ。Ewen は、1890 年代までにニューヨークが国の音楽出版の中心地になったと主張し、次のように述べている。「出版業者は、歌を迅速かつ迅速に制作できる方式を考案しました...歌は実用的な母型から制作され、大量に発行されるようになりました。外国の歌のステレオタイプ、黒人の歌、ユーモラスな小唄、そして最も重要な感傷的なバラードです。」
  7. ^ Ewen、101ページ。Ewenは「Drill Ye Tarriers」とアライグマの歌の性質の両方の出典である。
  8. ^ Ewen, p. 101、Clarke, p. 62。Ewenは「New Coon in Town」をポール・アレンの作品としているが、ClarkeはJ.S. Putnamの作品としている。両者とも1883年という年については一致している。
  9. ^ クラーク、95ページ クラークは黄金時代を1914年から1950年頃としている。
  10. ^ クラーク、56～57ページ。クーン・ソングはミンストレル・ショーから生まれ、既にヴォードヴィルで定着していましたが、これら全てがラグタイムへと発展しました…ラグタイムは、キーボードでバンジョーを模倣しようとした試みから始まったのかもしれません。
  11. ^ Ferris、228 ページ。ダンス音楽として考え出され、長い間、ポピュラー音楽または地方音楽の一種であると考えられてきたジャズは、コンサートホールの音楽と重要な形で相互作用する洗練された芸術形式になりました。
  12. ^ クラーク、200～201ページ。 1935年から第二次世界大戦後まで、ジャズ志向のスタイルが初めて（そして今のところ最後）、ポピュラー音楽の中心となり、単に音楽の骨格を形成するだけではなかった。
  13. ^ Garofalo、45ページ。ウクレレとスチールギターは、1900年にハワイが米国の領土になった後に国内ツアーを行ったハワイの弦楽団によってこの国に紹介されました。
  14. ^ コリンズ、11ページ。さらにコリンズは、ヴァーノン・ダルハートのような初期の似非カントリー・ミュージシャンが「カントリー・ミュージックの歌」を録音して名を馳せたが、彼らは田舎や平原や谷の出身ではなかったと指摘している。これらのレコーディング・スターは田舎の音楽と都会の音楽の両方を歌い、ほとんどがヒルビリーよりもブロードウェイに詳しかった。彼らの田舎のイメージは、しばしば一時の流行と金儲けのために作られたものだった。対照的に、コリンズは後に、カーター・ファミリーとロジャースの両方が田舎のフォークとして信頼を得ており、それがピアのレコーディング・セッションをこれほど大きな成功に導いたと説明している。ラルク・ピアと田舎や失われた愛や見つけた信仰とのつながりはカーター・ファミリーであったが、カントリー・ミュージックの他の愛されるシンボルである列車や酒場、刑務所やブルースと出版社を結びつけたのはジミー・ロジャースだった。
  15. ^ ヴィヴ・ブロートン、ジェームズ・アトリー共著「悪魔がビートを盗んだ」ラフ・ガイド・トゥ・ワールド・ミュージック第2巻、569ページ。この音楽の創始者は、ピアニストであり元ブルース・ミュージシャンのトーマス・A・ドーシー（1899-1993）で、彼は馴染み深いスピリチュアルや賛美歌をブルースやジャズのリズムと融合させた曲を作り始めた。（強調は原文のまま）
  16. ^ Garofalo、72ページ。ファンの間で単なる称賛や崇拝ではなく、ヒステリーを引き起こした最初のポップボーカリストは、名前の英語化を拒否したイタリア系アメリカ人、"気絶の皇帝"フランク・シナトラでした。
  17. ^ ローリングストーン誌、99～100ページ。ワード、ストークス、タッカーは、カバーバージョンを、ますます豪華になるリズム＆ブルースのピクニックのアリと呼んでいる。
  18. ^ Szatmary、69～70ページ。ギター愛好家でもあり、1960年に自身のレーベルから特徴のないシングルを数枚リリースしていたデールは、世界初の量産ソリッドボディ・エレキギターのメーカーであり、フェンダー・インストゥルメンツの社長でもあったレオ・フェンダーと緊密に協力し、ショーマン・アンプの改良と、サーフミュージック特有のファジーなサウンドを生み出すリバーブ・ユニットの開発に取り組んだ。
  19. ^ ローリングストーン、251ページ。ビーチ・ボーイズの楽器の音はしばしば痛々しいほど薄っぺらだったが、浮遊感のあるボーカルと、4人のフレッシュマン風のハーモニーが、ドローンのような推進力のある音に乗って（「サーフィンUSA」の「インサイド・アウトサイド、USA」、「ビー・トゥルー・トゥ・ユア・スクール」の「ラー、ラー、ラー、ラー、シス・ブーム・バー」 ）、豊かで濃密、そして間違いなく特別だった。
  20. ^ Garofalo、201ページ。Garofaloは具体的に、チャック・ベリーの「Roll Over Beethoven」 、リトル・リチャードの「 Long Tall Sally 」 、アイズレー・ブラザーズの「 Twist and Shout 」、バレット・ストロングの「Money」、「Boys」と「 Baby It's You」 、スモーキー・ロビンソン・アンド・ザ・ミラクルズの「 You've Really Got a Hold on Me」 、ザ・クッキーズの「Chains」を。
  21. ^ Garofalo、218ページ。グレイトフル・デッドは、（LSD）の精神を変える性質を組み合わせた。
  22. ^ Garofalo、448ページ。Garofaloは、 Sub Pop 200と呼ばれるサンプラーを、グランジとして知られるようになった暗く陰鬱なギターベースのスラッジの初期のアンソロジーであると
  23. ^ Garofalo、451ページ。彼らはグレン・ブランカのグループから、型破りなチューニングを使って、標準的なポップソングを完全に変形させる方法を学んだ。これはソニック・ユースのトレードマークであり、シアトルでは彼らの音楽的ビジョンのダークサイドと同様に反響を呼んだ。
  24. ^ Szatmary、285ページ。『ネヴァーマインド』となる曲を録音する際に、ニルヴァーナはメロディアスでビートルズ的な要素を加え、それがカート・コバーン、ノヴォセリック、そして新しいドラマーのデイヴ・グロールに影響を与えた。
  25. ^ Szatmary、284ページ。シアトルの独立系レコード会社 Sub Pop Records のオフィスで生まれたグランジは、ハードコアとメタルを組み合わせてチャートのトップを占め、世代の絶望感を象徴する存在となった。文脈上、これはおそらくX 世代を指していると思われるが、その用語は特に使用されていない。
  26. ^ カーショウ、167ページ、『ラフ・ガイド・トゥ・ワールド・ミュージック』第2部「私たちの人生はまさに歌」より。167ページ。カーショウは、カントリーミュージックを一度も聞いたことがない唯一の国は北朝鮮だと特に述べている。
  27. ^ Ewen, 3ページ。アメリカ人が世界文化に貢献したあらゆるもの――オートメーションや組立ライン、広告、無数の機器やガジェット、高層ビル、スーパーセールスマン、野球、ケチャップ、マスタード、ホットドッグ、ハンバーガー――の中で、紛れもなくアメリカ固有のものが全世界に深く根付いている。それはアメリカのポピュラー音楽だ。
  28. ^ Garofalo、94 ページ。歴史に埋もれないように、ロックンロールと呼ばれるようになった音楽は、1950 年代に始まり、人口の多様であまり聞かれなかった層が主流文化で支配的な発言力を獲得し、ポピュラー音楽の概念そのものを変えたとだけ述べれば十分でしょう。
  29. ^ ジレット、i ページ、ガロファロ、4 ページからの引用。ガロファロはジレットの言葉を引用して、ロックンロールはおそらく、これまで最も批判されてきた都市生活の特徴を遠慮なく称賛した最初の大衆文化の形態だった、と述べています。

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  • ^ デヴィッド・ザトマリー (2000). 『ロッキン・イン・タイム：ロックンロールの社会史』プレンティス・ホール. ISBN 0-13-188790-4。
  • ^ ワーナー、クレイグ（1998年）『変化はやってくる：音楽、人種、そしてアメリカの魂』プルーム社、ISBN 0-452-28065-6。

さらに読む

  • ベイルズ、マーサ（1994年）『魂の穴：アメリカのポピュラー音楽における美と意味の喪失』フリープレス、ISBN 0-02-901962-1。
  • ブース、マーク・W. (1983). 『アメリカン・ポピュラー・ミュージック：リファレンス・ガイド』グリーンウッド・プレス. ISBN 0-313-21305-4。
  • エニス、フィリップ・H. (1992). 『第七の流れ：アメリカのポピュラー音楽におけるロックンロールの出現』ウェズリアン大学出版局. ISBN 0-8195-6257-2。
  • ハム、チャールズ（1979年）『イエスタデイズ：アメリカのポピュラーソング』 WWノートン社、ISBN 0-393-01257-3。
  • ジョセフ・マーク（2003年）『信仰、神、そしてロックンロール：ボノからジャーズ・オブ・クレイまで：信仰を持つ人々がアメリカのポピュラー音楽をどう変えているのか』ベイカー・ブックス、ISBN 0-8010-6500-3。
  • ジョイナー、デイヴィッド・リー（2002年）『アメリカン・ポピュラー・ミュージック』マグロウヒル社、ISBN 0-07-241424-3。
  • ケニー、ウィリアム・ハウランド（2003年）『アメリカ生活における録音音楽：蓄音機と民衆の記憶、1890-1945年』オックスフォード大学出版局、ISBN 0-19-517177-2。
  • マハール、ウィリアム・J.（1998年）『バーント・コルク・マスクの背後：初期のブラックフェイス・ミンストレルショーと南北戦争以前のアメリカの大衆文化』イリノイ大学出版局、ISBN 0-252-06696-0。
  • プラット、レイ（1994）『リズムと抵抗：アメリカ・ポピュラー音楽の政治的利用』スミソニアン・ブックス、ISBN 1-56098-351-5。
  • ルービン、レイチェル、ジェフリー・メルニック編（2001年）『アメリカン・ポピュラー音楽：20世紀への新たなアプローチ』マサチューセッツ大学出版局、ISBN 1-55849-268-2。
  • サンジェック、ラッセル（1988年）『アメリカのポピュラー音楽とそのビジネス：最初の400年：第3巻、1900年から1984年』オックスフォード大学出版局、ISBN 0-19-504311-1。
  • シューラー、ティモシー・E.編（1990年）『アメリカのポピュラー音楽：ポピュラー・プレスからの読み物：19世紀とティン・パン・アレー』ボーリング・グリーン州立大学ポピュラー・プレス、ISBN 0-87972-465-X。
  • Scheurer, Timothy E. 編 (1990). 『アメリカン・ポピュラー・ミュージック Vol.2: ロックの時代』. ボーリング・グリーン大学ポピュラー・プレス. ISBN 0-87972-468-4。
  • スター、ラリー、クリストファー・アラン・ウォーターマン（2002年）『アメリカのポピュラー音楽：ミンストレルショーからMTVまで』オックスフォード大学出版局、ISBN 0-19-510854-X。
  • ヴォーティエ、ドミニク（2000年）『セックス、音楽、そしてブルーマーズ：アメリカ・ポピュラー音楽の社会史』アベラール・プレス、ISBN 0-9677046-3-4。
  • ワイルダー、アレック（1990年）『アメリカのポピュラーソング：偉大な革新者たち 1900-1950』オックスフォード大学出版局、ISBN 0-19-501445-6。
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