アナベス・ローゼン

アナベス・ローゼン
生まれる1957年（68～69歳）
ブルックリン、ニューヨーク、アメリカ
母校クランブルック美術アカデミー、ニューヨーク州立アルフレッド大学陶芸学部
知られている彫刻、陶芸、デッサン
受賞歴グッゲンハイム・フェローシップ、アメリカ芸術文学アカデミー、全米芸術基金、アメリカ工芸協会
Webサイトアナベス・ローゼン

アナベス・ローゼン（1957年生まれ）はアメリカの彫刻家であり、抽象的な陶芸作品やドローイングでよく知られている。[ 1 ] [ 2 ]彼女は、表現、形状、機能を含む陶芸の伝統に挑戦し、主流の現代彫刻においてこの媒体が受け入れられるのを促したカリフォルニア・クレイ・ムーブメント後の、ベイエリアの陶芸家の第二世代の一人であると考えられている。 [ 3 ] [ 4 ] [ 5 ]ローゼンの彫刻は、記念碑的なものから卓上サイズまで様々であり、数十または数百の製作された部品と粘土の破片や廃棄物を組み合わせた累積的なブリコラージュ工程から生み出される。 [ 6 ] [ 7 ] [ 8 ]評論家は彼女の作品を意図的に生々しく、筋肉質でありながらあからさまな女性らしさがあり[ 9 ] [ 10 ]非常に抽象的でありながら、人間、植物、水生、人工、さらにはSF的な性質を暗示する点で広く言及していると特徴づけている。[ 11 ] [ 12 ]評論家のケイ・ホイットニーは、彼女の作品は「衝撃的で暴力的ですらあるが、官能的で感情を呼び起こす」ものであり、「喜劇と辛辣さの両極の間を漂っている」と書いている。[ 12 ]

ローゼンは、ロサンゼルス郡立美術館（LACMA）[ 13 ]ヒューストン現代美術館[ 14 ]ヴァージニア美術館[ 15 ] 京都市美術館[ 16 ] 鶯歌陶磁博物館（台北）などで展示を行ってきました。作品は、LACMA[ 17 ] ボストン美術館[ 18 ] フィラデルフィア美術館[ 19 ] ヴァージニア美術館[ 20 ]などのコレクションに収蔵されています。グッゲンハイム・フェローシップ[ 21 ]ピュー・アーティスト・フェローシップ[ 22 ]ジョーン・ミッチェル・アーティスト賞[ 23 ]ユナイテッド・ステイツ・アーティスト賞[ 24 ]を受賞しています。ローゼンはカリフォルニア大学デービス校の教授です。[ 25 ]

アナベス・ローゼン「海草」、焼成陶器、スチール製の梱包用ワイヤーとスチール板、30インチ×28インチ×28インチ、2006–2007年

幼少期とキャリア

ローゼンはニューヨーク州ブルックリンで生まれ育った。[ 26 ] [ 27 ]彼女はニューヨーク州立陶芸大学アルフレッド校で陶芸の伝統的な教育を受け（BFA、1978年）、その後クランブルック美術アカデミー大学院に入学した（MFA、1981年）。[ 27 ] [ 25 ] [ 28 ]彼女は1985年に教職を開始し、シカゴ美術館附属美術大学、ロードアイランド・スクール・オブ・デザイン、タイラー美術建築学校、芸術大学、ベニントン・カレッジなどの教育機関で教鞭をとった。[ 27 ] [ 26 ] [ 25 ] [ 29 ] 1997年、彼女は東海岸からカリフォルニア州デイビスに移り、カリフォルニア大学デイビス校のロバート・アーネソン寄付講座の職に就いた。[ 27 ] [ 25 ]

ローゼンは、いくつかの主要な陶芸展に出品され、高く評価されている。その中には、「アメリカン・ウェイ」（アベリストウィス・アーツ・センター、1993年、巡回）、[ 30 ]「色と火：現代陶芸の決定的瞬間」（ロサンゼルス・オークランド国立美術館、2000年）、[ 31 ]「アメリカの陶芸 1950-1990」（京都国際美術館、2002年）、[ 16 ]「ベイエリアの陶芸彫刻家：第二世代」（ダウム美術館、2004年）、[ 5 ]「オーバースロー：限界のない粘土」（デンバー美術館、2010年）、[ 32 ]「新しい青と白」（ボストン美術館、2013年）などがある。[ 33 ]彼女はその後のキャリアでもより広い注目を集めるようになり、特に20年間にわたって制作された120点以上の彫刻と紙の作品を含む20年にわたる回顧展「Fired, Broken, Gathered, Heaped」（2017-2019年）は、ヒューストン現代美術館[ 8 ] 、クランブルック美術館[ 34 ]、サンフランシスコ現代ユダヤ博物館[ 35 ]に展示されました。

仕事と受付

アナベス・ローゼン、「Waver」展イメージ、ヒューストン現代美術館、2018年

批評家はローゼンの作品は概念的に複雑で、フェミニズム的な関心、質素な材料と工芸、装飾、労働集約的なプロセス、そして非常に形式的な厳格さが組み合わされていると述べている。[ 11 ] [ 14 ] [ 36 ]批評家は、彼女の独特なアプローチは伝統的な陶芸の訓練と知識に根ざしていると同時に、媒体の規範に挑戦することにも専念していると示唆している。[ 7 ] [ 6 ] [ 37 ]彼女の作品は粘土の多用途性と美術史的な特徴を示し、ロバート・アーネソンのファンクなユーモア、ピーター・ヴォルコスの表現主義とスケール、そしてヴィオラ・フレイ、ケン・プライス、ベティ・ウッドマンといった他の陶芸の革新者たちの作品を思い起こさせる。[ 7 ] [ 38 ] [ 10 ] [ 39 ]作家たちは、ローゼンのポストミニマリスト的な形式主義と感情や直感的なジェスチャーの融合を同等に重視しており、その点で彼女は彫刻家のエヴァ・ヘッセ、ジャッキー・ウィンザー、草間彌生、リンダ・ベングリスなどと関連している。[ 2 ] [ 11 ] [ 37 ]

ローゼンの彫刻は、概して、不安定なバランスと構造的に緻密な形態、緻密なジェスチャー面、そして表情豊かに施された釉薬の組み合わせから成り立っている。[ 37 ] [ 11 ]批評家はしばしば、細部と全体、ミクロとマクロのスケールの移行による知覚の混乱と転移を指摘する。これらの変化は、触覚的な質を通して心理的・象徴的な感覚を伝え、物理的な存在感を通して比喩的・建築的な感覚を伝える。[ 40 ] [ 12 ] [ 11 ]彼女は、陶芸では珍しく、偶然、事故、技術的な「災難」、そして継続的な実験への開放性を含む、成長パターンに類似した実践的で蓄積的なプロセスを用いて彫刻を制作する。そのプロセスには、施釉、焼成、破片の巻き付けまたは縛り付け（ワイヤーまたはゴムバンドを使用）、再焼成と再施釉、湿った粘土と焼成済みの粘土の混合などが含まれる。[ 6 ] [ 37 ] [ 2 ]

ドローイングもまた、ローゼンの作品制作において重要な部分を占めている。[ 1 ] [ 41 ]彼女の没入型の作品は、主にインク、グアッシュ、アクリルで描かれ、しばしば表面全体が波のようなジェスチャー的なマークで覆われている。粘土作品と同様に、これらの作品は絵画的なジェスチャー、集積、即時性、そして概念的・形式的な実験性を強調しており、『アート・イン・アメリカ』の批評家グレン・アダムソンによれば、「彼女の作品における激しい反復的なマーク形成の重要性」を証明している。[ 7 ] [ 37 ] [ 40 ] [ 2 ]

アナベス・ローゼン「サンプル」 、スチール製スタンドに焼成・施釉された陶器、28インチ x 108インチ x 80インチ、1999年

以前の研究

ローゼンのキャリア前半の作品は、彼女の伝統的な陶芸の訓練と、特にカリフォルニアへ移ってからの自然への関心を反映していた。[ 37 ] [ 2 ]それは、背の高い陶器の屋外彫刻から、鋭い幾何学模様の黒インクの絵、厚い板やタイルをベースとした、モデリングされた有機的な形状の高密度の垂直な集積まで多岐にわたっていた。[ 41 ] [ 2 ] [ 42 ]批評家は後期の作品について、デッラ・ロッビアのテラコッタの飾り板、ガウディやルイス・サリバンの装飾的な側面、ヒン​​ズー教寺院の群がる彫像など、歴史的建築装飾や地質学的な断面との類似点を指摘した。[ 42 ] [ 38 ] [ 2 ]サンプル（1999）は代表作で、約10フィート×16フィートの正方形のグリッドで構成され、うねる触手状の形状が2層に積み重ねられ、スチール製のスタンドに立てられています。[ 38 ] [ 37 ]マリア・ポーゲスは、黄色の釉薬をかけたこの作品を「カール・アンドレの陰気なモジュラー床置き作品に対するバロック風でフェミニズム的な反論：ミニマリズムのユーモアのない無味乾燥さを自然の豊穣が表現したもの」と評しました。[ 2 ]

ローゼンの展覧会「Moving in Place」（2003年）は、種子鞘、ひょうたん、果物、人間の臓器などを思わせる抽象的でずんぐりとした形状の集合体で、表面には深みのある釉薬（例えばChromus 、2000年）をかけた白亜質の釉薬が塗られている。[ 42 ] [ 10 ]批評では、作品の幽霊のような雰囲気が、中国古典演劇の白粉を塗った顔、アフリカのフェイスペイント、あるいは未知の災害の余波に例えられている。[ 42 ] [ 10 ]ケン・ジョンソンは、茎のような球根状の作品「Cinctus I」（2003年）について、「月明かりに照らされた不気味な古代の鋳型」に例え、「その重厚で、どこか不気味な力強さ」は、陶芸の典型的な洗練とは一線を画す刺激的な作品であると述べた。[ 10 ]

「マッシュアップ」、「束ねられた構造」、そして「マウンド」の彫刻

アナベス・ローゼン、Wave II、スチール製の骨組みにワイヤーを通した焼成および釉薬をかけた陶器、71インチ x 60インチ x 28インチ、2017年。ソル・ルウィットの壁画（背景）とともに展示、クランブルック美術館、2018年。

2000年代半ば、ローゼンは、より緩く構成された作品に目を向け、自ら「マッシュアップ」や「バンドル・コンストラクション」と呼んだ、台座サイズ（例：Squill、2006～2007年）から人間サイズまでの範囲の作品を発表した。[ 40 ] [ 36 ]批評家たちは、彫刻が呼び起こす自然や文化の連想の広範さ、例えば学者の岩や庭のノーム、岩に増殖するフジツボ、蜂の巣、外来植物や儀式用の物体などに注目した。[ 36 ] [ 1 ] [ 39 ] [ 6 ]より大きな作品は、通常、ワイヤーやゴムのストリップで積み重ねられ、縛られ、今にも倒れそうになるほど多数の個別にモデル化された生物学的要素で構成されており、それらは、車輪付きカートのように、キャスターに載った背の高い金属製の骨組みによって直立させられていた。[ 1 ] [ 43 ] [ 39 ]丸みを帯びた球形の器官は、虫状、球根状、節くれだったり、植物状、器官状であったりと、鮮やかな緑や黄色の釉薬がかけられていることが多く、白黒の管状の器官と絡み合って、著しく非対称な集合体を形成しているものもあった。[ 1 ] [ 2 ] [ 6 ]

ケネス・ベイカーは、うねる形の密集した塊の上に塊状の黄色い人物像を乗せたバニー（2011年）のような作品は「喜劇的なグロテスクさの極み」を示しており、「声なき本能が過剰、つまり蓄積、消費、衝動性、権力として表れる文化の象徴」にふさわしいと書いている。 [ 43 ] 2014年、デイヴィッド・コーエンはこれらの作品を「構築上の複雑さと形式の特異性が堂々と表現された、間抜けな力作であり、彫刻のペルソナは、特徴づけるのが難しく、曖昧であるのと同じくらい挑戦的に存在している」と評した。[ 36 ]彼と他の人々は、それらの驚くほど生き生きとした人間的な性質を、メデューサ、命を吹き込まれたフィリップ・ガストンの不条理な作品、ダンテのシーンでうねる魂、マニエリスム彫刻家ジャンボローニャの「筋張ったねじれ」に例えた。[ 36 ] [ 1 ] [ 39 ]

2010年代後半、ローゼンは傾いた干し草の山、岩だらけの崖、溶けた雪だるまのような塚のような作品を制作し始めた。[ 37 ]これらには、ひび割れた釉薬と原始的な外観を持つマンガン紫と白の焼成された陶器の塊であるブーガルー（2015年）などの小作品や、鋼鉄の骨組みの上に「もたれかかり」、水の動きとポーズをとったオダリスクの両方を想起させる、白と黒の縞模様の電球とチューブの塊であるウェーブII（2017年）のような巨大な作品が含まれていた。[ 37 ] [ 7 ] [ 2 ]ローゼンの展覧会「Tie Me to the Mast」（PPOW、2017年）には、チューブ、ひょうたん、ボール、塊をワイヤーでつなぎ、車輪付きの台車に積み上げた高さ6フィートのタワー2つ、バンク・アンド・パーセル（2011-8年）が含まれていた。アート・イン・アメリカ誌はこれを「ぶら下がった擬人化が滑稽だ」と評した。[ 7 ]

賞と公共コレクション

ローゼンはピュー・センター（1992年）[ 22 ] 、米国芸術家協会（2016年）[ 24 ]、ジョン・S・グッゲンハイム財団（2018年）からフェローシップを受賞している。[ 21 ]彼女は全米芸術基金（1979年、1986年）[ 44 ] 、ペンシルバニア芸術評議会（1988年）、ジョーン・ミッチェル財団（2011年）[ 23 ]、アメリカ芸術文学アカデミー（2018年）[ 45 ]から賞を受賞しており、2020年にアメリカ工芸評議会フェローに選出された。 [ 26 ]彼女はファブリック・ワークショップ・アンド・ミュージアム、ビーミス現代美術センター、ウォーターシェッド陶芸センター、フィラデルフィア芸術大学からアーティスト・レジデンシーを受賞している。[ 46 ] [ 47 ] [ 24

ローゼンの作品は、ロサンゼルス郡立美術館[ 17 ]、フィラデルフィア美術館[ 19 ]、クロッカー美術館、ダウム現代美術館[48 ]、デンバー美術館、エバーソン美術館[ 49 ] 、サンフランシスコ美術館、ボストン美術館[ 18 ]、カリフォルニア州オークランド美術館[ 50 ] 、バージニア美術館[ 20 ]などの公共コレクションに属しています。[ 26 ] [ 24 ] [ 47 ]

参考文献

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