アーリーン・シェシェット
アメリカの彫刻家
アーリーン・シェシェット
2018年、ユダヤ博物館にいたアーリーン・シェシェット
生誕1951年（74～75歳）
アメリカ合衆国、ニューヨーク市
教育
で知られる彫刻、インスタレーション、パブリックアート、ペーパーワーク
配偶者マーク・エプスタイン
受賞歴グッゲンハイム・フェローシップ、アノニマス・ワズ・ア・ウーマン賞、ジョーン・ミッチェル財団、アメリカ芸術文学アカデミー、全米デザインアカデミー
ウェブサイトアーリーン・シェシェット

アーリーン・シェシェット（1951年生まれ）は、独創的で重力に逆らうような配置と、多様な素材の実験的な使用で知られるアメリカの彫刻家です。[1] [2] [3]批評家たちは、彼女の作品を技術的でありながら直感的、ハイブリッドでありながら多形的であり、表面、仕上げ、スタイル、参照を自由に混ぜ合わせることで視覚的なパラドックスを生み出していると評しています。[4] [5] [6]彼女の抽象的・具象的な形態は、しばしば身体的経験や人間の状態のメタファーとして機能し、不完全さや不確実性をユーモアと哀愁をもって表現しています。[7] [8] [9] ニューヨーク・タイムズの批評家ホランド・コッターは、彼女のキャリアは「多かれ少なかれ伝統的な陶器の壺と、アメーバ状、腸状、とげとげしく、性的で、歴史的に言及的で、しばしば素晴らしく独創的な台座に展示された、非常に実験的な抽象的な形態の両方を網羅している…これは過去20年間で最も想像力豊かなアメリカの彫刻の一つである」と書いています。[10]

シェシェットの作品は、ポンピドゥー・センター[ 11] 、メトロポリタン美術館[12] 、ナショナル・ギャラリー[13]、ロサンゼルス・カウンティ美術館[14]などの公共コレクションに収蔵されている。彼女はホイットニー美術館[ 15]、ボストン現代美術館[16]、フリック・コレクション[17 ]、ストームキング・アートセンター[18]、ウォーカー・アート・センターなどでも展示を行っている。[19]彼女は2023年にアメリカ芸術文学アカデミーの終身会員に選出され、 2004年にはグッゲンハイム・フェローシップを受賞した。[20] [21]

彼女はニューヨーク市とその近郊のハドソン渓谷に住み、働いている。[22]

幼少期とキャリア

シェシェットは1951年ニューヨーク市に生まれた。[22]ニューヨーク大学で学士号を取得し、1978年にロードアイランド・スクール・オブ・デザイン（RISD）で美術学修士号を取得した。 [22]卒業後は1978年から1985年までRISDで、1984年から1995年までパーソンズ・スクール・オブ・デザインで教鞭をとった。 [18] [23] 1990年代、彼女の彫刻は土塁のような石膏と塗料の形を中心にしており、その形は座像を思わせるものだった。[24] [10]その頃、1995年にニューヨークのディウ・ドネ製紙工場から助成金を得て、シェシェットは粘土や中国の磁器を模倣した鋳造紙の制作を始めた。[25] [26] [27] 2000年代初頭、彼女は両方の作品群を基にして仏教の図像や変化、成長、悟りといったテーマを探求した彫刻やインスタレーションで批評家の注目を集め始めた。[28] [29] [30] [31] [32]

シェシェットが認知されるようになったのは、2000年代後半に粘土を主な制作媒体として使い始めた後のことである。彼女は、鍋の取っ手、手足、鼻、ランプ、抽象的なダンサーを暗示する形状の釉薬をかけた器彫刻を制作し始めた。[33] [34] [8] 2007年のニューヨーク・タイムズ紙の批評家ロバータ・スミスは、これらの作品について「多くの参照点がありながらも、ほとんど負い目がなく、芸術と宗教、東洋と西洋、絵画と彫刻から工芸と儀式へと、苦もなく行き来している」と評した。 [33]その後、タン・ミュージアム（2009年） 、デンバー現代美術館（2009年）での個展、 [35] [36]、そしてウェザースプーン美術館（2013年）、ボストン現代美術館（2015年、20年間の回顧展）など、美術館での展覧会が続いた。[22] [16]

アーリーン・シェシェット、No Noise、彩色された木製ベースに施された釉薬をかけた陶器、67インチ×17インチ×14インチ、2013年。

仕事と受付

批評家たちは、シェシェットの後期彫刻を、その形態、様式、工程における矛盾、そして予測不可能な色彩と質感の広がりによって特徴づけている。[16] [8] [24] ボストン・グローブ紙のセバスチャン・スミーは次のように記している。「色彩と質感、秩序と無秩序、衰退と開花する新鮮さといった要素の調和と緊張の中にこそ、これらの作品は咳き込み、はじけ、歌っているのだ。…シェシェットは、この人生が儚くも壮大なものであり、奇妙で夢のようなペースの変化、不合理で非対称、そして究極的には不可知なものであることを知っているのだ。」[16]注目すべきは、即興、偶然、そして規則破りを受け入れるシェシェットの自由奔放で直感的な手法と、その根底にある技術的な技能と厳格さ、つまり革新的な釉薬を用いた製作、彫刻、粘土焼成実験との対比である。[5] [37]

個展「ザ・サウンド・オブ・イット」（ジャック・シェインマン・ギャラリー、2010年）と「スリップ」（シッケマ・ジェンキンス＆カンパニー、2013年）で、シェシェットは、鋳造コンクリート、窯のレンガ、塗装された堅木などの素材で作られた台座の上に、不格好で有機的な陶器の形態を提示した。[38] [6] [16]二つの要素は物理的にも形式的にも不可分な全体として機能し、台座は多くの場合、個々の作品の中で最も多く言及される要素の一部となった。[38] [8]同様に、形式と機能の境界を覆す形で、最初の展覧会では、実用性のないボウル、水差し、ガラスケースの集合体や、粘土の焼成工程を逆転させた作品が展示された。この工程では、自由な形態は元の釉薬をかけていない状態のまま残され、窯のレンガの台座には細部まで色彩豊かに手が加えられた。[39] [38] ニューヨーカー誌の批評家ピーター・シェルダールはこの作品を「親密で力強い」と評し、「この展覧会は、燃え上がるエネルギーと第二の天性の熟練度を持つアーティストのスタジオでのひらめきを私たちに見せてくれる」と付け加えた。[40]

両展覧会は、シェシェットの作品におけるもう一つのパラドックス、すなわち、本質的に堅固で固定された彫刻作品において、動きが中心的な位置を占めていることを浮き彫りにした。[41] [24] [42]彼女の作品は、物理学に忠実でありながらも同時に反抗し、ブルックリン・レール紙が「弁証法的均衡」と呼んだ、動きのない動きという感覚から、形式的かつ比喩的な緊張を生み出している。これは、成長、変容、あるいは崩壊寸前までをも示唆している（例えば、 2010年の「風のせいで」）。[38]批評家が指摘する関連した側面として、彼女の作品は、その非対称性、意外性のある形状、そして非常に多様な表面によって、異なる角度から見ると、一見変形したり「複数のアイデンティティを付与する」 [24]能力を持っていることが挙げられます。[6] [5]

動きとバランスは、不安定さと偶然性を生み出し、シェシェットの彫刻の二つの重要な要素、すなわちユーモアと哀愁をも伝えている。[38]ユーモアは、彼女の即興的なバイオモルフィックな形態からも生まれている。作家たちは、それらを荒削りで、不器用でありながら自立しているようにも見え、予期せぬ開口部、奇妙な付属物、突起物、露出部、そしてずれた手足や突起物を内包する滑稽さで描写している。[3] [6] [38]彫刻作品「No Noise」（2013年）は、これらの特質を象徴する作品で、大きな孔を持つサンゴ状のバイオモルフを思わせる。鼻のような突起は、まるでバナナの皮で滑ったかのようにひっくり返っているように見える。ロバータ・スミスはそれを「激しく揺れる湯たんぽ」に例えた。[6] [42]

キュレータープロジェクト

シェシェットの作品は広範囲に渡って参照的であり、美術史の文脈やより広範な文化の内外、そして作品が収蔵される空間との関係において、しばしば自らを位置づけている。[2] [10] [6] [43] 2014年、彼女は美術館のコレクションからの歴史的作品と自身の彫刻を組み合わせた、遊び心のある破壊的な展覧会のシリーズの企画を始めた。[44] [45] [46 ] [47]「マイセン・リキャスト」（RISD美術館、2014年）と「磁器、単純な問題ではない」（フリック・コレクション、2016年）の展覧会は、彼女が2012年から2013年にかけてドイツの有名なマイセン磁器工場で2年間滞在制作したことから生まれたものであり、特筆すべきことに、彼女はフリックで詳細な展示を行った最初の存命のアーティストであった。[39] [17] [48]どちらの展覧会でも、彼女は高級食器やフィギュアを工業製品として際立たせ、自身の新作ハイブリッド彫刻と極めて型破りな配置で並置した。[7] [44] [17]フリック美術館で展示された作品の一つは、1730年に制作された蓮をモチーフにした磁器のボウルが、シェシェがオリジナルのボウルの型から外側から鋳造した粗削りなオブジェの上に浮かんでいるように見えるものだった。他の作品は、比喩的な断片や様々な製造工程の副産物を無礼にサンプリングすることで制作された。[48] [45]彼女がハイ・ローやアートと機能の階層構造を覆す手法は、美術館の展示慣習にも及び、工場の型を削り取ったり、あるいはそれを反映させた特注の壁、サイドボード、突き出た棚、そして型破りな素材や表面仕上げが用いられた。[44] [7]ニューヨーカー誌のアンドレア・スコットは、フリック美術館の展覧会を「敬意と急進性の間のバランスをとる行為」と評した。[48]

アーリーン・シェシェット、Low Hanging Cloud (Lion)、インスタレーションビュー、Full Steam Ahead、マディソン・スクエア・パーク、ニューヨーク、2018年。

シェシェットは「Disrupt the View: Arlene Shechet at the Harvard Art Museums」（2021年）でこのアプローチを再考し、ドイツ、日本、中国の歴史的な磁器やその他のオブジェと並んで最近の作品を展示した。[47]美術館全体の展覧会「From Here On Now」（フィリップス・コレクション、2017年）では、自身の彫刻作品と、美術館所蔵のゴッホ、モンドリアン、ジョーン・ミッチェル、モリス・ルイス、ウォーカー・エヴァンスなどの絵画作品を組み合わせ、ある彫刻作品では、正面の暖炉の開口部のネガを模倣した台座を制作した。[49]ワシントン・ポスト紙の批評家マーク・ジェンキンスは、この展覧会について「現代美術家と先駆者たちとの繋がりの多くは、興味深く絡み合っている。インスピレーションが単純なものではないということは、この多面的な展覧会から得られる教訓の一つだ」と述べた。[49]シェシェットは、ドローイング・センターとペース・ギャラリーでも展覧会を企画した。[50] [51]

その後の展覧会

マンハッタンのマディソン・スクエア・パークに設置されたシェシェットのインスタレーションは、多様な素材（磁器、鋳鉄、木材）、特注の台座、公園の設定や座席への変更や追加（例えば、彫刻された「スカートシート」）において、典型的なパブリックアートの慣習を打ち破りました。[52] [53]展覧会のタイトル「Full Steam Ahead（前進せよ）」は、公園の一端に記念碑を建てたデビッド・ファラガット提督の伝説的な言葉に由来しています。[53]ファラガットの像は、芸術と社会の両方で歴史的に蔓延していた男性優位の象徴と見なされることもあり、シェシェットは公園当局と交渉して彫刻の前のプールを空にし、事実上彫刻の力を奪いましたが、これはやや物議を醸しました。[52]彼女が制作した12体の人間サイズの彫刻は、多様な個性や生き物、そして公共彫刻としては珍しい家族のような親密さを示唆していますその中には、重さ1トンを超える磁器の作品「低く垂れ下がる雲（ライオン）」や、桜の木で彫られたずんぐりとした自信に満ちた女性像「フォワード」などがある。 [53] [52]シェシェットは展覧会中に一連のイベントも企画し、女優のフィオナ・ショーがT.S.エリオットの「荒地」を、ダイアン・ウィーストがシェシェットがデザインした彫刻的な衣装を着てサミュエル・ベケットの「幸福な日々」の一部を演じるというイベントも行った。[54]

アーリーン・シェシェット、「Moon in the Morning」、釉薬をかけたセラミック、塗装・染色した硬材、粉体塗装したスチール、75インチ x 44インチ x 37インチ、2022年。

その後の展覧会でも、シェシェットは彫刻、建築、装飾の伝統を分析し続け、素材と形態の新たな対話を展開した。[55] ロサンゼルス・タイムズの評論家リア・オルマンは、2019年にロサンゼルスのヴィールメッターで行われた彼女の展覧会を「惜しみない賛辞と幅広い関連性」と評し、陶芸家のピーター・ヴォルコスとケン・プライス、コンスタンティン・ブランクーシ、クレス・オルデンバーグ、ブルータリスト建築に言及した。[2]「スカート」（ペイス、2020年）展では、動詞、彫刻用語、女性蔑視の表現としても機能する展覧会のタイトルを通して、間接的にジェンダー格差に言及した。[56] [43]ブルックリン・レールの書評では、色彩、表面、形態における絵画と彫刻の統合を画家のジョアン・ミロとパブロ・ピカソに例えた。素材には、嵐で倒れた真鍮で節を埋めた木の幹、釉薬をかけた陶器の塊、鋳鉄や鋼などが含まれていた（例：The Crown Jewel、2020年）。[43] [57]「Best Picture」（Vielmetter、2022年）展では、ハリウッドの著名人をゆるやかに連想させる、生き生きとした人間サイズの彫刻が紹介された。また、彼女は、重厚な彫刻に柔らかな対比をなす、2枚の大型の混合素材のタペストリーという新しい形式も導入した。[9] [58]フリーズマスターズ（2023年、ロンドン）では、インスピレーションの源となった中世の装飾写本とともに、鮮やかな色彩と豊かな質感の彫刻と鋳造紙の容器11点を展示した。[59] [60] [61]

2024年、ストームキングアートセンターはシェシェットの展覧会「ガールグループ」を開催した。この展覧会には、鋼鉄とアルミニウムで溶接された6つの巨大な屋外作品と、屋外作品の生成源となった胴体サイズの陶器の屋内彫刻が含まれていた。[62] [63] [64]この展覧会のタイトルは、作品の合唱を想起させ、女性ロックバンドを参照し、公共彫刻と会場における男性ミニマリストアーティストの歴史的優位性についてコメントしていた。[18] [65]シェシェットは、これまでで最大規模（高さ28フィート、長さ30フィート）で作業し、風になびく布地を示唆する数十の複雑に溶接された形状、鮮やかな手作業で混ぜられた色合い、マット、光沢、そして時折自然なアルミニウムの表面を並置した素材と仕上げの融合を組み合わせた個々の作品を制作した。[63] [65] [1] [64] ニューヨークタイムズの評論家ナンシー・ハスは、展覧会の作品は「急降下する曲線、予想外の開口部やスリット、直角、トンネル、円錐、盾のような広がりなど、共通の言語を持っているが、それぞれが独自の個性を持ち、一種の神話上の生き物の宇宙を作り出している」と書いている。[18]

表彰

シェシェットは、ジョン・S・グッゲンハイム・フェローシップ（2004年）[21] 、アノニマス・ワズ・ア・ウーマン（2010年）、アメリカ芸術文学アカデミー（2011年）、カレッジ・アート・アソシエーション（2016年）[66] [67] [68] 、全米芸術基金、ニューヨーク芸術財団、ディウ・ドネ・ペーパーミル、ジョーン・ミッチェル財団、 VIAアート・ファンドなどから助成金を受けています。 [22] [27] [69] [70]。彼女は2016年に全米デザインアカデミー、 2023年にアメリカ芸術文学アカデミーに選出されました。 [71] [20]

公共コレクション

シェシェットの作品は、以下の機関をはじめとする公共コレクションに所蔵されています

参考文献

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  94. ^ ウォーカー・アート・センター. アーリーン・シェシェット・コレクション. 2023年9月25日閲覧。
  • アーリーン・シェシェット公式ウェブサイト
  • Art21のアーリーン・シェシェット
  • レベッカ・スミスによるインタビュー、Bomb Magazine、2024年
  • アーリーン・シェシェットインタビュー、カルチャード、2024年
  • 「アーリーン・シェシェット：オール・アット・ワンス」ボストン現代美術館、2015年
  • アーリーン・シェシェット、ペース・ギャラリー
  • アーリーン・シェシェット、ヴィルメッター・ロサンゼルス
  • アーリーン・シェシェット、アルミン・レック
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