チャンネル・プレッシャー

フォード＆ロパティンの2011年スタジオアルバム
チャンネル・プレッシャー
スタジオ・アルバム
フォード＆ロパティン
リリース2011年6月7日 （2011年6月7日）
録音2010年11月～2011年1月
スタジオニューヨーク、ブルックリンのゲイリーズ・エレクトリック
ジャンル
長さ37:23
ラベルソフトウェア
プロデューサー
フォードとロパティンの年表
私たちは遊べる
（2010） 		チャンネルプレッシャー
（2011）
チャンネル・プレッシャーのシングル
  1. 「緊急救命室」
    公開日：2011年4月25日
  2. 「Too Much MIDI (Please Forgive Me)」
    リリース日: 2011年6月13日

『チャンネル・プレッシャー』は、プロデューサーのダニエル・ロパティン（別名ワンオートリックス・ポイント・ネヴァー）とジョエル・フォードからなるエレクトロニックミュージック・デュオ、フォード＆ロパティンのデビュー・スタジオ・アルバムです。法的理由により以前のグループ名「Games」を放棄した後、彼らはニューヨーク・ブルックリンのゲイリーズ・エレクトリック・スタジオでアルバムをレコーディングしました。このアルバムは、ロパティン自身のレーベルであるメキシカン・サマー傘下のソフトウェアからの第一弾アルバムとして、2011年6月7日にリリースされました。

「チャンネル・プレッシャー」は、スーパーコンピューターの声によって洗脳されたジョーイ・ロジャースというティーンエイジャーを描いたコンセプトアルバムです。音楽的には、エレクトロポップ、ホワイトソウル、R&B、ジャズフュージョン、ニューエイジなど、1980年代の様々な音楽スタイルを織り交ぜ、前作よりも洗練された、より質の高い制作技術が採用されています。アル・カールソン、オート・ネ・ヴー、ジェフ・ギテルマンがプロデュースとボーカルを担当しています。

このアルバムは「Emergency Room」と「Too Much MIDI (Please Forgive Me)」という2枚のシングルでプロモーションされました。Channel Pressureは発売と同時にプロの音楽ジャーナリストから好評を博し、 Gorilla vs. Bearによる2011年の年間ベストアルバムリストで18位にランクインしました。

背景と制作

フォード＆ロパティンは2009年にゲームズという名義で結成された。[3]デビューアルバム『That We Can Play 』（2010年）は、 Pro Toolsで即興演奏をステレオ録音・編集したEP（拡張プレイ）である。[4] 2010年8月のインタビューで、フォードは最近ブルックリンでジャン・ハマーの息子と会ったと語り、ハマーのニューヨーク州北部にあるスタジオでゲームズ初のフルアルバム用のシンセサイザーを録音することについて話し合った。そして、12月から同スタジオでアルバムのレコーディングを開始することを発表した。「まだコンセプトを練っている段階だが、アスレチックなカットとスムーズなジャズフュージョンが間違いなく含まれるだろう。」[3]

2010年秋、 Mexican Summerというレーベルの創設者であるキース・アブラハムソンとアンドレス・サント・ドミンゴは、フォードとロパティンと話し合い、グループにMexican Summerの下で新しいレーベルとスタジオを設立することを提案した。[5] 2011年2月、2人は名前をフォード＆ロパティンに変更したが、これはインタースコープ・レコードのアーティストGameとの法的問題を回避するためと言われている。[4]そしてMexican Summerの下でレーベルSoftwareを設立。Channel PressureはSoftwareの最初のリリースとなった。[6] That We Can Playと同様に、Channel PressureはPro Toolsソフトウェアを使用して制作された。[7]ただし、より高度な機材を備えたはるかに大きなスタジオで録音されたため、ジャムセッションの録音には、 That We Can Playのように1つのトラックだけでなく複数のチャンネルに信号が送られる楽器が含まれ、各曲の作成および編集方法に多くの可能性がもたらされた。[4]

ロパティンは、 『Channel Pressure』の制作にこのプログラムを使用したことで、プログラムへの慣れ親しむ感覚が増したと語った。彼は開発プロセスを「ホワイト・アルバムのような感じで、曲によってはジョエルが主導し、曲によっては私が主導した。どんなアイデアが浮かんだとしても、二人で色々なものを混ぜ合わせていた」と表現した。[7]ローランドのGaiaシンセは、彼が「奇妙なスキャット・ダッド・サウンド」と呼ぶサウンドを実現するために使用された。「Jポップのようなカートゥーン調のサウンドを作りたかったんです。それに、トーマス・ドルビー風の、面白いシンセの瞬間を詰め込みたかったんです。彼は、奇妙で奇抜なものではなく、シンセの感情や形を動物園のように楽しく表現してくれるんです。」[7]

構成

Channel Pressureのスタイルは、 Beats per Minute誌では「80年代風エレクトロポップ、ハッピーなフック、ニューエイジ風のビデオゲームの世界のテーマ、Rhythm Nation時代のインダストリアルR&B、そしてたっぷりと重ねられたシンセのチーズ」のミックスと評され[8] 、 Spin誌では「Ariel Pink」の流れを汲むパスティッシュと評された[9]。批評家の中には、このアルバムのグリッチと慌ただしいアレンジやサウンド構成を指摘する者もいた。AllMusic誌は、このアルバムを「脆いデジファンク、グーイーでソフトフォーカスなR&B、奇抜なフュージョンジャズ、ヌードルなエレクトロプログレ、そして安っぽいニューエイジの境界を曖昧にしている」と評した[2]。Alarm誌のスコット・モローは、このアルバムを1980年代音楽の「現代的で実験的なひねり」と分類し、そのサウンドを「 Prefuse 73をマイアミ・バイスのテーマにひねりを加えたもの」と評した。[10]アラーム誌の別のジャーナリスト、パトリック・ハジュダックの言葉を借りれば、チャンネル・プレッシャーは「80年代の安っぽい雰囲気のぎくしゃくしたループの融合」であり、楽器とボーカルの録音はサンプルレートを下げられ、「分解され」、「再び粉砕された」ものである。このレコードは「80年代の滑らかなサウンドと準R&Bの曲構成」を持ち、その「クレイジーなプログラミング」とは矛盾している。[10]

慌ただしいサウンド編集は、アルバムのインストゥルメンタル部分で最も顕著で、[10] Sputnikmusicのコンラッド・タオが説明したように、「レイヤーが積み重なっては予告なく消え、ビートはどこからともなく現れ、フランジャーがふんだんに使用されている」。[11] PopMattersの評論家リチャード・エリオットは、アルバムのドラムパートに「過去のどもり」が感じられると指摘し、それは「当時の美学の多くを占めていたアナログとデジタル、「リアル」とシンセサイザーの間の一般的な争い」の象徴だったと述べている。[12]

ベッカーの分析によると、 『チャンネル・プレッシャー』におけるボーカルの使用は、このアルバムを「古すぎて新しい、インストゥルメンタルのエレクトロニック・アルバムというよりは、ポップソングのコレクション」にしている。[8]ジョエル・フォードは、グリーン・ガートサイド[ 1 ]、ジミー・サマーヴィル[12]、ルイス・テイラー[1]風のファルセット[1]で歌い、そのボーカルにはオートチューンがかけられている。[1]タオは、この歌声を「不気味なほど感情がない」かつ「意図的にロボット的で、もし神がGLaDOSの男性版のように聞こえるなら、神の声のように聞こえる」と表現し、歌声のロボット的な側面が「わざと安っぽいメロディーに（表面的ではあるが）歓迎すべき重厚さを与えている」と分析している。[11]

コンセプト

『チャンネル・プレッシャー』は、2082年を舞台にしたレトロフューチャリスティックな物語として想像されたコンセプトアルバムです。[1] 『ウォー・ゲーム』（1983年）[1] 、 『トロン』（1982年）[1]、『ドニー・ダーコ』（2001年）[2]の要素を組み合わせたこの物語は、ジョーイ・ロジャースという名の「温厚な」10代のアンチヒーローが、眠っている間にテレビからレコード業界を操るスーパーコンピューター「システムII」から潜在意識に送られた複数の声によって洗脳されるというものです。 [13] [14] [2] [1]声は彼を操り、楽器店に侵入させます。[14]ローワン・サヴェージはこの物語が、人間を操る「インフルエンシング・マシン」というヴィクター・タウスクのコンセプトに似ていると感じました彼は、歌詞にテレビが頻繁に登場することは「このアルバムが過去の技術と未来の技術の間、1984年と映像と機械の仮想的な分離の間のどこかに位置することを示している」と説明した。[1]フォードとロパティンは、マサチューセッツ州ボストン行きのバスに乗っているときに、ジョーイ・ロジャースのキャラクターのアイデアを思いついた。[13]

トラック

チャンネル・プレッシャーは「スカムソフト」で幕を開ける。ロジャースがテレビのチャンネルを切り替えている最中、悪魔のような番組の断片に取り憑かれる。[13]このトラックは、ロパティンがランダムに選んだYouTube動画のサンプルをアル・カールソンのテープエコーフィルターを通して再生したモンタージュである。[13]ロパティンは、YouTubeをアルバム制作に使われた「2番目に優れたシンセサイザー」だと冗談めかして表現し、その上位にはローランド・ジュピター8が使われていると述べている。[13] オルタナティブ・ヒップホップ・グループ、ダス・レイシストのメンバー、ヒームズがアルバムのヴァースをフルで録音したが、実際に使われたのはその一部で、「スカムソフト」の終盤でフィーチャーされている。[13]ロパティンが「より発展したジュピター8 MIDIジャムの一つ」と評するチャンネル・プレッシャーのタイトルトラックは、アルバムを通してロジャースを洗脳するスーパーコンピューター「システムII」を紹介する。 [13]このトラックでは、コンピューターの声はメキシカン・サマーのスタッフであるジュリア・クリヴォノスが担当している。[13]曲のコーラスで流れるオムニスフィアのストリングスは、ミックスが終わった後にフォードとロパティンによって追加されたもので、ギレルモを怒らせた。[13]乾いた不吉なダブ風のサウンドスケープ、[15]ジェフ・ギテルマンが演奏するスカの影響を受けたギター[ 15] 、そして映画『続・夕陽のガンマン』のテーマを彷彿とさせるリフを演奏するフルートのトリルリフの繰り返しも楽器編成に含まれている。[11]

「Emergency Room」はChannel Pressureのリードシングルで、2011年4月25日にリリースされました。[16] PitchforkのZach Kellyは「過剰の10年間の忘れられたB級映画のサウンドトラック」[17]に、 XLR8RのKen TaylorはOingo Boingoの作品に例える ほど楽しい曲です。[18]曲の途中で、[17] Gitelmanのジャズメタル風のギターソロが、不協和なボーカルスタブのバックグラウンドで演奏されます。[13]フォードが「傷ついているけれど、声は消えていく」と歌うと、散発的なインスタンスはすべて静まり返ります。[17]この曲のRoland D-50のベースリフ[13]は、KellyによってGary Numanの曲「Cars 」のリフに例えられました。[17]ロパティンが「偽のメタルジャム」と呼んだ「ロックセンターパラノイア」[13]では、ロジャースは楽器店で不安発作を起こします。[13]この曲には、二人がチャンネルプレッシャーをレコーディングしていた場所の隣のドアから買ったミニモーグと、ギテルマンが「7年生風に速弾き」しているギターパートがフィーチャーされています。[13]

「Too Much MIDI (Please Forgive Me)」は、チャンネル・プレッシャーの2枚目のシングルで、アダルトスイムの2011年シングルプログラムでリリースされた10曲のうちの最初の曲でした。[19] 2011年6月13日にこのプログラムでリリースされると、ピッチフォークのケリーによるトラックレビューで「最優秀新曲」のラベルが付けられました。[20]このトラックでは、高架の州間高速道路でハッチバックに乗りながら、自分の夢の世界でアルバムをレコーディングすることに興奮しているロジャースが描かれています。[13]それは嘆きとして始まります[20]ロパティンが「地下のS&M蒸気の世界」と表現したもののように聞こえ、[13] 「エイリアンのような」シンセサイザーとインダストリアル・ミュージックでよく見られるサウンドで音楽的にアレンジされています。[20]その後、この曲は「典型的なシンセポップ・バンガー」へと変化し、シンセのスタブはプリンス＆ザ・レボリューションの「パープル・レイン」を彷彿とさせ、「美味しくチープなギターの叫び」を奏でるとケリーは分析した。[20]サヴェージはこのインストゥルメンタルをニュー・オーダーの「ブルー・マンデー」と比較し、その「フレットレス・ベースの美的特徴」はミュージシャンのミック・カーンのそれに似ていると指摘した。[1]

フォードとロパティンの「秘伝のレシピ」であるように、チャンネル・プレッシャーのために書かれた曲のほとんどは、フォードとロパティンが実験を始める前は、スムースジャズとして始まった。 [13]「ニュー・プラネット」の制作は、このプロセスの最良の例である。[13]フォードとロパティンは、フレットレス・ベースギターのリードメロディーとシンセパッドを中心にトラックを構築し、Prefuse 73は、2人の言葉を借りれば「この曲を雲の上まで連れて行った」。[13]フォードとロパティンが冗談めかして「私たちの甘いELOのコピー曲」と表現した「ザ・ヴォイセズ」の歌詞には二重の意味がある。この曲はロジャーが幻聴について歌っているが、同時に、語り手が脳内に残したくないイヤーワームについても歌っている。 [13]この曲はグリッチのあるサウンドであるにもかかわらず、ポップミュージックの要素も含まれており、悲しげで香り高い雰囲気を醸し出している。[13]続いてジョーイ・ロジャースのテーマソングが続き、ロジャースにちなんで名付けられている。この曲は、フォードの言葉を借りれば「彼の夢を支配する」レコードを作るためにシステムIIが必要であるという内容である。[13]

「Dead Jammer」はフォードによって「ジョン・マクラフリンとジェリー・ガルシア、そしてスティーブ・ローチが出会ったアンビエント」と評された。[13]ヤン・ハマーの特徴的なアルペジエートされたシンセサイザー・リフとテープ・エコーがこの曲で使用されているほか、タイガーシティのアンドリュー・ブレイディのギターワークも見られる。[13]マロウはこれを「ギター、ベース、そしてプログラミングされたサウンドがそれぞれ異なる働きをする、ポリリズムでありながらリラックスできるミックス」と評した。 [10]開発中に「ベイビーフェイスのジャム」と呼ばれていた「Break Inside」では、オートル・ネ・ヴーとギテルマンが同じリードボーカルのメロディーを異なるスタイルで歌い、フォードは「彼らを結びつける奇妙なコンピューター接着剤」として機能しているとロパティンは述べている。[13]ロパティンによって「恋人たちのカシオ・レゲエ」と分類された「I Surrender」は、オートル・ネ・ヴーのボーカルをフィーチャーした『Channel Pressure』の別の曲である。[13]この曲に続くのは「グリーン・フィールズ」で、これもハマーの影響を受けた『チャンネル・プレッシャー』の曲である。[13]フォードとロパティンがツイックスのテレビCMで聞いたイェローの曲「オー・イェー」から音楽的に影響を受けた「ワールド・オブ・リグレット」は、アルバムのストーリーの中でロジャースの「快楽主義的な最後の晩餐」が行われ、「お父さんたち」の合唱団がそれに加わる場面である。[13] 『チャンネル・プレッシャー』は「G's Dream」で終了する。

批評家の評価

専門家の評価
総合スコア
出典評価
AnyDecentMusic?7.4/10 [21]
メタクリティック78/100 [22]
レビュースコア
出典評価
オールミュージック星星星星[2]
1分間の拍数73% [8]
DIY8/10 [23]
ピッチフォーク7.5/10 [15]
ポップマターズ9/10 [12]
スピン8/10 [9]
スプートニクミュージック4/5 [11]
タイニー・ミックス・テープ星星星星[1]
アンダー・ザ・レーダー星星星星星星星[24]
XLR8R6/10 [18]

『チャンネル・プレッシャー』は発売後、まずまずの好評を得た。ポップマターズ誌の評論家リチャード・エリオットは、このアルバムを非常に好意的に評し、「英雄的な遺産の作品。あまりにも頻繁に不毛で空虚だと片付けられてきた時代を再編する」作品であり、「聴くたびに、より明白で光沢のある層を剥がすたびに、より良くなる」アルバムだと評した。[12]彼は、このアルバムが「不誠実さへのノスタルジアや、内容よりもスタイルへの欲求に左右されるようなものではない」と分析し、デュオは「記憶作業に没頭し、テクスチャをつなぎ合わせ、音の塊を再構成することで、本来の論理に挑戦し、変化させている」と述べている。[12]また、彼は、トラックの「壊れやすく」不安定なアレンジメントがいかに「魔法のようなポップサウンド」に作り変えられているかを強調した。[12]オールミュージックのジャーナリスト、K・ロス・ホフマンは、このアルバムをネオン・ネオンのアルバム『ステンレス・スタイル』（2008年）と比較し、「チャンネル・プレッシャー」は「ネオンのノスタルジアとナイロンの吐き気に満ちた、丹念に再現された時代劇としても、そしてそれ自体が素晴らしい（ただし明らかに歪んでいる）エレクトロニック・ポップ・ミュージックとしても、同じように楽しめる」と書いている。[2]彼は、このデュオが1980年代の音楽から驚くほど新鮮なサウンドを作り出す能力を称賛した。「それは、彼らの素材への明らかな愛情と、曲とサウンドへの同等の献身的な配慮によるものだ」[2]

ラリー・フィッツモーリスは『チャンネル・プレッシャー』を「詰め込み過ぎで馬鹿げているが、同時に、プラグインしたりドロップアウトしたりしたくなるような魅力的な誘いでもある」と評した。彼はボーカルと「機能的な」インストゥルメンタルを称賛し、それらが「バランスを保っている」と述べ、古風なソングライティングも称賛した。[15]サヴェージは『チャンネル・プレッシャー』を「実験と親しみやすさ、チーズのような誠実さ、ティーンの感情、文化的診断、そしてリベラルなナイーブな魅力が等しく融合した作品」と評した。[1]彼はメロディーが「すぐに意識に刻み込まれるのではなく、徐々に意識の中に入り込んでいく」点を強調した。これは、コンピューターが人間の行動を操作するというアルバムのコンセプトを考えると巧妙な判断だった。[1]ハジュダフは『チャンネル・プレッシャー』を「奇妙でありながら、同時にかなり普遍的に好感の持てる作品」であり、1980年代の音楽にきちんとオマージュを捧げた数少ないレコードの一つだと称賛した。[10] Exclaim!誌のレビューキャム・リンゼイは、このアルバムが「抜け目なく」、多くのリスナーに受け入れられながらも複雑である点を高く評価した。[25]このアルバムは後に、同誌の「2011年ベストダンス＆エレクトロニックアルバム20選」で16位にランクインした。[26]タオは、アルバムで使用されているサウンドの複雑さを強調し、歌詞の大部分が「アルバムのコンセプトへの漠然とした言及や、『ビッグブラザーが見ている』といった一般的な感情を表現している」ことを踏まえると、このアルバムを繰り返し聴く価値があるとしている。[11]

ライターのベン・シューマーは、より賛否両論の批評の中で、このLPは「楽しめる」ものの、「タイムカプセル以上のものではない」と評した。[24]また、ワンオートリックス・ポイント・ネヴァー・プロジェクトの作品を聴いたリスナーは、「ダークシンセの王様がいかに間抜けになれるかに衝撃を受けるだろう」と述べている。[24]ベッカーは、このアルバムを「エプコットをテーマにした夢と技術的神秘主義を巡る、紛れもなく楽しい旅」と呼び、「キャンディーのようなもの。体に良いわけではないが、美味しくて飲みやすい」と評した。[8]しかし、彼はこのアルバムを、1年前にリリースされたロパティンのアルバム『Returnal』 （2010年）や、ジョエル・ヴァンドローゲンブルック、そして20年以上も前にチャンネル・プレッシャーと同じスタイルの音楽を制作していたソフトウェア・グループのピーター・マーゲナーとマイケル・ヴァイサーの作品と比較した。彼はこれらの点において、「チャンネル・プレッシャーの多くは、期待外れに無難な出来だ」と評した。[8]テイラーは、このアルバムがプロジェクト「That We Can Play」 （2010年）の前作よりも劣っていると感じた。彼は、 Channel Pressureにおける1980年代の音楽に対する自意識過剰で「研究しすぎた」解釈や、「集中しすぎた、考えすぎた作詞作曲と制作」が、That We Can Playの「歓迎すべき自由さ」を犠牲にしていると論じた。 [18]彼は、これが「あまりにも多くの文化的ヒントが私たちに投げかけられている」ことにつながっていると感じた。 [18]彼は全体的に、このレコードを「時代遅れだが、良い意味ではない」と評した。[18] Channel Pressureは、 Gorilla vs. Bearの2011年のベストアルバムリストで18位にランクインした。[27]

トラックリスト

Channel Pressureより派生[28]

番号タイトル長さ
1.「スカムソフト」0:40
2.「チャネル圧力」3:02
3「緊急救命室」3:33
4.「ロック・センター・パロノイア」1:21
5.「トゥー・マッチ・MIDI（プリーズ・フォーギブ・ミー）」4:14
6.「ニュー・プラネット」3:22
7.「ザ・ヴォイシズ」3:00
8.「ジョーイ・ロジャース」3:43
9「デッド・ジャマー」2:16
10.「ブレイク・インサイド」4:50
11.「私は降伏する」3:14
12「グリーン・フィールズ」0:53
13.「ワールド・オブ・リグレット」2:42
14.「Gの夢」0:41
全長:37:23

人事

チャンネル・プレッシャーのライナーノーツより。[28]

2010 年 11 月から 2011 年 1 月にかけてニューヨーク、ブルックリンのGary's Electric Studioで録音され、ニューヨーク市の The Lodge でJoe LaPortaによってマスタリングされました。

  • ジョエル・フォード- シンセサイザー、作詞作曲、プロデュース、ボーカル（「Joey Rogers」と「I Surrender」を除く）、ドラムプログラミング
  • ダニエル・ロパティン- シンセサイザー、作曲、プロデュース、追加ドラムプログラミング（「I Surrender」）
  • ジェフ・ギテルマン- ギター（「Green Fields」を除く）、ボーカル（「Joey Rogers」）、追加ボーカル（「Too Much MIDI (Please Forgive Me)」）、追加ボーカルと歌詞（「Break Inside」）
  • Autre Ne Veut - ボーカルと追加歌詞（「I Surrender」）、追加ボーカルと歌詞（「Break Inside」）
  • アーロン・デヴィッド・クロス - 追加シンセサイザー（「Break inside」）
  • ポール・ハマー - ドラムス（「The Voices」）
  • アンドリュー・ブレイディ - ギター（「グリーン・フィールズ」）
  • Himanshu Suri - 「Scumsoft」のボーカル
  • ジュリア・クリヴォノス - システム II の声 (「Channel Pressure」)
  • アル・カールソン - エンジニアリング、ボーカルプログラミング
  • ジョー・ラポルタ - ミキシング
  • ギレルモ・スコット・ヘレン - ミキシング
  • サンダーホース - カバーアート
  • B. Sisto - レイアウトとタイポグラフィ

参考文献

  1. ^ abcdefghijklmnopq サヴェージ、ローワン. 「フォード＆ロパティン – チャンネル・プレッシャー」.タイニー・ミックス・テープ. 2015年2月20日閲覧
  2. ^ abcdefg Ross Hoffman, K. 「Channel Pressure – Ford & Lopatin」Allmusic . Rovi Corporation . 2015年2月20日閲覧。
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  4. ^ abc Friedlander, Emilie (2011年2月11日). 「GamesのDan Lopatinが新レーベルと名前変更について語る」. Altered Zones . Pitchfork Media . 2011年2月14日時点のオリジナルよりアーカイブ。2017年7月31日閲覧。
  5. ^ Beta, Andy (2011年6月10日). 「Q&A: Ford & Lopatin On Playing Together And Playing With Studio Toys」The Village Voice . Peter Barbey . 2017年7月31日閲覧。
  6. ^ Fitzmaurice, Larry (2011年2月9日). 「GamesがFord & Lopatinに社名変更、Mexican Summer Imprint Softwareを設立」. Pitchfork . Conde Nast. 2017年7月31日閲覧。
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  8. ^ abcde Becker, Josh (2011年6月6日). 「アルバムレビュー：Ford & Lopatin – Channel Pressure」. Beats per Minute . 2015年2月20日閲覧。
  9. ^ ab 「Ford & Lopatin, 'Channel Pressure' (Mexican Summer)」. Spin . SpinMedia . 2011年6月7日. 2015年2月20日閲覧。
  10. ^ abcde Morrow, Scott; Hajduch, Patrick (2011年6月29日). 「Morrow vs. Hajduch: Ford & Lopatin's Channel Pressure」. Alarm . 2015年3月1日閲覧。
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