コミック
画像とテキストで情報を伝達する創作作品

リトル・ニモ、1906年8月19日 ストリップ

コミックは、画像でアイデアを表現するために使用される媒体であり、多くの場合、テキストやその他の視覚情報と組み合わせて使用​​されます。通常、画像のコマの連続という形をとります。吹き出し、キャプション、擬音語などのテキストデバイスは、会話、ナレーション、効果音、またはその他の情報を示すことができます。理論家や歴史家の間では、コミックの定義についてコンセンサスはありません。画像とテキストの組み合わせを重視する人もいれば、連続性やその他の画像関係を重視する人もいれば、大量複製や繰り返し登場するキャラクターの使用などの歴史的側面を重視する人もいます。漫画やその他のイラストレーションは、コミックにおける画像作成の最も一般的な手段です。フォトコミックは、写真画像を使用する形式です。一般的な形式には、コミックストリップ、社説漫画、ギャグ漫画、コミックブックなどがあります。20 世紀後半以降、グラフィックノベルやコミックアルバムなどの製本された書籍、そしてウェブコミックがますます一般的になっています

漫画の歴史は、文化によって異なる道をたどってきた。学者たちは、その前史をラスコー洞窟壁画まで遡ると仮定している。20世紀半ばまでに、漫画は特に米国、西ヨーロッパ（特にフランスとベルギー）、日本で盛んになった。ヨーロッパの漫画の歴史は、ロドルフ・テプファーの1830年代の漫画連載に遡ることが多いが、ヴィルヘルム・ブッシュと彼のマックス・アンド・モーリッツも1865年以降世界的な影響を及ぼし、[1] [2] [3] [4] 、1930年代の漫画連載や『タンタンの冒険』などの書籍の成功を受けて人気を博した。アメリカの漫画は、新聞の漫画連載の出現により、20世紀初頭にマスメディアとして登場した。 1930年代には雑誌スタイルの漫画本が続き、 1938年にスーパーマンが登場した後はスーパーヒーローのジャンルが目立つようになりました。日本の漫画（マンガ）の歴史では、その起源は12世紀にまで遡るとされています。日本の漫画は、一般的に欧米の漫画の発展とは切り離されて考えられており、西洋の漫画は17世紀のイタリアで始まったと考えられています。[5]現代の日本の漫画は20世紀初頭に登場し、漫画雑誌や漫画本の生産量は、第二次世界大戦後の時代（1945年～）に手塚治虫などの漫画家の人気により急速に増加しました。漫画は、その歴史の大部分において低俗な評判を伴っていましたが、20世紀末に向けて、一般の人々や学者の間でより広く受け入れられるようになりました。

英語の「コミックス」という用語は、媒体自体を指す場合は単数名詞として使用されます(例: 「コミックスは視覚芸術形式です。」)。ただし、作品をまとめて指す場合は複数形として使用されます (例: 「コミックスは人気の読み物です。」)。

起源と伝統

ヨーロッパ、アメリカ、日本の漫画の伝統はそれぞれ異なる道をたどってきた。[6]ヨーロッパでは、その伝統は1827年という早い時期からスイス人のロドルフ・テッファーに始まると考えられており、アメリカ人はリチャード・F・アウトコルトの1890年代の新聞漫画「イエロー・キッド」に起源を見出しているが、多くのアメリカ人がテッファーの先例を認識するようになっている。ヴィルヘルム・ブッシュはルドルフ・ダークスと彼の「カッツェンヤマー・キッズ」に直接影響を与えた。[7] [8] [9] [10] [11]日本には第二次世界大戦時代まで続く風刺漫画やコミックの長い歴史がある。浮世絵師の葛飾北斎は19世紀初頭に漫画と漫画を意味する日本語の「マンガ」という言葉を広めた。[12] 1930年代、ハリー・A・チェスラーは漫画スタジオを設立しました。最盛期には50社の出版社に40人のアーティストが所属し、第二次世界大戦後の「漫画の黄金時代」における漫画という媒体の隆盛に貢献しました。 [13]戦後、手塚治虫が多作な作品を生み出したことで、日本の近代漫画は隆盛を始めました。[14] 20世紀末にかけて、これら3つの伝統は、ヨーロッパではコミックアルバム、日本では単行本、英語圏ではグラフィックノベルという、単行本形式の漫画へと収束していきました。[ 6 ]

これらの系譜以外にも、漫画理論家や歴史家は、フランスのラスコー洞窟壁画[15] （時系列の画像の連続と思われるものもある）、エジプトの象形文字、ローマのトラヤヌスの記念柱[16] 、 11世紀のノルマン人のバイユーのタペストリー[17]、1370年のボワ・プロタットの木版画、15世紀のアルス・モリエンディとブロックブック、システィーナ礼拝堂にあるミケランジェロの「最後の審判」 [16]、ウィリアム・ホガースの18世紀の連続版画[18]などに漫画の先例を見出している。[16] [b]

ノルマン人のイングランド征服に至る出来事を描いた非常に長い刺繍布。
理論家たちは、バイユーのタペストリーが漫画の先駆けであるかどうかについて議論している。

英語の漫画

「友好関係の間の怒りのこもった言い争い」 -キャロライン事件（1840～1841年）をめぐる政治を風刺した版画
ギュスターヴ・フェルベークによる漫画『The Upside Downs of Little Lady Lovekins and Old Man Muffaroo』には、反転可能な図とアンビグラムの文章が含まれています (1904 年 3 月)。

19世紀のイギリスでは、イラスト入りのユーモア雑誌が人気を博していました。その最初のものは、1825年に短命に終わった『グラスゴー・ルッキング・グラス』でした。 [20]最も人気があったのは『パンチ』で、[21]そのユーモラスな風刺画から「カートゥーン」という言葉を広めました。[22 ]これらの雑誌の漫画は、時折、連続して掲載されました。 [21]アリー・スローパーというキャラクターは、1884年に週刊誌で登場し始めたときに、最初の連載漫画に登場しました。[23]

アメリカン・コミックは『パック』『ジャッジ』『ライフ』といった雑誌から発展した。『ニューヨーク・ワールド』、そして後に『ニューヨーク・アメリカン』のイラスト入りユーモア雑誌、特にアウトコールトの『ザ・イエロー・キッド』の成功が、新聞のコミック・ストリップの発展につながった。初期の日曜版ストリップはフルページ[24]で、しばしばカラーだった。1896年から1901年にかけて、漫画家たちは連続性、動き、吹き出しなどの実験を行った[25] 。一例として、 1903年から1905年にかけてコミック・シリーズ『オールド・マン・マファルーとリトル・レディ・ラブキンズの裏側』を執筆したギュスターヴ・フェルベークが挙げられる。これらのコミックは、6コマ漫画を読み、本をめくって読み続けることができるような形式で作られていた。彼は合計64のコミックを制作した。 2012年に、マーカス・イヴァルソンによって選ばれた漫画がリメイクされ、「In Uppåner med Lilla Lisen & Gamle Muppen」という本にまとめられました。（ISBN 978-91-7089-524-1)

5コマ漫画
バド・フィッシャーの『マット・アンド・ジェフ』（1907年～1982年）は、最初の成功した日刊漫画でした（1907年）。

20世紀初頭には、より短い白黒の日刊漫画が登場し始め、1907年にバド・フィッシャーの『マット・アンド・ジェフ』が成功を収めた後、新聞で定着した。[26]イギリスでは、アマルガメイテッド・プレスがイラスト・チップスやコミック・カットなど、一連の画像とその下に文章を載せた人気のスタイルを確立した。[27]最初はユーモア漫画が主流だったが、1920年代と1930年代には、冒険やドラマなどのジャンルの連続ストーリーの漫画も人気を博した。[26]

1930年代には、コミックブックと呼ばれる薄い定期刊行物が登場しました。当初は新聞の連載漫画を転載していましたが、1930年代末にはオリジナルコンテンツが主流になりました。[28] 1938年のアクション・コミックスとその主人公スーパーマンの成功は、スーパーヒーローが中心となったコミックブックの黄金時代の幕開けとなりました。[29]イギリスとイギリス連邦では、DCトムソンが制作した『ダンディ』（1937年）と『ビーノ』（1938年）がユーモアをベースとした人気作となり、1950年代までに合計200万部以上を売り上げました。「デニス・ザ・メナス」「デスパレート・ダン」「バッシュ・ストリート・キッズ」といったキャラクターは、何世代にもわたってイギリスの子供たちに読まれてきました。[30]当初はスーパーヒーローやアクションストーリーに挑戦していましたが、後にアマルガメイテッド・プレスとアメリカのコミックブックのスタイルを融合させたユーモラスな連載漫画へと落ち着きました。[31]

スーパーヒーローはアメリカの漫画の定番です(ワンダーワールド コミックス # 3、1939 年、表紙:ウィル アイズナーの『The Flame』)。

スーパーヒーローの漫画本の人気は第二次世界大戦後の数年間で下降したが、[32]漫画本の売上は、ロマンス、西部劇、犯罪、ホラー、ユーモアなど他のジャンルの急増に伴い増加し続けた。[33] 1950年代初頭に売上がピークに達した後、漫画本の内容（特に犯罪とホラー）は親の団体や政府機関から精査され、上院の公聴会に至り、自己検閲機関である漫画規約局の設立につながった。 [34]この規約は、アメリカンコミックの成長を阻害し、20世紀の残りのほとんどの間、アメリカ社会における漫画本の地位を低く保ったとして非難されてきた。[35]スーパーヒーローは、1960年代初頭までに最も目立つ漫画本のジャンルとして再び地位を確立した。[36] 1960年代後半から1970年代初頭にかけて、 アンダーグラウンド・コミックスが大人向けのカウンターカルチャーの内容で規約と読者に挑戦した。[37]アンダーグラウンドでは1980年代にオルタナティブ・コミック運動が生まれ、スーパーヒーロー以外のジャンルでも成熟した、実験的なコンテンツが生み出されました。[38]

アメリカにおけるコミックは、大衆文化に根ざしていることから、低俗なイメージを持たれてきました。文化エリートたちは、時に大衆文化が文化や社会を脅かす存在と見なしていました。20世紀後半には、大衆文化がより広く受け入れられるようになり、ハイカルチャーとローカルチャーの境界線は曖昧になり始めました。しかし、コミックは子供や文盲のための娯楽とみなされ、依然として偏見を持たれていました。[39]

グラフィックノベル（書籍サイズの漫画）は、ウィル・アイズナーが著書『神との契約』（1978年）でこの用語を普及させたことで注目を集め始めました。[40]この用語は、1980年代半ばに『マウス』『ウォッチメン』『ダークナイト・リターンズ』が商業的に成功したことで、一般に広く知られるようになりました。 [41] 21世紀には、グラフィックノベルは主流の書店[42]や図書館[43]で定着し、ウェブコミックも一般的になりました。[44]

フランス・ベルギーとヨーロッパの漫画

フランス語圏のスイス人、ロドルフ・テプファーは1827年からコミック・ストリップを描き始め、[16]その形式に関する理論を発表した。[45] ヴィルヘルム・ブッシュは1865年に『マックスとモーリッツ』を初出版した。 [46]漫画は19世紀から新聞や雑誌に広く掲載された。[ 47] 1925年の『ジグとプース』の成功により、ヨーロッパの漫画では吹き出しの使用が普及し、その後はフランス・ベルギー漫画が主流となった。[48] 特徴的な明確な線画の『タンタンの冒険』 [49]は、 1929年から新聞の漫画付録に連載され、[50]フランス・ベルギー漫画の象徴となった。[51]

ル・ジュルナル・ド・ミッキー（1934年創刊）[52]の成功に続き、スピルー（1938年創刊）やタンタン（1946年～1993年）といった漫画専門雑誌[53]、そしてフルカラーの漫画アルバムが20世紀半ばの漫画の主要な出版媒体となった。[54]アメリカ合衆国と同様に、当時の漫画は幼稚で文化と識字率への脅威と見なされていた。評論家たちは「どんなに真剣に分析しても耐えるものはない」[c] 、「あらゆる芸術とあらゆる文学の破壊行為である」 [56]と評した。[d]

1960年代には、フランス語で「バンド・デシネ」（「漫画」）という用語が、この媒体を指すのに広く使われるようになりました。 [57]漫画家たちは成人向けの漫画を描き始め、[58]漫画が芸術形式として一般大衆や学術的注目を集めるようになるにつれ、 「第九芸術」[e]という用語が生まれました。 [59]ルネ・ゴシニとアルベール・ユデルゾを含むグループは、アーティストに作品制作の自由を与えるために、1959年に雑誌『ピロテ』を創刊しました。ゴシニとユデルゾの『アステリックスの冒険』は同誌に掲載され[60]、後にフランス語でベストセラーの漫画シリーズとなりました。[61] 1960年からは、風刺的でタブーを破る『切腹』が、1968年5月事件につながるカウンターカルチャー精神によって検閲法を無視しました。[62]

検閲と編集部の干渉に対する不満から、ピロテの漫画家グループは1972年に成人向けの雑誌「L'Écho des savanes」を創刊した。1970年代には、実験的なSF漫画「メビウス」や「メタル・ユラン」などに見られるように、成人向けの実験的な漫画が隆盛を極め、主流の出版社も高級形式の成人向け漫画を出版するようになった。[63]

1980年代以降、主流の感性が再燃し、コミック雑誌の数が減少するにつれて連載は減少し、多くのコミックがアルバムとして直接出版されるようになりました。[64] L'Association [65]のような小規模出版社も、作家主義的なクリエイターによる長編作品[66]を非伝統的な形式[67]で出版するようになりました。1990年代以降は、合併により大手出版社の数は減少し、小規模出版社が増加しました。印刷市場の縮小傾向にもかかわらず、全体的な売上は成長を続けました。[68]

日本の漫画

北沢楽天は、日本初の近代漫画を創作しました。（『田吾作と杢兵衛の東京見物』[f] 1902）

日本の漫画（マンガ）[g]は、12世紀から13世紀の鳥獣人物戯画、17世紀の鳥羽絵や黄表紙[72]、そして17世紀から20世紀にかけて人気を博した浮世絵などの木版画に登場する擬人化されたキャラクターにまで遡る歴史を持つ。黄表紙には、連続した画像、動線[73] 、そして効果音[74]といった例が含まれている。

19世紀後半、西洋人駐在員向けの挿絵雑誌が、西洋風の風刺漫画を日本に紹介しました。西洋風と日本風の両方の新しい出版物が人気を博し、1890年代末にはアメリカ風の新聞付録漫画や、アメリカのコミック・ストリップ[72]が日本でも登場し始めました。1900年には時事新報に『時事漫画』が初掲載され、現代的な意味での「マンガ」という言葉が初めて使用されました。[71]また、1902年には北沢楽天が日本の近代コミック・ストリップを描き始めました。[76] 1930年代までに、コミック・ストリップは発行部数の多い月刊少女・少年誌に連載され、ハードカバーの単行本にまとめられました。[77]

日本における漫画の近代化は、第二次世界大戦後に始まり、多作な手塚治虫[78]と漫画『サザエさん』 [79]の連載漫画の成功によって推進されました。その後数十年にわたって、ジャンルと読者層は多様化しました。物語は通常、最初は数百ページにも及ぶ雑誌に連載され、12以上の物語が掲載されることもあります。 [80]後に単行本にまとめられます。[81] 20世紀から21世紀への変わり目には、日本の印刷物のほぼ4分の1が漫画でした。[82]翻訳漫画は海外市場で非常に人気を博し、場合によっては国内漫画の売上に匹敵、あるいは上回りました。[83]

韓国の漫画

マンファ（만화）は韓国の漫画や印刷漫画を指し、国際的には韓国発祥の漫画を指すことが多い。マンファは日本のマンガや中国のマンファと文化的・言語的ルーツを共有しているが、韓国の歴史的、文化的、芸術的背景の影響を受けた独自のアイデンティティを築き上げてきた。現代のマンファは、モバイルデバイスでスクロールできるように設計されたデジタル形式の漫画であるウェブトゥーンの台頭もあって、世界的な人気を博している。この成功は、映画、ドラマ、テレビシリーズへの翻案にもつながっている。[要出典]

マンファの概念は、20世紀初頭の日本統治時代に日本のマンガの影響を受けて生まれました。この時期に日本に定着したマンガは、韓国の漫画の基本的なスタイルと形式を強く形作りました。朝鮮が独立へと移行するにつれ、マンファは近隣諸国の芸術的影響と韓国の伝統的な美学や物語表現を調和させながら、独自のメディアへと進化しました。[要出典]

アルゼンチンの漫画

1957年にHora Cero誌に掲載された『The Eternaut』の最初のページ

20世紀初頭には、地方政治家や著名人の風刺画を掲載した政治ユーモア雑誌が数多く登場した。その中で最も有名なのは『Caras y caretas』で、現在も発行され続けている。[84]

1940年代から1950年代にかけて、アルゼンチンの漫画産業は、ダンテ・キンテルノによって創作されたパトルズ（パタゴニアの裕福なテウェルチェ族の カシケ）やイシドロ・カニョネス（ブエノスアイレスの軽薄な男）など、子供や若者向けの新しいキャラクターによって繁栄しました。[85] [86]

1957年から1959年にかけて『エル・エテルナウタ』が出版された。これはアルゼンチンでより成熟した喜劇を生み出そうとした国際的に高く評価された試みであった。エクトル・ヘルマン・オステルヘルドとフランシスコ・ソラノ・ロペスによって創作されたこの作品は、ブエノスアイレスへのエイリアンの侵略と、それに触れた者を死に至らしめる有毒な降雪を描いたSF小説である。この作品は、ペロン主義者（オステルヘルド自身もペロン主義者であった）を迫害した1955年の独裁政権を象徴していると考えられている。オステルヘルドとその家族は、最終的に独裁政権によって行方不明となる。[87]

1960年代には、子供向け雑誌「アンテオヒト」が創刊され、マヌエル・ガルシア・フェレは、ヒヒトゥス（帽子をかぶって超能力を得た貧しく世間知らずの少年）やラルギルーチョ（彼の仲間）など、後に有名になる多くの登場人物の物語を掲載した。[88]

1960年代から1970年代にかけて、アルゼンチンで最も有名な漫画キャラクターの一つ、キノ作の「マファルダ」が登場しました。彼はラテンアメリカ全土とヨーロッパで人気を博しました。「マファルダ」は都市部の中流家庭を風刺した作品とみなされ、若者の進歩的な政治傾向を鮮やかに描き出しました。[89]

1970年代には、カロイが創作したクレメンテという漫画キャラクターが話題になった。腕も翼もなく、オリーブとマテ茶しか食べない架空の動物だった。1970年代はアルゼンチンの政治的混乱の時代であったにもかかわらず、クレメンテはペロン主義者であり、サッカーを好んでいた。[90]

形式とフォーマット

コミック・ストリップは、一般的に短い複数コマの漫画で、20世紀初頭から新聞で最も一般的に掲載されています。アメリカでは、日刊のコミック・ストリップは通常1つの層を占め、日曜版のコミックは複数の層に分かれています。20世紀初頭から、日刊の新聞のコミック・ストリップは一般的に白黒で印刷され、日曜版のコミックは通常カラーで印刷され、新聞の1ページ全体を占めることもよくありました。[91]

専門誌であるコミックの形式は、文化によって大きく異なります。コミックブックは、主にアメリカの形式で、薄い定期刊行物[92]で、通常はカラーで発行されます[93] 。ヨーロッパと日本のコミックは、雑誌に連載されることが多く、ヨーロッパでは月刊または週刊誌[71]、日本では白黒で週刊または月刊誌[94]が一般的です。日本のコミック雑誌は通常、数百ページに及びます[95] 。

世界のコミックの書籍フォーマットの比較。左のグループは日本のもので、単行本と小型の文庫本のフォーマットを示しています。中央のグループはフランス・ベルギーのコミックで、標準的なA4サイズの コミックアルバムフォーマットです。右のグループは英語圏のグラフィックノベルで、標準的なフォーマットはありません。

単行本形式のコミックは、文化によって形態が異なります。ヨーロッパのコミックアルバムは、 A4サイズで印刷されたカラー書籍が最も一般的で、これは他の多くの文化圏よりも大きなページサイズです。[96] [54]英語圏では、コミック集に由来するトレードペーパーバック形式も原作として選ばれています。また、製本されたコミックはグラフィックノベルと呼ばれ、様々な形式で入手可能です。「ノベル」という用語（通常はフィクションと関連付けられる）を含んでいますが、「グラフィックノベル」はノンフィクションや短編作品集も指します。[97]日本のコミックは、雑誌連載に続いて単行本と呼ばれる単行本にまとめられています。[98]

ギャグ漫画や風刺漫画は通常、1コマで構成され、キャプションや吹き出しが含まれることが多い。順序性を重視する漫画の定義では、ギャグ漫画、風刺漫画、その他の1コマ漫画は通常除外されるが、言葉と絵の組み合わせを重視する定義には含まれる場合がある。[99]ギャグ漫画は18世紀から19世紀にかけてヨーロッパで出版されたブロードシート紙で初めて普及し始め、「カートゥーン」 [h]という用語が初めて使用されたのは1843年のイギリスのユーモア雑誌『パンチ』である。[22]

ウェブコミックはインターネット上で読める漫画で、1980年代に初めて出版されました。潜在的に多くの読者にリーチでき、新しい読者は過去の連載のアーカイブにアクセスできる場合が多いです。[100]ウェブコミックは無限のキャンバスを活用できるため、印刷された漫画のページのサイズや寸法に制約されません。[101]

ストーリーボード[102]や無言小説を漫画と考える人もいます。 [103]映画スタジオ、特にアニメーションスタジオでは、映画のシーンのガイドとして、一連の画像を使用することがよくあります。これらのストーリーボードは最終製品として意図されたものではなく、一般の目に留まることはほとんどありません。[102]無言小説とは、キャプションのない画像の連続を用いて物語を伝える書籍です。[104]

漫画研究

「コミックは…時には四つ足、時には二つ足、時には空を飛び、時には空を飛ばない…媒体そのものと同じくらい複雑な比喩を用いると、コミックを定義することは、謎に包まれたゴルディアスの結び目の謎を解くことを意味します…」

RCハーヴェイ、2001年[99]

文学や映画の定義の問題と同様に、[105]漫画という媒体の定義についても合意が得られておらず、[106]定義や説明の試みは数多くの例外に陥っている。[107]テッファー、[108] RCハーヴェイ、ウィル・アイズナー、[109]デイヴィッド・キャリアー、[110]アラン・レイ、[106]ローレンス・グローブなどの理論家はテキストと画像の組み合わせを強調するが[111] 、パントマイム漫画にはその歴史を通して顕著な例がある。[107]ティエリー・グルンスティーン[111]やスコット・マクラウドなどの批評家は、画像シーケンスの優位性を強調してきた。[112] 20世紀も終わりに近づくにつれて、さまざまな文化が互いの漫画の伝統を発見したり、忘れ去られていた初期の漫画形式の再発見や新しい形式の台頭により、漫画を定義することはより複雑な作業になった。[113]

ヨーロッパのコミック研究は、1840年代にテプファーが自身の作品理論を展開したことに始まり、コマの遷移と視覚と言語の融合を強調した。1970年代までそれ以上の進展はなかった。[114]その後、ピエール・フレノー＝ドゥリュエルはコミック研究に記号論的アプローチを取り、テキストと画像の関係、ページレベルの画像の関係、そして画像の不連続性、つまりスコット・マクラウドが後に「閉鎖性」と名付けた要素を分析した。 [115] 1987年、アンリ・ヴァンリエはコミックのページを意味単位として「マルチカドル」または「マルチフレーム」という用語を導入した。 [116] 1990年代になると、ブノワ・ペータースやティエリー・グルンスティーンといった理論家たちは、アーティストの詩的な創造的選択に注目するようになった。[115] ティエリー・スモルデレンとハリー・モーガンは、コミックというメディアの定義について相対主義的な見解をとってきた。コミックは、その歴史の中で様々な、しかし同等に妥当な形態をとってきた。モーガンは、コミックを「描かれた文学」（ les littératures dessinées）のサブセットと見なしている。[113]フランスの理論は、コマ間の遷移に焦点を当てるマクラウドのようなアメリカの理論とは対照的に、ページそのものに特別な注意を払うようになった。[116] 2000年代半ば、ニール・コーンは認知科学のツールを用いてコミックがどのように理解されるかを分析し始め、理論の域を超えて実際の心理学および神経科学の実験を用いた。この研究は、連続した画像とページレイアウトは、それぞれが理解されるために、コマ間の遷移やレイアウトの種類のカテゴリ的な区別を超えた、ルールに縛られた別々の「文法」を用いており、脳によるコミックの理解は、言語や音楽といった他の領域の理解に似ていると主張している。[117]

マンガの歴史叙述は、第二次世界大戦後の近代史に焦点を当てるか、あるいは12世紀から13世紀の鳥獣人物戯画や19世紀初頭の北斎漫画といった過去の深いルーツを解明しようとする試みに重点を置く傾向がある。 [118]日本のマンガに関する最初の歴史的概説は、 1924年に出版された細木原誠己の『日本マンガ史』 [i]である。[119]戦後初期の日本のマンガ批評は、1986年に呉智英の『近代マンガ大全』 [j]が出版されるまで、主に左翼的な政治的性格を帯びていた。『近代マンガ大全』は、政治性を軽視し、マンガの構造や「文法」といった形式的な側面を重視した。マンガ研究の分野は急速に発展し、1990年代にはマンガ研究に関する多くの書籍が出版された。[120]マンガの形式理論は、「マンガ表現理論」[k]の発展に焦点を当てており、ページ上の画像構造における空間的関係を重視し、時間の流れを基本的な構成要素とする映画や文学とは区別している。[121]日本の大学ではコミック研究の授業が急増しており、2001年にはマンガ研究を促進するために日本マンガ学会[l]が設立された。[122]フレデリック・L・ショットの『マンガ！マンガ！日本コミックの世界』が1983年に出版されたことをきっかけに、 「マンガ」という言葉が日本国外で「日本のコミック」または「日本風コミック」という意味で使われるようになった。[123]

ウィル・アイズナー （左）とスコット・マクラウド（右）は、コミックに関して影響力があり物議を醸す定義を提唱している。

コールトン・ウォーは『ザ・コミックス』（1947年）で、初めて包括的なアメリカン・コミックスの歴史を記述しようと試みた。 [124]ウィル・アイズナーの『コミックス・アンド・シーケンシャル・アート』（1985年）とスコット・マクラウドの『アンダーグラウンド・コミックス』（1993年）は、コミック研究を形式化しようとした初期のイギリスにおける試みであった。デイヴィッド・キャリアーの『コミックス美学』（2000年）は、コミックを哲学的観点から初めて本格的に扱った本である。[125]アメリカにおけるコミックの定義の試みとしては、アイズナー、マクラウド、ハーヴェイのものが有名である。アイズナーは、彼が「シーケンシャル・アート」と呼ぶものを「物語を語ったり、アイデアを劇的に表現したりするために絵や画像と言葉を配置したもの」と説明した。 [126]スコット・マクラウドはコミックを「情報を伝え、あるいは鑑賞者に美的反応を引き起こすことを意図して、絵画やその他の画像を意図的に並べたもの」と定義した[127]。これはコミックを歴史的・文化的背景から切り離した、極めて形式的な定義である。[128] R.C.ハーヴェイはコミックを「絵画的な物語または説明であり、言葉（多くの場合、吹き出しの中に文字で書かれたもの）が通常、絵の意味に貢献し、絵の意味が言葉に寄与する」と定義した[129] 。それぞれの定義には批判者もいる。ハーヴェイはマクラウドの定義が単コマ漫画を除外していると見なし[130]、マクラウドが言葉の要素を軽視していることに異議を唱え、「コミックの本質的な特徴は言葉の内容を組み込むことにある」と主張した[116] 。アーロン・メスキンはマクラウドの理論を、美術史におけるコミックの地位を正当化しようとする人為的な試みだと考えた[109]。

コミックに関する異文化研究は、異なる言語における「コミック」の意味と範囲の大きな違いによって複雑化している。[131]フランス語で「コミック」を意味するバンド・デシネ（「描かれたストリップ」）は、描かれた画像の並置を定義要素として強調しており、[132]写真コミックさえも除外することを意味する場合がある。[133]日本語では、 「マンガ」という用語は、あらゆる形態のコミック、カートゥーン、 [134]カリカチュアを指すために使用される。 [131]

用語

「 comics 」は不可算名詞として使われる場合、漫画媒体を指すため単数形となります。「comics is a medium」（漫画は媒体である）ではなく「comics are a medium」（漫画は媒体である）となります。「comic」が可算名詞として使われる場合、それは媒体のインスタンス、例えば個々の漫画や漫画本を指します。「トムの漫画は地下室にある。」 [135]

パネルとは、一連の動作を収めた個別の画像であり、[136]多くの場合、枠線で囲まれています。[137]物語の主要な瞬間は、カプセル化と呼ばれるプロセスによってパネルに分解されます。[138]読者は、背景知識とパネルの関係性を理解し、パネルを頭の中で組み合わせて出来事を組み立てるというプロセスによって、断片をつなぎ合わせます。[139]パネルの大きさ、形、配置はそれぞれ、物語のタイミングとペースに影響を与えます。[140]パネルの内容は非同期である場合があり、同じ画像に描かれた出来事が必ずしも同時に起こるとは限りません。[141]

漫画のコマ。左上には、黄色の背景のキャプションに「突然、通りは怒った人々でいっぱいになった！」と書かれている。メインコマでは、擬人化されたキャラクターが歩道に群がっている。道路の左側、縁石の脇に立っている猿は、「まあ！こんなにたくさんの人はどこから来たの？」と言っている。中央の歩道で右を向いている太った男性が警察官に「おい！応接室か​​ら時計が消えた！」と言っている。右下近くの女性が、右下隅にいる男性に「私のネックレス！テーブルから消えた！！」と言っている
キャプション（黄色の枠）はナレーターの声です。登場人物のセリフは吹き出しで表示されます。吹き出しの末尾は話者を示しています。

漫画では、吹き出し、キャプション、効果音といった形でテキストが頻繁に使用されています。吹き出しは会話（思考吹き出しの場合は思考）を表し、尾はそれぞれの話者を指しています。[142]キャプションはナレーターの声を伝えたり、登場人物の会話や思考を伝えたり、[143]場所や時間を示したりすることができます。[144]吹き出し自体は漫画と深く結びついており、画像に吹き出しを追加するだけで漫画になります。[145]効果音は擬音語を用いて、音声以外の音をテキストで模倣します。[146]

漫画制作において最も頻繁に用いられる技法は、伝統的にはインク（特に墨汁）とつけペンまたは筆を用いて描かれるカートゥーン技法である。 [147]ミクストメディアやデジタル技術が普及しつつある。カートゥーン技法では、動線[148]や抽象的なシンボル[149]といった技法がよく用いられる。

漫画は一人の作者によって制作されることが多いが、その制作作業は複数の専門家に分担されることも多い。作家とアーティストが別々にいたり、アーティストがキャラクターや背景など作品の一部に特化している場合もある。これは日本ではよくあることだ。[150]特にアメリカのスーパーヒーロー漫画では、[151]鉛筆でアートワークのレイアウトを行うペンシラー、 [152]インクでアートワークを仕上げるインカー、[ 153]カラリスト、[154]キャプションや吹き出しを追加するレタラーに美術が分担されることがある。 [155]

語源

英語の「comics」という用語は、初期のアメリカの新聞連載漫画で主流だったユーモラスな（または「comic」）作品に由来していますが、この用語はユーモラスではない作品にも標準的に使用されるようになりました。アンダーグラウンド・コミックス運動によって造られた別の綴りであるcomixは、このような曖昧さに対処するために時々使用されます。[156]「comic book」という用語も同様に混乱を招く歴史を持っています。なぜなら、ほとんどの場合ユーモラスではなく、通常の書籍ではなく定期刊行物だからです。[157]英語では、異なる文化のコミックを、その言語で使用されている用語で呼ぶのが一般的です。例えば、日本のコミックは「manga」、フランス語圏のフランス・ベルギー・コミックは「bandes dessinées」です。[158]

多くの文化では、コミックを表す言葉が英語から借用されており、ロシア語（комикс、komiks）[159]やドイツ語（Comic ） [160]もその一つである。同様に、中国語の「manhua」 [161]や韓国語の「manhwa」 [162]は、日本語の「manga」という漢字に由来している。[163]

関連項目

リストも参照

注釈

  1. ^ 単行本（ 「独立して現れる本」に近い翻訳）
  2. ^ デイヴィッド・クンツルは、これらやその他の初期のコミックの膨大なコレクションを『The Early Comic Strip』（1973年）と『The History of the Comic Strip』（1990年）にまとめている。[19]
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  5. ^ フランス語: neuvième art
  6. ^ 田吾作と杢兵衛の東京観光(日本語:田吾作と杢兵衛の東京見物、ヘボン:田吾作と杢兵衛の東京見物)
  7. ^ 「マンガ」（日本語：漫画）には様々な解釈があり、その中には「気まぐれな絵」、「評判の悪い絵」、 「[69]無責任な絵」、 「 [70]嘲笑的な絵」、「突然のひらめきで描かれたスケッチ」などがあります。[71]
  8. ^ 「漫画」はイタリア語の「 cartone」（カード）に由来し、漫画が描かれる厚紙を指した。[22]
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さらに詳しい参考文献

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  • 国際コミックアートジャーナル
  • グラフィックノベルとコミックのジャーナル

アーカイブ

  • ビリー・アイルランド漫画図書館＆博物館
  • ミシガン州立大学コミックアートコレクション
  • ミズーリ大学のコミックアートコレクション
  • サンフランシスコ漫画美術館
  • タイムアーカイブのコミックコレクション
  • 「国立美術館所蔵のコミック」.版画と書籍.ヴィクトリア・アンド・アルバート博物館. 2009年11月4日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2011年3月15日閲覧。

データベース

  • グランドコミックデータベース
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