ダイク・ブレア
ダイク・ブレア
生まれる1952年（73～74歳）
ペンシルベニア州ニューキャッスル、アメリカ合衆国
教育シカゴ美術館附属美術大学、コロラド大学ボルダー校、スコウヒガン絵画彫刻学校
知られている絵画、彫刻、インスタレーション
スタイル写実主義、抽象主義、概念主義
受賞歴グッゲンハイム・フェローシップ、ローマ・アメリカン・アカデミー
Webサイトダイク・ブレア

ディケ・ブレア（1952年生まれ）はニューヨークを拠点に活動するアーティスト、作家、教師である。[ 1 ] [ 2 ]彼の作品は、親密なフォトリアリスティックな絵画と、ありふれた物から組み立てられ（しばしば一緒に展示される）インスタレーション風の彫刻という2つの並行する作品群から成り、見過ごされがちな日常生活の平凡な現象をロマンチックかつ皮肉な方法で探求している。[ 3 ] [ 4 ] [ 5 ]ブレアは1970年代後半のニューヨークのアートシーンで登場し、彼の作品はピクチャーズ・ジェネレーション、ミニマリズム、コンセプチュアル・アートなどの同時代のムーブメントと関連しながらも、それらとは独立し、また接している。 [ 6 ] [ 1 ] [ 7 [ 6 ]キャメロン・マーティンはアートフォーラム誌で、これらの絵画は「日常から形而上学的な何かを抽出する明快さで描かれている」と書いている。[ 8 ]

初期のキャリア

ブレアは1952年、ペンシルバニア州ニューキャッスルに生まれた。[ 9 ] [ 10 ]スコウヒガン絵画彫刻学校、ホイットニー美術館独立研究プログラム、コロラド大学ボルダー校で美術を学び、 1977年にシカゴ美術館附属美術大学で美術学修士号を取得した。[ 10 ] [ 2 ] [ 11 ] 1970年代後半のニューヨークのアートシーンに関わり、CBGB（1976年）でパフォーマンスを披露したほか、マグーズ、マッドクラブ、バーナバスレックスなどのアートバーに通った。[ 11 ]初期の作品は抽象的で形式主義的な壁画で、紙、メイソナイト、ガラスにアクリルやエナメルを注いだりスプレーしたりして作られたものだった。[ 12 ] [ 13 ] [ 10 ]

1980年代初頭、彼は皮肉なことに、最初は観察や記憶から、日曜画のような小さなイリュージョン風のグワッシュで帆船を描き始めた。[ 10 ]最終的にはそれらを壁のコンストラクションに組み込み、バスカービル+ワトソン（1986年）とキャッシュ/ニューハウス（1987年）で発表した。[ 14 ] [ 15 ]この作品は、ディズニーのエプコットで撮影した写真に基づいた、1991年のイーラン・ウィンゲートでのショーなど、より広く知られるインスタレーションへと発展した。このショーは、ムザックが流れる暗い部屋にミクストメディアの画像を設置し、植物や郊外のベンチで藤色の装飾とカーペットを敷き詰めた。批評家たちは、喪失感と郷愁に満ち、心を落ち着かせ、驚くほどスピリチュアルだと表現した。[ 16 ] [ 9 ] [ 17 ]

ディケ・ブレア、無題、紙にグアッシュ、パステル、鉛筆、12インチ x 9インチ、2016年。

ブレアの作品はホイットニー美術館、ウィーンのセセッション、ウェザースプーン美術館、ロサンゼルス現代美術館、ポンピドゥー・センターで展示されている。[ 18 ] [ 8 ] [ 19 ] [ 20 ]ホイットニー美術館、ブルックリン美術館、ロサンゼルス郡立美術館などのコレクションに収蔵されている。 [ 21 ] [ 22 ] 2009年にグッゲンハイム・フェローシップ、 2010年にローマのアメリカン・アカデミーからローマ賞を受賞した。[ 23 ] [ 24 ]妻で衣装デザイナーのマリー・アブマとともにニューヨークに住んでいる。[ 10 ] [ 24 ]

作品と批評的な評価

ブレアの二つの作品群は、構成、色彩、質感、テーマにおいて、互いの対照や引き立て役となっている。[ 6 ] [ 25 ]彼の写実的で無表情な絵画（主に無題、グアッシュで描かれ、彼自身のスナップショットから派生したもの）は、より文字通りであるが、幻想的である。一方、ポストミニマルでインスタレーションのような彫刻は抽象的であるが、具体的で絵画的である。[ 25 ] [ 10 ]これら二つの作品は、自然と建築、内部と外部、充足と空虚といった対立と限界空間、そして快楽と退屈、現実逃避と超越、設計された環境と大衆の経験と欲望の交差点といったテーマを探求している。[ 26 ] [ 3 ] [ 27 ]

ディケ・ブレア、「to want to」、塗装木材、カーペット、ゴムマット、蛍光灯、ビニール、デュラトランス、22インチ (高さ) x 150インチ (幅) x 92インチ (奥行き)、2005年。

ブレアの初期のグワッシュは、日記のような、主にアメリカの風景（ベッドサイドのセットアップ、カクテル、タバコの吸い殻が散らばった灰皿、ソーダ缶、VHSテープ）と平凡な一時的な環境（モーテル、ラウンジ、ロビー、ラスベガス、ディズニーランド）に焦点を当てており、ロバータ・スミスはそれらを「洗練された旅疲れの領域の端」にある背景と詳細と特徴づけている。[ 6 ] [ 9 ] [ 28 ]ヴィレッジ・ヴォイスの評論家ジェリー・サルツは、絵画は「製図家の事実への注意力、植物学者の活字を見る目、探偵の手がかりをつかむ感覚」を組み合わせたものであり、「イラストレーション、写真、法医学の間の」無人地帯のジャンルを生み出していると書いている。[ 28 ]彼はこれらの絵画をリチャード・プリンスやヴィヤ・セルミンスの作品になぞらえ、またフェルメールの光とイリュージョニズム、エドワード・ホッパーの孤独と比較する者もいる。[ 28 ] [ 29 ] [ 18 ] [ 3 ]後期の絵画では、ブレアは風景画、クローズアップした花の絵、遮られた窓からの眺めなどを描き、2000年代には目のクローズアップや夜間の駐車場、雪景色を描くようになった。[ 30 ] [ 25 ] [ 29 ]クリストファー・ナイトは、人物がほとんど描かれていない後期の作品を「抑えきれない放浪癖に満ちている」と表現している。[ 7 ]

1990年代半ば、ブレアは現代の企業や家庭のデザインに触発され、日本の生け花のルールに導かれた、装飾のような作品の制作を始めました。[ 31 ] [ 32 ] [ 25 ]これらの作品は、光、素材、色、イメージといったインスタレーションの要素を、インテリア、家具、ドローイング、建築、風景、人体を想起させる個別のハイブリッド彫刻に圧縮しています。[ 33 ] [ 11 ] [ 30 ]ブレアは、工業用カーペット、プレキシグラス、ベニヤ板の色のフィールドを線のように広がる電気コード、ライトボックス、輸送用木箱、ランプなどの要素を注意深く操作し、オブジェクトがそれぞれの特殊性を保ちながらも、まとめて単一の作品として読み取れるバランスを追求しています。[ 34 ] [ 32 ] [ 30 ]グワッシュと並行して、初期の彫刻では雰囲気、設計された空間、消費文化などのテーマを探求しているのに対し、2006年以降の作品では、イメージ、オブジェクト、空間の視覚的経験と身体的経験など、身体に関連する現象学的問題を取り上げています。[ 1 ] [ 27 ] [ 8 ] [ 5 ]

その後の展覧会

ブレアのフィーチャー（2001年、2004年）とメアリー・ゴールドマン（2005年）での展覧会は、ますます簡素で洗練されたプレゼンテーションへと傾倒していった。[ 33 ] [ 27 ] [ 32 ]詩的な水滴が描かれた窓や花を描いたグアッシュ画に、電気コードや幾何学的なカーペット、光る箱、低いミニマリズムのオブジェを組み合わせ、静謐で神秘的、そしてメランコリックな家庭的なタブローと評される空間を創り出した（例えば、2001年の「Some Of and And When」や2005年の「to want to」）。[ 34 ] [ 1 ] [ 32 ]ブルックリン・レール紙は、これらの展覧会の効果をブライアン・イーノなどのアーティストによるアンビエント・ミュージックに例え 、瞬間的な経験を「上品に調整」しつつも、徹底的にデザインされた世界で生きることが主体性に及ぼす影響については曖昧な態度を保っていると評した。[ 27 ]

ダイク・ブレア、無題、アルミニウムパネルに油彩、24インチ×18インチ、2018年。

2000年代後半、ブレアは知覚の問題により重点を置き、女性の目のクローズアップの絵画や、機能的なオブジェクト、絵画の平面、空間の仕切り、壁、人物を同時に想起させる塗装された輸送用木箱を発表した。[ 30 ] [ 8 ] [ 35 ]「ディク・ブレア：今、そしてまた」展（ウェザースプーン美術館、2009年）では、ブレアは、グワッシュ作品を展示する一連のギャラリーの両側に配置された、空間全体を想起させる互いに鏡像の配置の2つの彫刻庭園を含む、微妙に演出され照明された体験を生み出した。アートフォーラムはこの展覧会を、経験することと見ること、現実の空間と幻想的な空間についての親密で不思議な瞑想だと評した。[ 8 ]ガゴシアン（2010年）、フィーチャー（2013年）、リン・ルーン（2014年）、ユルゲン・ベッカー・ギャラリー（2017年）での展覧会で、ブレアは暗示と効果の範囲を広げ続け、木箱彫刻の側面を砂利入りガラスの窓のように描いたり（Those and These、2010年）、時にはのぞき穴を連想させるドット柄のプリントパターンを描いたり（Dance, Dance, Dance、2011年）、空と風景を最小限に暗示した作品（OHCE、2014年）を制作し、そこに目や室内などの絵画を飾った。[ 36 ] [ 5 ] [ 29 ] [ 37 ]

2017年、ブレアは彫刻の制作を中断し、油絵に転向した。[ 38 ] [ 39 ]これらの絵画の主題は、グワッシュ画と一貫しており（時には同じイメージが描かれることもある）、油彩画は、ごくわずかな厚塗りや凹版画など、異なる質感を持つ。同時期に、彼はそれまでの作品にはなかったドローイングの制作も始めた。[ 40 ] [ 38 ]

その他の専門活動

ブレアの職業活動には、執筆と教育が含まれる。彼は、Artforum、[ 41 ] ARTnews、[ 42 ] Art Press、[ 43 ] Bomb、[ 44 ] Harpers、[ 45 ] Parkett、[ 46 ]に記事やレビューを寄稿し、パリの雑誌Purpleの寄稿者および共同編集者として、デザイン、音楽、テクノロジー、映画、アート、建築について執筆した。[ 47 ] [ 48 ] [ 25 ]彼はまた、Again: Selected Interviews and Essays (2007) やPunk (1978、Isabelle Anscomber との共著) などの著書がある。 [ 49 ] [ 50 ]ブレアは、1997年から2017年までロードアイランド・スクール・オブ・デザインの絵画科で教鞭を執ったほか、ボストン美術館、ニューヨーク大学、ラスベガス大学でも教鞭を執った。[ 10 ] [ 51 ]

賞と公共コレクション

ブレアは、ジョン・S・グッゲンハイム・フェローシップ（2009年）、アメリカ芸術院ローマ賞（2010年）、ルイス・コンフォート・ティファニー財団（1995年）、ミッドアトランティック芸術財団/全米芸術基金（1988年）のフェローシップを受賞している。[ 23 ] [ 24 ] [ 52 ]彼の作品は、ホイットニー美術館、[ 21 ]ブルックリン美術館、[ 22 ]ロサンゼルス郡立美術館、ダラス美術館、[ 53 ]ラ・ショー・ド・フォン美術館（スイス）、MUMOK（ウィーン）、[ 54 ]ロサンゼルス現代美術館、[ 55 ]ポートランド美術館、[ 56 ]ウェザースプーン美術館などの公共コレクションに収蔵されている。[ 57 ]

参考文献

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