ファッションデザイン
Art of applying design and aesthetics to clothing and accessories
ファッションデザインとは、デザイン、美学、衣服の構造、自然美を衣服とそのアクセサリーに適用する芸術です。多様な文化やトレンドの影響を受け、時代や場所によって変化してきました。「ファッションデザイナーは、消費者のために、ドレス、スーツ、パンツ、スカートなどの衣服や、靴やハンドバッグなどのアクセサリーを作成します。衣服、アクセサリー、ジュエリーのデザインに特化することも、これらの複数の分野で働くこともあります。」 [ 1 ]

ファッションデザインとは、デザイン、美学、衣服の構造、そして自然の美しさを衣服やそのアクセサリーに適用する芸術です。多様な文化やトレンドの影響を受け、時代や場所によって変化してきました。「ファッションデザイナーは、ドレス、スーツ、パンツ、スカートなどの衣服、そして靴やハンドバッグなどのアクセサリーを消費者のためにデザインします。衣服、アクセサリー、ジュエリーのデザインを専門にすることも、複数の分野で活躍することもあります。」[1]

ファッションデザイナー

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ファッションデザイナーは、指輪、ブレスレット、ネックレス、イヤリング、衣服などの作品やアクセサリーをデザインする際に、さまざまな方法で作業します。衣服を市場に出すには時間がかかるため、デザイナーは消費者の欲求の変化を予測する必要があります。ファッションデザイナーは、形、色、生地、トリミングなど、個々の衣服の外観を作成する責任を負っています。[2]

ファッションデザイナーは、機能性と美的感覚を兼ね備えた服をデザインしようと努めます。誰がその服を着るのか、どのような状況で着られるのかを考慮し、幅広い素材、色、柄、スタイルを駆使します。普段着として着る服のほとんどは、従来のスタイルの狭い範囲に収まりますが、イブニングウェアやパーティードレスなど、特別な機会には、通常、珍しい服が求められます

オートクチュールやビスポークテーラリングのように、一部の衣服は個人のために特別に作られています。今日では、ほとんどの衣服は大衆市場向けにデザインされており、特にカジュアルウェアや普段着は、既製服やファストファッションとしてよく知られています。

構造

ファッション業界のデザイナーには様々な職種があります。ファッションハウスにフルタイムで勤務するファッションデザイナーは、社内デザイナーとして、会社が所有するデザインを作成し、独立して働くことも、デザインチームの一員として働くこともできます。フリーランスのデザイナーは、ファッションハウス、ショップ、または衣料品メーカーにデザインを販売します。自分のデザインを完全にコントロールできるレーベルを設立することを選択するファッションデザイナーも少なくありません。また、個人事業主として個々のクライアントのためにデザインするデザイナーもいます。専門店や高級ファッションデパート向けにデザインを行うハイエンドファッションデザイナーもいます。これらのデザイナーは、オリジナルの衣服だけでなく、既存のファッショントレンドに沿った衣服も作成します。しかし、ほとんどのファッションデザイナーはアパレルメーカーに勤務し、マスマーケット向けにメンズ、レディース、キッズファッションのデザインを作成しています。アバクロンビー＆フィッチ、ジャスティス、ジューシーなど、ブランドとして「名前」を持つ大手デザイナーブランドは、デザインディレクターの指示の下、個々のデザイナーのチームによってデザインされることが多いです

衣服のデザイン

衣服のデザインには、「色、質感、空間、線、模様、シルエット、形、比率、バランス、強調、リズム、調和」という要素が含まれます。[3]これらの要素がすべて組み合わさることで、消費者の視覚的な興味を喚起し、衣服をデザインします。

ファッションデザイナーはさまざまな方法で作業します。頭の中のビジョンから始めて、紙やコンピューターに描くデザイナーもいれば、マネキンとも呼ばれるドレスフォームに直接生地をドレープするデザイナーもいます。デザインプロセスはデザイナーごとに異なり、プロセスに含まれるさまざまなステップを見るのは非常に興味深いものです。衣服のデザインはパターンメイキングから始まります。プロセスは、スローパーまたはベースパターンを作成することから始まります。スローパーは、デザイナーが作業しているモデルのサイズに合うようにするか、標準サイズチャートを使用してベースを作成することができます

パターンメイキングにおける3つの主要な操作には、ダーツ操作、輪郭形成、そしてボリューム感の追加があります。[4]ダーツ操作では、衣服の様々な場所でダーツを移動できますが、衣服全体のフィット感は変わりません。輪郭形成では、衣服の一部をバストや肩などの胴体の部分に近づけることができます。ボリューム感の追加では、パターンの長さまたは幅を増やして、衣服のフレームとフィット感を変更します。ボリューム感は、パターンの片側、不均等、または均等に追加できます。

デザイナーは、すべてのアイデアを結び付け、思考を拡張してまとまりのあるデザインを作成するのに役立つ特定のアプリを使用することを選択できます。デザイナーがトワル（またはモスリン）のフィット感に完全に満足したら、プロのパターンメーカーに相談し、パターンメーカーは紙またはコンピュータープログラムを使用して、完成した実用的なバージョンのパターンを作成します。最後に、サンプルの衣服が作られ、モデルでテストされ、実際に使用できることを確認します。ファッションデザインは表現力豊かであり、デザイナーは機能的または非機能的なアートを創造します

ファッションにおけるテクノロジー

長年にわたり、ファッションデザインにおけるテクノロジーの活用が増加しています。オランダ人デザイナー、イリス・ヴァン・ヘルペンは、クリスタライゼーション・コレクションに3Dプリントを取り入れました。 [5]

ソフトウェアは、製品開発段階でデザイナーを支援することができます。デザイナーは、人工知能と仮想現実を使用して衣服のプロトタイプを作成できます。[5]ソフトウェア内での 3Dモデリングにより、衣服が製造される前に、サプライヤーとのパートナーシップのための初期サンプル作成と開発段階が可能になります。[6]製品マネージャーは、製品ライフサイクル管理ソフトウェアを使用して、複数のアイテムを複数の製品ラインに開発し、コンセプトから完成までのタスクの計画、割り当て、追跡を支援できます。


歴史

1910年、パリのヴァンドーム広場にあるシェルイット・サロン

西洋の近代ファッションデザインは、19世紀にチャールズ・フレデリック・ウォルトによって始まったとよく考えられています。ウォルトは、自分の作った服に自分のラベルを縫い付けた最初のデザイナーでしたが、少なくとも1828年から仕立て屋が自分の名前のラベルを縫い付けていました。元織物商人がパリにメゾン・クチュール（ファッションハウス）を設立する前は、服のデザインと製作は主に無名の裁縫師によって行われていました。当時のハイファッションは、王室で一般的に着用されていたものから派生したものです。ウォルトの成功は、以前のドレスメーカーのように顧客のリードに従うのではなく、顧客に何を着るべきかを指示することができた点で大きかったのです。クチュリエという言葉は、実際には彼を表すために最初に作られました。どの時代の衣服もすべて衣装デザインとして学者によって研究されますが、1858年以降に作られた衣服だけがファッションデザインと考えられています。[7]

この時期に、多くのデザインハウスが衣服のデザインをスケッチしたり、絵を描いたりするためにアーティストを雇い始めました。すぐに製造に入るのではなく、クライアントにイメージを見せて承認を得ることで、デザイナーの時間と費用を節約できました。クライアントがデザインを気に入れば、パトロンはデザイナーに衣服を依頼し、ファッションハウスでクライアントのために生産されました。このデザイナーとパトロンの関係により、デザイナーは完成したデザインをモデルに着せるのではなく、作品をスケッチするようになりました。

ファッションの種類

衣料品メーカーが製造する衣服は、主に3つのカテゴリーに分類されますが、さらに異なる種類に細分化されることもあります。

オートクチュール

1950年代まで、ファッション衣料は主にオーダーメイド、またはオートクチュール（フランス語で「高度な縫製」を意味する）に基づいてデザイン・製造されており、それぞれの衣服は特定の顧客のために作られていました。オートクチュールの衣服は個々の顧客のためにオーダーメイドで作られ、通常は高品質で高価な生地を使用し、細部と仕上げに細心の注意を払って縫製され、多くの場合、時間のかかる手作業の技術が用いられます。見た目とフィット感は、材料費や製作時間よりも優先されます。[8] [9]衣服のコストが高いため、オートクチュールはファッションハウスに直接的な利益をもたらすことはほとんどありませんが、名声と宣伝のために重要です。[10]

既製服（プレタポルテ）

既製服、またはプレタポルテは、オートクチュールとマスマーケットの中間のような存在です。個人の顧客向けに作られるのではなく、生地の選択と裁断には細心の注意が払われています。独占性を保証するために少量生産されるため、かなり高価です。既製服コレクションは通常、ファッションウィークまたはファッションマンスと呼ばれる期間中に、ファッションハウスによってシーズンごとに発表されます。これは都市全体で行われ、年に2回開催されます。ファッションウィークの主なシーズンは、春夏、秋冬、リゾート、水着、ブライダルです

ハーフウェイガーメントは、既製服、オフザペグ、プレタポルテファッションの代替品です。ハーフウェイガーメントは、意図的に未完成の衣服であり、衣服の「主要なデザイナー」と、通常は受動的な「消費者」との共同デザインを促進します。[11]これは既製服とは異なり、消費者が衣服の製作と共同デザインのプロセスに参加できる点が異なります。Make{able}ワークショップで、ヒルシャーとニイニマキは、衣服製作プロセスへの個人的な関与が、ユーザーにとって意味のある「物語」を生み出し、それが人と製品への愛着を築き、最終製品の感傷的な価値を高めることを発見しました。[11]

オットー・フォン・ブッシュも、論文「ファッショナブル、ハクティビズム、そしてエンゲージド・ファッションデザイン」で、ハーフウェイガーメントとファッションの共同デザインを探求しています。[12]

マスマーケット

現在、ファッション業界はマスマーケットでの販売に大きく依存しています。マスマーケットは幅広い顧客層に対応し、有名ブランドが設定したトレンドを取り入れた既製服を生産しています。彼らは、オリジナルルックの自社バージョンを生産する前に、あるスタイルが流行するかどうかを確かめるために、1シーズンほど待つことがよくあります。お金と時間を節約するために、より安価な生地と、機械で簡単にできるよりシンプルな生産技術を使用しています。そのため、最終製品ははるかに安く販売できます。[13] [14] [15]

「カッチ」と呼ばれるデザインの種類があります。これはドイツ語の「キッチヒ」に由来し、「安っぽい」または「美的に美しくない」という意味です。 キッチュは、「もはや流行していないものを着たり飾ったりすること」を指すこともあります。[16]

収入

2023年5月時点の給与所得型ファッションデザイナーの年収中央値は79,290ドルで、時給換算で約38.12ドル。中間の50％は平均76,700ドルを稼いでいた。下位10％は37,090ドル、上位10％は160,850ドルを稼いでいた。[17]最も多くの雇用が見られたのがアパレル、反物、雑貨卸売業者で、5.4％だった。平均は雇用者数で7,820人。最も少ないのはアパレルニット工場で、業界全体の雇用者の0.46％で、平均30人の特定の専門分野の労働者が働いている。[17] 2016年には、米国で23,800人がファッションデザイナーと数えられた。[18]

地理的に見ると、ファッションデザイナーの雇用が最も多い州はニューヨークで、7,930人の雇用があります。[17]ニューヨークは、高級デザイナーやブランドの割合が高いことから、ファッションデザイナーの中心地と見なされています。

ファッション業界

1955年、ニューヨークのガーメント・ディストリクトで女性服のカートを引く男性たち

今日のファッションは世界的な産業であり、ほとんどの主要国にファッション産業があります。アメリカ、フランス、イタリア、イギリス、日本、ドイツ、ベルギーの7か国がファッションにおいて国際的な評価を確立しています。ファッション業界の「4大ファッション都市」は、ニューヨーク、パリ、ミラノ、ロンドンです。

アメリカ合衆国

2015年、アメリカのファッションデザイン大学でのファッションショー

アメリカは、最大規模で最も裕福で、最も多面的なファッション産業の本拠地です。アメリカのファッションハウスのほとんどはニューヨーク市に拠点を置いており、特にガーメント・ディストリクト地区に集中しています。アメリカ西海岸では、ロサンゼルスにもそれほど多くはありませんが、かなりの数のファッションハウスがあり、アメリカで製造される高級ファッション衣料のかなりの割合がロサンゼルスで製造されています。マイアミも、特に水着やビーチファッションに関して、新たなファッションの中心地として台頭しています。毎年2月と9月に開催される半年ごとのイベント、ニューヨーク・ファッション・ウィークは、世界で開催される4大ファッション・ウィークの中で最も古いものです。ニューヨーク市ロウアー・マンハッタンのグリニッチ・ビレッジ地区にあるパーソンズ・ザ・ニュー・スクール・フォー・デザインは、世界トップクラスのファッションスクールの1つと考えられています。アメリカでは数多くのファッション雑誌が発行され、世界中の読者に配布されています。例としては、ヴォーグ、ハーパーズ・バザー、コスモポリタンなど があります

アメリカのファッションデザインは非常に多様で、人口の民族的多様性を反映していますが、主にクリーンで都会的でヒップな美学が主流であり、郊外や都市部の中流階級のアスレチックで健康志向のライフスタイルを反映して、よりカジュアルなスタイルが好まれることが多いです。マンハッタンで毎年開催されるメットガラは、世界で最も権威のあるオートクチュールファッションイベントとして広く認められており、ファッションデザイナーとその作品が称賛される場となっています。ソーシャルメディアもまた、ファッションが最も頻繁に発表される場です。一部のインフルエンサーは、商品や衣料品を宣伝するために多額の報酬を受け取り、企業は多くの視聴者が広告をきっかけに商品を購入することを期待しています。Instagramは最も人気のある広告プラットフォームですが、Facebook、Snapchat、Twitterなどのプラットフォームも利用されています。[19]ニューヨークでは、LGBTのファッションデザインコミュニティがファッショントレンドの普及に大きく貢献しており、ドラァグセレブリティはニューヨークファッションウィークに大きな影響を与えています。[20] [21]

著名なアメリカのブランドやデザイナーには、カルバン・クライン、ラルフ・ローレン、コーチ、ナイキ、ヴァンズ、マーク・ジェイコブス、トミー・ヒルフィガー、DKNY、トム・フォード、キャスウェル・マッセイ、マイケル・コース、リーバイ・ストラウス・アンド・カンパニー、エスティ ローダー、レブロン、ケイト・スペード、アレキサンダーワン、ヴェラ ワン、ビクトリアズシークレット、ティファニー、コンバース、オスカー デ ラ レンタ、ジョン バルベイトス、アナ スイ、プラバル・グルン、ビル ブラス、ハルストン、カーハート、ブルックス ブラザーズ、スチュアート ワイツマン、ダイアン フォン ファステンバーグ、J. クルー、アメリカン イーグル アウトフィッターズ、スティーブ マデン、アバクロンビー&フィッチ、ジューシー クチュール、トム ブラウン、ゲス、シュプリームなどがあります。 、そしてティンバーランド・カンパニー。

ベルギー

1980年代後半から1990年代初頭にかけて、ベルギーのファッションデザイナーたちは、東洋と西洋を融合させた新しいファッションイメージと、非常に個性的で個人的なファッションビジョンをもたらしました。有名なベルギーのデザイナーには、アントワープ・シックス（アン・ドゥムルメステール、ドリス・ヴァン・ノッテン、ダーク・ビッケンバーグ、ダーク・ヴァン・サーヌ、ウォルター・ヴァン・ベイレンドンク、マリーナ・イー）、そしてマルタン・マルジェラ、ラフ・シモンズ、クリス・ヴァン・アッシュ、ブルーノ・ピータース、アンソニー・ヴァカレロなどがいます。[22]

イギリス

英国のファッションは、イングランド、スコットランド、ウェールズ、そして北アイルランドの多様な文化的伝統、職人技、そして素材を活かし、その多様性、創造性、そして歴史的な深みで高く評価されています。サヴィル・ロウのフォーマルなテーラリングから、モッズやパンクといった反骨精神あふれるサブカルチャーに至るまで、世界的なトレンドの形成に重要な役割を果たしてきました。

18世紀後半から19世紀にかけて、ロンドンは洗練された仕立て屋の仕事の中心地となり、今では英国のファッションの中心地として認識されています。英国のカントリーウェアなどの伝統的なスタイルへの関心が世界的に高まり続けている一方で、[23]持続可能性、ジェンダーの流動性、包括性、スローファッションなどの現代的な優先事項が、伝統と革新を融合させた英国スタイルの新しい表現を形作ってきました。[24] [25] Lyle & Scottなどの伝統的なブランドの中には、若者や都市部の市場に再び焦点を当て、新世代のデザイナーや、急速に国際的に認知されたA-COLD-WALL*などのレーベルに道を開き、ロンドンをストリートウェアの中心地としての評判を確立したブランドもあります。[26] ロンドンファッションウィークは、英国の有力な芸術・ファッション学校出身の有名デザイナーと新進デザイナーの両方が集まる主要な世界的イベントです。[27] [28]

有名なイギリス人デザイナーには、トーマス・バーバリー、アルフレッド・ダンヒル、ポール・スミス、ヴィヴィアン・ウエストウッド、ステラ・マッカートニー、ジミー・チュウ、ジョン・ガリアーノ、ジョン・リッチモンド、アレキサンダー・マックイーン、マシュー・ウィリアムソン、ガレス・ピュー、フセイン・チャラヤン、ニール・バレットなどがいます。

フランス

シャネル オートクチュール2011-2012年秋冬 ファッションショー

フランスのファッションハウスのほとんどは、フランスファッションの首都であるパリにあります。伝統的に、フランスのファッションはシックでスタイリッシュであり、洗練されたカット、スマートなアクセサリーが特徴です。フランスのファッションは国際的に高く評価されています。

スペイン

マドリードとバルセロナはスペインの主要なファッションの中心地です。スペインのファッションは、他のファッション文化よりも保守的で伝統的であることが多いですが、より「時代を超越した」ものでもあります。スペイン人は服装に大きなリスクを負わないことで知られています。[29] [30]それにもかかわらず、スペイン出身のファッションブランドやデザイナーの多くは、スペイン出身です

最も有名な高級ブランドはロエベとバレンシアガです。有名なデザイナーには、マノロ・ブラニク、エリオ・ベルハニェール、クリストバル・バレンシアガ、パコ・ラバンヌ、アドルフォ・ドミンゲス、マヌエル・ペルテガス、ヘスス・デル・ポソ、フェリペ・バレラ、アガサ・ルイス・デ・ラ・プラダなどがいます。

スペインには、ザラ、マッシモ・ドゥッティ、ベルシュカ、プル＆ベア、マンゴ、デシグアル、ペペ・ジーンズ、カンペールなどの大手ファッションブランドもあります。

ドイツ

ベルリンはドイツのファッションの中心地であり（ベルリン・ファッション・ウィークで目立つ存在）、デュッセルドルフではイゲドと共にヨーロッパ最大のファッション見本市が開催されます。その他の重要な中心地は、ミュンヘン、ハンブルク、ケルンです。ドイツのファッションは、エレガントなラインだけでなく、型破りな若々しいデザインと多様なスタイルで知られています。

インド

インドのファッションハウスのほとんどはムンバイにあり、ラクメ・ファッション・ウィークはインド有数のファッションイベントの一つと考えられています。[31] ラクメ・ファッション・ウィーク・イン・インドは年に2回、人口の多い都市ムンバイで開催されます。最初のショーは4月に開催され、夏のコレクションが発表されます。2回目のショーは8月に開催され、冬のコレクションが発表されます。インドの女性向け化粧品ブランドであるラクメがイベントを主催しています。このファッション・ウィークは1999年に始まり、当初はインドファッションデザイン評議会（FDCI）と提携していましたが、後にラクメとのスポンサーシップに切り替えました。[31]

イタリア

レッドカーペットファッション：2009年ヴェネツィア国際映画祭でデザイナーのフォーマルウェアを着用したイタリア人俳優ガブリエル・ガルコとローラ・トリージ

ミラノはイタリアのファッションの中心地です。老舗のイタリア人クチュリエのほとんどはローマにいますが、ミラノとフィレンツェはイタリアのファッションの中心地であり、ミラノは彼らのコレクションの発表会場となっています。イタリアのファッションは、カジュアルでグラマラスなエレガンスが特徴です。イタリアでは、ミラノファッションウィークは年に2回、2月と9月に開催されます。ミラノファッションウィークはファッションにスポットライトを当て、ファッション愛好家、バイヤー、メディアと共にミラノの中心部でファッションを祝います。

日本

日本のファッションハウスのほとんどは、アジア最大のファッションウィークである東京ファッションウィークの開催地である東京にあります。日本のスタイルは、ゆったりとしていて構造化されていない（多くの場合、複雑な裁断による）、色は落ち着いた繊細な傾向があり、生地の質感は豊かです。有名な日本のデザイナーには、高田賢三、三宅一生、山本耀司、川久保玲などがいます。

中国

中国の衣料品は歴史的に、中国国内外で品質が低いとみなされ、中国ブランドへの偏見につながっていました。政府の検閲により、中国国民は1990年代になって初めてファッション雑誌にアクセスできました。[32]しかし、世界のトップファッションスクールから入学する中国人デザイナーが増えるにつれて、Shushu/TongやRui Zhouなどの中国人デザイナーが世界のトップファッションウィークに進出するようになり、上海は中国のファッションの中心地となりました[33] [32] 2020年代初頭、Z世代の買い物客は、中国の歴史と文化の側面を取り入れた国産デザイナーを好むトレンドである「国潮（中国語：国潮、ピンイン：Guó cháo）」ムーブメントの先駆けとなりました。 [33]香港の衣料品ブランド、上海灘のデザインコンセプトは、中国の衣料品にインスピレーションを得ており、1920年代と30年代の中国ファッションを21世紀の現代的なひねりと明るい色使いで活性化させることを目指しています。[34]さらに、伝統的な漢服への関心の復活は、特に春節の時期に、歴史的な中国のディテールを備えたオートクチュールの衣料品への関心につながっています。[35]

ソビエト連邦

ソビエト連邦のファッションは、主に西側諸国の一般的なトレンドを踏襲していました。しかし、国家の社会主義イデオロギーは、これらのトレンドを常に抑制し、影響を与えていました。さらに、消費財の不足により、一般大衆は既製のファッションに容易にアクセスできませんでした。

スイス

スイスのファッションハウスのほとんどはチューリッヒにあります。[36] スイスのスタイルは、カジュアルでエレガント、そしてラグジュアリーでありながら、少し奇抜なタッチが加わっています。さらに、ダンスクラブシーンの影響も大きく受けています。

メキシコ

メキシコ先住民族の衣服の発展において、その製作方法は特定の地域で入手可能な材料と資源によって決定され、「人々の衣服の生地、形状、構造」に影響を与えました。[37]綿やアガベなどの植物繊維から織物が作られました。階級によって着用される生地が異なりました。メキシコの衣服は、シルエットを作り出すために幾何学的な形状の影響を受けていました。「2枚または3枚の布を縦に縫い合わせて作られた、ゆったりとした袖なしのチュニック」[37]を特徴とするブラウスであるウイピルは、今日でもよく見られる重要な歴史的衣服です。スペインによる征服後、伝統的なメキシコの衣服はスペイン風に変化しました。

メキシコの先住民族は、特定の刺繍と色彩によって互いに区別しています。[38]

メキシカンピンクは、メキシコの芸術とデザイン、そして精神全体にとって重要な色です。ラモン・バルディオセラが表現した「ロサ・メキシカーノ」という用語は、ドロレス・デル・リオやニューヨークのデザイナー、ラモン・バルなどの著名人によって確立されました。[38]

『エル・インパルシアル』や『エル・ムンド・イルストラド』などの新聞や雑誌がメキシコで流通すると、メキシコシティなどの大都市にヨーロッパのファッションを知らせる重要なムーブメントとなりました。これはデパートの設立を促し、既存のファッションのペースを変えました。[39]ヨーロッパのファッションや服装にアクセスできた社会的地位の高い人々は、それらの要素を取り入れることで他の人々と差別化を図りました。フアナ・カタリーナ・ロメロは、このムーブメントの成功した起業家であり先駆者でした。

ファッションデザイン用語

  • ファッションデザイナーは、衣服のライン、プロポーション、色、質感の組み合わせを考案します。縫製やパターンメイキングのスキルは確かに役立ちますが、ファッションデザインで成功するために必須ではありません。ほとんどのファッションデザイナーは、正式な訓練を受けるか、見習いとして働きます。
  • テクニカルデザイナーは、デザインチームや海外の工場と連携し、正しい衣服の構造、適切な生地の選択、そして優れたフィット感を確保します。テクニカルデザイナーは、衣服のサンプルをフィットモデルにフィットさせ、衣服を大量生産する前に、どのようなフィット感と構造の変更を加えるかを決定します。
  • パターンメーカー（パターンマスターまたはパターンカッターとも呼ばれます ）は、衣服の各ピースの形状とサイズを作成します。これは、紙と測定ツールを使って手作業で行うこともあれば、CADコンピュータソフトウェアプログラムを使用して行うこともあります。別の方法としては、生地をドレスフォームに直接ドレープする方法があります。結果として得られたパターンピースは、衣服の意図したデザインと必要なサイズを作成するために構築できます。パターンマーカーとして働くには、通常、正式なトレーニングが必要です。
  • 仕立て屋は、顧客の寸法に合わせてカスタムデザインの衣服、特にスーツ（コートとズボン、ジャケットとスカートなど）を作ります。仕立て屋は通常、見習いまたはその他の正式なトレーニングを受けます。
  • テキスタイルデザイナーは、衣服や家具の織物やプリントをデザインします。ほとんどのテキスタイルデザイナーは、見習いや学校で正式なトレーニングを受けています
  • スタイリストは、ファッション写真やキャットウォークのプレゼンテーションで使用される衣服、ジュエリー、アクセサリーをコーディネートします。また、個々のクライアントと協力して、コーディネートされた衣服のワードローブをデザインすることもあります。多くのスタイリストは、ファッションデザイン、ファッションの歴史、歴史的な衣装の訓練を受けており、現在のファッション市場と将来の市場トレンドに関する高度な専門知識を持っています。しかし、中には、単に素晴らしいルックスをまとめるための優れた美的感覚を持っている人もいます。
  • ファッションバイヤーは、小売店、デパート、チェーン店で入手可能な衣料品を組み合わせて選び、購入します。ほとんどのファッションバイヤーは、ビジネスまたはファッションの研究、あるいはその両方の訓練を受けています。
  • 裁縫師は、衣料品店または工場のミシンオペレーターとして、既製服または大量生産された服を手作業またはミシンで縫います。彼女（または彼）は、衣服を作る（デザインと裁断）スキルや、モデルにフィットさせるスキルを持っていない場合があります
  • ドレスメーカーは、デイドレス、カクテルドレス、イブニングドレス、ビジネスウェア、スーツ、嫁入り道具一式、スポーツウェア、ランジェリーなど、オーダーメイドの婦人服を専門としています。
  • ファッションフォーキャスターは、衣服が店頭に並ぶ前に、どのような色、スタイル、形が人気になるか（「トレンド」になるか）を予測します。
  • モデルは、ファッションショーや写真で衣服を着用し、展示します
  • フィットモデルは、デザイン段階や製造前の段階で服を着用し、フィット感についてコメントすることでファッションデザイナーをサポートします。この目的のために、フィットモデルは特定のサイズである必要があります。
  • ファッションジャーナリストは、雑誌や新聞に掲載された衣服やファッショントレンドを説明するファッション記事を書きます。
  • ファッションフォトグラファーは、雑誌や広告代理店のために、モデルやスタイリストと共に衣服やその他のファッションアイテムの写真を制作します。[40]

参照

参考文献

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  • マクダーモット、キャスリーン『すべての人のためのスタイル：王によって発明されたファッションが、今や私たち全員のものになった理由（イラスト付き歴史）』、2010年、ISBN 978-0-557-51917-0多数の手描きカラーイラスト、豊富な注釈付き参考文献、読書ガイド
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