ジェイコブ・ハシモト

ジェイコブ・ハシモト（1973年生まれ）は、ニューヨークを拠点とするアメリカ人アーティストです。彫刻、絵画、インスタレーションを駆使し、竹と紙で作った凧、模型船、人工芝で覆われたブロックなど、様々なモジュール要素から複雑な世界を創造します。彼の積み重ねるような重層的な構成は、ビデオゲーム、仮想環境、そして宇宙論を参照しながらも、風景画をベースとした抽象表現、モダニズム、そして手工芸といった美術史の伝統に深く根ざしています。

幼少期と教育

橋本はコロラド州グリーリー生まれ。彼の作品の多くは日本の伝統文化を反映している。^{[ 1 ]}文化との強い結びつきを持つにもかかわらず、彼は日本を訪れたことがなく、日本語も話せない。彼と日本との繋がりは、日系アメリカ人の父親とアイルランド系アメリカ人の母親に由来する。^{[ 1 ]}

橋本はワシントン州ワラワラで育った。大学時代に美術を学んでいた母親は、そこで自身のアトリエを経営していた。母親のアトリエで絵を描いたり創作したりするのが好きだったが、大学で美術の学位を取得するつもりはなかった。カールトン大学2年生の時、版画の授業を受講し、進路について考えを変え、シカゴ美術館付属美術大学への出願を決意した。入学後、実家に戻り、原恵子のアトリエで1年間絵を描き、制作活動を行った後、大学に戻った。^{[ 2 ]}

シカゴ美術館附属美術大学4年生の時、彼は後の作品の多くに登場する凧を作り始めました。この凧作りの経験が、彼を大学生から現実世界のアーティストへと転身させるきっかけとなりました。^{[ 2 ]}

キャリア

橋本のキャリアはギャラリー向けの展覧会から始まり^{[ 2 ]}、以来、ヴェローナのスタジオ・ラ・チッタでの「The Nature of Objects」、ローマの国立近代美術館での「Black Sea」 、ニューヨークのメアリー・ブーン・ギャラリーでの「 Made in California NOW」 、シカゴのローナ・ホフマン・ギャラリーでの「The Dark Isn't The Thing To Worry About」と「In the Cosmic Fugue」など、数多くの展覧会で国際的に作品を発表してきた。^{[ 3 ]}

大学卒業後、橋本はアン・ネイサン・ギャラリーで準備係として働き始め、夜は自身の創作活動を続けることができた。感謝祭の週末、彼はギャラリーで初めての凧の展示を行い、作品を撮影することを許可された。その後、ネイサンはそれを一般公開するよう勧めた。その展示を見たニューヨーク現代美術館のチーフキュレーター、リチャード・フランシスが橋本に近づき、MoCAのカフェで作品を展示しないかと持ちかけた。橋本は多くの家族や友人の協力を得て展示を完成させた。1万5000枚の凧という膨大なコレクションは18ヶ月間展示された。^{[ 2 ]}

2013年には、スウェーデンのウメオ大学ビルトミュージアムでインスタレーション「Superabundant Atmosphere」が展示され、2013年6月2日から10月13日まで開催された。^{[ 4 ]}

テクニック

凧

橋本作品は膨大な数の凧から制作されるため、友人から雇われた職人まで、様々なアシスタントの協力を得ています。アシスタントが凧をコラージュするデザインに関しては、橋本は彼らの創造性にほとんど制限を設けません。そして橋本は、それぞれの凧を作品に取り入れながら、自身のスタイルと芸術的価値観を反映させる方法を見つけなければなりません。この制作方法は、しばしば予期せぬ形式上の問題を解決し、普段は遭遇しないようなアイデアを探求することを強いられます。^{[ 2 ]}

インスタレーションの理想化に関しては、橋本は自身の手法を画家のそれと関連付けている。彼は主に直感に従い、頭の中で生まれたアイデアや作品を通して伝えたい感情に紙が反応するようにしている。^{[ 2 ]}

橋本が凧に用いる紙は、日本国内の4、5社の製紙工場で製造されている。この紙がなければ、彼が作品で目指す不透明度、透明性、多様な色彩といった効果を生み出すことは難しい。なぜなら、アメリカ産の紙にはこれらの特性が備わっていないからだ。橋本はこの紙を使ってコラージュする際に、天然繊維紙、レーヨン紙、和紙など、様々な紙を使っている。^{[ 2 ]}

ウォーターブロック

ウォーターブロックとは、橋本が自身の3D波状彫刻に付けた名称である。3Dコンピュータプログラムを用いて、様々なブロックを変形、重ね合わせ、組み合わせることで、これらのアクリルガラス彫刻を制作する。ブロックは床に格子状に並べられ、この脆い形の中に凍りついた水の動きを再現する。彼が形を重ね、配置する手法は、凧の制作方法や粘土細工の技法に似ている。^{[ 2 ]}

展示会

ロンキーニギャラリーでの橋本さんの展示会。

橋本の展示では、多数の紙凧が展示されるほか、時には他の素材も使用される。紙凧は天井から吊り下げられ、6枚重ねからギャラリーの全長まで、様々な層に重ねられている。^{[ 2 ]}数百から数千枚におよぶ彼の凧のコレクションは、色紙と白紙の両方で作られている。橋本は自身の作品は抽象的で物語性がないと主張しているが、インスタレーション作品は様々な風景を参照していることが多いと認めている。^{[ 2 ]}橋本の作品は、ロサンゼルスのMOCAパシフィック・デザイン・センター、ローマのMACRO、カリフォルニア美術館などの美術館で展示されている。

ビジョンの風景

この展覧会は、自然を表現した作品の大規模なコレクションであり、中には意図的に他の作品よりも抽象的なものもある。2008年に制作された作品の一つ、Tree III は、 葉の代わりに巨大な白い光の玉を持つ木製の木である。このデザインは、成長するテクノロジーと子供の遊具を模倣することを意図している。^{[ 5 ]}当初のアイデアは、鑑賞者をデジタル現実の中へと導く、700個の小さな光の玉を天井から吊るすことだった。橋本は、デジタルでありながら物理的な彫刻を作ることを目標としていた。しかし、スタジオ・ラ・チッタの空間により適したアプローチとして、木製の木が作られた。木のアイデアは、枝に祈りの紙が点在する木のイメージから生まれた。アメリカ社会、特にアメリカの子供たちにおけるデジタル世界の影響を象徴しながらも神聖な木、これが橋本が目指した位置づけであった。^{[ 5 ]}

この展示のもう一つの展示は、2008年に制作された、壁際に設置された巨大な二次元作品「Diving Deep and Surfacing」だ。この作品は、人工的な草のように見える層と層で構成されている。橋本は、この作品が以前の展示からインスピレーションを得たものだと認めている。この草は彼の多くの凧の展示に使われていたが、この展示以前に単純な四角形に草を貼り付けたことはなかった。この作品に近づく地面は、黒い彫刻で覆われている。ガンメタルブルーウェーブと呼ばれるこの黒いアクリルの台座も2008年に制作されたもので、海の波に基づいてデザインされている。デジタルと有機的な創作の限界を押し広げ、橋本は大量のデジタル作品から有機的な彫刻を作成した。黒色は、非自然的な色にもかかわらず、鑑賞者に波に気づかせることを意図している。^{[ 5 ]}

展示室の3つ目の部屋には、「無限の空」と「過剰な大気」という作品が展示されていました。これらの作品は以前にも一緒に展示されたことがあります。「無限の空」は青い長方形の凧のコレクションで、白い雲が描かれています。オリジナルの彫刻は1998年に制作されました。「過剰な大気」は白い楕円形の凧のコレクションで、2005年に最初の展示が始まりました。展示場所によって若干の違いがあり、体験の長さが増減し、幅が狭くなり、青い凧を左側、白い凧を右側に並べて2つの作品を配置しています。部屋の前方にはベンチが設置されました。このベンチは、橋本氏が作品全体を鑑賞するのに最も理想的だと判断した視点を提供します。部屋の入口では凧は鑑賞者の頭上をはるかに超えていますが、作品が奥に進むにつれて凧は徐々に低くなり、床に接します。^{[ 5 ]}

「Landscapes of Vision」展で展示された、より2次元的な凧の作品には、 「Hodge Podge」（2008年）、「Grassscape」（2008年）、「Descending Yellow Halo」（2008年）、 「Field of Green Blocks 」（2008年）、 「Water for Elephants」（2008年）、「Superliner」（2007年）、「Velocity of Desire」（2008年）、「Redshroom」（2008年）、「Field of Yellow Blocks」（2009年）、「Odds and Ends」（2008年）、「Far Rockaway」（2009年）、「The Return」（2009年）などがあります。紙とリネンに描かれた長方形の絵画もいくつかありました。これらには、「Vapors and Night Skies」（2008年）、「Inverted Night Reflection」（2008年）、「Single Black Cloud」（2008年）、「Some Things You Can't Ignore」（2008年）などがあります。 2008年の「サイクロンとワンダーホイール」も制作されました。彩色作品はすべてアクリルで描かれています。最初の4点はすべてグレースケールで描かれています。「サイクロンとワンダーホイール」は、複数の色で描かれた唯一のアクリル作品です。^{[ 5 ]}

巨大ガス惑星

この展示は2つの別々の部屋で行われるように作られている。最初の部屋は主に白黒の要素で構成されており、鑑賞者を2番目の部屋へと導くように設計されている。2番目の部屋が展示の中心となる。吊るされた紙凧によって、全体的な環境が作り出されている。草が接着された四角い破片が一角に集まっている。白い楕円形の凧が低い位置から始まり、視線を天井へと導くと、色とりどりの凧が無数の形を形成している。^{[ 1 ]}この展示は、2012年にシカゴのローナ・ホフマン・ギャラリーで始まり、その後、フォンダツィオーネ・クエリーニ・スタンパリア、そして最後にMOCAパシフィック・デザイン・センターに移され、合計3回開催された。^{[ 1 ]}

影響

橋本氏は、作品が鑑賞者を完全に包み込みながらも、ある種の二次元性を維持できるという発想は、マーク・ロスコの作品に由来すると主張している。ロスコの作品を見つめていると、文字通り色彩の野原に立っているような感覚が生まれ、橋本氏はそれを再現したいと考えたという。^{[ 2 ]}

橋本氏の作品には東洋の影響が頻繁に見られるものの、彼は他の要素からも影響を受けていると主張している。例えば、学生時代の彼の作品の多くはロバート・ライマンやアグネス・マーティンの作風を反映しており、両アーティストから厳格なグリッド形式を取り入れた。^{[ 2 ]}

ジェシカ・ストックホルダーとアン・ハミルトンの絵画を彫刻に変える能力に触発され、橋本は鑑賞者を取り囲み直接巻き込むための第一歩を踏み出しました。^{[ 2 ]}

参考文献

1. アート・インスタレーション：ビジュアルガイドクリサ、ダニエル ダブリン、アイルランド 2016年ISBN 9781909399884. OCLC  947814215 .
2. , Cassidy, Victor (2011). 『彫刻家の仕事：創作過程に関するインタビュー』 ジェファーソン、ノースカロライナ州：マクファーランド・アンド・カンパニーISBN 9780786463497. OCLC  714086525 .
3. 「ジェイコブ・ハシモト - アーティスト - ローナ・ホフマン・ギャラリー」www.rhoffmangallery.com . 2021年1月15日閲覧。
4. “ジェイコブ・ハシモト – 極上の雰囲気 – Bildmuseet | Studio la Città” .
5. ジェイコブ・ハシモト。ヴェローナ：スタジオ・ラ・チッタ。 2009年。

外部リンク

• 公式サイト
• 橋本インタビュー - スタジオインターナショナル