リサ・ホーク
リサ・ホーク
生まれる1952年（73～74歳）
アメリカ合衆国バージニア州バージニアビーチ
母校バージニア・コモンウェルス大学、フロリダ州立大学、ノースカロライナ大学
知られているインスタレーションアート、彫刻
配偶者たち）デイヴィッド・ビーミス（1990年～）；トム・ハッチ（1982年～1985年）
受賞歴ジョーン・ミッチェル財団、アメリカ芸術文学アカデミー、全米デザインアカデミー
Webサイトリサ・ホーク
リサ・ホーク、「Light My Fire」、サイト固有のインスタレーション、紙と接着剤、40 フィート × 20 フィート、2006 年、ライス大学ムーディー アート センター、テキサス州ヒューストン。

リサ・ホーク（1952年生まれ）は、ニューヨーク市とニューヨーク州ハドソンバレー在住のアメリカ人ビジュアルアーティストである。 [ 1 ] [ 2 ]彼女は、色鮮やかで没入型のインスタレーションや抽象彫刻で知られ、労働集約的な作業プロセスと、原材料として再利用された消費者の残骸の独創的な使用を特徴としている。[ 3 ] [ 4 ] [ 5 ]彼女の作品は、しばしば熟練、永続性、固定された意味の概念に挑戦し、偶発性や無常性などの性質を取り入れている。[ 6 ] [ 7 ]初期の彫刻では、直感的に配置された繊細なサスペンションで重力とバランスを試していた。後期の大規模なインスタレーションは、その場で制作され、展示後に解体され、材料は将来の再利用のために保存されている。[ 8 ] [ 9 ]ホークは1990年代に、家庭内から素材やアイデアを掘り出す彫刻家の一人として初めて認知されました。彼女の場合は、形式主義とポストミニマリズム、ポップなアッサンブラージュ、そして社会的な、しばしばフェミニスト的な論評の要素を混ぜ合わせていました。[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ] 2000年代には、批評家たちは彼女のインスタレーションの明るく渦巻く形や質感を、アントニ・ガウディの多様な表面や、スーラやクリムトのきらめく模様に例えています。[ 13 ] [ 14 ]

ホークは、ジョーン・ミッチェル財団、アメリカ芸術文学アカデミー、全米デザインアカデミーから表彰されています。[ 15 ] [ 16 ] [ 17 ]彼女は、ホイットニー美術館、[ 18 ]ホリー・ソロモン・ギャラリー、[ 19 ]オクラホマシティ美術館、[ 20 ]アルドリッチ現代美術館、[ 21 ]ノースカロライナ美術館、[ 9 ]ニューミュージアムなどで展示を行ってきました。彼女の作品は、ホイットニー美術館、ジョンソン美術館、ニューオーリンズ美術館などに所蔵されています。[ 22 ] [ 23 ] [ 6 ]

バイオグラフィー

ホークは1952年、バージニア州バージニアビーチで生まれた。[ 24 ] [ 9 ]父親は海軍のテストパイロットで、父親の仕事の経験が、バランス、重力、地上と空中の形態の対比に対する彼女の将来の彫刻への興味に影響を与えた。[ 25 ] [ 8 ] 1974年にノースカロライナ大学グリーンズボロ校で英語の学士号を取得し、その後アートに興味を持つようになり、バージニアコモンウェルス大学に入学（1978年に美術学士号取得）、フロリダ州立大学の大学院に進んだ。[ 1 ] [ 26 ] 1980年にニューヨークに移り、ソーホーのスタジオを構え、40年以上そこで制作活動を行った。[ 5 ] [ 26 ]

仕事と受付

リサ・ホーク、「Equilibrium」、スチール、鋳鉄、ワイヤー、寸法可変、1990年。

ホークの作品は、自動車部品、繊維、家庭用品、消費者のゴミや包装など、予想外の、しばしば風変わりな様々な原材料を扱った進歩と、それらを変化させるために彼女が発見した直感的なプロセスによって大きく推進されてきた。[ 3 ] [ 27 ] [ 5 ]鋳鉄、鋼、ワイヤーを使った初期の簡素でほぼモノクロームの作品は、バランス、質量、空間などを含む伝統的な彫刻の問題を探求しながら、二次元的な描画の問題にも取り組んでいた。[ 8 ] [ 11 ]しかし、再利用された消費者物品に取り組むようになったことで、彼女の作品に幅広い色彩スペクトルがもたらされ、ジェシカ・ストックホルダーと比較されるような作品で、彩度、パターン、表面に対する絵画的な関心へと焦点が向けられるようになった。[ 14 ]この変化は、過渡期の彫刻であるマラプロップ（1990年）によって示された。この作品で彼女は、2枚の水玉模様のシャワーカーテンを縫い合わせて、そこから50ポンドの鋼鉄を吊り下げている。[ 1 ] [ 28 ]ホークの後期の壁画インスタレーションでは、彼女が選んだ原材料であるリサイクルされた消費者向け包装の鮮やかな過剰さの影響を受け、絵画的な変化がさらに大きく続いています。[ 14 ] [ 2 ]

初期の彫刻（1980年代～1998年）

ホークは、バランス、重力、空気力学、空間の空隙の活性化を探求した、アクロバティックで溶接されていないワイヤーと金属で吊るされた鋳造オブジェクトの作品で早くから評価を得ました。[ 29 ] [ 8 ] [ 18 ]批評家のルーシー・リパードは、これらの作品はほとんど目に見えないエネルギーパターンをスケッチし、最小限の手段（例えば、マグネット、1989年）を使用して物理的現実についての重い問題を提起したと書きました。[ 22 ]彼女はその性質を「形式的な厳格さに微妙な感情的な共鳴を与える」エヴァ・ヘッセの作品に例えました。 [ 30 ] [ 31 ]彫刻のEclipseとLevee（どちらも1987年）は、緑色の砂型で作られた果物の形を小さなワイヤースリングで抱きかかえ、伸ばされたケーブルと単純な鋼鉄の形で緊張した不確かなバランスで空中に吊り下げました。 1990年の「イクイリブリアム」では、ホークは天井に縛られた絡み合ったワイヤーの雲を制作し、それが手の形をしたカウンターウェイトで部屋中に吊り上げられた。[ 32 ] [ 33 ] [ 29 ]『Reviews in Arts』や『Art International』では、こうした作品のジェスチャー効果とグラフィックな存在感が、モダニズム彫刻家フリオ・ゴンザレスやデイヴィッド・スミスらと関連する空間への描画の概念と関連付けられている。[ 34 ] [ 29 ]

1990年代には、エレノア・ハートニーなどの批評家が、ホークの作品がより密度が高く遊び心のある吊り下げ作品へと移行し、プロセス指向のフェミニスト的感性で、ポップ・アサンブラージュやアルテ・ポーヴェラの低俗でリサイクルされたジャンクの美学を再解釈していることを指摘した。 [ 11 ] [ 10 ] [ 35 ] [ 36 ]これらの彫刻やインスタレーションは、実生活での使用法や混沌を伝える、紛れもない家庭や自動車部品の残骸を利用していた。[ 8 ] [ 11 ] [ 37 ]新しい素材のランダムな色は、ホークを彩度と質感へと方向転換させた。それらの機能的なオブジェクトとしての地位は、彼女の作品に、愚かさや存在の条件付け、感情的ストレスの暗示、強迫観念と危険と無秩序の底流が混ざり合った家事への批評など、新しい無制限の社会的、心理的陰影をもたらした。[ 28 ] [ 38 ] [ 7 ] [ 39 ]

リサ・ホーク、「Manifold Destiny」、マフラーとピンクと黄色のウェビング、10' x 5'、1991年。

彫刻「マニフォールド・デスティニー」（1991年）はその顕著な例で、黄色とピンクのプラスチック製パティオ用家具の剥がれた吊り下げられたアセンブリが、エントロピーを暗示する錆びた車のマフラーと蛇行した排気管にどんどん絡まっていく。[ 11 ]テマ・セレストはそれを滑稽で恐ろしい「カーラーを巻いたメデューサ…同時に無防備で恐ろしく、繊細でヘラクレス的」と表現した。[ 8 ]コーコラン美術館（1992年）、ホロドナー・ロムリー（1993年、1994年）、サーペンタイン・ギャラリー（ロンドン、1998年）での展覧会では、糸、ボタン、ジッパー、カラフルで硬いシャツの袖のトーテム、シャワーカーテンなど、家庭にある素材が、抽象的な感性とより軽やかで直感的な織り方を採用した作品に多く使われた。[ 40 ] [ 10 ] [ 41 ] [ 7 ] [ 42 ]《家宝》（1994年）は、色とりどりの糸を束ねて投げ、固定し、2つの角の壁に垂直の扇状に密集したレース模様を描き、それを1本の糸で床に鋳造されたワックス製の洗剤ボトルや家庭用品の形に結び付けた作品である。[ 7 ]批評家たちは、この作品の外観を「おばあちゃんのほどけたアフガン」や[ 41 ]海のサンゴや絡まった髪の毛に例え、そのカリグラフィーの模様と制作過程を抽象表現主義になぞらえ、タイトルの二重の意味にその負い目が表れている。[ 7 ] [ 10 ] [ 43 ] [ 39 ]

インスタレーションと彫刻（1999年～）

1990年代後半から、ホークは消費者のゴミや商業パッケージを原材料として、吊り下げ形式、モザイクのようなパネル、彫刻的な壁画などの抽象的なインスタレーションにますます重点を置くようになりました。[ 3 ] [ 44 ] [ 45 ] [ 21 ]これらは多くの場合、場所を特定した一時的な作品であり、多くはホークのスタジオスペースよりも大きく、彼女は事前に描画したり結果を知ったりせずに実行したため、パフォーマンス的な側面がありました。[ 1 ] [ 14 ]

リコシェ（ホリー・ソロモン、1999年）では、ホークはギャラリーを凧のようなポリエステルシートで埋め尽くし、多色のネオン色のストローを埋め込みました。シートは、天井、壁、床を横切る色とりどりの紐のネットワーク内に吊り下げられ、床に置かれた鋳鉄製の植物性カウンターウェイトに集まり、固定されていました。[ 3 ] [ 19 ] [ 27 ]ニューヨークタイムズとニューアートエグザミナーのレビューでは、シートはステンドグラス、舞台セット、幻想的なタペストリーに例えられ、その不条理さは、ルーブゴールドバーグ風のインスタレーションの複雑さと、遊び心のある彫刻形態とギャラリーの建築との間の形式的な緊張によって和らげられました。[ 3 ] [ 12 ]

ホークはその後のインスタレーションのシリーズで、色紙や飲み物のカップを素材として使い、色彩学と表面の感覚をより深く探求した。「Light My Fire」（アルドリッチ美術館、2001年、ライス大学、2006年）は、5つの隣接する窓に貼り付けられた、短く様々に切り取られた赤、ピンク、黄色、白の紙の巻物で構成されていた。移り変わる日光を利用して、時間の経過とともに変化（および強度が薄れる）する光と色の斑点で空間をまだらにするレースのような効果を作成した。[ 6 ] [ 21 ]壁画のような「Gravity of Color」（エリザベス・ハリス、2004年）では、ホークは突き出た紙コップと部分的に絵の具を満たしたプラスチックビーカーを使用して、批評家がガウディの埋め込まれた壁やスーラとクリムトの絵画の渦巻き模様に関連付けた、宝石のように曲がりくねった豊かな色の形状を作成した。[ 13 ] [ 46 ]ホークはこの作品をカトナ美術館（2005年）[ 47 ]とニューブリテン博物館（2008年）の2階建ての6年間のインスタレーションで再制作した。[ 46 ] [ 4 ]

リサ・ホーク、「Come On Down」、サイト固有のインスタレーション、段ボール梱包、カップ、接着剤および金具、16' x 110' x 2'、2013年、オクラホマ州オクラホマシティ美術館。

2010年代、ホークは再利用された段ボール（その多くは彼女が所有するソーホーの集合住宅から集めたもの）を使い、商業用パッケージの豊かな色彩、模様、そして魅力を引き出し始めた。スタジオでは、彼女は色ごとに分類された箱に段ボールを並べ、およそ2フィート四方のコラージュを数百点制作し、それらを編集・組み立てて、大規模な波打つ壁面インスタレーションを制作した。展示後には解体され、時には新しい作品に作り直された。[ 5 ] [ 24 ] [ 14 ]スティーブン・ウェストフォールなどの批評家は、この作品の抽象的な「色彩と扇状に広がる形態の潮汐力とアラベスク」を、クリムトや同時代の芸術家であるポリー・アプフェルバウム、ジュディ・パフ、トニー・フェーアといった芸術家の形式に関連付けながら、マーケティング、物質的過剰、大量消費が同時にもたらす快楽と恐怖についての考察を指摘した。[ 14 ] [ 9 ] [ 48 ]

ホークは、彼女の最初のそのような作品であるラブ、アメリカンスタイル（2011–2）の4つのバージョン（最大75フィートの長さ）をMASS MoCA、エリザベスハリス、J.ジョンソンギャラリー、ダムール美術館で制作しました。[ 5 ] [ 48 ] [ 26 ]同じ趣旨の関連インスタレーションには、トランプと紙皿も組み込んだ、ほぼ三角形の広大な作品The future ain't what it used to be（マクネイ美術館、2012年）、ザ・プライス・イズ・ライトに由来するタイトルが過剰を称賛する両刃の剣である16×110フィートのCome on Down（オクラホマシティ美術館、2013年）、およびSwept Away（サラソタ美術館、2014年）があります。[ 24 ] [ 20 ] [ 14 ] [ 49 ] 2018年、イタリアのコーヒーメーカー、ラバッツァは、イタリア・トリノの新本社のショールームとロビーに、サイトスペシフィックな「ドルチェ・クロマ」の制作をホークに依頼しました。高さ51フィート（約15メートル）のこのインスタレーションは、動植物を思わせるフォルムで、同社の歴史を通じて使われてきた鮮やかな色の梱包材で作られています。[ 2 ]

後期には、ホークはグループ展や個展のために、パベル・ズーボック・ギャラリーで開催された「アテンション・ショッパーズ」（2015年）のような個別の彫刻作品も制作しました。この展覧会では、風変わりで色彩豊かなパレードの山車やモニュメント（例えば「カミング・アトラクションズ」や「アイル3」）を思わせる壁面や自立型の作品が展示されました。[ 50 ] [ 1 ]

賞とコレクション

ホークは、アメリカ芸術文学アカデミー（2016 年）、全米デザインアカデミー（2008 年、2018 年）、ジョーン ミッチェル財団（1996 年）、サウスイースタン現代美術センター（1990 年）などから賞や栄誉を受けています。[ 16 ] [ 17 ] [ 15 ] [ 51 ]彼女の作品は、ホイットニー美術館、全米デザインアカデミー、ニューヨーク公共図書館、ダムール美術館、ジョンソン美術館、メンフィスブルックス美術館、モンゴメリー美術館、ニューオーリンズ美術館、オクラホマシティ美術館、オーランド美術館などのパブリック アートコレクションや企業コレクションに所蔵されています。[ 22 ] [ 23 ] [ 52 ] [ 6 ] [ 53 ]

参考文献

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