リン・ヤマモト
リン・ヤマモト
生まれる1961年（64～65歳）
ホノルル、ハワイ、米国
教育ニューヨーク大学エバーグリーン州立大学
知られているインスタレーションアート、彫刻、建築構造
受賞歴ジョーン・ミッチェル財団ロックフェラー財団アノニマス・ワズ・ア・ウーマン賞
Webサイトリン・ヤマモト

リン・ヤマモト（1961年生まれ）は、ニューイングランドを拠点とするアーティスト兼教育者で、彫刻、建築構造物、インスタレーションで知られています。[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]彼女の作品は、物質的および空間的な戦略を用いて、ありふれた個人の歴史や物を、移住、異文化の影響、国籍、労働、家庭生活といったより広範な出来事や社会文化的テーマと結びつけています。[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]美術史家のマーゴ・マチダは彼女の作品について、「刺激的なオブジェクトの組み立て、職人技による素材の使用、そして研究に基づいた調査的アプローチを通して、アーティストは、より大きな文脈の中で構想されたときのローカルなものの生成的可能性を示唆している」と述べています。[ 8 ]

山本の作品はメトロポリタン美術館[ 9 ] 、ロサンゼルス現代美術館[ 10 ] 、ニューヨーク近代美術館[ 11 ]、ホイットニー美術館[ 12 ]など に収蔵されている。

キャリア、展覧会、教育

山本は1961年にハワイのホノルルで生まれました。[ 9 ]彼女は1983年にエバーグリーン州立大学で美術の学士号を取得し、1991年にニューヨーク大学でスタジオアートの修士号を取得しました。

彼女は、ホノルル現代美術館（1996年）、[ 6 ] MoMA PS1（1997年）、[ 13 ]フィリップモリス・ホイットニー美術館（1999年）、[ 1 ]マットレスファクトリー（2003年）、[ 14 ] PPOW（2001年、2004年、2011年）、[ 2 ]グレッグ・クセラ・ギャラリー（1998年、2010年）、[ 15 ]など、数多くの会場で個展を開催してきました。また、ブロンクス美術館、ホノルル美術館、ロサンゼルス現代美術館、国立科学アカデミー博物館、ニューミュージアムなどで彼女の作品が紹介されました。[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]

山本は、スミソニアン・アーティスト・リサーチ・プログラムやロックフェラー財団からフェローシップ、匿名の女性賞、ジョーン・ミッチェル財団、LEF財団、ペニー・マッコール財団、クリエイティブ・キャピタルなどから助成金を受けています。[ 20 ] [ 21 ] [ 22 ] [ 23 ]彼女は、バンフ芸術センター、チヴィテッラ・ラニエリ・センター、コーラー・アーツ・センター、モンタルボ・アーツ・センター、PS1などからアーティスト・レジデンスを授与されました。 [ 24 ] [ 23 ] [ 25 ] [ 13 ]

ヤマモトは2016年からマサチューセッツ州のスミス大学でジェシー・ウェルズ・ポスト美術教授を務めている。[ 23 ]彼女は、芸術分野におけるアジア系アメリカ人の可視化と真剣な議論を推進するために結成された活動家集団、ゴジラ：アジア系アメリカ人芸術ネットワーク（1990–2011）のメンバーであった。[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]

仕事と受付

山本は、イメージ、素材、オブジェクト、建築形態のレパートリーを用いて、個人的かつ特定のものから、文化、民族、植民地主義、移民を含むより大きな物語へと作品を展開している。[ 5 ] [ 4 ] [ 29 ] [ 8 ]彼女の制作方法と展示方法は流動的で、複数のインスタレーションや展覧会において、既存作品と新作を場所に応じて再構成することが多い。[ 8 ]

批評家たちは山本の芸術をミニマリズム、コンセプチュアル・アート、フェミニスト・アートなどの運動と関連付けている。[ 30 ] [ 6 ] [ 3 ]彼女の作品は簡素で優雅、抑制され「質素だが官能的」と評され[ 13 ]、グリッドシステムや単色パレットなどの形式的な秩序装置の使用で注目されている。[ 6 ] [ 3 ] [ 31 ]これらの装置は、親密で概念的に駆動されたオブジェクトの使用から生じる作品の叙情的で刺激的な側面を相殺または強化するためにさまざまなケースで言われている。[ 6 ] [ 32 ] [ 8 ]

評論家たちは、山本の作品のもう一つの特徴として、素材や物体に対する鋭い感受性を挙げている。[ 30 ] [ 1 ] [ 6 ] [ 15 ]彼女は、詩的で官能的な性質だけでなく、用途、性別、場所、時代との関連も考慮して作品を選んでいる。[ 1 ] [ 8 ]それらはしばしば人間の代理物、あるいはより広い歴史を示す土着の試金石として機能する。[ 8 ]山本は同様に身体的存在を重視し、視覚以外の四感を刺激する素材を用いて人間規模の作品を制作している。[ 5 ] [ 7 ] [ 30 ]

彫刻とインスタレーション

山本の初期のプロジェクトでは、伝記、移民、女性らしさ、労働といったテーマを探求するために、親密な工芸品を多数用いた。[ 30 ] [ 4 ]複数の作品からなるインスタレーション作品「ウォッシュ・クローゼット」 （1992–97年）を含むいくつかの作品は、1914年に「写真花嫁」としてハワイに移住し、洗濯婦として働いていた彼女の祖母の生活に焦点を当てていた。 [ 8 ] [ 30 ]そのような作品の一つである「無題」は、壁に打ち込まれた280本の平釘の列で構成されており、それぞれの釘には単語が刻まれていた。最初の単語は「到着する（arrive）」で、その後に「漂白する（bleach）」「こする（corub）」「沸かす（boil）」といった、主に家事労働を表す簡潔な動詞が繰り返され、最後は「溺れる（drown）」だった。[ 33 ] [ 4 ] [ 13 ] [ 31 ]この時期の関連作品には、黒い髪の毛の束が埋め込まれた手作りの石鹸の塊が入った小さな木製の桶である「Ten in One Hour 」（1992年）や、糊付けされたシャツの袖が突き出た壁である「Ringaroundarosie」（1997年）などがある。[ 33 ] [ 30 ] [ 6 ] [ 31 ]

リン・ヤマモト、「Resplendent」、ガラス、紙、真珠光沢のある塗料、歴史的写真、部屋サイズ 幅 20 フィート x 奥行き 40 フィート x 高さ 13 フィート、2001 年、PPOW、ニューヨーク。

続くプロジェクト「長い黄昏」（1999年）で、山本はヴァッサー大学で学び、日本に戻ってローズというアメリカ人の友人と暮らし、フェミニストの出版物に執筆し、1930年代に記録から姿を消したアヤメという名の日本人女性の謎を追った。[ 29 ] [ 1 ]このインスタレーションは、工芸品、写真、ビクトリア朝時代の家具、焼け跡のあるティッシュペーパー人形の集団を組み合わせたもので、批評家のジョナサン・グッドマンはこれを愛、喪失、記憶への暗示と言及の作品であり、「知られていないものから詩を作る」ものだと評した。[ 1 ]アートフォーラムの批評家カービー・グーキンは展覧会「華麗なる華麗なる回顧展」（2001年）を「生、死、再生の象徴を詩的な混合物に融合したもの」と評した。 [ 2 ]標本の収集と保存方法を暗示するこのシンボルは、床に並べられた9つのミサイルのような大きなベルジャーに反映されており、サンドブラストで桜のモチーフが描かれている。[ 34 ] [ 2 ]この図像は他の場面でも再び登場し、最も顕著な例としては、神風特攻隊機にこのシンボルが適用された写真があり、日本軍によるこのシンボルの利用が実証されている。[ 2 ] [ 34 ]

「ジェンティール」（2007-10年）では、山本は質素な主題と洗練された白色を基調とした素材を組み合わせた矛盾したオブジェを制作し、20世紀半ばのハワイのアイデンティティ、階級、文化の複雑さと、植民地時代の純粋さの概念の両方を表現した。[ 32 ] [ 15 ] [ 8 ]「昆虫移民」という繊細なグループは、植民地主義者が意図せず持ち込んださまざまな昆虫（ゴキブリ、トコジラミ、シロアリなど）が刺繍されたレースのドイリーのセットを通して、植民地主義の生態学的影響を指摘した。[ 3 ] [ 15 ]一方、山本は「戦後プロビジョンズ」で、どこにでもある大量生産食品（エバミルクやイワシの缶、スパムやカップヌードルの容器）を、ブランドを取り除いた磁器のアイコンに作り変えた。同様に、グランドファーザーズ・シェッドは、もともと収集された手近な材料から作られた土着の建造物を、威厳のある耐久性のある大理石の記念碑へと昇華させました。[ 15 ] [ 3 ] [ 32 ] [ 8 ]

「ハウス」プロジェクト（2011年～現在）

リン・ヤマモト、「雨を聞く家」、家の寸法：幅7フィート×長さ9フィート、高さ5～6フィート、2011年、ホノルル現代美術館、ハワイ州。

山本は「ハウス」プロジェクトにおいて、ジェンティールの堅牢性と建築へのこだわりを基盤に、場所、記憶、帰属意識に根ざした家の概念を生み出した。[ 15 ] [ 7 ] [ 5 ] 《雨を聞く家》（2011年）は、ホノルル現代美術館の敷地内に、豪華なバンガロー様式の美術館の景観と対照的な、実物大のフレーム付き片流れ屋根で建てられた。ミニマルなデザイン、わずかに傾斜した床板、そして雨風で独特の音を奏でる波形金属屋根は、グランドファーザーズ・シェッド、日本の茶室、そして労働者のために建てられた安価な社宅を想起させる。[ 8 ] [ 7 ] [ 35 ]関連する《借り物の時間》（2017年）は、中間管理職の住居（手前）と労働者の住居（奥）のスタイルを融合させ、プランテーション文化における家屋の階層構造を想起させる。[ 36 ] [ 37 ]

山本は、ワシントン州ワパト近郊で撮影された20世紀初頭の「テントハウス」の写真を見つけたことを基に《Whither House 》 （2015-16年、ウィング・ルーク美術館）を制作した。テントハウスは移動の多い移民農民の住居で、運び去られたり、解体されて運ばれたりするように作られていた。 [ 7 ] [ 38 ]彼女の再現作品では、窓のない壁はキャンバスではなく絹で作られ、尖った屋根はギャラリーの高い天井まで伸び、角は丸太から切り出した粗雑な車輪の形に載せられており、願望、適応、即興、可動性といった性質を伝えるためのディテールが意図されている。[ 38 ] [ 7 ]建造物ではないが、 《 Home》（2019年）もまた帰属意識と無常性というテーマを取り上げている。山本は、ニューイングランドの自宅近くの草が生い茂った果樹園に、墓石のような簡素な大理石の板に「HOME」という単語が刻まれ、平らに設置した。この石は母親の死後まもなく設置され、ホノルルに向かって一列に並び、彼女の人生の方向を示す極を結び付けている。[ 5 ]

コレクション

山本の作品は、アレン記念美術館[ 39 ] 、ブラントン美術館[ 40 ] 、ブロンクス美術館[ 41 ]、メトロポリタン美術館[ 9 ]、ロサンゼルス現代美術館[ 10 ] 、ニューヨーク近代美術館[ 11 ] 、 RISD博物館[ 42 ]、シアトル中央図書館[ 43 ]、スミス大学美術館[ 44 ]、ホイットニー美術館[ 12 ]などに 収蔵されている。

参考文献

  1. ^ a b c d e fグッドマン、ジョナサン。「リン・ヤマモト」、コンテンポラリー・ビジュアル・アーツ、第23号、1999年。
  2. ^ a b c d eグーキン、カービィ。「山本リン」、アートフォーラム、2002 年 3 月。2025 年 12 月 6 日閲覧。
  3. ^ a b c d eフィニー、マディ。「Parts of a Whole: Lynne Yamamoto at PPOW」、artcritical、2011年11月7日。2025年12月6日閲覧。
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