サイケデリック音楽
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サイケデリック音楽（サイケデリアと呼ばれることもある）[ 1 ]は、1960年代のサイケデリア（DMT、LSD、メスカリン、シロシビンマッシュルームなどの幻覚剤を使用して共感覚や意識の変性状態を体験した人々のサブカルチャー）の影響を受けた、幅広いポピュラー音楽のスタイルとジャンルです。サイケデリック音楽は、これらの薬物の使用体験を高めることを目的としている場合もあり、サイケデリック療法に大きな影響を与えることが分かっています。[ 2 ] [ 3 ]

サイケデリックは、音楽だけでなく、視覚芸術、映画、文学も包含する。サイケデリック音楽は、1960年代に米国と英国のフォークバンドやロックバンドの間で生まれ、サイケデリックフォーク、サイケデリックロック、アシッドロック、サイケデリックポップというサブジャンルを生み出したが、1970年代初頭に衰退した。その後数十年間に、プログレッシブロック、クラウトロック、ヘビーメタルなど、数多くの精神的な後継者が続いた。1970年代以降、サイケデリックファンク、ネオサイケデリア、ストーナーロック、さらにはアシッドハウス、トランスミュージック、ニューレイブなどのサイケデリックエレクトロニックミュージックのジャンルが復活した。

特徴

「サイケデリック」という形容詞は、多くのアーティストが様々なスタイルで演奏しているため、しばしば誤用されます。この点を認識し、作家のマイケル・ヒックスは次のように説明しています

音楽のスタイルが「サイケデリック」である理由を理解するには、LSDの3つの基本的な効果、すなわち脱時化、脱人格化、そしてダイナミゼーションを考慮する必要がある。脱時化は、薬物使用者に従来の時間感覚の外へと移動することを可能にする。脱人格化は、使用者が自己を失い、「区別のない一体性の認識」を得ることを可能にする。[ティモシー]リアリーが記したように、ダイナミゼーションは、床からランプまであらゆるものが曲がっているように見せ、「馴染みのある形が動き、踊るような構造物へと溶け込む」ように見せる。…真に「サイケデリック」な音楽は、これら3つの効果を模倣している。[ 4 ]

サイケデリック音楽には、いくつかの本質的な特徴が見られる。特にシタールとタブラを好む東洋の楽器が一般的である。[ 5 ]楽曲は、現代のポップミュージックに比べて、分離した楽曲構成、調号や拍子記号の変化、旋法のメロディー、ドローンが多い。 [ 4 ]シュール、奇抜、あるいは文学に触発された歌詞がよく使われる。[ 6 ] [ 7 ]拡張された楽器パートやジャムセッションに重点が置かれていることが多い。[ 8 ]特に1960年代には、電子オルガン、ハープシコード、あるいは初期のテープ駆動型「サンプラー」キーボードであるメロトロンなどを使用したキーボードの存在感が強い。[ 9 ]

精巧なスタジオエフェクトが頻繁に使用され、例えば、テープを逆再生したり、ステレオトラックの音楽を片側からもう片側へパンしたり、電子位相の「シューッ」という音、長いディレイループ、極端なリバーブを使用したりします。[ 10 ] 1960年代には、初期のシンセサイザーやテルミンなどの電子楽器が使用されました。[ 11 ] [ 12 ]後期のエレクトロニックサイケデリックでは、コンピューターで生成された反復的なビートも採用されました。[ 13 ]

1960年代: サイケデリックの原点

1960年代にLSDの使用を強く主張したティモシー・リアリー。1989年に撮影。

初期のサイケデリア

1950年代後半からは、ウィリアム・バロウズ、ジャック・ケルアック、アレン・ギンズバーグなどのビート世代の作家たち[ 14 ]が大麻やベンゼドリンなどの薬物について書いたり、実際に使用したりして、薬物に対する意識を高め、その使用を広めた。[ 15 ] 1960年代初頭には、ティモシー・リアリー、アラン・ワッツ、オルダス・ハクスリー、アーサー・ケストラーなどの意識拡張を主張する新しい人たちによってLSDやその他のサイケデリックスの使用が提唱され、[ 16 ] [ 17 ]ローレンス・ベイジーによると、彼らは新世代の若者の考え方に大きな影響を与えたという。[ 18 ]

サイケデリックなライフスタイルは、1960年代半ばまでにカリフォルニア、特にサンフランシスコで既に発展しており、オウズリー・スタンレーによって最初の大規模なLSD地下工場が設立されました。[ 19 ] 1964年からは、小説家ケン・キージーを中心に発展した緩やかなグループ、メリー・プランクスターズがアシッド・テストのスポンサーを務めました。これは、LSD（スタンレーが提供）を摂取し、ライトショー、映画上映、そしてグレイトフル・デッド（スタンレーが資金提供）による不協和音の即興音楽を伴う一連のイベントであり、 [ 20 ]当時はウォーロックスとして知られ、サイケデリック・シンフォニーとして知られていました。[ 21 ] [ 22 ]プランクスターズは、サイケデリックに装飾された改造スクールバスでアメリカ中を旅し、薬物を配布したり、ビート・ムーブメントの主要人物と会ったり、1968年にトム・ウルフが書いた「エレクトリック・クールエイド・アシッド・テスト」などの出版物を通じて、LSDの使用を普及させるのに貢献した。 [ 23 ]

サンフランシスコには、近隣のバークレー校の学生や、この街に引き寄せられてきた自由思想家たちの需要に応えるフォーク・クラブ、コーヒー・ハウス、独立系ラジオ局といった新興の音楽シーンがありました。[ 24 ]ジャズやブルースのミュージシャンの間ではすでに薬物使用の文化があり、1960年代初頭には、大麻、ペヨーテ、メスカリン、LSD [25] などの薬物の使用がフォークやロックのミュージシャンの間で増加し始めました。[ 26 ]音楽で「サイケデリック」という言葉が最初に使われたのは、ニューヨークを拠点に活動するフォーク・グループ、ホーリー・モーダル・ラウンダーズが、 1964年にリード・ベリーの「ヘジテーション・ブルース」をカバーしたときです。 [ 27 ]フォーク/アヴァンギャルド・ギタリスト、ジョン・フェイヒーは、1960年代初頭に数曲を録音し、逆再生テープなどの珍しい録音技術や、フルートやシタールなどの斬新な楽器伴奏を試[ 28 ] 19分間の「ザ・グレート・サンバーナーディーノ・バースデー・パーティー」は「神経質な即興演奏と奇妙なギターチューニングでサイケデリックの要素を先取りしていた」。[ 28 ] 同様に、フォークギタリストのサンディ・ブルの初期の作品は「フォーク、ジャズ、インドやアラブの影響を受けたドローン調の要素を取り入れていた」。[ 29 ] 1963年のアルバム『ファンタジアズ・フォー・ギター・アンド・バンジョー』は様々なスタイルを探求しており、「まさに最初のサイケデリックレコードの1つと言えるだろう」。[ 30 ]

ロックレコードでLSDに初めて言及されたのは、ギャンブラーズの1960年のサーフインストゥルメンタル「LSD 25」である。[ 31 ] 1965年、ニューヨークのバンド、ファッグスが、曲「I Couldn't Get High」でLSDに言及している。[ 32 ] 1965年5月、ドラマーのジョン・デンズモアは、ギタリストのロビー・クリーガーと共に、カリフォルニア州ロサンゼルスで結成されたサイケデリック・レンジャーズというバンドに加入した。[ 33 ] 2人は合法的にLSDを使用し、2曲のみを作曲した。そのうちの1曲は「Paranoia」という曲である。[ 33 ]このグループは、自分たちを「サイケデリック」と称するバンドの最も初期の例の1つであった。 [ 34 ]しかし、ジョン・タウンリーとデビッド・ブルーは、同年ニューヨークで同名の短命のグループを結成した。[ 35 ] [ 35 ]デンスモアとクリーガーは1965年後半にドアーズに加入した。 [ 36 ] 1966年1月、テキサスのバンド、サーティーンス・フロア・エレベーターズは、第三の目の絵が入った名刺に「サイケデリック・ロック」という新語を記した。[ 37 ] [ 38 ]同年、バンドは10月に『ザ・サイケデリック・サウンズ・オブ・ザ・サーティーンス・フロア・エレベーターズ』をリリースした。これは後に、アルバムタイトルに「サイケデリック」という言葉を使った最古の例と認められるようになった。[ 39 ]これに続き、ニューヨークのバンド、ザ・ディープとブルース・マグーズが11月に 『サイケデリック・ムーズ』と『サイケデリック・ロリポップ』をリリースした。

最盛期と衰退期

すぐにミュージシャンたちは（最初は間接的に、後に明示的に）この薬物に言及し始め、LSDを摂取した体験を自分たちの音楽で再現または反映しようとした。それはちょうどそれがサイケデリックアート、文学、映画に反映されていたのと同じである。[ 40 ]この傾向はアメリカとイギリスの両方で並行して進み、相互に関連したフォークシーンとロックシーンの一部として進んだ。[ 41 ]ポップミュージックがサイケデリックなサウンドを取り入れ始めると、このジャンルは主流かつ商業的な勢力として台頭した。[ 42 ]サイケデリックロックは60年代の最後の数年間に最盛期を迎えた。[ 7 ] 1967年から1968年にかけて、気まぐれなイギリス版、あるいはよりハードなアメリカ西海岸のアシッドロックのいずれかで、ロックミュージックの主流のサウンドだった。[ 43 ]アメリカでは、1967年のサマー・オブ・ラブはヒューマン・ビー・イン・イベントで幕を開け、モントレー国際ポップフェスティバルで最高潮に達した。[ 44 ]これらのトレンドは1969年のウッドストック・フェスティバルで最高潮に達し、ジミ・ヘンドリックス、ジャニス・ジョプリン、ジェファーソン・エアプレイン、サンタナなど、ほとんどの主要なサイケデリック・バンドが出演しました。[ 45 ]

1960年代末までに、音楽におけるサイケデリックな探求の潮流は大きく後退した。LSDは1966年にアメリカ合衆国とイギリスで違法と宣言された。[ 46 ]マンソン・ファミリーによるシャロン・テートとレノ＆ローズマリー・ラビアンカ夫妻の殺害事件が、ビートルズの「ヘルター・スケルター」などの楽曲と関連付けられたことで、反ヒッピーの反発が引き起こされた。[ 47 ] 1969年12月6日、ローリング・ストーンズとジェファーソン・エアプレインがヘッドライナーを務めたカリフォルニア州のアルタモント・フリー・コンサートは、予想されたようにサイケデリック音楽シーンにおける画期的な出来事とはならなかった。むしろ、ヘルズ・エンジェルスの警備員が黒人少女メレディス・ハンターを刺殺した事件で悪名高いものとなった。 [ 48 ]

復活と後継者

ロックとポップ

ポストサイケデリック時代：プログレッシブロックとハードロック

1960年代末までに、多くのロックミュージシャンはロックンロールの起源であるルーツに立ち返り、バーニー・ホスキンスが「退行的、ポストサイケデリック音楽」と呼んだ発展へと至った。彼は、ローリング・ストーンズ、ザ・バンド、デラニー＆ボニー、ヴァン・モリソン、レオン・ラッセルといったカントリーロックやブルース／ソウル風ロックを例に挙げた。同時に、フランク・ザッパと関係のあったアーティスト、マザーズ・オブ・インヴェンション、キャプテン・ビーフハート、ワイルド・マン・フィッシャー、ザ・GTOs、アリス・クーパーらによって、より前衛的な発展がもたらされた。[ 49 ]

音楽学者フランク・ホフマンによると、ポスト・サイケデリック・ハードロックは、レッド・ツェッペリン、ブラック・サバス、ロビン・トロワーなどの音楽に見られるように、より「映画的なギター・スタイルと喚起的な歌詞のイメージ」を特徴とする、多様なロックシーンから生まれた。[ 50 ]音楽学者エドワード・メイカンは、出現した「ポスト・サイケデリック・ハードロック/ヘビーメタル・スタイル」は「ヒッピー精神とのつながりが弱く」、「ブルースの発展を強く強調した」と指摘している。[ 51 ]歪んだギター・サウンド、長いソロ、そして冒険的な楽曲を特徴とするサイケデリック・ロックは、ブルース志向のロックと、その後のメタルの台頭を繋ぐ重要な架け橋であった。ヤードバーズの元ギタリスト、ジェフ・ベックとジミー・ペイジは、それぞれジェフ・ベック・グループとレッド・ツェッペリンという、新しいブルース・ロック・ヘビーメタルのジャンルの重要バンドを結成した。[ 52 ]ヘヴィメタルというジャンルの他の主要な先駆者には、ブラック・サバス、ディープ・パープル、ジューダス・プリースト、UFOなど、ブルースをベースとしたサイケデリック・バンドがあった。[ 52 ] [ 53 ]

アメリカの学者クリストフ・デン・タントによると、ポスト・サイケデリック時代の多くのミュージシャンは、ピンク・フロイドのコンセプト・アルバムやエマーソン・レイク・アンド・パーマー、イエスの技巧的な楽器演奏に見られるように、より厳格なプロ意識とクラシック音楽の要素を取り入れた。「1970年代初頭のポスト・サイケデリック・ロックは、小規模または中規模の組織で孵化した」と彼は付け加え、ヴァージン・レコード、アイランド・レコード、オブスキュア・レコードなどのレコード・レーベルの名前を挙げた。[ 54 ]サイケデリアを受け入れた多くのイギリスのミュージシャンやバンドは、1970年代にプログレッシブ・ロックというジャンルを作り始めた。キング・クリムゾンのアルバム『クリムゾン・キングの宮殿』（1969年）は、サイケデリアとプログレッシブ・ロックをつなぐ重要な架け橋と見なされている。[ 55 ]ホークウインドなど一部のバンドは1970年代まで明らかにサイケデリックな路線を維持しましたが、ほとんどのバンドはより広範な実験に乗り出すためにサイケデリックな要素を捨て去りました。[ 56 ]ドイツのサイケデリック運動のバンドがサイケデリックなルーツから離れ、電子楽器をますます重視するようになったため、クラフトヴェルク、タンジェリン・ドリーム、カン、ファウストなどのグループは、コスミッシェ・ムジーク、またはイギリスのメディアでは「クラウトロック」として知られる独特のエレクトロニック・ロックを発展させました。 [ 57 ]彼らが電子シンセサイザーを採用したことと、ブライアン・イーノがロキシー・ミュージックでキーボード演奏で探求した音楽スタイルは、その後のエレクトロニック・ロックの発展に大きな影響を与えました。[ 58 ]ソフト・マシーンやカンのようなバンドの音楽にジャズのスタイルが取り入れられたことは、コロシアムのようなバンドの新興ジャズロックサウンドの発展にも貢献した。[ 59 ]

ポスト・サイケデリック時代のもう一つの発展は、アルバムアートワークなど、アーティストとそのレコードのマーケティングにおける自由度の向上であった。タントは、レコードジャケットのデザインにミュージシャンやレコードに関する情報が限定されていることから、レコーディング・アーティストが経済市場における匿名性を好む傾向を指摘している。彼は、ピンク・フロイドの1970年代初頭のアルバム、ビートルズの1968年のアルバム（非公式には『ホワイト・アルバム』として知られている）、そして「今日に至るまでタイトルに関するコンセンサスがない」レッド・ツェッペリンの1971年のアルバムを例に挙げている。彼によると、ブライアン・イーノやロバート・フリップといったポスト・サイケデリック時代のミュージシャンは、アーティストと作品、あるいはスターダムとのこの分離を「明確に提唱した」という。 「そうすることで、彼らは1970年代後半のポストパンクの中心的な傾向の基礎を築いた」と彼は付け加え、それはザ・キュアーの最初の4枚のアルバム（バンドメンバーのぼやけた写真が特徴）とファクトリー・レコードのシリアルナンバー入りの暗い色のカバーに表れている。[ 54 ]

1970年代半ばまでに、ポスト・サイケデリック音楽の音楽性への重点は「偶像破壊的な反乱」へと発展した。タントは次のように述べている。「1970年代半ばのパンク・ロックは、その真正あるいは偽りの音楽的粗野さという精神によって、10年前に発展したものとは正反対の文化的手段を通じて、ロックの自律性を再び刻み込んだ。」[ 54 ]ポスト・サイケデリック時代の音楽は、それ以前のサイケデリック、フォークロック、ブリティッシュ・リズム・アンド・ブルースといったスタイルと共に、後にクラシック・ロックのカテゴリーと結び付けられるようになった。[ 54 ]

ストーナーロックは、ストーナーメタル[ 60 ]またはストーナードゥーム[ 61 ] [ 62 ]としても知られ、ヘビーメタルまたはドゥームメタル（もしくはその両方）の要素とサイケデリックロック、アシッドロックを組み合わせたロックミュージックの融合ジャンルです。[ 63 ]この名称は大麻の使用に由来しています。デザートロックという用語は、このジャンルを説明する際に「ストーナーロック」と互換的に使用されることがよくありますが、すべてのストーナーロックバンドが「デザートロック」という説明に当てはまるわけではありません。[ 64 ] [ 65 ]ストーナーロックは典型的には低速から中速のテンポで、激しく歪んだグルーヴ感あふれる低音重視のサウンド、[ 66 ]メロディックなボーカル、そして「レトロ」なプロダクションが特徴です。[ 67 ]このジャンルは1990年代初頭に登場し、モンスターマグネットやカリフォルニアのバンド、フー・マンチュー、カイアス[ 68 ]、スリープによって開拓されました。[ 69 ] [ 70 ]

ポストパンク、インディーロック、オルタナティブロック

ネオサイケデリア（または「アシッドパンク」）[ 71 ]は、1970年代にイギリスのポストパンクシーンから派生して生まれた多様な音楽スタイルです。その実践者は1960年代のサイケデリックミュージックの独特なサウンドを参考に、その時代のアプローチをアップデートしたりコピーしたりしました。ネオサイケデリアには、サイケデリックポップ、ジャングリーなギターロック、激しく歪んだフリーフォームのジャムセッション、レコーディング実験などが含まれる場合があります。[ 72 ]ソフトボーイズ、ティアドロップエクスプローズ、エコー&ザ・バニーメンなど、このシーンのバンドのいくつかは、ネオサイケデリアの主要人物となりました。[ 72 ] 1980年代初頭のペイズリーアンダーグラウンド運動は、ネオサイケデリアに続きました。[ 72 ]ロサンゼルスで始まったこのムーブメントには、1960年代後半のサイケデリックに影響を受けた若いバンドが数多く登場し、それぞれがサイケデリックの異なる要素を取り入れていました。「ペイズリー・アンダーグラウンド」という呼称は、後にロサンゼルス以外の地域にも広がりました。[ 73 ]

2012年にミラノで行われたコンサートでのストーン・ローゼズ

マッドチェスターは1980年代後半にイングランド北西部のマンチェスター地域で発展した音楽と文化のシーンで、アーティストがオルタナティブロックをアシッドハウスやダンスカルチャー、さらにサイケデリックミュージックや1960年代のポップなどの他のソースと融合させた。[ 74 ] [ 75 ]このラベルは1990年代初頭に英国の音楽プレスによって普及し、[ 76 ]その最も有名なグループにはストーンローゼズ、ハッピーマンデーズ、インスパイラルカーペッツ、ザシャーラタンズ、808ステイトなどがある。レイブの影響を受けたシーンはドラッグ、特にエクスタシー（ MDMA ）の影響を強く受けていると広く見なされている。当時、ニューオーダーのメンバーが共同所有していたハシエンダナイトクラブは、セカンドサマーオブラブと呼ばれた街の独特の音楽的精神の大きな触媒となった。[ 77 ]『スクリーマデリカ』は、スコットランドのロックバンド、プライマル・スクリームが1991年にリリースした3枚目のスタジオアルバムである。このアルバムはバンドの初期のインディーロックサウンドから大きく逸脱し、当時花開いたハウスミュージックシーンや、それに関連するLSDやMDMAなどのドラッグからインスピレーションを得ている。1992年には第1回マーキュリー賞を受賞し、[ 78 ]世界中で300万枚以上を売り上げた。

AllMusicは、「80年代初頭のペイズリー・アンダーグラウンド・ムーブメントと1990年代後半のエレファント6コレクティブを除けば、その後のネオサイケデリアのほとんどは、まとまりのあるシーンではなく、孤立した奇人やリバイバリストから生まれた」と述べている。さらに、チャーチ、ニック・サロマンのベヴィス・フロンド、スペースメン3、ロビン・ヒッチコック、マーキュリー・レヴ、フレーミング・リップス、スーパー・ファーリー・アニマルズといった、より著名なアーティストを挙げている。[ 72 ] Treblezineのジェフ・テルリッチは、「プライマル・スクリームは（ネオサイケデリアを）ダンスフロアで楽しめるものにした。フレーミング・リップスとスピリチュアライズドはそれをオーケストラの領域にまで引き上げた。そしてアニマル・コレクティヴは、まあ、独自の道を歩んだ」と述べている。[ 79 ]

ヒプナゴジックポップ、ポストノイズ、チルウェーブ、グローファイ

アトランティック誌のライター、ルウェリン・ヒンクス・ジョーンズは、2000年代の様々な音楽スタイルを、メロウなビート、ビンテージシンセサイザー、ローファイメロディーを特徴とするものとして挙げ、チルウェーブ、グロファイ、ヒプナゴジックポップなどを挙げている。[ 80 ]これら3つの用語は、クワイエタスによって「ドリームビート」や「ヒップスターゴジックポップ」といった用語と共に互換性があると説明されている。 [ 81 ]これらを総じて、シンセサイザーをベースにしたサイケデリック音楽の一種と見なすこともできる。[ 81 ]

「チルウェーブ」という言葉は、2009年7月にヒップスター・ランオフ・ブログのカルレス（ブログの筆者が使用している仮名）が、同名の「ブログラジオ」番組で作った造語である。カルレスは、似たようなサウンドを持つ多くの新進気鋭のバンドにこのジャンル名をつけた。[ 82 ] 2009年8月、ジャーナリストのデイビッド・キーナンは、「ヒプナゴジック・ポップ」という言葉を、2000年代に発展しつつあったローファイとポストノイズ音楽のトレンドを指して作った。このトレンドでは、様々なバックグラウンドを持つアーティストが、文化的ノスタルジア、子供時代の記憶、そして時代遅れの録音技術といった要素を取り入れ始めた。[ 83 ]

2010年までに、アリエル・ピンクとネオン・インディアンのアルバムは、ピッチフォークやザ・ワイヤーなどの出版物で定期的に称賛されるようになりました。「ヒプナゴジック・ポップ」「チルウェーブ」「グローファイ」という言葉は、インディーズ音楽界でかなりの成功を収めた多くのアーティストの進化するサウンドを表現するためにすぐに使われるようになりました。[ 80 ]当初、これら3つの用語は同じ意味で使われることが一般的でしたが、チルウェーブは後にドリームポップ、ニューエイジ、ミューザック、シンセポップを組み合わせたものとして区別されるようになりました。[ 84 ] 2009年にPitchforkのMarc HoganがNeon IndianのアルバムPsychic Chasmsをレビューした際、「ドリームビート」「チルウェーブ」「グロファイ」「ヒプナゴジックポップ」「ヒップスターゴジックポップ」は「一般的にシンセベース、手作り風、80年代風、カセットテープ中心、太陽に照らされた、のんびりとした、歪んだ、ぼんやりした、感情的に遠く離れた、やや焦点がぼけたサイケデリックミュージック」の互換可能な用語として言及された。[ 81 ]

ファンク、ソウル、ヒップホップ

1960年代後半のジミ・ヘンドリックスの作品に続き、サイケデリックはアフリカ系アメリカ人ミュージシャンに広範囲にわたる影響を与え始めた。[ 85 ]スライ&ザ・ファミリー・ストーン などの黒人ファンク・アーティストは、ワウペダル、ファズボックス、エコーチェンバー、ボーカルディストーションなどのサイケデリック・ロック音楽のテクニックに加え、ブルースロックやジャズの要素も借用した。[ 86 ]その後、パーラメント・ファンカデリックなどのグループがこの感性を引き継ぎ、シンセサイザーやロック志向のギターワークを自由なファンク・ジャムに取り入れた。[ 87 ] [ 86 ]プロデューサーのノーマン・ホイットフィールドは、テンプテーションズの「クラウド・ナイン」（1968年）やマーヴィン・ゲイの「アイ・ハード・イット・スルー・ザ・グレイプヴァイン」（1969年）など、モータウンの人気曲でこのサウンドを取り入れた。 [ 87 ]

公民権運動の影響を受け、サイケデリック・ソウルはサイケデリック・ロックの多くよりも暗く政治的な側面を持っていた。[ 85 ]サイケデリック・ソウルは、スライ&ザ・ファミリー・ストーンの「I Want to Take You Higher」（1969年）や、テンプテーションズの「Cloud Nine」「Runaway Child, Running Wild」（1969年）、「Psychedelic Shack」（1969年）などの曲によって開拓された。[ 88 ]

サイケデリック・ラップは、ヒップホップとサイケデリックを融合させたマイクロジャンルである。[ 89 ]先駆者には、ニューヨークのネイティヴ・タンズ・コレクティブ（デ・ラ・ソウル、ジャングル・ブラザーズ、ア・トライブ・コールド・クエストが主役）[ 89 ]やショックGなどがいる。[ 90 ]トリップホップの「トリップ」はサイケデリックよりもダブミュージックと結びついていたが、[ 91 ]このジャンルはサイケデリックロックとヒップホップを組み合わせたものである。[ 92 ]

クラウドラップ

クラウドラップは、トラップミュージックの音響的特徴をいくつか備えたラップのサブジャンルであり、ぼんやりとした夢のような、リラックスした制作スタイルで知られています。[ 93 ] [ 94 ]ラッパーのリル・Bとプロデューサーのクラムス・カジノは、このスタイルの初期の先駆者として知られています。[ 93 ] [ 94 ] 「クラウドラップ」という用語は、インターネットの起源と空気のようなスタイルに由来しています。[ 95 ]

HexD

HexDは、2010年代後半から2020年代初頭にかけて登場したインターネットラップのマイクロジャンルです。ビットクラッシングを多用し、スピードアップやピッチアップされたボーカルをミックスすることで、歪んだデジタルで、かすんだサイケデリックなサウンドを生み出します。この用語は、Hexcastcrewのメンバーであるステイシー・ミナージュによって造られました。彼女は2019年後半にDJミックス「Rare RCB hexD.mp3」をリリースしました。このミックスでは、影響力のあるオンラインラップ集団Reptilian Club Boyzの曲をサンプリングおよびリミックスしています。[ 96 ] [ 97 ] [ 98 ] [ 99 ] [ 100 ] [ 101 ]

電子

ハウス、テクノ、トランス

レイブシーンでは、ハウス、アシッドハウス、テクノが重視された。レイブのジャンルである「ハードコア」は、1980年代後半にウェアハウスパーティーやその他のアンダーグラウンドの会場、英国の海賊ラジオ局で、英国のアシッドムーブメントの中で初めて登場した。[ 102 ]このジャンルはオールドスクールハードコアへと発展し、ドラムンベースや2ステップなどの新しい形式のレイブミュージック、ガバ、ハードスタイル、ハッピーハードコアなどの他のハードコアテクノジャンルにつながった。1980年代後半には、レイブ文化はヨーロッパ大陸を訪れる英国人駐在員やディスクジョッキーを通じて浸透し始めた。アメリカのレイブは1990年代にニューヨークで始まった。

Roland TB-303 ベースラインシーケンサー

アシッド・ハウスは、 DJピエール、アドニス、ファーリー・ジャックマスター・ファンク、そしてフューチャーといったシカゴのDJたちのハウスミュージック・スタイルから1980年代半ばに誕生しました。フューチャーは、1987年のアルバム『アシッド・トラックス』でこの用語を生み出しました。ハウスの要素に、ローランドTB-303シンセサイザーによる「スクエルチー」なサウンドと深みのあるベースラインを融合させたものです。シングルがイギリスに上陸し始めると、このサウンドは再創造され、1986年から87年にかけてロンドンで開催された小規模なウェアハウス・パーティーがきっかけとなりました。1988年のセカンド・サマー・オブ・ラブでは、何千人ものクラブ客が大規模なレイブに足を運び、メインストリームに躍り出ました。その後、1990年代初頭には、M/A/R/R/S 、S'Express、テクノトロニックなどのヒット曲によってイギリスのポップ・チャートに浸透し始めましたが、その後トランス・ミュージックの人気に取って代わられました。[ 103 ]

トランスミュージックは、 1990年代初頭のドイツのテクノとハードコアシーンで生まれました。短く反復されたシンセサイザーの旋律を強調し、最小限のリズム変化と時折シンセサイザーの雰囲気を添えることで、リスナーをトランスのような状態に導くことを目指しました。ビルボード誌のあるライターは、「トランスミュージックは、70年代のディスコと60年代のサイケデリックを融合させたものと言えるでしょう」と書いています。[ 104 ]アシッドハウスとテクノミュージックから派生したトランスミュージックは、ドイツとオランダで発展し、ジョーイ・ベルトラムの「Energy Flash」やCJ・ボランドの「The Ravesignal」といったシングルが生まれました。その後、ロバート・ライナー、サン・エレクトリック、エイフェックス・ツインなどがリリースし、最も影響力のあったのはハートハウス・レーベルからリリースされたテクノトランスで、デュオ・ハードフロアの「Acperience 1」（1992年）は多くの模倣作品となりました。 1990年代初頭にイギリスで人気を博したものの、トリップホップやジャングルといった新しいジャンルのエレクトロニックミュージックの登場によって影を潜め、90年代後半に再び人気が高まり、クラブシーンを席巻し始めた。その後すぐに、プログレッシブトランス、アシッドトランス、ゴアトランス、サイケデリックトランス、ハードトランス、アップリフティングトランスといったサブジャンルへと細分化されていった。[ 105 ]

2010年代には、 Bassnectar、Tipper、Pretty Lightsといったアーティストが、より主流のサイケデリックカルチャーを席巻しました。「レイブ」は規模を拡大し、主流へと成長しました。

ニューレイブ

2007年のコンサートで演奏するニューレイブバンド、クラクソンズ

2000年代のイギリスでは、クラクソンズの宣伝で、インディーロックとダンスパンクの融合が「ニューレイブ」と呼ばれ、この用語はNMEによって多くのバンドに採用されました。 [ 106 ]ニューレイブは、以前のレイブミュージックと同様の視覚的美学を持つシーンを形成し、視覚効果を重視しました。グロースティック、ネオン、その他のライトが一般的で、シーンのフォロワーは非常に明るい蛍光色の服を着ることが多かったです。[ 106 ] [ 107 ]

シンセデリア

シンセデリアは、音楽ジャーナリストのサイモン・レイノルズが、1960年代中期から後半にかけてアメリカ西海岸と東海岸のサイケデリックシーンで人気があったサイケデリアと初期の電子音楽の融合を表現するために作った融合ジャンルである。 [ 108 ]もともと1965年に結成されたニューヨークを拠点とするサイケデリックロックバンド、ローター・アンド・ザ・ハンド・ピープルによって開拓され、彼らは電子楽器、特にテルミンを使用した最初のロックバンドと考えられている。[ 109 ]他の注目すべきアーティストには、シルバー・アップルズ、ユナイテッド・ステイツ・オブ・アメリカ、ホワイト・ノイズ、フィフティ・フット・ホース、インターシステムズ、ビーバー＆クラウス、シリンクスなどがある。[ 108 ]

サイケデリック療法で使用される音楽

精神科施設の設計やサイケデリック薬物補助療法の様式においては、セットとセッティングが極めて重要である。[ 110 ]研究によると、厳選された音楽プレイリストが好ましいセッティングの一部となり得ることが示されている。[ 111 ] [ 112 ] [ 113 ]

参照

参考文献

  1. ^ C. ヘイリン著『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブの生涯とその後』（ロンドン：キャノンゲート・ブックス、2007年）、 ISBN 1-84195-955-3、85ページ
  2. ^ 「隠れたセラピスト ― サイケデリック療法における音楽の中心的役割の証拠」wavepaths.com。2021年11月15日閲覧
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