



ロビー・ローランズ(1968年生まれ)は、オーストラリアのメルボルンを拠点とするビジュアルアーティストです。彼の作品は、物体や環境の操作を通して、安定性と脆弱性という概念を探求しています。反復的で精緻なカット[ 1 ] [ 2 ]と、それによって生じる歪み[ 3 ]は、私たちの周りのあらゆるものに影響を与える避けられない時間の流れを反映しています。ローランズの作品は、対象の歴史、人間性、そして機能に光を当てていると評されています。彼が操作する物体と空間は、私たちが作り出した世界と自然界の境界を曖昧にします。
彼は、解体前の建物から街路灯などの実用的な物まで、彫刻的な介入で最もよく知られています。[ 4 ] 1998年にプラット・インスティテュートでマーシャ・ペルズ教授の指導の下、ブルックリンの廃墟を探索し、物と場所への介入を制作しました。これらの初期の探求は、1950年代のバスターミナル、[ 5 ] 、オーストラリアのダンデノンにある1900年代の木造バプテスト教会、[ 6 ] 、そしてアメリカのデトロイトの廃墟など、様々な場所を探索する作品へと発展しました。[ 7 ]
作家でキュレーターのスチュアート・クープ[ 8 ]は、ローランズの作品を「死体(あるいは生体)から皮膚を剥ぎ取って骨を露出させるようなもの」と評し、「釘、間柱、柱頭、断熱材、埃、石膏といった基礎構造を見せる…彼は修復を試みず、建物の内部構造を垣間見せる大きな切り込みを残す。A型梯子の片側、ベッドのフレーム、椅子の脚など、それぞれの主要構造部分を切断することで、道具や備品の健全性も露わにする。彼は、物体をまっすぐに、強く、効果的に保っている腱を切断するので、切断されると、物体はよろめき、倒れそうになる」と述べている[ 9 ] 。
Beautiful/Decay誌のインタビューで、彼はこう述べている。「敷地への介入は…私が見つけた物をベースにした作品から必然的に生まれたものでした。物体を切断と分割というプロセスを通して変形させるという課題は、建物においても興味深い挑戦でした。物体をある程度操作し、限界まで押し進めて、何か新しいものを生み出しながらも、元のアイデンティティを保つことができました。建築環境においても、空間を圧倒し、未完成の解体のように見えないように、どのような行動が必要なのかを考えるという、同様、あるいはそれ以上の課題がありました。最初の数回のカットでは、それが成功したのか、そして私の作品にとってどれほど重要なのか、全く判断できませんでした。こうした表面下を露わにし、それに続く素材の反応的な動きが、建築環境に対する私の理解を揺るがすものであることに気づくまでには、時間がかかりました。特定の空間で私が抱く様々な感情には、より明確な説明があるように思えました。根底にある緊張感を露わにすること。空間にはある種の記憶や物語があるという考察。」[ 10 ]
ローランズの最近の作品としては、ブロードメドウズ・タウンホール公共芸術委員会による「Crossing the Floor」(2017年)[ 11 ]、ベルフィールド・ハウス介入による「Shadows Fall」(2016年)、「If this light can hold」(コロラド州ボルダー現代美術館、2015年)[ 12 ]、「Tread lightly for this ground may be hollow」(デトロイト、2014年)、 「 In-between」(ビクトリア州ユエングルーンのライト・ファーム、2014年)[ 13 ] 、 「Merchant Cities」(ニューポートのサブステーション・ギャラリー、2014年)、「Stem」 (ニューサウスウェールズ州のヘイゼルハースト・ギャラリー、2014年)などがある。彼の作品は、雑誌、アートジャーナル、国際的なデザインウェブサイト、ドイツのゲシュタルテン出版の「Highlife」や「Spacecraft 2 and Erratic」などの主要な彫刻出版物で広く紹介されている。[ 14 ]