サンディープ・ムケルジー
American visual artist

サンディープ・ムケルジー
生まれる1964年（60～61歳）
プネ、インド
教育カリフォルニア大学ロサンゼルス校、オーティス芸術デザイン大学、カリフォルニア大学バークレー校 マニパル工科大学
知られている絵画、デッサン、インスタレーションアート、パブリックアート
受賞歴グッゲンハイムフェローシップ、ロサンゼルス市（COLA）、カリフォルニアコミュニティ財団
Webサイトsandeepmukherjeeart.com
サンディープ・ムケルジー《Mutual Entanglements》、アクリル、デュラレン、7フィート×50フィート（2.1メートル×15.2メートル）、2015年。チメント・コンテンポラリー、ロサンゼルスでの展示風景

サンディープ・ムカジー（1964年生まれ）は、ロサンゼルスを拠点に絵画、デッサン、インスタレーション・アートの分野で活動するインド系アメリカ人アーティストである。[1] [2]彼の作品は、プロセス・アート、テキスタイル・アート、モダニズム抽象絵画、伝統的な東洋美術の言説と関わり、物質性、演じる身体と鑑賞者の身体性、建築空間、イメージをバランスよく強調している。[3] [4] [5]彼は、プロセス指向の即興的な抽象作品（テクスチャーのあるまたはフィルムのような表面にアクリルインクや絵の具で描いた絵画が多い）で最もよく知られており、変化しやすく流動的な物質や、主観的な経験と客観的な情報の間の境界領域を表現しようとしている。[6] [7]ムカジーの初期の作品は具象的であったが、後期の作品は抽象的ではあるが、風景や微視的な自然現象や天体現象に例えられることが多い。[8] [9] [10] ロサンゼルス・タイムズの評論家クリストファー・ナイトは、この作品を「色彩、線、動き、光から構成される恍惚とした抽象表現。物質界と宇宙界の間に身を置く、回転する修道士の踊りのようだ」と評した。[11]

ムカジー氏はグッゲンハイム・フェローシップを受賞し、ロサンゼルス市やカリフォルニア・コミュニティ財団などからも賞を受けている。[12] [13] [14]彼は国際的に展示を行っており、彼の作品はニューヨーク近代美術館（MoMA）[15] 、 ロサンゼルス郡立美術館[16] 、ロサンゼルス現代美術館（MOCA）[17] 、 キラン・ナダール美術館、Colección Jumex [18 ]などの公共コレクションに収蔵されている。 [ 19]彼はロサンゼルスを拠点に活動しており、2006年からカリフォルニア州クレアモントのポモナ・カレッジで美術の教授を務めている。 [19] [20]

幼少期とキャリア

ムカジーは1964年、インドのプネーで生まれた。 [19]当初は工業エンジニアとして訓練を受け、インドのマンガロールにあるマニパル工科大学（理学士、1986年）とカリフォルニア大学バークレー校（理学修士、1988年）で学位を取得した。[1]カリフォルニア州タスティンにあるテキサス・インスツルメンツでエンジニアとして5年間働き、その間、余暇にはアート制作に励んだ。[21] 1991年から1993年にかけてコミュニティカレッジでアートのコースを受講した後、ロサンゼルスのオーティス芸術デザイン大学に入学し、1996年に美術学士号（BFA）を取得し、カリフォルニア大学ロサンゼルス校で美術学修士号（MFA、1999年）を取得した。[19] [21] [22]

ムカジーは、ロサンゼルスのマーゴ・リービン・ギャラリーとポモナ・カレッジ美術館での個展、カリフォルニア州立大学、ロサンゼルス現代美術館（「カンバセーションズ」、2003年）、ハマー美術館でのグループ展で初めて批評家の注目を集めた。[23] [24] [25] [26]それ以来、バングラデシュ、ドイツ、インド、アメリカのピッツァー大学、シスター・アンド・チメント・コンテンポラリー（カリフォルニア）、ブレナン＆グリフィン（ニューヨーク）、プロジェクト88（ムンバイ）、ダッカ・アート・サミットなどで個展を開催してきた。[4] [9] [11] [27]また、MoMA、ブラビンリー・プログラム、シンドラー・ハウスのMAKセンターでのグループ展にも参加した。[22] [28] [29]

仕事と受付

Since earning his MFA, Mukherjee has produced drawings and paintings on paper and Duralene—a translucent, vellum-like polymer film that simulates the slick luminosity of celluloid. [2] [30] [31] This work has generally had both a sculptural presence, through surface manipulations (creases, folds, indents and pinpricks), and an architectural aspect, through multi-panel, mural-like works that traverse walls, turn corners and interact with the light of their spaces. [8] [14] [31] Initially, these were minimal, finely drawn, embossed and incised drawings of nude figures floating in ethereal color fields, with erotic overtones that derived from both their subjects and skin-like surfaces. [8] [31] 2000年代半ば、彼はプロセス指向の抽象表現へと移行し、筆、コンクリートの箒、彫刻されたロール、スポンジ、綿棒などを用いた自発的でリズミカルなジェスチャーで、作品に施したり修正したりした。これらの作品は、身体の物理的性質と作品自身の創造を想起させると同時に、自然現象や地質現象、宇宙現象、地形図などを暗示する。[2] [10] [32]作家のクラウディア・ランキンは、ムカジーの「何年もかけて積み上げてきた作品を剥ぎ取り、再び描き直し、塗りつぶすという消去法」を、人種史の研究に例えた。人種史の研究は、「立っている場所によって想像力の中で生きているか死んでいるか」という文章や出来事を前面に押し出すことで、奥行きを生み出す。[33]

サンディープ・ムケルジー《無題（もう一度）》、ディテール3、アクリル、色鉛筆、エンボス加工を施したドローイング（デュラレン）、25インチ×300インチ（64cm×762cm）（作品全体）、2002年

批評家たちは、ムケルジーの映像表現における有機的な交差と螺旋、複雑な表面とパターン、そして深く飽和した色彩を、実験的な「直接的」映画監督（オスカー・フィッシンガー、ジェームズ・ホイットニー、レン・ライなど）の作品に、また彼の光の彫刻と現象学的焦点を南カリフォルニアの光と空間運動に例えている。[2] [8] [30] [32]また、科学と芸術、主観と客観、空間と時間の間の曖昧な境界を哲学的に探求しているため、ムケルジーの作品には瞑想的、精神的、あるいはロマンチックな側面があると評されることが多い。彼は、リー・マリカン、ジェイ・デフェオ、リチャード・プーセット＝ダート、リー・ボンテクーといった初期の「精神的抽象」のアーティストたちとしばしば結び付けられる。[1] [31] [32]

初期の具象作品（1999–2003）

ムカジーのミニマルな具象作品は、図と地、光と空間、そして視点の関係を変容させることで、アジアの芸術的伝統の側面と西洋の主観性の概念を融合させた。[34] [35] 『アート・イン・アメリカ』誌のマイケル・ダンカンは、これらのドローイングについて「希薄な自己意識が純粋な肉体として現れる、幻想的で風通しの良い内的世界を示唆している」と述べている。[36]これらのドローイングは、淡い色鉛筆の輪郭線、針の跡、エンボス加工や折り目を付けた形で細心の注意を払って描かれたムカジー自身の頭部と裸体の複数のイメージで構成されており、花、葉、星型、波打つ水などのモチーフが刻まれた柔らかな色のモノクロームのフィールドを漂っている。[25] [30] [34] [37]複雑なデュラレンと紙の表面 ― 不規則な折り目、皺、タトゥーのようなミシン目 ― は光を吸収・反射し、鑑賞者の位置に応じて変化する影を投影し、抽象と具象、絵画と彫刻のレリーフの間の視覚的な押し引きを生み出した。[35] [37] ロサンゼルス・タイムズの批評家デイビッド・ペイゲルは、これらのドローイングについて「古典的な光と空間のインスタレーションの高度な知覚的鋭敏さと、古典的な具象イメージの喜びを、力強く独創的な方法で融合させている」と評した。[30] [34] [38]

ムカジーはこの作品を、ロサンゼルスのマーゴ・リービン・ギャラリー（2000年、2002年）とポモナ・カレッジ美術館（2004年）での個展で最もよく発表した。[8] [24] [37] 2002年の展覧会の目玉は、4つの壁を取り囲む幅110フィート（34メートル）の細長い壁画で、背面には濃いピンク、オレンジ、黄色の単色で塗られたデュラレンに描かれたり、刻み込まれたり、折り曲げられたりして、遠くからはほとんど見えない自画像を特徴としていた。[8] [38]左から右へと移りながら、作品は波打つ頭の繊細な集まりから、刻み目が付けられ折り畳まれた星型模様、星、花のフィールドの上で等身大に成長する大きな頭と転がる裸の体、そして目を大きく開いてにやにや笑っている頭へと進化した。批評家たちは、この作品は悟りと自己への現代的な探求を表現していると示唆しており、その不確定な空間は、原始的な胎内記憶や、瞑想、精神修行、性的エクスタシーを通して得られる体外離脱体験を想起させる。クリストファー・ナイトはこの作品を「官能的な喜びと超感覚的な驚異を描いた、穏やかで壮大な物語」と呼んだ。[8] [39]

抽象作品（2004年～）

サンディープ・ムケルジー、「無題（パネル2）」、アクリル、アクリルインク、エンボス加工された絵、デュラレン、60インチ×102インチ（150cm×260cm）、2011年。

2004年、ムカジーは具象表現から完全な抽象表現へと方向転換し、水性アクリルインクをブラッシング、ドリッピング、塗りつけ、引きずり、消すといった、多様で手間のかかる工程を経て制作した。[3] [11]彼は、放射状のモザイク、石化した石、年輪、マンダラを思わせる、尽きることのないテクスチャとパターンを、デュラレンの表面に彫刻された線状の光線と波打つ形状の主に白い部分と並置することで実現した。[11] [40]彼はこの作品を2005年にシスターでの個展で発表した。その中心となる記念碑的な作品「無題（遠心性）」は、5枚のパネルで構成され、8フィート×25フィート（2.4メートル×7.6メートル）の作品で、モノクロの宝石のような色合いの螺旋状のリングと、表面を曲げて歪ませ、影と光の山と谷を鋭く刻んだ、エンボス加工された放射状の線のフィールドが描かれていた。[11] [31]

2006年から2010年にかけて、ムケルジーはいくつかの新しいサイクルを通してこの作品を発展させ続けました。[41] [42] 2008年のシスターとコテージ・ホームでの展覧会では、黒く折り目のあるデュラレンを背景に、重なり合い絡み合う螺旋が万華鏡のような構図で表現されました。批評家たちはそれらを、叙情的で前衛的な映画のスチール写真の拡大写真、太陽の放射、そして微細な細胞に例えました。[1] [32] LAウィークリーの批評家クリストファー・マイルズは、その効果を「陶酔感があり、解放感があり、忘れられない」と評しました。[9]ムケルジーは、これらの幻覚的な作品に対して、 2つの大きなマットブラックの図形が両側に並ぶ3つの光沢のある黒いエンボス加工された星型の図形を特徴とする「無題（黒い谷）」（2008年）や、濃密でありながら簡素な「風景」を描いた白黒の「茂み」シリーズ（2009-10年）などのミニマリスト的な作品やシリーズで対抗した。[1] [4] [32]

サンディープ・ムケルジー「Tree Skin」、手作業で成形されたアルミパネルにアクリルとアクリルインク、各6フィート×4フィート（1.8メートル×1.2メートル）のパネル4枚、2018年。インスタレーションビュー、The Kitchen & The Racial Imaginary Institute、ニューヨーク。

その後のプロジェクト88（2011年、2014年）、ブレナン＆グリフィン（2012年）、キメント・コンテンポラリー（2015年）での展覧会で展示された作品は、渦巻いたり、ジグザグになったり、絡み合ったりするリボンの連続を特徴としており、そのリボンは抽象的であったり、DNA鎖や微視的、植物的、あるいは宇宙論的な形態を暗示したりするものであった。[2] [18]半透明の緑、茶、オレンジ、黄色の帯には、細心の注意を払って筆で引かれた縞模様が重なり合ったストロークで描かれ、崩壊するグリッドと突起の網目模様が刻まれた黒いフィールドに置かれていた（例：スプライス、2012年、「ティア」および「パリンプセスト」シリーズ、2014～2015年）。[10] [18]チメント展では、7フィート×50フィート（2.1メートル×15.2メートル）の2面壁画「Mutual Entanglements」が展示された。茶色、緑、紫、藍色のスプレーと引きずりによる色彩と有機的な抽象表現は、緑豊かな熱帯ジャングルを想起させる。この壁画は、構成と方向性が不確定で流動的であるという点で異例であり、ムケルジーのギャラリー指示によれば、パネルはどのような方向や順序で設置しても、繰り返しパターンがないにもかかわらず、統一感を保つことができた。[14] [43]

2016年から2020年にかけてのインスタレーションにおいて、ムケルジーは作品の次元性をレリーフから彫刻へと拡張した。[44]高さ48フィート（15メートル）の壁面作品「エレメンタル」（2016年）は、8枚の折り畳まれたアルミニウム板を用いており、その色彩と塗装された形状は、溶岩や進化する宇宙を想起させる。[45] 68 Projects（「Molting the Fractured」（ベルリン、2017年））とThe Kitchen（「On Whiteness」（2018年））での展覧会では、天井から吊り下げられ床まで届く、アクリルコーティングされた手作業で成形された人間サイズのアルミニウム作品を展示した。後者の展覧会で展示された「Tree Skin」（2018年）は、オークの幹を肉体的な代役として参照した2つの作品で構成され、硬く風化した肉体とリンチの現場を想起させ、非白人の身体に対する暴力を訴えている。[5] [44] [46]

認識とコレクション

ムカジー氏は、ジョン・サイモン・グッゲンハイム記念財団とヴィラ・オーロラ＆トーマス・マン・ハウスeV（ともに2017年）、ロサンゼルス市文化局（COLA、2015～2016年）、カリフォルニア・コミュニティ財団（2009年）からフェローシップを受賞している。[12] [14] [47] [48] [49]彼は、ロサンゼルス（2020年にSoFiスタジアムとFacebook本社）とオハイオ州トレドのジェームズ・M・アシュリーおよびトーマス・WL・アシュリー合衆国裁判所）の恒久的なインスタレーションのためのパブリックアートの委託を受けている。 [50]

ムケルジーの作品は、ニューヨーク近代美術館[15]、ロサンゼルス現代美術館[17] 、ロサンゼルス郡立美術館[16 ]、 ハマー美術館[51] 、コレシオン・フメックス（メキシコシティ）、キラン・ナダール美術館（ニューデリー）、ネルマン現代美術館、オレンジ郡立美術館、ポートランド美術館、サンノゼ美術館[52]、ウェザースプーン美術館などの公共コレクションに加え、いくつかの個人、企業、大学のコレクションにも収蔵されています。[19] [53] [54]

参考文献

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  • サンディープ・ムカジーの公式サイト
  • アートトーク：サンディープ・ムケルジーとダイアナ・キャンベル・ベンタンクール、フリーズ、ロンドン、2020年
  • サンディープ・ムケルジー「The Conversation: An Artist Podcast」マイケル・ショー氏との対談
  • サンディープ・ムケルジー、スタジオ訪問、In The Make、2012年3月
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