ショーン・ランダース

ショーン・ランダース（1962年生まれ）はアメリカのアーティストです。彼は、自身の個人的な経験を公共の主題として用いること[ 1 ] [ 2 ]や、多様なスタイルと媒体をパフォーマンス的に用いること[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]で最もよく知られており、特にワードアートで知られています。[ 5 ]彼の作品は、絵画、彫刻、写真、デッサン、文章、ビデオ、オーディオなど、様々な媒体を網羅しており、ユーモアと告白、重厚さと哀愁を作品に織り交ぜています。 [ 4 ] [ 6 ] [ 7 ]事実とフィクション、現実と空想、誠実さと不誠実さの境界線を曖昧にしています。[ 7 ] [ 8 ]

ランダースはニューヨーク市に住み、働いている[ 9 ]

幼少期と教育

ランダースは1962年にマサチューセッツ州スプリングフィールドで生まれ、パーマーで育った。彼は母のダイアナ・ジョージ・ランダースと祖母のミュリエル・ブラウン・ジョージから絵を学んだ。祖母はアメリカ人画家のジョナス・ジョセフ・ラヴァリーに師事していた。[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ]

ランダースは1984年にフィラデルフィア美術大学で彫刻のBFAを取得し、1986年にイェール大学芸術学部で彫刻のMFAを取得しました。 [ 11 ]

仕事

初期の作品（1991～1994年）

1991年から1994年にかけて制作されたランダースの形成期の作品群は、彼がキャリアを通じて培い、豊かにしてきたアーティスト、ペルソナ、そして概念的構築を定義するものでした。[ 7 ]

1990年以降、ランダースは文章を視覚的な媒体として使い始め、「芸術、人生、そして神」と題した手書きの作品群を発表した。この作品には、ランダースと彼の芸術家の友人たちの融合体であるクリス・ハムソンという別人格が登場する。[ 13 ]黄色のリーガルパッドに書かれたこの作品は、一部は脚本形式で、一部はハムソンが「作者/芸術家」である模範的な文章として書かれており、ニューヨークで奮闘する若い芸術家の世界に鑑賞者を誘いながら、芸術家の頭の中を語っている。[ 12 ] [ 14 ] [ 15 ]ランダースは各シーンで、事実とフィクションが曖昧になり、非常に個人的な部分がクリス・ハムソンというペルソナによって覆い隠された、緊密に編み込まれた世界を作り上げている。[ 8 ]ランダースは「文章の魅力に気づいたとき、それが私が作品を作るための素材になった」と語っている。[ 12 ]ランダースは、それ以来ずっと彼の芸術活動の中核を成すパフォーマティブな表現に深く根ざし、[ 13 ]自身の人生、そして作品制作そのものを作品の主題とすることを選択した。彼の作品の多くは、2009年にグレン・ホロウィッツ・ブックセラーから出版されたアーティストブック『Art, Life and God』に収録されている。[ 16 ]

ランダーズは、これらの初期の著作とその後の著作を、テキストがイメージとなっている絵であると考えている。[ 13 ]

ランダースは、自身の作品のインスタレーション全体を、独立した作品でありながら全体の一部として捉えられる、より大きな芸術作品と捉えています。この概念は、マルチメディアという概念に新たな意味合いを加えています。描かれたドローイングは常に展示室の壁に貼り付けられ、部屋の中央に設置された彫刻と共に展示されました。[ 13 ] [ 14 ]湿ったテラコッタ粘土で作られた彫刻は、展覧会ごとに「恥ずかしげに」展示され、黒いゴミ袋で覆われた「ハムソンの」作品から[ 8 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]ランダースが「ランダース」として制作した作品へと進化しました。[ 20 ]これらの湿った彫刻は、会期中、生き続けるためにスプレーをかける必要があり、会期終了時には売れたものだけがブロンズに鋳造されました。[ 8 ]生き残る芸術の比喩は、愛され、大切にされる芸術です。[ 21 ]

ランダースにとって、ビデオはこれらのマルチメディア・インスタレーションの不可欠な要素であり、ショー全体を鑑賞するためのもう一つのパフォーマンス基盤を提供した。彼はビデオを用いて、アートと鑑賞者、そしてアーティストと鑑賞者との間の暗黙のコミュニケーションという根本的な要素を強化した。[ 13 ]スタジオで撮影され、アーティストが中心的な役割を担うこの作品では、アーティストによる親密な啓示が鑑賞者を行為に暗黙的に関与させ、事実上の覗き見者・共犯者とみなし、鑑賞者自身の自己認識とその後の評価へと繋がる。[ 22 ]ランダースが言うように、「私の頭の延長として、鑑賞者を私のスタジオに招き入れ、私が何かを作っている時に一緒にいてもらうことが目的だった。このプロセスにおいて、傘を持って踊ることさえも『何かを作る』こととなった」のだ。[ 21 ]ビデオ自体が自己言及的となり、その存在を現実のものにするために費やされた時間を記録する。[ 21 ]ランダースのビデオは、リアリティ番組やYouTubeの先駆けとなった。[ 21 ] [ 23 ] [ 24 ]

1992年にニューヨークのアンドレア・ローゼン・ギャラリーで開催された展覧会で、ランダースはクリス・ハムソンというアーティストを脱ぎ捨て、そのベールを脱ぎ捨てる様々な作品を展示した。[ 25 ]日記のようなカレンダーや、学生ローン担当者への告白的な手紙、大判の紙に書かれた意識の流れ、アート界のステレオタイプを描いた漫画など、彼の心の奥底にある考えを露わにした作品の数々から、ランダースの作品の主題がランダースに移り、彼自身が研究対象になったことが明らかになった。[ 20 ]彼の人生、あるいは彼が提示することを選んだものを覗き込むことで、鑑賞者は再び覗き見者になるよう誘われた。ロバータ・スミスはニューヨーク・タイムズ紙の展覧会評で、「全体として、今回の展覧会は覗き見的な親密感を生み出している…彼の作品は…芸術世界と芸術制作そのものの精神的なプロセスの両方を鮮やかに描き出している。高度に専門的でありながら、ランダース氏が人間の基本的な感情を多く扱っていることもあって、広く受け入れられている」と述べている。[ 20 ]ランダース氏は、「人々が足の痛みに耐えて私の作品を読むのは、私の開かれた魂を見つめながら、実際に自分自身を評価しているからだと私は知っていた。これは、芸術と鑑賞者の間の暗黙のコミュニケーションの根本的な要素だと思う」と述べている。[ 13 ] [ 26 ]

1993年のヴェネツィア・ビエンナーレのアペルト部門で初めて展示され、その後同年後半にパブリックスフィア・プレスから限定版の本として出版されたこの作品は、それまでに書かれたドローイング全体の集大成であった。[ 27 ]これまで以上に自伝的な内容で、400ページを超えるこの作品は、事実とフィクション、芸術と人生を曖昧にし、サミュエル・ベケットとその小説『モロイ』と比較されるきっかけとなった。[ 28 ]ジェフリー・ダイチは、1996年の「ヤング・アメリカンズ：サーチ・コレクションの新芸術」カタログのエッセイで、「読者はランダースの心に引き込まれる...彼の意識に入り込み、彼の心の外から中を覗くのではなく、彼の心の中から外を覗いているように感じる」と書いている。[ 29 ]自分の手によって完全に露出過剰になったと感じ、隠れる場所が必要になったランダースは、伸ばしていない巨大なリネンに書くようになった。これらの絵画はあまりにも大きいため、初期の大型のドローイングを鑑賞した時のような線的な読み方は不可能だった。[ 27 ]ロバータ・スミスがニューヨーク・タイムズ紙に書いたように、「徒歩で作品を読むことが、この体験の不可欠な部分となる…[ドローイングを]縦横に読みながら、横よりも縦に読むことで、ランダース氏の独白を盗み聞きしているような感覚になり、これが作品に意識の流れの第二層を加える」のである。[ 20 ]これらの初期の絵画は、先行する作品と同様に、制作時点でのアーティストの思考そのもののパフォーマンス的な表現と記録であり、リアルタイムで生み出された即時の物語であった。[ 30 ] [ 31 ]伸ばされていないリネンが選ばれたのは意識的なものであり、その物理的な形状は、先行するドローイングの紙を参照していた。リネンに油絵を描くという媒体は、これらの作品に伝統的な芸術制作の慣習とのつながりを与え、言葉とアーティストの不滅を保証した。[ 27 ]「…だから私は紙に書くのをやめて、鉛で下塗りした麻布に書き始めたのです…私はそれが長持ちすることを望みました。それが私の芸術への衝動の背後にあるのです。私はそれが長持ちすることを望みました。私よりも長く続くことを望みました。」[ 32 ]この時期、ランダースは、物語形式の意識の流れを汲む文章ではなく、絵画に断片的な書き込みを施す実験を行いました。これらの断片的な書き込みは、鑑賞者が先に進めないように、積極的に楽しませるように設計されており、断片的な書き込みを通して画家の人格をつなぎ合わせているような錯覚を与える一方で、全体像を完全には捉えないようにしました。[ 31 ]

この初期の作品群によって、ランダーズは「ツイート、ステータスアップデート、ユーザー名のインデックスの延長も含む、プライベートな瞬間の大量市場における廃棄を予見した」[ 33 ] 。

1994年、ランダースは、創作の自由を貫くランダースを尊敬していたピカビアへの間接的な言及を用いることで、より伝統的で、あまり概念的ではない絵画制作の領域へと踏み込んだ。[ 34 ]ランダースはキャリアを通して、ピカビア、特に抽象表現を模倣した絵画「7091」を試金石として捉えてきた。ピカビアの作風を模倣するのではなく、ランダースは彼を間接的に引用し、自身の芸術的自由の象徴として用いている。彼はピカビアを、自身の生存に不可欠だと考えている。[ 34 ]ランダースは今や、様々な色の文字が書かれた大規模な落書きといった形で、文章を用いて形を創り出していた。また、文章の中にイメージを絵画に挿入し始めた。最も重要なのは、この時にチンパンジーとピエロが初めて彼の作品に登場することである。この二人のキャラクターは、彼の文章に特徴的な浮き沈みを体現しており、アーティストの個性の象徴と見なすことができる。チンパンジーは自己増大を、ピエロは自己卑下を表している。[ 34 ]この頃、ランダースは執筆から必要な休憩を取りながら、文字が全くないカラフルな縞模様の絵を描くことで色彩の使い方を研究し始めた。[ 34 ]

イメージの世界へ移行（1996年～）

1996年、ランダースは完全にイメージの領域へと踏み込んだ。絵画「孤独」（1996年）は、広大な海景を背景に、小さな厚塗りの道化師が、不十分な手漕ぎボートに乗った姿を描いており、マネの「ロシュフォールの脱出」を想起させる。[ 35 ]この道化師は、以前の彼の絵画におけるイメージとしてのテキストに取って代わり、今や画家の内なる思考を体現するようになった。[ 36 ]ランダースはその後、自然界の危険な状況に置かれた道化師を描いた、純粋にイメージのみで構成された一連の絵画を制作した。これは、絵画の未知の領域への新たな旅を寓意的に表現するものであった。[ 36 ]

ランダーズがスピン誌の月刊誌裏表紙に連載を始めたのもこの頃で、このコラムは1996年から2000年まで連載された。[ 37 ]

ランダースは絵画を通して自身の人生を語り始め、美術史を用いてそれを表現した。1996年には、ウィリアム・ホガースの絵画『真夜中の現代会話』（1732年）を題材にした13点の連作を制作した。この自伝的な連作は、彼と友人たちが長年支えてきた酒を基盤とした友情から脱却し、成長していく過程を描いている。[ 38 ]ランダースは「これらの作品を完成させた時の解放感は格別で、テキストに基づかない作品、特に今日も探求し続けている広い意味での物語絵画の可能性を広げてくれた」と回想している。[ 39 ]この作品群はランダースの作品群の中で最も多く展示されており、最近では2011年にニューヨークのマリアンヌ・ボエスキー・ギャラリーで個展が開催され、エッセイ付きの図録が添えられた。 [ 40 ] [ 41 ] [ 42 ] [ 43 ] [ 44 ]

1997年、ランダーズは自身の人生と自己をイメージを通して表現し続け、2、3点の美術史的絵画をディズニー風のカートゥーン調で融合させた作品を発表しました。ランダーズにとってディズニーの影響は重要でした。ベビーブーム期以降に育った人々の集合的無意識のイメージを象徴していたからです。マティス、プッサン、ホメロス、ジェリコー、そしてディズニーを参照することで、彼は自身と比較することで、「美術史、より具体的には理論、コンセプチュアルアート、ミニマリズム、プロセスアートに支配されていた私の世代の美術教育の後に、私やあらゆるアーティストが『新しい』アートを作ろうとする苦境を描き出そうとしたのです。これらの展覧会は、コンセプチュアルアートに形式を再び取り戻そうとする私のささやかな試みでした。…それは反概念的なコンセプチュアルアートの行為でした。」[ 38 ]

1997～2000年

ランダーズは、20世紀美術を、空白のキャンバスの前に座る伝統的な絵画様式の典型であるピカソと、コンセプチュアル・アートの祖であるデュシャンの芸術に二分していると考えている。 [ 45 ]ランダーズは2000年から2003年にかけて、両アーティストの様々な側面を融合させ、それぞれの代表的作品群を創り上げた。ピカソとデュシャンは共に借用したイメージを用いていた。ピカソはレンブラント、ベラスケス、ドラクロワといった他のアーティストのイメージを借用することで、自分が彼らの歴史の中に属しているという信念を表明したのに対し、デュシャンは「レディメイド」という概念を提示した。ランダーズは「それゆえ、他者のイメージを借用することは『レディメイド』と見なすことができる」と述べた。例えば、ピカソのイメージを自分の名前と「天才」という言葉の綴りに使った際、彼は「デュシャンを使ってピカソを解釈し、それらを融合させて自分自身とアーティストとしての自分の状況を表現していた」。この頃、ランダースは3つの個展で演奏されることを目的とした、パフォーマンス型オーディオ作品『The Man Within』（2000年）、『Dear Picasso』（2001年）、『Becoming Great』（2002年）を制作した。他のメディアと同様に、彼は「ただマイクを手に取り、役になりきって、思う存分歌い上げた」のだ。[ 45 ]

この時期、ランダースはデュシャンやピカソ、そして彼と個人的な親和性を持つピカビア、マグリット、ダリ、デ・キリコ、ブラック、ベックマン、エルンストといったアーティストたちに、道化師や幽霊として描くことでオマージュを捧げ続けた。ランダースはこう語っている。「誰かを道化師として描くことは、彼らを私の神殿に迎え入れることです。侮辱ではありません。幽霊として描くのも同様です。つまり、私はマックス・エルンストやピカビアと通じ合っていたのです。しかし、そこには別の次元もありました。私がシュルレアリストたちに惹かれるのは、彼らが真っ白なキャンバスの前に座り、意識の流れによって何らかの形で空虚を埋めていく人たちだからです。私が巨大な真っ白なキャンバスに文字を書き込む時、まさに同じことをしているのです…ただし、やり方は違いますが。」[ 21 ]

テキストと画像（2003～2008年）

2003年から2008年にかけて、ランダースはかつてのテキスト・ペインティングを振り返り、そのグラフィックな性質を空間的な抽象絵画へと展開させた。[ 46 ]「私たちは概念的にも視覚的にも彼の頭蓋骨に入り込んだ。言葉やフレーズが頭蓋骨の壁で跳ね返り、私たちは筆致の中にいる。」[ 30 ]これらの絵画は、思考が脳内に浮かび上がり、明確になり、そしてぼんやりと遠ざかっていくような、反響するような印象を与える。[ 47 ]「私はただ、思考に絵を与えようとしただけだった。」[ 47 ]

展示会

ランダースの作品展は、セントルイス現代美術館（2010年）とチューリッヒ美術館（2004年）で開催されました。また、ニューヨーク近代美術館、ホイットニー美術館（ニューヨーク）、マイアミ現代美術館、ベルギー王立高等美術館、マグリット美術館（ベルギー）、ロンドンのグリーングラッシ、コペンハーゲンのニルス・スターク・ギャラリー、ニューヨークのアントン・カーン、ペッツェル・ギャラリー（ニューヨーク）などのグループ展にも参加しています。[ 48 ]

チューリッヒ美術館での個展に合わせて、彼の包括的な作品カタログが出版されました。ランダースの初期、1990年から1995年までの活動については、2011年にセントルイス現代美術館での個展に合わせて、JRP|リンギエール社からモノグラフが出版されました。

ショーン・ランダース：1991–1994年、あり得ない歴史

ポール・ハとローラ・フリードがキュレーションを担当したこの展覧会は、2010年1月22日から4月11日までセントルイス現代美術館で開催され、ランダースが1990年代初頭に制作した初期の作品群に焦点を当てています。これらの作品群は、ビデオ、絵画、カレンダーのドローイングを通してランダースの個人的な表現を表現しており、鑑賞者にアーティストの意識を垣間見せます。この展覧会に合わせて、マイケル・ビルズボロー、シンシア・デニョー、ポール・ハ、マシュー・ヒッグス、ドミニク・モロン、ジョアン・リバス、アンドレア・K・スコットによるテキストを含む包括的なモノグラフが出版されました。[ 49 ]

一人で世界一周

2011年にフリードリヒ・ペッツェル・ギャラリーで開催された個展「Around the World Alone」で、ランダースは1996年の絵画「Alone」で描いた、ボートに乗った孤独な道化師を再び取り上げた。彼は長年魅了され続けてきた1968年のゴールデン・グローブ・レースを出発点とした。このレースは、9人の男たちがイギリスから乗り出した初の単独世界一周ヨットレースだった。先頭の選手はレースは無意味だと判断し、最後の瞬間に方向転換して2度目の世界一周を続け（ベルナール・モワテシエ）、1人の参加者が海に身を投げ（ドナルド・クロウハースト）、そして1人だけがレースを完走した（ロビン・ノックス＝ジョンストン）。ランダースはある時点でこれらの参加者の誰かになり得たと気づかずにはいられない。「Around the World Alone」に収められた絵画には、少年から老人まで、単独世界一周する船乗りの道化師が描かれている。瞑想的なシーンがアクセントとなり、主人公が航海に強いボート SV Monos で猛烈な海と嵐と戦いながら年を重ねていく様子が描かれます。

ショーン・ランダース

ショーン・ランダースの展覧会は、フランスでは20年以上ぶりとなるル・コンソーシアムでの開催であり、彼の絵画作品を回顧的に紹介する。1993年から現在までに制作された約40点の絵画は、主に個人コレクションから集められており、彼の芸術的歩みを彩る様々なシリーズを振り返るものとなっている。[ 50 ]

コレクション

ランダースの作品は、ホイットニー美術館、テート・モダン、ダラス美術館、ギリシャ・アテネのDESTE現代美術財団、ロサンゼルス郡立美術館、メキシコシティのフメックス財団/コレクション、ノルウェー・イェヴナケルのキステフォス美術館、ブルックリン美術館、ウォーカー・アート・センターなどの永久コレクションに収蔵されている。[ 51 ]

私生活

ショーン・ランダースは現在ニューヨークに住み、仕事をしている。[ 52 ]彼は、以前アンドレア・ローゼン・ギャラリーとフェリックス・ゴンザレス・トレス財団のディレクターを務めていたミシェル・レイエス・ランダースと結婚している。[ 53 ]

参考文献

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  2. ^ a bポール・ハ、シンシア・デグノー、ミシェル・レイエス・ランダース編『ショーン・ランダース：1990-1995年、あり得ない歴史』チューリッヒ：JRP|Ringier Kunstverlag AG、セントルイス現代美術館、2011年。エッセイ：アンドレア・K・スコット「より良い失敗」、23ページ。
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  53. ^ラブリスト：アート界のパワーカップル | Artinfo

さらに読む

  • ショーン・ランダース著『ショーン・ランダース 1990–1995』、ポール・ハ編、ドミニク・モロン、マシュー・ヒッグス文。2019年5月14日。{{cite book}}:|website=無視されました (ヘルプ)CS1メンテナンス：その他（リンク）
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