ソナタ
ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンのピアノ・ソナタ第 28 番第4 楽章Geschwind, doch nicht zu sehr und mit Entschlossenheit ( Allegro ) のための原稿スケッチ、彼自身の手書きによるもの。この作品は 1816 年に完成しました。

音楽において、ソナタ（/ s ə ˈ n ɑː t ə /、複数形はsonate）[ a ]は、3つまたは4つの楽章から構成される楽曲であり、異なる楽器のために用いられることもある。[ 1 ]：17 この用語は音楽の歴史を通じて進化し、古典派時代までさまざまな形式を指し、その重要性が増した。ソナタは曖昧な用語であり、文脈や時代によって意味が変化する。19世紀初頭までには、大規模な作品を作曲する際の原則を表すようになった。ほとんどの器楽ジャンルに適用され、フーガとともに、演奏会音楽を構成、解釈、分析するための2つの基本的な方法の1つと見なされた。ソナタの音楽様式は古典派時代から変化してきたが、20世紀および21世紀のソナタのほとんどは、その包括的な構造を維持している。

ソナチネ (複数形はsonatine)という用語は、ソナタの縮小形で、短いソナタや技術的に簡単なソナタを指すのによく使用されます。

計装

バロック時代において、ソナタは1つ以上の楽器で演奏され、ほとんどの場合、通奏低音（コンティヌオ）が伴奏されていました。バロック時代以降、ソナタと明記された作品のほとんどは、ソロ楽器（ほとんどの場合、鍵盤楽器）によって演奏されるか、鍵盤楽器の伴奏によるソロ楽器によって演奏されるようになりました。

鍵盤楽器以外のソロ楽器のためのソナタや、他の楽器の組み合わせのためのソナタも作曲されています。

典型的なソナタにはいくつかの一般的なガイドラインがありますが、17世紀にはシンフォニアがソナタという用語を混同していたため、ソナタという用語がまだ確立されていなかったことを認識することが重要です。シンフォニアは複数の楽器で演奏される楽曲で、模倣的なカンツォーナの特徴を保持していました。シンフォニアは、今日のソナタ形式の導入運動の先駆けとなりました。新しいタイプのカンツォーナや協奏曲（スティレ・モデルノと呼ばれる）が形成され始めた後も、ソナタは他の形式の多くの特徴が初期のソナタと絡み合ったため、依然として曖昧なジャンルでした。

ソナタが独立した存在となり始めたのは17世紀から18世紀にかけてで、カンツォーナの人気が低下し、組曲、協奏曲、ソナタがそれぞれ異なる方向に発展していった。簡単に言うと、組曲はダンスの動きを基にした一連の楽章であるのに対し、ソナタは完全なダンスの動きを持っていない。[ 2 ]ソナタにはダンスの動きを部分的に集めた楽章を含めることができるが、そのパッセージは組曲と呼ぶにふさわしいほど形式的ではないことに注意することが重要である。ソナタは、室内ソナタのソナタであるソナタ・ダ・カメラか教会ソナタのソナタのいずれかに標準化された。コレッリの12のトリオ・ソナタ作品2は、ソナタ発展の基礎となり、1685年の12の室内トリオ・ソナタ作品2の例となった。コレッリのトリオ・ソナタにおける多作な作品は、バッハ、ヴィヴァルディ、ヘンデル、テレマンに影響を与えた。

ソナタと組曲は、フランス、ドイツ、イギリスでは重複した二つの形式でしたが、イタリアでは採点基準が異なっていたため、依然として別々に扱われていました。ベステは、この時期にバッハが鍵盤楽器組曲を作曲していたため、ソナタと共に鍵盤楽器のレパートリーも進化し、BWV 825-30は「パルティータ」と呼ばれていたと記しています。ベストはパルティータについて次のように述べている。「しかし17世紀後半には、パルティータは変奏曲集、あるいは舞曲の連続として、多楽章からなる器楽サイクルを指すようになった。後者の意味合いにおいてのみソナタと重なり、しかも特定の楽器と地理的文脈においてのみである。ソナタが広く普及したのはドイツのみであり、ソロ鍵盤楽器のレパートリーに限られている(12)。」ソナタとパルティータの重なりは、バッハの無伴奏ヴァイオリン・ソナタを例に考えると興味深い。ベストは次のように述べている。「ソナタはコレッリによって確立された4楽章の『教会ソナタ』の様式に則っており、他に総称する用語はなかった。一方、パルティータは、ソロ楽器のための多楽章からなる舞曲サイクルという名称を鍵盤楽器のレパートリーから借用している。」

歴史

バロック

バロック時代に書かれたソナタの個別楽譜。[ 3 ]

アルカンジェロ・コレッリと同時代の作曲家たちの作品では、ソナタには2つの大きな分類が確立されており、セバスチャン・ド・ブロサールが著書『音楽辞典』（第3版、アムステルダム、1710年頃）で初めてこの分類について説明している。教会での使用に適したソナタ（つまり教会での使用に適したソナタ）は「ソナタとして正しく知られている」タイプであり、宮廷での使用に適したソナタ・ダ・カメラ（前奏曲に続いて一連の舞曲が続き、すべて同じ調である）である。[ 1 ]：21、40 教会での使用に適したソナタの4、5、または6つの楽章もほとんどの場合同じ調であるが、内部の1つまたは2つの楽章は対照的な調であることもある。[ 4 ]

教会ソナタは、一般的に1～2本のヴァイオリンと通奏低音のためのもので、緩やかな序奏、緩やかなフーガを伴うアレグロ、カンタービレの緩やかな楽章、そして組曲の舞踏旋律との類似性を示唆する二部形式の活気ある終楽章から構成されます。しかし、この構成は、アルカンジェロ・コレッリの作品によって必須のソナタとして確立され、イタリアのヴァイオリン音楽の伝統として存続するまで、明確に定義されていませんでした。

ソナタ・ダ・カメラは、ほぼ全てが理想化された舞曲で構成されていました。一方、ソナタ・ダ・キエーザとソナタ・ダ・カメラの特徴は、当時は自由に混ざり合う傾向がありました。ヨハン・セバスチャン・バッハの現存する1,100曲の作曲、編曲、編曲のうち、ほぼ半数は器楽作品ですが、ソナタは約4%に過ぎません。[ 5 ]

ソナタという用語は、ドメニコ・スカルラッティによる500曲を超えるチェンバロ独奏曲、あるいは他の鍵盤楽器のための作品群にも用いられ、元々は『チェンバロ練習曲集』という題名で出版された。これらの作品のほとんどは2部構成の楽章のみで構成され、同じテンポで同じ主題を用いているが、時折、セクション内でテンポが変化することもある。それらはしばしば技巧を凝らしており、当時の他の作品に一般的だったよりも遠く離れた和声の移行や転調を用いている。それらはその多様性と独創性において高く評価された。

ヴィヴァルディのソロ・ソナタとトリオ・ソナタは、同時期に作曲されていた協奏曲と類似点が見られます。彼は70曲以上のソナタを作曲しましたが、その大部分はソロ・ソナタ、残りの大部分はトリオ・ソナタ、そしてごく少数が多声ソナタです。[ 6 ]

ドメニコ・パラディスのソナタは、優雅でメロディアスな短い第 2 楽章を含む、穏やかで長めの作品です。

古典時代

古典派時代の慣習はソナタにとって決定的なものとなった。この用語は、ジャンルや形式を示す多くの用語の1つから、大規模な作品の基本的な構成形式を指すようになった。この進化は50年以上続いた。この用語は、個々の楽章の構造（ソナタ形式とソナタ形式の歴史を参照）と、複数楽章の作品における楽章の配置の両方に適用されるようになった。古典派時代への移行期には、複数楽章の作品には、ディヴェルティメント、セレナーデ、パルティータなど、いくつかの名前が付けられていたが、それらの多くは現在では事実上ソナタと見なされている。ソナタがそのような作品の標準的な用語として使用されるようになったのは、1770年代のある時期からである。ハイドンは1771年に最初のピアノソナタをディヴェルティメントと名付け、それ以降の作品ではディヴェルティメントという用語はあまり使われていない。ソナタという用語は、鍵盤楽器のみの作品（ピアノソナタを参照）か、鍵盤楽器ともう1つの楽器（多くの場合、ヴァイオリンやチェロ）のための作品にますます適用されるようになった。この用語は、2 人以上の楽器奏者による作品にはますます適用されなくなってきました。たとえば、ピアノ三重奏曲は、ピアノ、ヴァイオリン、チェロのためのソナタとはあまり呼ばれなくなりました。

当初、最も一般的な動きのレイアウトは次のとおりでした。

  1. アレグロは、当時はテンポだけでなく、主題をある程度「完成させる」、あるいは発展させるという意味も持っていた。[ 7 ] [ 8 ]
  2. 中間楽章、最も頻繁に使用されるのは緩徐楽章:アンダンテ、アダージョ、またはラルゴ。または、頻度は低いがメヌエットや主題と変奏の形式。
  3. 終楽章は一般的にアレグロまたはプレストで、しばしばフィナーレと称されます。形式はロンドまたはメヌエットとなることが多かったです。

しかし、2楽章構成も存在し、ハイドンは1790年代後半までこの手法を用いていました。古典派初期には、ハイドンのピアノソナタ第6番と第8番のように、緩徐楽章の前に舞踏楽章を挿入した4楽章構成も考えられました。モーツァルトのソナタも主に3楽章構成でした。ハイドンがHob XIVでピアノソナタ、ディヴェルティメント、またはパルティータと名付けた作品のうち、7曲は2楽章、35曲は3楽章、3曲は4楽章です。また、3楽章または4楽章構成の作品の中には、真贋が「疑わしい」とされているものもいくつかあります。ボッケリーニのような作曲家は、ピアノとオブリガート楽器のためのソナタを出版し、第3楽章は任意で追加できるようにしました。ボッケリーニの場合は、28曲のチェロソナタです。

しかし、器楽作品は3楽章ではなく4楽章で構成されることが多くなり、この手法は弦楽四重奏曲や交響曲で初めて見られ、ベートーヴェンの初期のソナタではソナタそのものにまで至りました。しかし、2楽章と3楽章のソナタは古典派時代を通じて書き続けられました。ベートーヴェンの作品102には、2楽章のハ長調ソナタと3楽章のニ長調ソナタが2曲含まれています。しかしながら、4楽章より少ない、あるいは4楽章より多い作品は例外とみなされるようになり、それらは「省略された楽章」あるいは「余分な」楽章を持つものとして分類されました。

4楽章構成は、この時点で弦楽四重奏曲の標準となり、交響曲では圧倒的に最も一般的なものとなりました。4楽章の通常の順序は以下のとおりです。

  1. アレグロは、この時点では提示部、展開部、再現部を備えたソナタ形式と呼ばれる形式になっていました。
  2. 緩徐楽章：アンダンテ、アダージョ、またはラルゴ。
  3. 舞曲の一種で、メヌエットやトリオ、または特に古典派音楽時代後期にはスケルツォやトリオで構成されることが多い。
  4. より速いテンポのフィナーレ。多くの場合、ソナタ・ロンド形式です。

ベートーヴェンの交響曲第9番でスケルツォが緩徐楽章の前に来るように、楽章がこの順序から外れて現れる場合、それは「逆順」と表現されました。この用法は19世紀初頭に批評家によって注目され、その後すぐに教育に取り入れられました。

ベートーヴェンのソナタ作品の重要性は、いくら強調してもし過ぎることはありません。32 曲のピアノソナタに加え、チェロとピアノ、またはヴァイオリンとピアノのためのソナタがあり、時間の経過とともに本格的な楽器演奏者にとって習得が不可欠だと考えられるようになった大規模な音楽を形成しています。

ロマン主義時代

19世紀初頭、ソナタという用語の現在の用法が確立されました。これは、形式そのものに関しても、また、完成度の高いソナタが一般的なコンサート音楽の規範となり、他の形式がそれと関連して見られるという意味においても、確立されました。この時点以降、音楽理論におけるソナタという言葉は、特定の作品だけでなく、抽象的な音楽形式を指すようになりました。そのため、交響曲を管弦楽のためのソナタと呼ぶことがあります。ウィリアム・ニューマンはこれをソナタ概念と呼んでいます。

ピアノソナタと明確に分類される作品には、フレデリック・ショパンの 3 曲、フェリックス・メンデルスゾーンの 3 曲、ロベルト・シューマンの 3 曲、フランツ・リストのロ短調ソナタ、そして後にはヨハネス・ブラームスやセルゲイ・ラフマニノフのソナタがある。

19世紀初頭、ソナタ形式は、それまでの慣習と、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンといった古典派の重要な作曲家、そしてクレメンティといった作曲家の作品との組み合わせによって定義されました。この時期に、3楽章構成と4楽章構成の違いが論議の的となり、協奏曲は3楽章構成、交響曲は4楽章構成であることが強調されました。

アーネスト・ニューマンはエッセイ「ブラームスと蛇」の中でこう書いています。

おそらく、それが未来の器楽音楽の理想となるだろう。実際、そこへの道は、現代の作曲家たちがソナタ形式の退屈な痕跡を捨て去るにつれて、ようやく彼らの前に開かれつつあるように思える。ソナタ形式は、本来は18世紀の音楽におけるある種の思考様式の自然な表現様式であったが、19世紀には個人の思考と思想の内なる生命力の自由な展開の双方を阻害するようになり、今では下手な作曲家が自分自身と、教科書を読む無邪気な読者に自分が優れた作曲家だと思わせるための、単なる見せかけの道具に過ぎなくなっている。[ 9 ]

ロマン主義時代以降

ソナタは拡張された音楽的議論の極めて重要な形式としての役割を担っており、ヒンデミット、プロコフィエフ、ショスタコーヴィチ、タイユフェール、ウストヴォルスカヤ、ウィリアムズなどの作曲家がソナタ形式で作曲するきっかけとなり、伝統的なソナタ構造の作品は現在も作曲され、演奏され続けています。

学問と音楽学

ソナタのアイデアまたは原理

ソナタ形式、様式、構造の実践と意味に関する研究は、ハインリヒ・シェンカー、アルノルド・シェーンベルク、チャールズ・ローゼンなどによる重要な理論的著作の動機となってきました。また、音楽教育は、ほぼ 2 世紀にわたる実践と理論の発展によって体系化されたソナタ形式の規則の理解と応用に基づいて進められてきました。

古典派様式の発展とその作曲規範は、19世紀と20世紀の音楽理論の多くにおいて基礎を形成した。包括的な形式原理として、ソナタはバロックのフーガと同様に中心的な地位を与えられた。何世代にもわたる作曲家、器楽奏者、そして聴衆は、西洋音楽における永続的かつ支配的な原理としてのソナタというこの理解に導かれてきた。ソナタという概念は、古典派時代の規範の変化の進化とともに、この用語が現在の重要性を帯びるようになる以前から始まっている。これらの変化の理由、そしてそれが音楽における新たな形式秩序の進化感覚とどのように関係しているかは、研究の対象となっている。指摘された共通要因には、声楽から器楽への焦点の移行、通奏低音の喪失を含む演奏慣行の変化などがある。[ 10 ]

ソナタ形式のほとんどの解釈において重要なのは調性中心の概念であり、グローブ音楽辞典では次のように述べられている。「古典派から20世紀にかけての音楽構造の最も重要な原則である『ソナタ原理』を体現するグループの主な形式は、補調で最初に表現された素材を元の調で再表現することである」[ 11 ] 。

ソナタの思想は、ウィリアム・ニューマンが 1950 年代に着手し、1972 年に全 3 巻の標準版として出版された全 3 巻からなる記念碑的な著作『古典時代のソナタ (ソナタ思想の歴史)』で徹底的に探求されています。

20世紀の理論

ハインリヒ・シェンカーは、ウルリニー（ Urlinie ）あるいは基本的な調性旋律と、基本的な低音部音型が存在すると主張した。彼は、これら2つが存在するとき、基本構造が存在し、ソナタは中断と呼ばれる過程を経て、作品全体の中でこの基本構造を表現していると主張した。[ 12 ]

シェンカーは実際的に、ベートーヴェンのピアノソナタの編集に自身の考えを適用し、原稿と自身の理論を用いて入手可能な資料を「修正」しました。基本的な手順は、批評プロセスの一環として、調性理論を用いて入手可能な資料から意味を推論することであり、作曲家が未完成のまま残した作品を完成させることさえありました。これらの変更の多くは当時も現在も議論の的となっていますが、この手順は今日の音楽理論において中心的な役割を果たしており、多くの音楽学校で教えられているソナタ構成理論の不可欠な部分となっています。

著名なソナタ

バロック（1600年頃～1760年頃）

古典派（1760年頃～1830年頃）

ロマン派（1795年頃～1900年頃）

20世紀および現代（1910年頃～現在）

注記

  1. ^イタリア語: [soˈnaːta] ; ラテン語およびイタリア語: sonare [古イタリア語; 現代語ではsuonareに置き換えられている]、「鳴る」から

参考文献

  1. ^ a bニューマン、ウィリアム・S. (1983).バロック時代のソナタ（第4版）. QQノートン社. ISBN 0393952754。
  2. ^シュミット＝ベスト、トーマス (2011年3月10日). 『ソナタ』（第1版）. ケンブリッジ大学出版局. p. 11. ISBN 9781107306110。
  3. ^ "Sonata" . lib.ugent.be . 2020年8月27日閲覧。
  4. ^ニューマン 1972a、23–24。
  5. ^ニューマン 1972a、266。
  6. ^ニューマン1972a、169-70。
  7. ^ローゼン1988年。
  8. ^ローゼン1997年。
  9. ^ニューマン 1958年、51ページ。
  10. ^ローゼン 1997 , 196.
  11. ^ Sadie 1988、p. .
  12. ^シェンカー 1979 , 1:134.
  13. ^ 「ラフマニノフ – チェロ・ソナタ ト短調：今週のフルワークス・コンサート・ハイライト」 . Classic FM . 2021年4月6日閲覧。

出典

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