ウーゴ・ロンディノーネ | |
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| 生まれる | ウーゴ・ロンディノーネ （1964年11月30日）1964年11月30日 ブルンネン、スイス |
| 母校 | ウィーン応用芸術大学 |
| 職業 | 彫刻家 |
| 注目すべき作品 | ヒューマン・ネイチャー（2013年） セブン・マジック・マウンテンズ（2016年） |
| 配偶者たち | |
| Webサイト | ugorondinone.com |
ウーゴ・ロンディノーネ（1964年11月30日生まれ）は、スイス生まれの現代芸術家です。
ロンディノーネは、一時的な大規模なランドアート彫刻「セブン・マジック・マウンテンズ」（2016-2021年）で知られています。この彫刻は、蛍光色に塗られた7つのトーテム（車ほどの大きさの石）を32フィート（9.8メートル）の高さに積み上げたものです。[1]
幼少期と教育
ウーゴ・ロンディノーネは、1965年にイタリア人の両親、ベニート・ロンディノーネとエウフェミア・ロンディノーネの息子として、スイスのリゾート地ブルンネンで生まれました。
父のベニートはイタリアのマテーラで生まれた。マテーラは石灰岩の崖に築かれた古代都市で、メル・ギブソンの2004年の聖書ドラマ映画『パッション』やピエル・パオロ・パゾリーニの1964年の聖書ドラマ映画『マタイによる福音書』の舞台となった場所である。
ベニートは石工で、手作業で石垣を築いていました。ベニートは、旧石器時代の洞窟住居群であるサッシ・ディ・マテーラで育ちました。この洞窟住居群は1993年にユネスコ世界遺産に登録されましたが、ベニートの幼少期には、まだ活発なコミュニティが残っていました。生活環境は不衛生で危険であり、カルロ・レーヴィが1945年にマテーラでの生活を綴った回想録『エボリに立ち止まったキリスト』を出版したことを受けて、抗議の声が上がり、政府はベニート・ロンディノーネの家族を含むサッシ・ディ・マテーラの住民を近隣の低所得者向け住宅に移転させました。
父親の生い立ちはロンディノーネの作品に大きく貢献し、石材を用いた彼の膨大な作品群や、南イタリアのオリーブの木への関心に影響を与えている。2013年のニューヨーク・タイムズ紙の記事で、デイヴィッド・コールマンは、ロンディノーネが革のストラップで首にかけている、長年家族に受け継がれてきた石灰岩について次のように書いている。「穴の開いた石、ウン・サッソは、一種の原始的な身分証明書として首にかけられていた。サッシで働く様々な労働者は、それぞれの土地所有者に応じて、24時間365日、異なる石を身につけていた。ベニートは幼い頃にこの地域を去ったため、その石を身につけたことはなかったが、彼の父フレデリコはそれを身につけ、息子に譲った。フレデリコの父もそれを身につけ、ベニートに譲り、さらにその父もそれを身につけていた。」[2]
ロンディノーネの7歳年下の弟ルカはブルンネンに住んでいます。ブルンネンで育ったロンディノーネは、フランス語、イタリア語、ドイツ語の3か国語を話します。[要出典]
ロンディノーネは1983年にチューリッヒに移り、ヘルマン・ニッチュの助手となり、1986年から1990年までウィーン応用芸術大学で学び、そこで芸術家のブルーノ・ジロンコリに師事した。また、エルンスト・カラメルにも師事した。1985年、在学中に同級生のエヴァ・プレゼンフーバーと出会う。彼女は後にチューリッヒで彼の美術商となり、名目上の妻となる。
1997年、ロンディノーネはMoMA PS1のインターナショナル・スタジオ・プログラムに受け入れられ、ニューヨーク市へ移住。現在もそこで生活と制作活動を行っている。ニューヨークでは、アーティストであり詩人でもあるジョン・ジョルノと交際を始めた。二人は、ジョルノが参加していたニューヨーク市セント・マーク教会の詩の朗読会で出会ったのがきっかけだった。ロンディノーネとジョルノは1999年の展覧会でコラボレーションを行い、それが恋愛関係へと発展した。ジョルノの死去は2019年のことだった。
キャリア
ロンディノーネは1990年代に芸術家として登場しました。[3]彼の絵画は、鮮やかな色彩と同心円状の標的形状のリングで知られています。[4]そして、節くれだった木々を描いた白黒の風景画です。[5]
1997年以来、ロンディノーネは多様な作品の中にサイン制作の手法を取り入れてきた。ポップソングのフレーズや日常の叫び声を、虹色に輝くネオンライトの彫刻作品へと昇華させている。その代表作に「Hell, Yes」（2001年）がある。[6] [7]もう一つのインスタレーションシリーズ「Clockwork for Oracles」（2008-2010年）は、設置当時入手した地元紙のページを壁に貼り、サロン風に鏡張りの作品を展示している。[8]
ロンディノーネは後に、ブロンズ鋳造の鳥（プリミティブ、2011年）、馬（プライマル、2013年）、魚（プリモーディアル、2018年）を含むシリーズを制作した。 [9]
ロンディノーネのトーテムのような像は、パリのチュイルリー公園（2009年）から横浜トリエンナーレ（2011年）まで、世界各地に設置されている。 [10] 2013年には、ニューヨークのロックフェラー・センターで「ヒューマン・ネイチャー」と題したインスタレーションを展示した。これは、ペンシルベニア州北部の採石場から採取されたブルーストーンの荒削りの板で作られた9体の巨大な像で、原始的な岩のトーテムを彷彿とさせる。[11] [12]同様に、「ソウル」（2013年）は、ニューヨーク州北部で採掘されたブルーストーンで作られた37体の像で、高さは3フィート弱から7フィート近くまで様々である。[13]もう一つの彫刻インスタレーション「孤独の語彙」（2016年）は、45体のピエロの彫刻で構成され、「起きる、座る、歩く、シャワーを浴びる」といった日常的な動作にちなんで名付けられ、その動作を行うように配置されている。[8]
初期の作品
ロンディノーネの公式作品索引によると、彼の作品群は1988年に制作された石膏とワセリンの花の彫刻シリーズから始まります。しかし、この芸術家は一般的に、17世紀のオランダ美術とドイツのロマン主義の両方を彷彿とさせるスタイルで、インド墨で描かれた風景画からその軌跡をスタートさせています。
ウィーン郊外の田園地帯を散策中に描いた下絵を基にしたこれらのノスタルジックな風景画は、彼の後期の作品にも見られるいくつかの要素をもたらしました。手作りの「習作」を基に作品を制作するという手法、つまり、独立した請負業者に委託された段階を含む可能性のある複数の「輸送」や転送を経て別のイメージを生み出すという手法、単一のテーマのバリエーションへのこだわり、「サイクル」や「システム」の使用、特に作品に付けられたタイトルの命名法によって伝えられるそれらの使用、そして最後に、彼の自伝に関連する作品の制作です。
これらの初期の風景画は、実は、アーティストのパートナーであるマンフレート・キルヒナーが1988年にエイズで亡くなったことへの反応として描かれたものでした。「エイズ危機の真っ只中、私は悲しみから目を背け、自然の中に精神的なガードレールを見出しました。それは慰め、再生、そしてインスピレーションの場でした。自然の中では、神聖なものと俗なもの、神秘的なものと世俗的なものが互いに共鳴し合う空間に足を踏み入れることができるのです。」[14]
最初の風景画は1989年2月23日に描かれた。ロンディノーネは同年、スイスのルツェルン美術館で開催された展覧会で、それぞれ3月、6月、10月に制作した他の3点の作品を展示した。この展覧会における彼のプレゼンテーションのアプローチは、その後の展覧会の基盤となったと言えるだろう。[15]
展示の芸術
ロンディノーネの展覧会は、彼の作品と切り離して考えることはできません。その結果、作品はアーティストによって絶えず再発明される提示形式へと進化を遂げます。作品が変化するのと同様に、彼は展覧会ごとにその「内容」と「容器」の展示方法を変化させます。こうした変化は、ごくわずかなものになることもあれば、逆に大きな変化をもたらすこともあります。新たな視点を開くこともあれば、それらを置き換えることもあります。また、展覧会ごとに作品が初めて展示されたかのように見えるように、「シナリオ」を練り上げることもあります。展覧会は、アーティストにとって、相反するとまでは言わないまでも、相補的なベクトルを操る手段でもあります。特定の文脈においてロンディノーネが展示する作品は、しばしば「正反対の」提案と並置されます。
これは彼の風景画にも見て取れます。1989年の展覧会では、彼の墨絵は「均質」な様式で配置されていましたが、1年後に同じ場所で開催され、1990年の風景画に捧げられた2回目の展覧会では、白く塗られた木の板で作られた仮設の壁の隣に、それらの作品が展示されました。ギャラリー入口の延長線上にあるこの壁は、展示システムを空間のファサードから切り離し、「日常」から切り離し、一種の回廊を作り出しました。その回廊の閉鎖的な雰囲気は、精神的で内省的な瞑想を促し、風景画が示唆する世界と自然への開放性と強烈なコントラストを生み出しました。ロンディノーネが構想した最初の「壁」は、展示空間を舞台や設定として、新たな「主人公」や「人物」を作品に招き入れることを可能にしました。
1991年、チューリッヒのヴァルヒェトゥルム・ギャラリーで初個展を開催したロンディノーネは、ルツェルン美術館の「物語」を継承し、世界に開かれた風景とそこから隔絶された空間が織りなす「二重性」を強調しました。1992年、ロンディノーネは、完全に他者を描いた作品群、太陽を描いた絵画を発表しました。これらの絵画は、それぞれ独自の方法で精神的な隠遁生活や「無思慮な活動」と関連しており、作家自身は風景画の延長線上にあると考えています。ただし、白黒の「具象的」な描写が、虹彩と催眠術的な色彩のスペクトルに置き換えられているという点は異なります。それは「遠い」。夜の情景の昼間の対比とも言えるものであり、ロンディノーネの作品に顕著に見られる対比の法則を、再び反映しています。
1990年代
1990年代は、目もくらむような作品の急増が特徴的でした。これは、作家自身によってもたらされた「ドミノ効果」 [16 ]であり、彼の作品に根茎的な視点を与える「形式としての展覧会」 [17]によって促進されました。太陽の絵画をめぐって表現される様々な組み合わせを見れば、その幅広い可能性を推し量ることができます。これらの絵画とは独立した、別の「人物」も現れました。
このことは特に「heyday」の場合に顕著で、この展覧会は1995 年に再びチューリッヒのヴァルヒュトゥルムギャラリーで開催された「Cry Me a River」展とほぼ同じであるように思われる。無菌の環境に置かれたアーティストの彫刻的な自画像であるこの作品は、ギャラリーでの以前の展示とは対照的に、外部の都市の風景から閉ざされた空間ではなくなり、ヨリス=カール・ユイスマンスの 1884 年の小説「自然に抗って」に登場する架空の人物、ジャン・デ・エッサントにインスピレーションを受けており、内面に向かうことや精神的な撤退というアイデアのさらに別のバリエーションを提示している。
1990年代、ロンディノーネの作品集に新たな「人物像」が登場しました。それは道化師です。道化師は90年代初頭から彼の作品に登場し、その後、様々な媒体や表現方法で表現されるようになりました。ドローイングや壁画、写真、ビデオ、パフォーマンス、インスタレーションや彫刻など、様々な表現方法で表現され、ここでもこのアーティストの驚くべき表現の幅広さが際立っています。
例として、2000年から2002年（砂漠以外に何かあるとすれば）と2014年から2016年（孤独の語彙）に構想された2つのハイパーリアリズム彫刻群が挙げられます。後者は、展示空間全体に散りばめられた45体の「受動的な」ピエロからなる壮大な作品です。「45体のピエロは、1人の人間を表現しています。その人の24時間を45の在宅活動に分割し、24時間周期のループを作り出しています」とロンディノーネは説明します。
時間は実はこのアーティストにとって繰り返し登場するテーマであり、孤独という語彙に見られるように、意外性と同時に驚くべき様相を呈することがある。ルドヴィコ・プラテージによれば、ロンディノーネは「自身の芸術を現実の時間の外に位置づけ、時間を超えた次元へと投影する。そこでは、観客一人ひとりが体験型作品の中で、自分自身の時間と空間を創造することができる。それは、誰もが人生と人間のあり方について考察できる総合芸術であり、あるいはアーティスト自身の言葉を借りれば、『外界から内なる世界への逃避』である」。そこから、彼の作品に遍在する時間性というテーマを通して、撤退や退却、そして循環という概念の反復が見出される。
1990年代、ロンディノーネは、既に作品に登場していた、あるいは以前にも作品に取り上げていた二つのモチーフ、すなわち「木」と「窓」の探求を一層深め、1997年にはローマのガッレリア・ボノモで開催された展覧会でこの二つのモチーフが一堂に会しました。特定のモチーフに立ち返り、その視点を転換し、新たな解釈へと展開させることは、ロンディノーネの作品制作手法の一部であり、一連の作品群が決して静止したものではなく、生き残りや変異、変容や変態、そしてまだ想像もつかない新たな対話を生み出す可能性があることを示す手段となっています。
1997年の樹木は粘着テープで「保護」されている。「保護」と「隔離」は、ロンディノーネの作品において繰り返し、かつ極めて多様な改変が加えられるプロセスでもある。作家が構想した「物体」や「環境」に塗布された様々な塗料の層、そして彼の作品にしばしば見られる変装や茶番、そして仮面といったテーマが思い浮かぶ。
変装。それは対立原理に基づく分離、距離を生み出す。この概念はアーティストの軌跡全体を貫き、定義づける。一方には白と黒、あるいはグレーの濃淡、もう一方には色彩。男性と女性。静寂と音。昼と夜。開放と内省。内と外。抽象と比喩。個人と非個人。私的と公的。そして、いずれの場合も、アーティストが選択あるいは想像する「シナリオ」に応じて、これらの両極性の間には、（不）接合と（不）浸透という微妙な差異が生じる。
2000年代
21世紀に入っても、展覧会やインスタレーションの数が増え続ける中で、作品群の増殖は続き、アーティストはより多様な物語を紡ぐことが可能になった。ギャラリーや美術館、都市空間や自然環境など、場所を問わず、これらの展示は、彼のキャリア初期に確立された「ドミノ効果」を絶えず拡大させ続けている。
ロンディノーネは、芸術活動と並行して、キュレーターとして展覧会に携わり、対立というテーマに着想を得たビジョンを提唱するという、新たな功績を自身の業績リストに加えたことも特筆すべき点である。以前の思想の発展と軌を一にするように、この時期、彼は特定の「テーマ」や「モチーフ」を発展させ、それらを変容させ、変化させ、転移させ、生き残りを象徴する現象を呈示した。同時に、常に作品群間の対話を生み出すことを目的とした新たなテーマやモチーフも生み出した。これらの多くはポストミニマリズムの美学と結びつき、彫刻作品として表現され、時には音や言語を題材とした作品と結びつき、文脈に応じて閉じたり開いたりする幾何学的形態を再構築している。
この時期の作品には、壁、窓、ドアといった形や主題が、彼の以前の作品の文脈にしっかりと位置づけられているものもあれば、全く新しい方向性を示しているものもあります。壁、窓、ドアといったモチーフは、ロンディノーネにとって、境界、通路、境界線、そしてある場所や雰囲気から別の場所や雰囲気へと移動することを可能にする限界をも象徴しています。それらは「隔離者」となり、時には私たちを外界から遮断し、時には私たちを外界へと透過させ、そして時にはこれらの「対極」を結びつけることさえあります。もう一つの共通点は、いくつかの作品群が歴史的な美術作品と結びついていることです。例えば、2015年から2018年にかけて制作された最初の作品である金属製の窓は、カスパー・ダーヴィト・フリードリヒの作品を参照しています。
ボブ・ニカスの言葉を借りれば、ロンディノーネの作品は「多くの中心を持つ拡張された領域」である。近年、彼は白黒の作品、グレー、アースカラー、ミネラルカラーの作品、そして多色使いの作品といった対比と対比の法則を主張し続けている。前者のカテゴリーには、2003年から2011年にかけて制作された白い木々、2005年のインスタレーション「Thank You Silence 」 、2006年から2007年にかけて制作された彫刻群「Poem」、2008年から2012年にかけて制作された星空の絵画、2003年から2005年にかけて制作されたマスク群「Moonrise」、そして2015年の「スペクトル」インスタレーション「Thanx 4 Nothing」などが含まれる。
より灰色がかった土っぽく、ミネラル感のある色調では、2008年の雲とその日記、2010～2011年のヌード、2011年の鳥、2013～2014年の馬、2016年の魚、そして2013年以降に制作されたブルーストーンの「古風」かつ「非時間的」な彫刻群が挙げられます。色彩に関しては、アーティストの作品群や展覧会のプレゼンテーションに色彩が浸透し続け、当初は「ニュートラル」な色調で制作された作品群を、より幅広い色彩スペクトルへと定期的に変化させています。
一例として、2021年にパリのカメル・メヌール・ギャラリーで展示された蝋型彫刻による裸婦像が挙げられます。裸婦像の多色彩的特徴が展示空間に反映され、作品とその周囲の環境の両方を輝かせました。最後に、ロンディノーネの軌跡全般、特に多色彩作品の文脈において、「山の家族」（2015–2018年）と「修道女と修道士」（2020年）を挙げることができます。
山々は、具象的なブルーストーン彫刻に代わる、色彩豊かで抽象的な代替物となっている。一方、ロンディノーネが作品を通して提起する精神的な問いを凝縮した「修道女と修道士」（2020年）は、作品の特徴である「相反する」ベクトルの多くを完璧に融合させている。彩色されたブロンズで制作されたこれらの彫刻は、当初は石灰岩の原型を構想したもので、作家は鉱物界に由来する起源と、極めて人工的な色彩処理を、同じ命題の中に融合させることに成功した。そこでは、自然と文化が融合し、ロンディノーネの美学において象徴的な形状となった円が再び姿を現す。
手数料
ロンディノーネはギャラリーで定期的に展示を行っていますが、最も広く知られているのは、ブルーストーンの巨石を積み重ねて作った 9 つの巨大な塔「ヒューマン ネイチャー」（2014 年）などの記念碑的なパブリック アート作品でしょう。2013 年にニューヨーク市のロックフェラー センターで開催された展覧会では、都会のストーンヘンジとして特徴づけられ、推定 1,500 万人の観客を集めました。
同数の人々が、ラスベガス郊外のネバダ砂漠にロンディノーネ氏が設置し、アート・プロダクション・ファンドとネバダ美術館が共同で開催した、鮮やかで鮮やかな色彩で塗装された石柱のインスタレーション「セブン・マジック・マウンテンズ」を体験している。
虹色の屋上アーチには「Hell NO! 」（ニューヨーク、ニューミュージアム）や「Breathe, Walk, Die」（上海、ロックバンド・ミュージアム）といったスローガンが描かれており、現在も制作が続けられている。2018年には、テート・リバプールが、建物の中庭に恒久的なインスタレーションとして設置する屋外「山」彫刻「リバプール・マウンテン」（2018年）を委託した。 [18]
その他のプロジェクト
七つの魔法の山（2016～23年）
アート・プロダクション・ファンド（APF）とネバダ美術館の委託、制作、資金提供を受けた「セブン・マジック・マウンテンズ」は、マンハッタンのロックフェラー・センターという高度に人工的な環境に配置された記念碑的な石の棒人間像というパブリック・アート・ファンドのプロジェクトであるロンディノーネの作品「ヒューマン・ネイチャー」に続くもので、その逆、つまり自然環境に設置された高度に人工的なネオン・トーテムを表現している。 [1]
同様の彫刻である、2015年に作られた高さ35フィートのマイアミマウンテンは、 2021年12月現在、フロリダ州マイアミビーチのコリンズパークにあるバス美術館の外に設置されている。[19]
不動産プロジェクト
ロンディノーネのニューヨークでの最初の住所は、2番街とアベニューBにあったかつてのローワーイーストサイドの舞踏室で、2003年にイーストビレッジのブロードウェイにロフトを購入するまでそこで生活し、働いていました。
2007年、彼はグレート・ジョーンズ・ストリート39番地の1階にあるスタジオロフトを取得しました。現在、そこはニューヨークのプレゼンフーバー・ギャラリーのサテライトとなっていますが、ロンディノーネは[20]のショーウィンドウで他のアーティストの新作展示プログラムを維持しています。
2011年に彼は、ハーレムの5番街2050番地にある、広さ2万平方フィート（1,900平方メートル）の、かつて聖別されていなかったマウント・モライア・バプテスト教会を 280万ドルで取得した。[21] [20]ロンディノーネの元妻、プレゼンフーバーは、ハーレムの自宅にある、専用の階段とキッチンが完備された2つのアパートのうちの1つの家賃を支払っている。
2005年、アーティストとジョルノはニューヨーク州バリービルに夏の別荘を購入しました。そこはデラウェア・ウォーター・ギャップの近く、ニューヨーク州、ペンシルベニア州、ニュージャージー州の3州が交わる場所です。この風景は、2つの新しい作品群へと直接つながりました。最初の石の彫刻は、マテーラで父親が築いたような壁から拾い集めた石で作られました。近くの採石場からは、2013年にロックフェラー・センターのパブリックアート「ヒューマン・ネイチャー」のために制作した巨大なブルーストーンの彫刻が生まれました。
2014年以降、ロングアイランドのマティタックにある別荘にセカンドスタジオを構え、流木を集めて船の彫刻を制作している。また、イタリアのマテーラにも不動産を所有している。[20]
2014年、ロンディノーネはハウス1号の建設を完了した。これは、アーティストが居住可能な総合芸術作品として構想したプロジェクトであり、チューリッヒ近郊のヴュレンロスという小さな町の近くの森の空き地に建てられた。[22]この家は、建築家のアンドレアス・フーリマンとガブリエル・ヘヒラーと共同で建てられ、日本の影響とヨーロッパの美術工芸様式の要素を示す、様式的影響の融合を表している。インテリアにはロンディノーネの芸術への直接的な参照が含まれており、暖炉は、鋳造ブロンズ、鉛、塗料で作られた2008年の等身大のロンディノーネ作品、 STILL.LIFE. (JOHNS FIREPLACE)の「機能的なレプリカ」である。この家は、バレンシアガのクリエイティブディレクターでヴェトモンの創設者であるジョージアのファッションデザイナー、デムナ・ヴァザリアに売却された。
キュレーターの仕事
ロンディノーネは2007年、パリのパレ・ド・トーキョーで開催された展覧会「第三の心」でキュレーターとしてデビューした。この展覧会はジョルノ・ジョルノの70歳の誕生日を記念して開催されたもので、ロンディノーネは展覧会の構想を自由に練ることができた。この展覧会では1960年代から2000年代初頭までの作品が展示され、ロンディノーネのキュレーションは批評家から好評を得た。[23]
5年後の2012年、ロンディノーネはニューヨークのグラッドストーン・ギャラリーで「スピリット・レベル」展を企画した。今回はジョルノの75歳の誕生日を記念したものだった。ニューヨークのグラッドストーン・ギャラリー両支店で同時に開催されたこの展覧会には、「現代のニューヨーカーからあまり知られていないヨーロッパのアーティストまで、世代的にも地理的にも幅広い」18人の「全く異なる」アーティストの作品が展示された。[24]
ロンディノーネは、この展覧会のために、自身の手法である閉鎖的な環境作りを借用し、ギャラリーの扉を塗装することで、外部からの光や雑音の影響を排除した。カレン・ローゼンバーグはニューヨーク・タイムズ紙の批評でこの展覧会を称賛し、「しかしながら、全体として『スピリット・レベル』は、この世のものとは思えないほどの喜びに満ちた庭園であり、アーティストが企画するグループ展のライフサイクルを延長する優れた論拠となっている」と記した。[25]
ロンディノーネは、3度目のキュレーターとしての取り組みとして、 2015年にウィーンのウィーン分離派展で「芸術家と詩人」を企画しました。この展覧会に出展されている詩人はジョルノのみです。むしろ、このタイトルは芸術と詩は相互に関連しているというロンディノーネの信念に由来しています。
同年、彼はパレ・ド・トーキョーで「ウーゴ・ロンディノーネ：私はジョン・ジョルノを愛している」展を企画した。ロンディノーネは4年を費やし、ジョルノの作品やジョルノを題材とした作品を展示した。アンディ・ウォーホルの1964年のアンダーグラウンド映画 『眠り』、眠るジョルノを描いた映画『食器を洗うジョン』、そして『食器を洗うジョン』といった作品も含まれていた。[26]
ロンディノーネは、2007年に制作したジョルノの暖炉の等身大ブロンズ像という自身の作品に加え、エリザベス・ペイトンによるジョルノの肖像画も展示した。ニューヨーク近代美術館の学芸員で、ロンディノーネとジョルノ双方の友人でもあるローラ・ホプトマンは、この展覧会について次のように述べている。「この展覧会は、ウーゴがジョンの類まれなキャリアに捧げた並外れた献身を示すものであると同時に、ジョンがウーゴに生涯の作品、つまり全作品を捧げてインスタレーションを制作するという決断は、少なくとも近年の美術史において前例のない愛の行為だと私は信じています」とホプトマンはメールで述べている。「これは神話のようなものです。少なくとも、オー・ヘンリーの物語のようです。」[26]
ウーゴ・ロンディノーネ「I ♥︎ ジョン・ジョルノ」は、ロンディノーネの2015年のパレ・ド・トーキョーでの展覧会の延長線上にあるもので、2017年にマンハッタン周辺の13の会場で開催された18の「章」から構成されています。「各章はロンディノーネによってデザインされた没入型のインスタレーションの形をとっており、ジョルノの人生を特徴づけてきた一連の作品、関心、関係、またはコラボレーションに捧げられています。」[27]ブルックリン・レールの特別版がこの展覧会のために制作され、展覧会カタログを兼ねていました。
アートコレクション
ロンディノーネは少なくとも200点に及ぶ膨大な美術コレクションを所有している。その中には、サラ・ルーカスの「ペネトラリア」シリーズ（2008年）の大きなピンクの男根像も含まれており、これはロンディノーネが改装したハーレムの教会のリビングルームに展示されている。また、 2012年にグラッドストーン・ギャラリーで開催された展覧会「ザ・スピリット・レベル」にも、ルーカスの「ペネトラリア」シリーズの作品が展示されている。ハーレムにあるロンディノーネの自宅の浴室には、同じくスイス人のアーティストであるウルス・フィッシャーが制作したステンドグラスの壁が飾られている。[28]
展示会
ロンディノーネのデビューは、1985年にチューリッヒのギャラリー・マルレーネ・フライで開催されたグループ展でした。ロンディノーネは1989年、ルツェルンで開催された「クリスマス展」である「ヴァイナハト・アウスステッルング」で、重要なデビューを飾りました。この複数のアーティストによる展覧会には、ロンディノーネの最も有名で精巧な作品群の一つである風景画3点が含まれていました。ロンディノーネはこの年の2月に、最終的に103点の絵画を含むことになる大型風景画の最初の作品を制作しました。これらの風景画はインド墨で描かれ、ロンディノーネ自身の手で小さな中国筆で描かれました。ロンディノーネの風景画は実物から描かれているのではなく、「画家は主に18世紀の作品から借用した個々のモチーフから森の幻想を作り上げていますが、そのイメージの出典を具体的に明らかにしていません」。[29]ロンディノーネは自然の模倣的なビジョンを表現するのではなく、特定の雰囲気に合ったイメージやモチーフを巧みに組み合わせている。デビュー以来数十年にわたり、ロンディノーネの風景画は、彼の作品の中でも不朽の名作であり、高く評価されている。
1989年のこの活動開始以来、ロンディノーネは毎年少なくとも1回、時にはそれ以上の展覧会を世界各地で開催してきました。ロンディノーネがアートシーンに登場したのと同じ1989年、プレゼンフーバーはチューリッヒの非営利団体ギャラリー「ヴァルヒャトゥルム」の館長に就任しました。ただし、プロジェクトスペースで自身のプログラムを運営できることが条件でした。
1991年、彼女はロンディノーネがこれまでに描いた風景画を集めた「I'm a Tree」という展覧会を開催した。この展覧会の後、プレゼンフーバーはヨーロッパとニューヨークでロンディノーネの作品を発表し続けている。1995年、プレゼンフーバーは再びヴァルヒュトゥルムギャラリーで「Cry Me a River 」という展覧会を開催し、ロンディノーネの作品を展示した。これはロンディノーネにとって初の彫刻による自画像の展覧会となった。このインスタレーションはロンディノーネのより広範な作品を理解する上で不可欠であり、彼の通常の芸術的操作方法とは対照的である。ロンディノーネは、窓を板で塞いだり、窓やドアを半透明のカラーフィルムで覆ったり、その他の手段で外部を遮断した「世界」をインスタレーション内に作り出すことで知られており、外部からの影響を排除した自己完結型のインスタレーションを作り出す。本作はその逆で、内側の者と外側の者の両方が互いに関わり合うように強制し、両側にいる者を作品の参加者として枠組みづけている。展示スペースの壁には、アーティストを模したぬいぐるみが寄りかかって座っており、大きなガラス窓を通して通行人の目に留まっていた。この展覧会のタイトルは後に、1997年の作品『Cry Me a River』に借用された。これはロンディノーネの最初のネオンサインであり、展覧会、作品、詩などにおいてタイトルを頻繁に再利用するロンディノーネの好例である。
2007年、ロンディノーネはウルス・フィッシャーと共に第52回ヴェネツィア・ビエンナーレのスイス代表となった。この機会に、ロンディノーネはアルミニウムと白のエナメルで作られた、彼の特徴的な鋳造オリーブの木のシリーズを制作した。AIR GETS INTO EVERYTHING EVEN NOTHING（2006年）、「WISDOM? PEACE? BLANK? ALL OF THIS?（2007年）」、「GET UP GIRL A SUN IS RUNNING THE WORLD（2006年）」。GET UP GIRL A SUN IS RUNNING THE WORLD（2006年）は、ロンディノーネが2006年11月にニューヨーク・バッテリーパークのリッツ・カールトン・プラザでクリエイティブ・タイムスのアート・オン・ザ・プラザと共同で行ったプロジェクトの一部として以前に展示された。イタリアの法律に従い、これらの型はロンディノーネの両親の故郷であるマテーラでゴムを使って現地で鋳造され、その後スタジオでワックスを通して最終的なアルミニウムの形に成形される。「air gets into everything even nothing」（2006年）は、このロックフェラー・センターのインスタレーション作品の一部であり、現在はデモイン・アート・センターのパーマネント・コレクションに収蔵されている。ニューヨークとデモインは全く異なる都市環境を代表しており、それぞれの都市において「air gets into everything even nothing」は「時間、移動、そして自然環境と人工環境の関係」について問いかけている。[30]
ロンディノーネのネオン彫刻「Hell, Yes!（2001）」は、2007年の開館から2010年までニューミュージアムのファサードに設置されていました。[10]
有機的な世界を鋳造した彫刻はロンディノーネのキャリアを通じて現れ、特にstill.lifeシリーズに見られる。これは、様々なはかない物体をブロンズで鋳造して永久的なものにしたものだ。2012年にニューオーリンズ美術館で開催された展覧会「Lifelike」で、ロンディノーネはこのシリーズの最初の作品「STILL.LIFE. (FOLDED CARDBOARD) (2007)」を展示した。これは折りたたんだボール紙を地面に置いて壁に立てかけたような作品である。2012年にルーヴェンのMミュージアムで開催された「Thank you Silence」は、ロンディノーネのこうした保存された形態への関心を示す好例で、同アーティストはそこでプリミティブな（2011–2012年）59羽の鋳造ブロンズ製の鳥を展示した。鳥はそれぞれアーティストの手作業で彫刻されており、完成品に残った彼の指紋がその証拠である。[31]ロンディノーネは、1日に1羽の鳥しか作らないと決めていた。「時間制限を設けることで、鳥の造形において素朴で子供っぽい雰囲気を出すことができた。」[31]
「修道女＋修道士」シリーズは、2019年と2020年に制作された、石灰岩を鋳型にしたツートンカラーの彩色ブロンズ彫刻シリーズです。石灰岩を用いたこれらの像の構成は、作家の以前の作品と共通していますが、ロンディノーネのインスピレーションは20世紀初頭のイタリア彫刻からも得られています。「これらの作品の制作は、ロンディノーネがニューヨークのメトロポリタン美術館の中世彫刻部門に精力的に通っていたこと、そしてジャコモ・マンズの『枢機卿たち』との強烈な対峙によって育まれたことを説明すべきでしょう。マンズの独特の現代性は、時間とカテゴリーを超越する古典主義に浸透しており、彼の関心と必然的に一致していたのです。」[32]
ロンディノーネは、世界各国の主要機関で個展を開催しており、その中には、ルツェルン美術館（2024 年） 、パリのパレ・ド・トーキョー（2018 年）、オアハカの Fundación Casa Wabi（2018 年）、カリフォルニア州バークレーのバークレー美術館およびパシフィック・フィルム・アーカイブ（2017 年）、モスクワのGarage（2017 年）、マイアミの The Bass Museum（2016 年）、パリのヴァンドーム広場（2016 年）、ローマのトライアーノ市場（2016 年）、上海のRockbund Art Museum （2014 年）、シカゴ美術館（2013 年）、ダラスのナッシャー彫刻センター（2013 年）、ベルギーのルーヴェン M Museum（2013 年）、アテネのキクラデス美術館（2012 年）、ニューオーリンズ美術館（2012 年）などがあります。アールガウアー美術館、アーラウ、スイス (2010);ル・コンソーシアム、ディジョン (2004);オーストラリア現代美術センター、メルボルン (2004)。シドニー現代美術館 (2003);ジョルジュ・ポンピドゥー・センター、パリ（2003）。ウィーン美術館、ウィーン (2002)。およびジュネーブ現代美術センター (1996)。
アートフェア
エルフターマルッツヴァイタウゼンドゥンツヴォルフ（2015年）は、2015年のアート・バーゼル・マイアミで展示されました。ビジネス・インサイダーはこの作品を「アート・バーゼルで見た最もとんでもない芸術作品」の特集に掲載し、「自撮りに最適」だと評しました。「鮮やかな色のレンガは実物よりも大きく描かれており、まるで舞台セットを近すぎてリアリズムの錯覚が起こらないかのようです。自立した壁ほど現代的なものはありませんが、原始的です。」[33]
アート市場
ロンディノーネのオークション最高値は、2009年に制作された「A DAY LIKE THIS.MADE OF NOTHING AND NOTHING ELSE」で、 2018年11月にサザビーズで113万1000ドルで落札されました。この作品は以前、パトロンでありコレクターであり、美術館評議員でもあるデイヴィッド・テイガー氏の所有物でした。テイガー氏は、高さ約17フィート、幅約19フィートの鋳造アルミニウムと白いエナメルでできたこの彫刻を、ニュージャージー州の自宅前庭に設置しました。この作品は、「The History of Now: The Collection of David Teiger Sold to Benefit Teiger Foundation for the Support of Contemporary Art（現代美術支援のためのテイガー財団に寄付されたデイヴィッド・テイガーのコレクション）」の一環として売却されました。
ロンディノーネの作品「A DAY LIKE THIS.MADE OF NOTHING AND NOTHING ELSE」の落札額は、2011年6月にフィリップス・ド・ピュリー・アンド・カンパニーを通じて86万4340ドルで落札された2006年の「Get up girl a sun is running the world」というオークション作品の最高記録を上回りました。この作品もアルミニウムと白のエナメルで鋳造されたオリーブの木です。この作品は以前、第52回ヴェネツィア・ビエンナーレのスイス館で、ウルス・フィッシャーの作品と共にヴェネツィアのサン・スタエ教会で展示されていました。[34]
ロンディノーネの代理人は、エスター・シッパー、ギャラリー・エヴァ・プレゼンフーバー（チューリッヒ、ニューヨーク）、[35] サディ・コールズ本社（ロンドン）、[36] ギャラリー・カメル・メヌール（パリ）、クッチェ・ギャラリー（ソウル）、クロバース（ウィーン）、グラッドストーン・ギャラリー（ニューヨーク、ブリュッセル）である。[37]彼の作品は、ポンピドゥー・センター（パリ）、アルベルティーナ美術館（ウィーン）、イスラエル博物館（エルサレム） 、ダラス美術館、カーネギー美術館（ピッツバーグ、ペンシルバニア州）、チューリッヒ美術館、ニューサウスウェールズ州立美術館（シドニー、オーストラリア）など、数多くの公的および私的なコレクションに収蔵されている。
その他の活動
- パブリックアートファンド、理事（2014年から）[38]
- ジョン・ジョルノ財団、会長[39]
私生活
ロンディノーネの晩年の長年のパートナーは、詩人で活動家のジョン・ジョルノでした。2017年、ロンディノーネはマンハッタンの13の会場で「I ♥ John Giorno」と題した展覧会を開催しました 。彼はこの展覧会をジョルノへのラブレターの延長と呼んでいました。[40]二人は1997年、ロンディノーネが自身の展覧会の一つにジョルノを招待したことで出会いました。[40]
2017年、ロンディノーネは高悪性度の膀胱がんと診断されました。[41] 2019年9月、アーティストはサザビーズ・ニューヨークで「Stop Blood Cancer」と題したオークションを開催しました。ロンディノーネと他の14人のアーティストはオークションに作品を寄贈し、その収益はコーネル大学ワイル医科大学の膀胱がん治療研究に寄付されました。同大学では、ロンディノーネ自身の腫瘍専門医が膀胱がんの治療法開発に取り組んでいます。[42]
参考文献
- ローラ・ホップマン、エリック・ヴァーヘイゲン、ニコラス・ボーム、ウーゴ・ロンディノーネ、ファイドン、ロンドン、2022年。
- ライオネル・ボヴィエ、モーガン・ファルコナー、ウーゴ・ロンディノーネ：ピュア・サンシャイン、JRP |リンジャー、2018年。
- Iwona Blazwick、Alison Gingeras、Ugo Rondinone：Zero Built a Nest in My Navel、JRP | Ringier、2015 年。
- アグスティン ペレス ルビオ、マデレーヌ シュプリ、ウーゴ ロンディノーネ: 鉛の夜、JRP |リンジャー、2010年。
参照
参考文献
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さらに読む
- ユタ州グローセニック。リームシュナイダー、ブルクハルト編。 (2005)。アート・ナウ（25周年記念版）。ケルン：タッシェン。ページ 276–279。ISBN 9783822840931. OCLC 191239335.
外部リンク
- ugorondinone.com、ロンディオーネの公式サイト
- パブリックアート基金主催、ロックフェラーセンターでのウーゴ・ロンディノーネ「ヒューマンネイチャー」
- アイオワ州グレーター デモイン パブリック アート財団、パパジョン彫刻公園にあるウーゴ ロンディノーネの 2005 ～ 2006 年の彫刻
- ウーゴ・ロンディノーネの詳細な経歴と展覧会情報
- パリ、ル・パレ・ド・トーキョーにて開催されたウーゴ・ロンディノーネの「THE THIRD MIND」のジョセフ・ネクヴァタルによるアートレビュー
- 「もし砂漠以外の場所があったら、水曜日」[1] カルダー家コレクション、ニューサウスウェールズ州立美術館
- ソマー現代美術ギャラリーウェブサイトのウーゴ・ロンディノーネ・アーティストページ
- フィリップス・コレクションにて開催中の「One-on-One: Ugo Rondinone / Louis Eilshemius 2023-2024」展
