ウォルト・ディズニー
アメリカのアニメーター、プロデューサー、起業家（1901-1966）

ウォルト・ディズニー
1946年のディズニー
誕生（1901年12月5日）1901年12月5日
シカゴ、イリノイ州、米国
死去1966年12月15日(1966年12月15日)（65歳）
アメリカ合衆国カリフォルニア州バーバンク
安息の地フォレスト・ローン記念公園
職業
  • アニメーター
  • 映画プロデューサー
  • 声優<e​​xtra_id_1> 起業家
  • 肩書き
ウォルト・ディズニー・カンパニー社長[1]配偶者
リリアン・バウンズ
（ 1925年生まれ）
お子様
ダイアンを含む2人親族
ディズニーファミリーディズニー一家
アカデミー賞26回受賞[a]
『白雪姫と七人の小人』 （1937年）の予告編より、ディズニーが七人の小人それぞれについて説明している様子
署名
ウォルター・

Walter Elias Disney (/ˈdɪzni/ DIZ-nee;[2] December 5, 1901 – December 15, 1966) was an American animator, film producer, voice actor, and entrepreneur. A pioneer of the American animation industry, he introduced several developments in the production of cartoons. As a film producer, he holds the record for most Academy Awards won (22) and nominations (59) by an individual. He was presented with two Golden Globe Special Achievement Awards and an Emmy Award, among other honors. Several of his films are included in the National Film Registry by the Library of Congress and have also been named as some of the greatest films ever by the American Film Institute.

1901年にシカゴで生まれ、主にミズーリ州で育ったディズニーは、幼いころから絵を描くことに興味を持っていた。少年時代に美術の授業を受け、18歳で商業イラストレーターとして働き始めた。1920年代初頭にカリフォルニアに移り、兄のロイと共にディズニー・ブラザーズ・スタジオ（現在のウォルト・ディズニー・カンパニー）を設立した。 1928年、アブ・アイワークスと共にミッキーマウスというキャラクターを開発し、これが彼にとって初の大人気作品となった。また、初期には自らが作ったキャラクターに声も担当していた。スタジオが成長するにつれ、ディズニーはより冒険的になり、同期音声やフルカラーの3ストリップ・テクニカラー、長編漫画、カメラの技術開発を導入した。その成果は、『白雪姫』（1937年）、『ピノキオ』、『ファンタジア』（ともに1940年）、『ダンボ』（1941年）、『バンビ』（1942年）などに見られ、アニメーション映画の発展を促した。第二次世界大戦後には、『シンデレラ』（1950年）、『眠れる森の美女』（1959年）、『メリー・ポピンズ』 （1964年）など新しいアニメ映画や実写映画が制作され、中でも『メリー・ポピンズ』はアカデミー賞5部門を受賞した。

1950年代にディズニーはテーマパーク産業に進出し、1955年7月にカリフォルニア州アナハイムにディズニーランドをオープンした。プロジェクトの資金を調達するため、彼は『ウォルト・ディズニーのディズニーランド』や『ミッキーマウス・クラブ』といったテレビ番組にも事業を多角化した。彼はまた、 1959年のモスクワ博覧会、1960年の冬季オリンピック、1964年のニューヨーク万国博覧会の企画にも関わった。1965年には、新たなテーマパークであるディズニー・ワールドの開発を開始した。その中心となるのは、新しいタイプの都市、「明日の実験的プロトタイプ・コミュニティ」（EPCOT）であった。ディズニーは生涯ヘビースモーカーであり、ディズニー・ワールドとEPCOTのプロジェクトが完成する前の1966年に肺癌で亡くなった。

ディズニーはプライベートでは内気で自虐的で不安定な人物だったが、公の場では温かく社交的な人物像をとった。彼は、一緒に働く人々に高い基準と高い期待を抱いていた。彼が人種差別主義者または反ユダヤ主義者であるという非難もあったが、彼を知る多くの人々はそれを否定している。ディズニーの歴史学は、家庭的な愛国的価値観の提供者とする見方から、アメリカの文化帝国主義の代表とする見方まで、さまざまな観点をとってきた。20世紀で最も影響力のある文化人の一人と広くみなされているディズニーは、アニメーションの歴史、そしてアメリカ合衆国の文化史において重要な存在であり続け、アメリカ合衆国では国民的文化的アイコンとして認められている。彼の映画作品は今も上映および翻案されており、ディズニーのテーマパークは世界中で規模と数を拡大し、彼の会社は世界最大のマスメディアおよびエンターテイメント複合企業の一つに成長した。

幼少期と教育

白いピケットフェンスに囲まれた、茶色の縁取りが施された淡い黄色の木造住宅
ディズニーの幼少期の家

ディズニーは1901年12月5日、シカゴのハーモサ地区にあるトリップアベニュー1249番地に生まれた。 [b]彼は、カナダ州でアイルランド人の両親のもとに生まれたエリアス・ディズニーと、ドイツとイギリスの血を引くアメリカ人フローラ（旧姓コール）の4番目の息子だった。 [4] [5] [c]エリアスとフローラには、ウォルトの他にハーバート、レイモンド、ロイの息子がいた。この夫婦には1903年12月に5番目の子、ルースが生まれた。[8] 1906年、ディズニーが4歳のとき、家族はミズーリ州マーセリンの農場に引っ越した。そこでは、叔父のロバートがちょうど土地を購入していた。マーセリンで、ディズニーは、引退した近所の医者の馬の絵を描いて報酬を得たことがきっかけで、絵を描くことに興味を持つようになった。[9]エリアスは「アピール・トゥ・リーズン」新聞の購読者で、ディズニーはライアン・ウォーカーの一面の漫画を模写して絵の練習をした。[10]彼はまた、水彩画やクレヨンで描く能力を発達させ始めました。[5]彼はアッチソン・トピカ・アンド・サンタフェ鉄道の線路の近くに住み、列車に夢中になりました。[11]彼と妹のルースは1909年後半にマーセリンのパークスクールに同時に入学しました。[12]ディズニー一家は会衆派教会の活発な信者でした。[13]ディズニーは後にマーセリンでの子供時代を人生で最も幸せで形成期の一つだったと述べ、将来のいくつかのプロジェクトのインスピレーションをこの町から得ました。[14] [15]

1911年、ディズニー一家はミズーリ州カンザスシティに引っ越した。[16]そこでディズニーはベントン・グラマー・スクールに通い、そこで演劇好きの家庭出身の同級生ウォルター・ファイファーと出会い、ボードビルと映画の世界に足を踏み入れた。間もなくディズニーは自宅よりもファイファー家で過ごす時間の方が長くなった。[17]エリアスはカンザスシティ・スター紙とカンザスシティ・タイムズ紙の新聞配達ルートを購入していた。ディズニーと弟のロイは毎朝4時半に起きて学校前にタイムズ紙を配達し、放課後には夕刊スター紙の配達を繰り返した。スケジュールは過酷で、授業中に居眠りして成績が悪くなることも多かったが、新聞配達を6年以上続けた。[18]彼はカンザスシティ美術大学の土曜日の講座に出席し、通信教育で漫画の講座も受けた。[5] [19]

1917年、エリアスはシカゴのゼリー製造会社オゼル社の株を購入し、家族と共にシカゴに戻った。[20]ディズニーはマッキンリー高校に入学し、学校新聞の漫画家となり、第一次世界大戦に関する愛国的な絵を描いた。[21] [22]また、シカゴ美術アカデミーの夜間コースを受講した。[23]

1918年半ば、彼はドイツ軍と戦うためにアメリカ陸軍に入隊しようとしたが、年齢が若すぎるとして拒否された。出生証明書の生年月日を偽造した後、1918年9月に赤十字に救急車の運転手として入隊した。フランスに送られたが、休戦後の11月に到着した。[24]彼は救急車の側面に装飾用の漫画を描き、その作品の一部は軍の新聞「星条旗」に掲載された。[25]

キャリア

1919～1928年：初期のキャリア

 ウォルト・ディズニーのビジネス封筒には、 1921年頃の自画像が描かれていました

彼は1919年10月にカンザスシティに戻り、[26]ペスメン・ルービン商業美術スタジオで見習い画家として働き、広告、劇場のプログラム、カタログ用の商業イラストを描き、仲間の画家アブ・アイワークスと親交を深めた。[27] 1920年1月、クリスマス後にペスメン・ルービンの収益が減少すると、18歳のディズニーとアイワークスは解雇された。

彼らは自分たちの会社を立ち上げたが、短命に終わったアイワークス・ディズニー・コマーシャル・アーティスト社だった。[28]多くの顧客を惹きつけることができなかったため、ディズニーとアイワークスは、ディズニーが一時的に会社を離れ、A・V・コーガーが経営するカンザスシティ・フィルム・アド・カンパニーで金を稼ぐことに同意した。翌月、一人で会社を回せなくなったアイワークスも加わった。[29]会社は、切り抜きアニメーションの技法を使用してコマーシャルを制作した。[30]ディズニーは、マットとジェフやマックス・フライシャーの「アウト・オブ・ザ・インクウェル」などの手描きの漫画を好んでいたが、アニメーションにも興味を持つようになった。借りたアニメーションの本とカメラを使って、自宅で実験を始めた。[31] [d]彼は、セルアニメーションの方が切り抜き方法より将来性があるとの結論に達した。 [e]コーガーを説得してセルアニメーションを会社で試させることはできなかったため、ディズニーはフィルム・アド・カンパニーの同僚であるフレッド・ハーマンと新しい会社を立ち上げた。[33]彼らの主な顧客は地元のニューマン劇場で、制作した短編アニメは「ニューマンズ・ラフ・オー・グラム」として販売されていました。[34]ディズニーはポール・テリーの イソップ物語をモデルに研究し、最初の6つの「ラフ・オー・グラム」は現代風にアレンジされた童話でした。[35]

1921年5月、「ラフ・オー・グラム」の成功により、ラフ・オー・グラム・スタジオが設立され、フレッド・ハーマンの弟ヒュー、ルドルフ・アイジング、アイワークスなど、さらに多くのアニメーターが雇用された。 [36]ラフ・オー・グラムのアニメでは会社を運営できるだけの収入が得られなかったため、ディズニーは『不思議の国のアリス』を基にした実写とアニメーションを組み合わせた『不思議の国のアリス』の製作を開始し、主役にヴァージニア・デイヴィスを起用した。[37]結果として生まれたのは12分半、1リールの映画だったが、ラフ・オー・グラム・スタジオを救うには完成が遅すぎたため、スタジオは1923年に倒産した。 [ 38]

ディズニーは1923年7月、21歳でハリウッドに移住した。ニューヨークは漫画産業の中心地だったが、兄のロイが結核から療養中だったためロサンゼルスに惹かれ、 [ 39]実写映画監督になることを希望していた。[40]ディズニーの『不思議の国のアリス』の売上げ努力は徒労に終わったが、ニューヨークの映画配給業者マーガレット・J・ウィンクラーから連絡があった。彼女は『インクウェルから』と『フィリックス・ザ・キャット』の両方の漫画の権利を失いつつあり、新シリーズが必要だった。10月、彼らは6本のアリス・コメディの契約を結び、さらに6話ずつのシリーズを2シリーズ制作するオプションも付いていた。[40] [41]ディズニーと兄のロイは映画の製作のため、後にウォルト・ディズニー・カンパニーとなるディズニー・ブラザーズ・スタジオを設立した。 [42] [43]彼らはデイヴィスとその家族を説得し、製作を続けるためにハリウッドへ移転させました。デイヴィスは月100ドルの契約社員でした。1924年7月、ディズニーはアイワークスも雇い、カンザスシティからハリウッドへ移転するよう説得しました。 [44] 1926年、[45]最初の公式ウォルト・ディズニー・スタジオがハイペリオン・アベニュー2725番地に設立されましたが、建物は1940年に取り壊されました。[46]

1926年までに、アリスシリーズの配給におけるウィンクラーの役割は、夫で映画プロデューサーのチャールズ・ミンツに引き継がれたが、彼とディズニーの関係は時々緊張していた。[47]シリーズは1927年7月まで続いたが、[48]その頃にはディズニーは飽き始めており、混合形式からすべてアニメーションに移行することを望んだ。[47] [49]ミンツがユニバーサル・ピクチャーズを通して配給する新しい素材を要求した後、ディズニーとアイワークスは幸運のウサギのオズワルドを作成した。ディズニーは「元気で、機敏で、生意気で、冒険好きでありながら、きちんとしていて引き締まった体型」のキャラクターを望んでいた。[49] [50]

1928年2月、ディズニーはオズワルドシリーズの制作費の増額交渉を希望したが、ミンツが減額を希望していることに気づいた。ミンツはまた、ハーマン、アイジング、カーマン・マクスウェル、フリッツ・フレレングなど、多くの制作に関わったアーティストを説得して直接制作させていた。ディズニーはまた、ユニバーサルがオズワルドの知的財産権を所有していることを知った。ミンツは、ディズニーが減額を受け入れなければ、自らスタジオを設立してシリーズを制作すると脅した。ディズニーはミンツの最後通牒を拒否し、アイワークスを除くほとんどのアニメーションスタッフを失った。アイワークスはディズニーに残ることを選んだ。[51] [52] [f]

1928年～1934年：ミッキーマウスの誕生とその後の成功

オズワルドに代わるキャラクターとして、ディズニーとアイワークスはミッキーマウスを開発した。このキャラクターは、ディズニーがラフ・オ・グラム・スタジオで働いていた頃に飼っていたペットのネズミにインスピレーションを得たものと思われるが、その起源は不明である。[54] [g]ディズニーは当初、モーティマー・マウスという名前を選んだが、妻のリリアンは大げさすぎると考え、代わりにミッキーを提案した。[55] [h]アイワークスはディズニーの仮スケッチを修正し、キャラクターをアニメ化しやすくなるようにした。アニメ制作から距離を置き始めていたディズニーは、[57] 1947年までミッキーの声を担当した。あるディズニー従業員の言葉によれば、「ウォルトはミッキーの外見をデザインしたが、ウォルトは彼に魂を与えた」という。[58]

ミッキーマウスが初めて登場したのは『蒸気船ウィリー』（1928年）です。

ミッキーマウスは1928年5月に短編映画『プレーン・クレイジー』の試写会で初めて登場したが、この作品と2作目の長編映画『ガロッピン・ガウチョ』は配給会社が見つからなかった。[59] 1927年のセンセーション『ジャズ・シンガー』に続き、ディズニーは3作目の短編映画『蒸気船ウィリー』で同期音声を使用し、ポストプロダクションによる初の音声付きアニメを制作した。アニメが完成すると、ディズニーはユニバーサル・ピクチャーズの元重役パット・パワーズと「パワーズ・シネフォン」録音システムの使用契約を結んだ。[60]シネフォンはディズニーの初期の音声付きアニメの新しい配給会社となり、すぐに人気を博した。[61]

音楽の質を向上するため、ディズニーはプロの作曲家兼編曲家のカール・スターリングを雇い、彼の提案で音楽を使って物語を提供する「シリー・シンフォニー」シリーズが開発された。シリーズ最初の作品「スケルトン・ダンス」（1929年）は、アイワークスによって完全に作画およびアニメーション化された。このとき、地元およびニューヨークから数人の芸術家も雇われた。[62]「ミッキーマウス」シリーズと「シリー・シンフォニー」シリーズは両方とも成功したが、ディズニーと彼の兄弟は、パワーズから正当な利益の分け前を受け取っていないと感じていた。1930年、ディズニーは、すべてのフレームを個別に描くという慣習をやめ、主要なポーズを描き、アシスタントにポーズ間のスケッチをさせるという、より効率的な技法を採用するようにアイワークスに促すことで、プロセスのコストを削減しようとした。ディズニーはパワーズに漫画の支払いの増額を求めたが、パワーズはそれを拒否し、アイワークスと契約して自分のために働いた。ストーリングはアイワークスがいなければディズニー・スタジオは閉鎖されると考え、その後まもなく辞任した。[ 63]ディズニーは1931年10月に神経衰弱に陥ったが、これはパワーズの策略と自身の過労のせいだと彼は考え、リリアンと共にキューバへの長期休暇とパナマへのクルーズ旅行で回復した。[64]

1935年、フィルムロールと右腕にミッキーマウスを持ったディズニー

配給業者のパワーズを失ったディズニー・スタジオは、ミッキーマウスの漫画を配給するためコロンビア映画と契約を結び、ミッキーマウスの漫画は国際的にも人気が高まっていった。 [65] [66] [i]ディズニーとスタッフはまた、 1930年にプルート、1932年にグーフィー、 1934年にドナルドダックなどの新しい漫画スターを世に送り出した。 [67]常に新技術の採用に熱心で、ユナイテッド・アーティスツとの新しい契約に後押しされ、ディズニーは『花と木』（1932年）をフルカラーの3ストリップ・テクニカラーで撮影した。[68]また、1935年8月31日まで3ストリップ方式の独占使用権を得る契約も交渉できた。[69]その後の『シリー・シンフォニー』の漫画はすべてカラーだった。[70] 『花と木』は観客に人気があり[71] 、 1932年の式典で第1回アカデミー短編漫画賞を受賞した。ディズニーは『ミッキーの孤児』でもこの部門にノミネートされており、「ミッキーマウスの創造」に対して名誉賞を受賞した。 [72] [73]

1933年、ディズニーは『三匹の子豚』を制作しました。メディア史家エイドリアン・ダンクスは、この作品を「史上最も成功した短編アニメーション」と評しました。[74]この作品は、ディズニーに再びアカデミー賞短編アニメ部門をもたらしました。この作品の成功により、スタジオのスタッフはさらに増加し​​、年末までに200人近くにまで達しました。[75]ディズニーは、観客の心を掴むような感動的な物語を語ることの重要性を認識し、[76]アニメーターとは別に「ストーリー部門」を設立し、ディズニー映画のプロットを詳細に描くストーリーボードアーティストを雇用しました。 [77]

1934年～1941年：アニメーションの黄金時代

ウォルト・ディズニーは七人の小人の模型の前に座っています
ウォルト・ディズニーは、1937年のオリジナル版『白雪姫』の予告編のシーンで、7人の小人をそれぞれ紹介している。

1934年までに、ディズニーは短編アニメの製作に満足しなくなり、[67]長編アニメの方が利益が出ると考えた。[78]スタジオは童話に基づいた『白雪姫と七人の小人』の4年がかりの製作を開始した。このプロジェクトのニュースが漏れると、映画業界の多くは会社が倒産するだろうと予想し、業界関係者はそれを「ディズニーの愚行」と呼んだ。[79]フルカラー、フルサウンドで製作された初の長編アニメとなったこの映画の製作費は150万ドルで、予算の3倍に達した。[80]アニメーションができるだけリアルになるように、ディズニーはアニメーターをシュイナード美術大学のコースに送り、[81]アニメーターがリアルな動きを研究できるように動物をスタジオに連れてきたり俳優を雇ったりした。[82]カメラがシーン内を移動するにつれて背景の遠近感を変化させる様子を表現するため、ディズニーのアニメーターたちはマルチプレーンカメラを開発した。このカメラはガラス片に描いた絵をカメラから様々な距離に設置することで奥行き感を演出できる。ガラスを動かすことで、カメラがシーン内を通過しているような印象を与えることが可能だった。このカメラで制作された最初の作品は、 1937年の『古い水車小屋』という名のシリー・シンフォニーで、その印象的な視覚効果によりアカデミー短編アニメーション賞を受賞した。マルチプレーンカメラが完成する頃には白雪姫はほぼ完成していたが、ディズニーは新しい効果を使うためにいくつかのシーンを描き直すよう指示した。[83]

『白雪姫』は1937年12月に公開され、批評家や観客から高い評価を得た。1938年の最も成功した映画となり、1939年5月までに興行収入650万ドルを記録し、当時最も成功したトーキー映画となった。[79] [j]ディズニーは再びアカデミー名誉賞を受賞し、オスカー像は実物大1体とミニチュア7体となった。[85] [k] 『白雪姫』の成功は、スタジオにとって最も生産性の高い時代の一つの到来を告げるものとなった。ウォルト・ディズニー・ファミリー・ミュージアムは、その後の数年間を「アニメーションの黄金時代」と呼んでいる。 [ 86] [87] 『白雪姫』の制作が完了すると、スタジオは1938年初頭に『ピノキオ』、同年11月に『ファンタジア』の製作を開始した。どちらの映画も1940年に公開されましたが、どちらも興行成績は振るいませんでした。これは、 1939年に第二次世界大戦が勃発し、ヨーロッパからの収益が減少したことも一因です。スタジオは両方の映画で損失を出し、1941年2月末までに多額の負債を抱えることになりました。[88]

金融危機への対応として、ディズニーと彼の兄弟ロイは1940年に会社初の株式公開を開始し、大幅な給与削減を実施した。この後者の措置と、ディズニーの時に高圧的で無神経なスタッフへの対応が原因となり、 1941年には5週間続いたアニメーターのストライキに至った。 [89]全国労働関係委員会の連邦調停者が両者の交渉を行っている間、ディズニーは、スタジオに不利になることが分かっていた解決の際には不在にすることを保証しながら、米州担当調整官事務所からの南米への親善旅行の申し出を受け入れた。[90] [l]ストライキと会社の財政状態により、数人のアニメーターがスタジオを去り、その結果ディズニーと他のスタッフとの関係は恒久的に緊張した状態になった。[93]このストライキにより、スタジオの次の作品である『ダンボ』 （1941年）の制作は一時的に中断されたが、ディズニーはこれをシンプルで安価な方法で制作した。この映画は観客からも批評家からも好評を博した。[94]

1941年～1950年: 第二次世界大戦とその後

1941年、アルゼンチンの少女たちのために描いたグーフィーのディズニーの絵

1941年10月に『ダンボ』が公開されて間もなく、米国は第二次世界大戦に参戦した。ディズニーは社内にウォルト・ディズニー・トレーニング・フィルムズ・ユニットを結成し、『4つのフラッシュリベット工法』や『航空機製造方法』といった軍向けの教育映画を制作した。[95]ディズニーはまた、財務長官ヘンリー・モーゲンソー・ジュニアと会談し、戦時国債の促進のためにドナルドダックの短編アニメを制作することに合意した。[96]ディズニーはまた、アカデミー賞を受賞した『総統の顔』などの短編や、1943年の長編映画『空軍力による勝利』など、いくつかのプロパガンダ作品を制作した。[97]

軍事映画は製作費を賄う程度の収益しか生み出せず、1937年から製作されていた長編映画『バンビ』は1942年8月の公開時には興行収入が伸び悩み、20万ドルの損失を出した。 [98] 『ピノキオ』と『ファンタジア』の低収益に加え、同社は1944年にバンク・オブ・アメリカに対して400万ドルの負債を抱えていた。[99] [m]バンク・オブ・アメリカの幹部との会社の将来を議論する会議で、同行の会長兼創設者であるアマデオ・ジャンニーニは幹部に対し、「私はディズニーの映画をかなり注意深く見守ってきた。彼らに貸し付けているのは財務リスクをはるかに上回る金額だと分かっていたからだ。…彼らの作品は今年も良く、来年も良く、再来年も良い。…彼らにリラックスして製品を売り出す時間を与えなければならない」と語った。[100] 1940年代後半、ワーナー・ブラザースやメトロ・ゴールドウィン・メイヤーとのアニメーション市場における競争が激化したため、ディズニーの短編映画の製作は減少した。ロイ・ディズニーは財政的な理由から、アニメーションと実写を組み合わせた制作を提案した。[60] [n] 1948年、ディズニーは『トゥルーライフ・アドベンチャーズ』と題した人気実写自然映画シリーズを開始し、その第1弾が『シール・アイランド』で、アカデミー賞短編映画賞（2リール）を受賞した。[101]

1950～1966年: テーマパーク、テレビ、その他の趣味、晩年

1950年初頭、ディズニーはスタジオにとって8年ぶりの長編アニメーション映画『シンデレラ』を製作した。批評家や劇場観客に好評だった。製作費220万ドルで、初年度に800万ドル近くの収益を上げた。 [102] [o]ディズニーは、初の完全実写映画『宝島』 （1950年）や『ロビンフッドと愉快な仲間たち』（1952年）に関わっていたため、それ以前の映画ほど映画に関与していなかった。[103]その後も完全実写映画が製作され、その多くは愛国的なテーマを扱っていた。[60] [p]彼はまた、 『不思議の国のアリス』 （ 1951年）や『ピーター・パン』 （1953年）など長編アニメーション映画の製作も続けた。 1950年代初頭から中頃にかけて、ディズニーはアニメーション部門への注力を減らし、その業務の大部分を主要アニメーターであるナイン・オールド・メン[ q]に委託するようになった。しかし、ストーリー会議には必ず出席していた。その代わりに、ディズニーは他の事業に注力し始めた。[104]同じ頃、ディズニーはそれまでの配給会社RKOピクチャーズに代わる、独自の映画配給部門であるブエナ・ビスタを設立した。[105]

ディズニーは1954年12月にオレンジ郡の役人にディズニーランドの計画を示した。

ディズニーは数年前からテーマパークの建設を検討していた。娘たちとロサンゼルスのグリフィス・パークを訪れた際、子供も親も楽しめる、清潔で手つかずの公園に行きたいと考えた。 [106]デンマークのコペンハーゲンにあるチボリ公園を訪れ、その清潔さとレイアウトに大きな影響を受けた。[107] 1952年3月、ディズニー・スタジオ近くのバーバンクにテーマパークを建設するための区画許可を得た。 [108]この敷地は狭すぎたため、スタジオから南に35マイル（56km）離れたアナハイムに、より広い土地を購入した。株主からの批判を招く可能性があったため、ディズニーはスタジオからプロジェクトを遠ざけるため、WEDエンタープライズ（現ウォルト・ディズニー・イマジニアリング）を設立し、私財を投じてデザイナーとアニメーターのグループに資金を提供し、計画に取り組ませた。[109] [110]関係者は「イマジニア」として知られるようになった。[111]銀行融資を受けた後、ディズニーは他の株主であるアメリカン・ブロードキャスティング・カンパニー（ABC）傘下のアメリカン・ブロードキャスティング・パラマウント・シアターズとウエスタン・プリンティング・アンド・リソグラフイング・カンパニーを招聘した。[60] 1954年半ば、ディズニーはイマジニアを全米の遊園地すべてに派遣し、各地で何がうまく機能し、どんな落とし穴や問題があるかを分析し、その結果をデザインに取り入れさせた。[112]建設工事は1954年7月に始まり、ディズニーランドは1955年7月にオープンした。開園式はABCで放送され、7千万人の視聴者が視聴した。[113]このパークは、彼の故郷マーセリンのメインストリートを再現した中央のメインストリートUSAでつながれた一連のテーマランドとして設計された。つながったテーマエリアは、アドベンチャーランド、フロンティアランド、ファンタジーランド、トゥモローランドであった。パークには、これらのランドを結ぶ狭軌のディズニーランド鉄道もあった。公園の外周には高い土手が築かれ、公園と外界を隔てていた。[114] [115]ニューヨーク・タイムズ紙の社説では、ディズニーは「昔の楽しいものと明日のファンタジーや夢を上品に組み合わせた」と評されている。[116] 開園当初は小さな問題もあったものの、開園は成功し、開園1ヶ月後には1日2万人以上の来場者数を記録し、初年度末には360万人の来場者数を記録した。[117]

ヴェルナー・フォン・ブラウンとの1954年のディズニー

ABCからの資金はディズニーのテレビ番組制作に左右された。[118]スタジオは1950年のクリスマスに『不思議の国のアリス』の制作を題材にした特別番組を制作し、成功を収めた。ロイはこの番組が興行収入に数百万ドルをもたらしたと信じていた。1951年3月の株主への手紙の中で、彼は「テレビは私たちにとって最も強力な販売促進手段であり、収入源にもなり得る。我々がテレビに参入する際は、おそらくこの前提に基づいているだろう」と記した。[60] 1954年、ディズニーランドへの資金提供が合意された後、ABCはスタジオの蔵書からアニメ、実写映画、その他の素材を集めたアンソロジー『ウォルト・ディズニーのディズニーランド』を放送した。この番組は視聴率と収益の両面で成功を収め、視聴者シェアは50%を超えた。 [119] [r] 1955年4月、ニューズウィーク誌はこのシリーズを「アメリカの名物」と呼んだ。[120] ABCは視聴率に満足し、ディズニー初の子供向けバラエティ番組『ミッキーマウスクラブ』を毎日放送することになった。 [121]この番組は様々な企業によるグッズ販売も行われた（例えば、ウエスタン・プリンティングは20年以上塗り絵や漫画を制作しており、番組に関連したグッズをいくつか制作した）。[122]ディズニーランドのコーナーの一つに、5部構成のミニシリーズ 『デイビー・クロケット』があり、ディズニーの伝記作家ニール・ゲイブラーによれば「一夜にして大ヒットした」という。[123]番組のテーマソング『デイビー・クロケットのバラード』は世界的に人気を博し、レコードが1000万枚売れた。[124]その結果、ディズニーは自身のレコード制作・配給会社であるディズニーランド・レコードを設立した。[125]

ディズニーランドの建設に加え、ディズニーはスタジオ以外でも他のプロジェクトに携わっていた。1959年にモスクワで開催されたアメリカ博覧会のコンサルタントを務めた。ディズニー・スタジオの貢献としては、最も人気のあるアトラクションの一つであった360度サーカラマ・シアターで上映された19分間の映画「アメリカ・ザ・ビューティフル」がある。 [60]翌年、彼はカリフォルニア州スコーバレーで開催された1960年冬季オリンピックのページェントリー委員会の委員長を務め、開会式、閉会式、メダル授与式の演出を担当した。[126]彼は、1960年にコロラド州グレンデールにオープンしたセレブリティ・スポーツ・センターの12人の投資家の一人でした。1962年に彼とロイは他の投資家を買収し、ディズニー社が単独所有者となった。[127]

スタジオ外のプロジェクトによる需要にもかかわらず、ディズニーは映画やテレビのプロジェクトに取り組み続けた。1955年には、NASAのロケット設計者ヴェルナー・フォン・ブラウンと共同制作したディズニーランドシリーズのエピソード「宇宙への男」に関わった。[s]また、ディズニーは1955年の長編映画『わんわん物語』（シネマスコープを用いた最初のアニメーション映画）、『眠れる森の美女』 （テクニラマ70mmフィルムを用いた最初のアニメーション映画）、『百人一首わんちゃん』 （ゼロックスセルを使用した最初の長編アニメーション映画）、『石に刺さった剣』（ 1963年）などの監督も務めた。 [129]

1964年、ディズニーはP・L・トラヴァースの本シリーズに基づいて『メリー・ポピンズ』を制作しました。彼は1940年代からこの物語の権利を取得しようとしていました。[130]トラヴァースはこの映画をひどく嫌い、権利を売却したことを後悔していましたが、この映画は1960年代のディズニー映画で最も成功しました。[131]同年、彼はカリフォルニア芸術大学（通称CalArts）の拡張計画にも関わり、建築家に新しい建物の設計図を描かせました。[132]

ディズニーは1964年のニューヨーク万国博覧会に4つの展示物を提供し、選ばれた企業スポンサーから資金提供を受けた。ユニセフへのトリビュートを企画したペプシコのために、ディズニーは世界の子供たちを描いた音声アニマトロニック人形が動くボートライド「イッツ・ア・スモールワールド」を開発した。 「グレート・モーメンツ・ウィズ・ミスター・リンカーン」には、アニマトロニックのエイブラハム・リンカーンが演説の抜粋を話すアトラクションがあった。「カルーセル・オブ・プログレス」は電気の重要性を訴え、「フォードのマジック・スカイウェイ」は人類の進歩を表現したアトラクションだった。4つの展示物の要素（主にコンセプトとテクノロジー）はすべてディズニーランドに再設置されたが、「イッツ・ア・スモールワールド」はオリジナルに最も近いアトラクションである。[133] [134]

1965年11月15日、ディズニー（左）と弟のロイ・O・ディズニー（右）、そして当時のフロリダ州知事W・ヘイドン・バーンズ（中央）がディズニーワールドの創設を公式に発表した。

1960年代前半から中頃にかけて、ディズニーはカリフォルニア州シエラネバダ山脈の氷河渓谷、ミネラルキングにスキーリゾートを建設する計画を立てた。彼はオリンピックのスキーコーチやスキー場設計者のウィリー・シェフラーなどの専門家を雇った。[135] [136] [t]ディズニーランドからの収入がスタジオの収入に占める割合が増大するにつれ、ディズニーは他のアトラクションの会場を探し続けた。1963年、彼はミズーリ州セントルイスのダウンタウンにテーマパークを建設するプロジェクトを提示した。当初は土地を管理していたシビックセンター再開発公社と合意に達したが、資金をめぐって後に取引は決裂した。[138] [139] 1965年末、彼はフロリダ州オーランドの南西数マイルに「ディズニーワールド」（現在のウォルトディズニーワールド）と呼ばれる別のテーマパークを開発する計画を発表した。ディズニーワールドには、ディズニーランドのより大規模で精巧なバージョンである「マジックキングダム」に加え、ゴルフコースとリゾートホテルが含まれる予定でした。ディズニーワールドの中心となるのは「明日の実験的プロトタイプコミュニティ」（EPCOT）[140]であり、彼はそれを次のように表現しました。

アメリカの産業の創造的中心地から今まさに生まれつつある新しいアイデアと技術からヒントを得た、未来の実験的プロトタイプ・コミュニティ。それは決して完成することのない未来のコミュニティであり、常に新しい素材やシステムを導入し、テストし、実証し続ける。そして、EPCOTは常にアメリカの自由企業の創意工夫と想像力を世界に披露するショーケースとなるだろう。[141]

1966年、ディズニーはエプコットのスポンサーとなる企業を開拓した。[142]彼は1966年の映画『ロビン・クルーソー中尉、USN』でストーリーのクレジットを獲得した。レトロー・イェンシッドは、名前を逆から綴ったものである。[143]彼はスタジオの映画への関与を増やし、ジャングル・ブック、実写ミュージカル映画『ハッピー・ミリオネア』（ともに1967年）、短編アニメ『くまのプーさんと大嵐の日』（1968年）のストーリー展開に深く関わった。[144]

病気、死、そしてその後

「ウォルター・エリアス・ディズニー」「リリアン・バウンズ・ディズニー」「ロバート・B・ブラウン」「シャロン・ディズニー・ブラウン・ランド」と刻まれた墓石。遺灰は楽園に散る
グレンデールのフォレスト・ローンにあるウォルト・ディズニーの墓

ディズニーは第一次世界大戦以来、ヘビースモーカーだった。フィルター付きのタバコは吸わず、若い頃はパイプを吸っていた。1966年11月初旬、肺癌と診断され、コバルト治療を受けた。治療が成功したと信じて仕事に復帰したが、11月30日に体調を崩し、自宅からセントジョセフ病院へ救急車で搬送された。そこで12月15日、癌による循環不全で65歳で亡くなった。 [145] [146] [147] [148]遺体は2日後に火葬され、カリフォルニア州グレンデールのフォレスト・ローン・メモリアル・パークに埋葬された。[149] [u]

1967年の『ジャングル・ブック』と『ハッピー・ミリオネア』の公開により、ディズニーが関わった長編映画の総数は81本となった。[21] 1968年に公開された『くまのプーさんと嵐の日』は、ディズニーにアカデミー賞短編アニメ部門を授与したが、これは死後に授与された。[153]ディズニーの死後も、彼のスタジオは実写映画を精力的に制作し続けたが、アニメーション映画の質は低迷した。1980年代後半、この傾向は逆転し、ニューヨーク・タイムズ紙は「ディズニー・ルネサンス」と評した『リトル・マーメイド』（1989年）から始まった。[154]ディズニーのスタジオは、映画、テレビ、舞台で成功を収め続けている。[155]

ディズニーの未来都市エプコットの計画は実現しなかった。ディズニーの死後、弟のロイが引退を延期し、ディズニー社の経営を全面的に掌握した。彼はプロジェクトの焦点を街からアトラクションに変更した。[156] 1971年の就任式で、ロイはウォルト・ディズニー・ワールドを弟に捧げた。[157] [v]ウォルト・ディズニー・ワールドは1982年のエプコット・センターのオープンで拡張され、ウォルト・ディズニーの機能的な都市のビジョンは、常設の世界博覧会に近い公園に置き換えられた。[159] 2009年、ディズニーの娘ダイアンと息子ウォルター・E・ミラーによって設計されたウォルト・ディズニー・ファミリー博物館がサンフランシスコ・プレシディオにオープンした。[160]ディズニーの生涯とキャリアに関する数千点の遺物が展示されており、受賞した数々の賞も含まれている。[161] 2014年には、世界中のディズニーテーマパークを約1億3400万人が訪れました。[162]

私生活と性格

外部ビデオ
ビデオアイコン2006年11月19日、 C-SPAN「ウォルト・ディズニー：アメリカの想像力の勝利」におけるニール・ゲイブラー氏へのインタビュー

1925年初頭、ディズニーはインクアーティストのリリアン・バウンズを雇った。二人はその年の7月、彼女の故郷であるアイダホ州ルイストンにある彼女の兄の家で結婚した。[163]リリアンによると、結婚生活は概ね幸福なものだったという。しかし、ディズニーの伝記作家ニール・ゲイブラーによると、彼女は「ウォルトの決断を素直に受け入れたり、彼の地位を疑うことなく受け入れたりはせず、彼がいつも『自分がいかに尻に敷かれているのか』と人々に語っていたことを認めていた」という。[164] [w]リリアンは映画やハリウッド社交界にはほとんど興味がなく、歴史家スティーブン・ワッツの言葉を借りれば、「家事と夫を支えることで満足していた」という。[165]二人の間には、ダイアン（1933年12月生まれ）とシャロン（1936年12月に養子縁組、その6週間前に生まれた）という二人の娘が生まれた。[166] [x]ディズニーも妻もシャロンが養子であるという事実を家族内では隠さなかったが、家族以外の人がその点を指摘すると彼らはイライラした。 [167]ディズニー一家は、特にリンドバーグ誘拐事件を受けて、娘たちができるだけ世間の目に触れないように気を配っていた。ディズニーは娘たちがマスコミに写真に撮られないようにするための措置を講じた。[168]

スキポール空港のディズニー一家（1951年）

1949年、ディズニー一家はロサンゼルスのホルムビーヒルズ地区に新居を構えた。友人のワードとベティ・キンボール夫妻は既に自宅の裏庭に鉄道を所有していたため、ディズニーは設計図を作成し、すぐに裏庭にミニチュア蒸気機関車を作る作業に取り掛かった。鉄道の名前はキャロルウッド・パシフィック鉄道で、これは彼の自宅がキャロルウッド・ドライブにあったことに由来する。ミニチュア蒸気機関車はディズニー・スタジオの技師ロジャー・E・ブロギーによって製作され、ディズニーは妻にちなんでリリー・ベルと名付けた。 [169] 3年後、ディズニーは客の事故が相次いだため、機関車を保管するよう命じた。[170]

ディズニーは年齢を重ねるにつれて政治的に保守的になっていった。 1940年の大統領選挙まで民主党支持者だったが、その後共和党に鞍替えし[171]、 1944年の大統領選ではトーマス・E・デューイに多額の寄付をした。[172]ディズニーは、会社に対する労働組合の組織的行動に対し、赤狩りを行った。1941年には、 『バラエティ』誌に全面広告を掲載し、「共産主義の煽動」が漫画家によるストライキの原因だと主張した。[173] 1946年には、 「アメリカの理想を守るための映画同盟」の創設メンバーとなった。この団体は「アメリカの生活様式を信じ、また好んでいる…我々は、破壊的な手段を用いてこの生活様式を弱体化させ、変えようとする共産主義、ファシズム、そして類似の信念の高まりに激しく反発している」と述べている。[174] 1947年、第二次赤狩りの最中、ディズニーは下院非米活動委員会（HUAC）で証言し、元アニメーターで労働組合の組織者であったハーバート・ソレル、デイヴィッド・ヒルバーマン、ウィリアム・ポメランスを共産主義の扇動者として非難した。ディズニーは、彼らが主導した1941年のストライキは、ハリウッドで影響力を獲得するための組織的な共産主義の取り組みの一部であると述べた。[175] [176]

ニューヨーク・タイムズ紙は1993年、ディズニーがFBIの情報提供者であり、ハリウッドにおける共産主義活動に関する秘密情報をJ・エドガー・フーバーに提供していたと報じた。[177]しかし、ウォルト・ディズニーは1954年に「特別捜査官連絡係」に任命されたものの、FBI当局は、これは主にFBIに有用な地域社会のメンバーに定期的に与えられる名誉称号だったと主張している。[178] [179] FBIはウォルト・ディズニーのファイルを機密解除し、ウェブサイトで公開した。そして、ディズニーとFBIのやり取り（スタジオ関係者経由）の多くは、教育映画の制作に関するものだったことを明らかにした。例えば、ミッキーマウス・クラブのニュース映画「キャリア・デー」の一部でFBIに焦点を当てたもの（1958年1月に放送）や、児童性的虐待の危険性について子供たちに警告する1961年の未制作の教育短編映画などである。[178] [180]

ディズニーの公的なペルソナは、実際の性格とは大きく異なっていた。[181]劇作家ロバート・E・シャーウッドは、ディズニーを「痛々しいほど内気で、自信がなく」、自己卑下する人物と評した。[182]伝記作家リチャード・シッケルによると、ディズニーは内気で自信のない性格を公的なアイデンティティの背後に隠していたという。[183]​​ キンボールは、ディズニーは「人前で恥ずかしがり屋の大物実業家の役を演じていた」が、自分がそうしていることを知っていた、と主張している。[184]ディズニーはその仮面を認め、友人に「私はウォルト・ディズニーではない。ウォルト・ディズニーがしないことを私はたくさんやっている。ウォルト・ディズニーはタバコを吸わない。私はタバコを吸う。ウォルト・ディズニーは酒を飲まない。私は酒を飲む。」と語った。[185]批評家のオーティス・ファーガソンは、ニューリパブリック誌で、プライベート・ディズニーを「ありふれた日常的なもので、近づきがたいものではなく、外国語でもなく、抑圧されたりスポンサーがついたりしているわけでもない。ただのディズニーだ」と評した。[184]ディズニーと仕事をした多くの人々は、彼が非常に高い期待を抱いていたため、スタッフをあまり励ましてくれなかったと述べている。ノーマンは、ディズニーが「うまくいくだろう」と言ったのは、高い評価の表れだったと回想している。[186]ディズニーは直接承認する代わりに、優秀なスタッフに金銭的なボーナスを与えたり、特定の人物を他のスタッフに推薦したりして、自分の評価が伝わることを期待していた。[187]

評判

ディズニーの肖像画と様々な国籍の漫画が描かれた6セントの米国切手
1968年、6セントの米国切手に描かれた、ディズニーの肖像画と様々な国籍の漫画が描かれたもの

ディズニーとその作品に対する見方は数十年にわたって変化し、意見は二極化してきた。[188]マーク・ランガーは『アメリカ人名辞典』の中で、「初期のディズニーの評価は、彼を愛国者、フォークアーティスト、文化の普及者として称賛していた。しかし近年では、ディズニーはアメリカ帝国主義と不寛容の典型であり、文化の堕落者と見なされている」と述べている。[60]スティーブン・ワッツは、ディズニーを「文化と商業の公式を冷笑的に操作する者」と非難する人がいると述べている。 [188]一方、PBSは、批評家が彼の作品を「感傷と頑固な楽観主義の滑らかな仮面、アメリカの歴史を気分良く書き換えている」として非難していると記録している。[189]

ワッツは、ディズニーの第二次世界大戦後の映画の多くが「一種の文化的マーシャル・プランを制定した。それらは、裕福な中流階級のアメリカの価値観、期待、そして商品で、魔法のように地球上の他の地域を席巻した、温厚な文化帝国主義を育んだ」と主張する。 [190]映画史家のジェイ・P・テロットは、多くの人がディズニーのスタジオを「操作と抑圧の代理人」と見なしていることを認めているが、ディズニーは「その歴史を通じて、その名前を楽しみ、家族、そしてファンタジーの概念と結び付けようと努力してきた」と指摘している。[191]ジョン・トムリンソンは、研究論文『文化帝国主義』の中で、アリエル・ドーフマンとアルマン・マテラートの著作を検証している。彼らの1971年の著書『ドナルドダックの読み方』 （翻訳： ドナルドダックの読み方）では、「ウォルト・ディズニーの世界の無邪気で健全な表向きの背後に『隠された』帝国主義的価値観」があると指摘している。彼らは、これは「子供たちが消費する無害な楽しみとして提示される」ため、強力なツールであると主張している。[192]トムリンソンは、彼らの主張には欠陥があり、「彼らは単にアメリカンコミックを読んだり、広告を見たり、裕福な[「ヤンキー」]ライフスタイルの写真を見たりすることが、直接的な教育効果をもたらすと想定している」と述べている。 [193]

政治と偏見の疑惑

ディズニーは、水晶の夜の1か月後にナチスの宣伝家レニ・リーフェンシュタールをスタジオに案内したことで反ユダヤ主義の疑いで告発されている。[194]リーフェンシュタールの招待は、リーフェンシュタールの親友であり、当時ディズニーと『ファンタジア』で共同制作していたレオポルド・ストコフスキーの元同僚でもあった画家でバレエダンサーのハーバート・「ジェイ」・ストウィッツによってディズニーに依頼された。[195] [196] 1か月後、ディズニーの広報担当者はニューヨーク・デイリー・ニュースに次のように語っている。「リーフェンシュタールさんはスタジオに入りましたが、門を破りました。ディズニーと知り合いのロサンゼルスの男性が、工場でパーティーをする許可を得ました。レニもその中にいました。事前に知っていたら、彼女は入れなかったでしょう。」[197]アニメーション史家のジム・コーキスは、ディズニーがリーフェンシュタールと会ったのは金銭的な理由もあったのではないかと推測している。つまり、ディズニーはドイツの映画配給会社に13万5000ライヒスマルク以上の債務を回収し、ドイツでのディズニー映画の上映禁止を解除しようとしたのである。 [178] [198] 1941年のスタジオストライキの主催者であり、ディズニーに対して悪意を持っていたことで知られるアニメーターのアート・バビットは、後年、ディズニーと弁護士が1930年代後半に親ナチス組織のドイツ系アメリカ人連盟の会合に出席するのを見たと主張している。 [199]しかし、ディズニーの伝記作家ニール・ゲイブラーは次のように述べている。「…それはほとんどありそうにない。ウォルトは家族と過ごす時間がほとんどなく、ましてや政治集会に出席する時間などなかっただけでなく、当時は特に政治的な傾向もなかったからだ。」[200]ディズニーのオフィスの予定表には彼がブント集会に参加したことは記載されておらず、他の従業員も彼がそのような集会に参加したと主張したことはない。[178] [201]

ガブラーによれば、ディズニーは1930年代には政治に関心がなく「政治的にナイーブなところもあった」。ヨーロッパで緊張が高まっていた頃、ある記者に対し、アメリカは「彼らに自分たちの戦争を戦わせるべきだ」と語り、第一次世界大戦から「教訓を学んだ」と主張していた。[202] [y]ガブラーはまた、1939年後半、ディズニーがバーバンクに建設予定の新しいスタジオのスケールモデルを検討していたとき、あるアニメーターが突然、ヨーロッパで始まったばかりの戦争がスタジオ建設にどう影響するかと尋ねたところ、ディズニーは「どんな戦争だ？」と答えたと述べている。[204]第二次世界大戦中、ディズニーはナチスに対するプロパガンダ映画の製作に積極的に関わっており、一般大衆向けの映画（『総統の顔』や『死への教育』など）と、米国政府専用の教育訓練映画の両方を製作していた。 1940年10月（アメリカが参戦する1年以上前）には、ディズニーはアメリカ軍各部から訓練用映画制作の契約を獲得し始めていた。[205]そして1941年3月、政府代表者との昼食会で、彼は正式に「…国防産業のために原価のみで、利益は出さない。この申し出は、現在の緊急事態において、できる限りの貢献をしたいという思いからである」と申し出た。[206]これらの訓練用映画には高度に機密化された情報が含まれており、視聴には最高レベルのセキュリティクリアランスが必要だった。もしディズニーが以前にナチズムに共感していたならば、アメリカ政府は彼をこれらの映画制作から排除していただろう。[178] [201]

ウォルト・ディズニー・ファミリー・ミュージアムは、1930年代の映画によく見られる民族的ステレオタイプが初期のアニメ作品に含まれていたことを認めている[z]が、ディズニーがユダヤ人慈善団体に定期的に寄付を行い、1955年にはビバリーヒルズのユダヤ人団体ブナイ・ブリス支部から「マン・オブ・ザ・イヤー」に選ばれたことも指摘している。[207] [208]同団体はディズニーに反ユダヤ主義の証拠は見つかっていない。記念碑には「アメリカ市民権と集団間の理解という最高の信条を体現し、ブナイ・ブリスの理想を行動に移した」と記されている。[178]ディズニーには多くのユダヤ人従業員がおり、その多くが影響力のある地位に就いていた。[209]ディズニーの従業員の中で、ディズニーを激しく嫌っていたアニメーターのアート・バビットを含め、誰もディズニーが反ユダヤ的な中傷や挑発をしたと非難したことはない。[200] 1930年代から40年代にかけてディズニーと緊密に協力していたユダヤ人のストーリーマン、ジョー・グラントは、「私の知る限り、反ユダヤ主義の証拠はありませんでした。この件は完全に忘れ去って、深く葬り去るべきだと思います。彼は反ユダヤ主義者ではありませんでした。スタジオで最も影響力のある人の中にはユダヤ人もいました。大騒ぎするほどのことではないですし、私は一度もその点で彼と問題を抱えたことがありません。」と述べた。 [178] [aa]さらに作詞家のロバート・B・シャーマンは、ディズニーの弁護士の一人が彼と彼の兄弟リチャードに対して反ユダヤ的な発言をしたとき、ディズニーは彼らを擁護し、その弁護士を解雇したことを思い出した。[210] [178]ディズニーのアーカイブに無制​​限にアクセスした最初のライターであるゲーブラーは、入手可能な証拠は反ユダヤ主義の非難を裏付けるものではなく、ディズニーがそのような評判を得たのは、主に1944年に設立された反共産主義組織である「アメリカ理想保存のための映画同盟」（Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals）との関わりによるものだと結論付けている。この組織は反ユダヤ主義的な含みがあると噂されていた。ゲーブラーは「…ウォルト自身は反ユダヤ主義者ではなかったと私は考えているが、それでも彼は反ユダヤ主義者と進んで同盟を結び、その評判は定着した。彼は生涯を通じてその評判を完全に拭い去ることができなかった」と結論付けている。[211]ディズニーはモーション・ピクチャー・アライアンスから距離を置き、1947年以降は同組織に関与しなかった。[212] ディズニーの娘ダイアン・ディズニー＝ミラーによると、彼女の妹シャロンは一時期ユダヤ人のボーイフレンドと付き合っていたが、父親は反対せず「シャロン、ユダヤ人の家族が君を受け入れてくれたのは素晴らしいことだと思う」と言ったと伝えられている。[178]

ディズニーは、1930年代から1950年代にかけて公開された作品の一部に人種差別的な内容が含まれていることから、他の形態の人種差別主義でも非難されている。[213] [ab]ゲイブラーは、「ウォルト・ディズニーは人種差別主義者ではなかった。公の場でも私的な場でも、黒人を軽蔑するような発言をしたり、白人の優位性を主張したりすることは決してなかった。しかし、同世代のほとんどの白人アメリカ人と同様に、彼は人種的に無神経だった」と主張している。[213] 長編映画『南部の唄』は、当時の映画評論家やNAACPなどから、黒人に対するステレオタイプを永続化しているとして批判されたが、[214]撮影中にディズニーは主演のジェームズ・バスケットと親しくなり、妹のルースに宛てた手紙の中でバスケットを「ここ数年で発見された中で最高の俳優だと思う」と評している。[215]ディズニーとバスケットは映画製作後も長きにわたって連絡を取り合い、ウォルトはバスケットに贈り物を送っていた。バスケットの健康状態が悪化すると、ディズニーは彼と彼の家族を経済的に支援し始めただけでなく、彼の演技に対してアカデミー名誉賞の授与を求めるキャンペーンを成功させ、バスケットは黒人俳優として初めてこの栄誉を受けた。[215]バスケットはその後まもなく亡くなり、彼の未亡人はディズニーに彼の支援に対する感謝の手紙を書き、「彼は本当に友人であり、私たちは本当に困っていた」と述べた。[216] [178] 1950年代から60年代にかけてディズニーと緊密に仕事をしたスタジオ初の黒人アニメーター、 フロイド・ノーマンは、「ウォルト・ディズニーが死後にしばしば非難された人種差別的行為の兆候を一度も見たことがありません。彼の人々、つまりすべての人々への扱いは、模範的としか言いようがありません」と述べた。[217]

描写と文化的描写

ディズニーはフィクション作品で数多く描かれてきた。HGウェルズは1938年の小説『聖なる恐怖』でディズニーに言及しており、その中で世界独裁者ルドはドナルドダックが独裁者を風刺したものだと恐れている。[218] 1995年のテレビ映画『夢はあなたの心の願い:アネット・ファニセロ物語』ではレン・キャリウがディズニーを演じた。[219]また2013年の映画『ミスター・バンクスを救え』ではトム・ハンクスがディズニーを演じた。[220] 2001年、ドイツ語圏のアメリカ人作家ペーター・ステファン・ユンクはディズニーの晩年を描いたフィクション『アメリカ国王』を出版した。この作品ではディズニーを権力に飢えた人種差別主義者として再解釈している。作曲家のフィリップ・グラスは後にこの本をオペラ『完璧なアメリカ人』（2013年）に翻案した。[221]

多くの評論家はディズニーを文化的アイコンと評している。[222]ディズニーの死後、ジャーナリズム教授ラルフ・S・イザードは、ディズニー映画の価値観は「アメリカのキリスト教社会で価値あるものとみなされているもの」であり、「個人主義、礼儀正しさ、…人間愛、フェアプレー、そして寛容」などが含まれると述べている。[223]タイムズ紙のディズニーの死亡記事は、ディズニー映画を「健全で温かく、娯楽性に富み…比類のない芸術性と感動的な美しさ」と評している。[224]ジャーナリストのボズレー・クロウザーは、ディズニーの「ほぼ無制限の大衆のための娯楽の創造者であり、その商品を巧みに販売する人物としての功績は、歴史上最も成功した実業家たちと肩を並べるに値する」と論じている。[5]特派員アリスター・クックはディズニーを「フォークヒーロー…ハリウッドの笛吹き男」と呼び、[225]ゲーブラーはディズニーを「文化とアメリカの意識を再形成した」と評している。[226]アメリカ国立人名辞典の中で、ランガーは次のように書いている。

ディズニーは今もなおアニメーション史の中心人物であり続けている。技術革新と政府や企業との提携を通して、彼は辺境的なコミュニケーション形態を担う小さなスタジオを、多国籍レジャー産業の巨大企業へと変貌させた。批判の声にも関わらず、伝統的なアメリカの価値観を拡張した現代的企業ユートピアという彼のビジョンは、彼の死後、より広く受け入れられるようになったと言えるだろう。[60]

2021年12月、ニューヨークのメトロポリタン美術館はディズニーを称える3ヶ月間の特別展「インスピレーションを与えるウォルト・ディズニー」を開催した。[227]

受賞と栄誉

1964年、リンドン・B・ジョンソン大統領から大統領自由勲章を授与されたディズニー

ディズニーはアカデミー賞に59回ノミネートされ、うち22回受賞しており、いずれも記録である。[228]ゴールデングローブ賞に3回ノミネートされたが受賞は逃したものの、『バンビ』（1942年）と『リビング・デザート』（1953年）で2つの特別功労賞とセシル・B・デミル賞を受賞した。[229]エミー賞にも4回ノミネートされ、ディズニーランドのテレビシリーズで最優秀プロデューサー賞を受賞している。[230]彼の映画のうち、『蒸気船ウィリー』、『三匹の子豚』、『白雪姫』 、『ファンタジア』 、『ピノキオ』、『バンビ』 、『ダンボ』 、 『メリー・ポピンズ』は、米国議会図書館によって「文化的、歴史的、または美的に重要である」として米国国立フィルム登録簿に登録されている。[231] 1998年、アメリカ映画協会は業界の専門家によるアメリカの最高の映画100選を発表した。このリストには『白雪姫』 (49位)や『ファンタジア』 (58位)が含まれていた。[232]

1960年2月、ディズニーはハリウッド・ウォーク・オブ・フェイムに2つの星が贈られました。1つは映画で、もう1つはテレビ作品でです。[233]ミッキーマウスは1978年に映画で独自の星を与えられ、ディズニーランドは2005年に1つ受け取りました。 [234] [235]ディズニーは1986年にテレビの殿堂入りを果たし、[236] 2006年12月にカリフォルニアの殿堂入りを果たし、 [237] 2014年にアナハイムのウォーク・オブ・スターの初代受賞者となり、 [238] 2023年にはオレンジ郡の殿堂の最初のクラスのメンバーになりました。[239]

ウォルト・ディズニー・ファミリー博物館は、彼が「スタッフとともに世界中から950以上の栄誉と表彰を受けた」と記録している。[21]彼は1935年にフランスのレジオンドヌール勲章シュヴァリエを受章し、[240] 1952年にはフランス最高の芸術勲章であるオフィシエ・ダアカデミーを授与された。[241]その他の国の受賞には、タイの王冠勲章（1960年）、ドイツの功労勲章（1956年）、[242]ブラジルの南十字星勲章（1941年）、[243]メキシコのアステカ鷲勲章（1943年）がある。[244]米国では、1964年9月14日に大統領自由勲章を受章し、 [245] 1968年5月24日には死後議会黄金勲章を授与された。[246]彼は全米劇場主協会から世界の興行師賞を受賞し、[244] 1955年には全米オーデュボン協会から、自然映画「トゥルーライフ・アドベンチャーズ」を通して「自然への感謝と理解」を促進したとして、最高の栄誉であるオーデュボン賞を授与された。[247] 1980年に天文学者リュドミラ・カラチキナによって発見された小惑星は、 4017ディズニーアと命名された。[ 248]また、ハーバード大学、イェール大学、南カリフォルニア大学、カリフォルニア大学ロサンゼルス校から名誉学位を授与された。[21]

参照

注釈と参考文献

注釈

  1. ^ 競争的賞22点、名誉賞4点
  2. ^ 1909年に、番号変更により、この物件の住所はノース・トリップ・アベニュー2156番地に変更されました。[3]
  3. ^ ディズニーは、 1066年にウィリアム征服王とともにイングランドに渡ったフランス人、ロベール・ディジニーの子孫である。[6]一家はディジニーの名前を英語風に「ディズニー」に変え、現在ではイースト・ミッドランズのノートン・ディズニーとして知られるイギリスの村に定住した。[7]
  4. ^エドウィン・G・ラッツの 『アニメ映画：その制作過程、起源と発展』 （1920年）という本は、地元の図書館にあったこのテーマに関する唯一の本だった。カメラはコーガーから借りたものだ。[31]
  5. ^ 切り抜きアニメーションは、紙、布、写真などから切り取った物体をアニメーション化し、段階的に動かす様子を撮影することで漫画を制作する技法です。セルアニメーションは、透明なセルロイドシート（​​「セル」）に描画またはペイントする手法で、各シートは前のシートから段階的に動き続けます。[32]
  6. ^ 2006年、ウォルト・ディズニー・カンパニーは、子会社のESPNがNBCユニバーサルから他の権利とともにオズワルド・ザ・ラッキー・ラビットのキャラクターの権利を購入し、ついにオズワルド・ザ・ラッキー・ラビットを再取得した。[53]
  7. ^ 起源についてはいくつかの説が存在する。ディズニーの伝記作家ボブ・トーマスは、「ミッキーマウスの誕生は伝説の中に埋もれており、その多くはウォルト・ディズニー自身によって創作されたものだ」と述べている。[54]
  8. ^ モーティマー・マウスという名前は、1936年のアニメ『ミッキーのライバル』でミニーマウスの潜在的な恋人として使われました。彼は「都会の粋人でスマートな男をユーモラスに貶める」人物として描かれ、スマートな車に乗っていましたが、素朴なミッキーに惹かれてミニーを虜にすることはできませんでした。[56]
  9. ^ 1931年までに彼はドイツではミヒャエル・マウス、フランスではミシェル・スーリス、スペインではラトン・ミッキー、日本ではミキ・クチと呼ばれていた。[65]
  10. ^米国の GDPデフレーターによるインフレ率の計算によると、1937年の150万ドルは2024年には2,560万ドルに相当し、1939年の650万ドルは2024年には1億1,500万ドルに相当する。[84]
  11. ^ 受賞理由は次の通り。「『白雪姫と七人の小人』のウォルト・ディズニーに贈られる賞。これは何百万人もの人々を魅了し、映画アニメに新たなエンターテイメントの分野を切り開いた重要なスクリーン革新として認められた。」[85]
  12. ^ この旅は、実写とアニメーションを組み合わせた2つの作品『サルードス・アミーゴス』（1942年）と『三人の騎士』（1945年）のインスピレーションとなった。[91] [92]
  13. ^ 消費者物価指数によるインフレ率の計算によると、1944年の400万ドルは2024年には7100万ドルに相当する。 [84]
  14. ^ これらには『メイク・マイン・ミュージック』（1946年）、『南部の唄』（1946年）、『メロディ・タイム』（1948年）、『ソー・ディア・トゥ・マイ・ハート』（1949年）などが含まれる。[60]
  15. ^ 消費者物価指数によるインフレ率の計算によると、1950年の220万ドルは2024年には2,900万ドルに相当し、1950年の800万ドルは2024年には1億500万ドルに相当する。[84]
  16. ^ 愛国的な映画としては『ジョニー・トレメイン』（1957年）、『オールド・イエラー』（1957年）、『トンカ』（1958年）、『スイスファミリーロビンソン』（1960年）、『ポリアンナ』（1960年）などがある。[60]
  17. ^ ナイン・オールド・メンはエリック・ラーソン、ヴォルフガング・ライターマン、レス・クラーク、ミルト・カール、ウォード・キンボール、マーク・デイビス、オリー・ジョンストン、フランク・トーマス、ジョン・ラウンズベリーで構成されていた。[60]
  18. ^ この番組は再放送でもルシル・ボールの『アイ・ラブ・ルーシー』を除く他のすべてのテレビ番組よりも人気があった。ディズニーランド以前にはABCの番組がトップ25に入ったことはなかった。[119]
  19. ^ ウォード・キンボールが制作したこの番組は、1957年のアカデミー賞で短編ドキュメンタリー部門にノミネートされた。[128]
  20. ^ 1966年のディズニーの死と自然保護主義者の反対により、リゾートの建設は中止された。[137]
  21. ^ 長年の都市伝説では、ディズニーは冷凍保存されていたとされている。[150]ディズニーの娘ダイアンは後に「私の父、ウォルト・ディズニーが冷凍保存を望んだという噂は全くの事実無根です」と述べた。[151] [152]
  22. ^ ロイは2か月後の1971年12月に亡くなった。[158]
  23. ^ 安定した関係の唯一の例外は『白雪姫と七人の小人』（1937年）の制作期間中で、制作に伴うストレスと混乱により、夫婦は離婚を話し合うこととなった。[164]
  24. ^ リリアンは結婚からダイアンの出産までの8年間に2度の流産を経験し、シャロンを養子に迎える直前にも流産を経験しました。[166]
  25. ^ ディズニーは1933年10月号のオーバーランド・マンスリーでも政治的な無知さを露呈し、次のように述べている。「もちろん、我らがM・マウスに純粋な敵意を抱いている人は何百万人もいるだろう。ナチスの老獪なA・ヒトラーはミッキーを愚か者と呼んでいる。想像してみてくれ！ミッキーはいつかA・ヒトラーを溺死から救うことになるだろう。もし救わないなら、どうなるか見ていろ。そうなったらA・ヒトラーは恥じるだろう！」[203] [178] [201]
  26. ^ 例としては『三匹の子豚』（大きな悪いオオカミがユダヤ人の行商人に扮してドアにやってくる）や『オプリー・ハウス』 （ミッキーマウスがハシディズムのユダヤ人に扮して踊る）などがある。[207] [208]
  27. ^ 他のユダヤ人従業員には、制作マネージャーのハリー・タイトルとマーチャンダイジング責任者のケイ・ケイメンがおり、ディズニーのニューヨークオフィスには「レビ記よりも多くのユダヤ人がいる」と冗談を言ったことがある[209]
  28. ^ 例としては、ミッキーマウスが黒塗りの服を着る『ミッキーのメラードラマー』 、短編映画『コック・ロビンを殺したのは誰だ』の黒い鳥、 『ピーター・パン』のアメリカインディアン、『ダンボ』のカラス（ただし、カラスは追放されるのがどんな感じか知っていたため、ダンボに同情していたという説もある）などがある。[213]

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