アンディ・ウォーホル
アメリカの芸術家、映画製作者（1928–1987）

アンディ・ウォーホル
カメラを見ながら腕を組むウォーホル
1980年のウォーホル
生まれる
アンドリュー・ウォーホラ・ジュニア

（1928年8月6日）1928年8月6日
ピッツバーグ、ペンシルベニア州、米国
死亡1987年2月22日（1987年2月22日）（58歳）
ニューヨーク市、米国
埋葬地ペンシルベニア州ベテルパークのセント・ジョン・ザ・バプティスト・ビザンチン・カトリック墓地
教育カーネギー工科大学
活動年数1949–1987
知られている
注目すべき作品
動きポップアート
パートナージェド・ジョンソン（1968–1980）
サイン
Webサイトhttps://warholfoundation.org/

アンディ・ウォーホル( / ˈ w ɔːr h ɒ l / ⓘ ;アンドリュー・ウォーホル・ジュニア; 1928年8月6日 - 1987年2月22日) は、アメリカの芸術家、映画製作者であった。20世紀後半の最も重要な芸術家として広く認められている[n 1]ウォーホルの作品は、絵画、映画製作、写真、出版、パフォーマンスアートポップアートの中心人物であるマスメディア、セレブ文化の関係性を探求し、日常的な消費財ハイカルチャーとロウカルチャーの伝統的な境界に挑戦した15分間の名声という表現を広めたと言われている。

ピッツバーグで労働者階級のルーシン移民の両親のもとに生まれたウォーホルは、ニューヨークで商業アーティストとしてキャリアをスタートさせ、その後ファインアートへ転向した。初期のシルクスクリーン作品でよく知られているのは、 「キャンベルのスープ缶」（1962年）や「マリリン・ディプティク」（1962年）である。1960年代半ば、ウォーホルは「ブロウ・ジョブ」（1964年）や「エンパイア」（1965年）といった実験映画の制作に力を注ぎ始めた。その後、 「チェルシー・ガールズ」（1966年）、「フォー・スターズ」（1967年） 、「ブルー・ムービー」（1969年）など、ウォーホル・スーパースターと呼ばれる入れ替わり立ち替わりの個性を持つグループをフィーチャーしたアンダーグラウンド映画を多数監​​督した。彼のスタジオであるファクトリーは、ドラァグクイーン、詩人、ボヘミアン、ミュージシャン、裕福なパトロンを集め、前衛的な実験の中心地となった。ウォーホルはまた、影響力のあるロックバンド、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドのマネージメントも行っており、彼らはウォーホルのマルチメディアイベント「エクスプローディング・プラスティック・インエヴィタブル（1966-67）」で演奏した。

1968年の暗殺未遂事件を生き延びたウォーホルは、ファクトリーをビジネスへと発展させた。ウォーホルは雑誌『インタビュー』を創刊し、劇『ポーク』 （1971年）をプロデュースし、 『アンディ・ウォーホルの哲学』（1975年）や『ポピズム』 （1980年）といった著書を出版した。また、 『毛沢東』 （1972年 - 1973年）や『最後の晩餐』 （1985年 - 1986年）といった絵画シリーズを制作し、肖像画の制作も依頼した。さらに、『アンディ・ウォーホルのTV』（1980年 - 1983年）や『アンディ・ウォーホルの15分間』（1985年 - 1987年）といったテレビ作品にも進出した。ウォーホルは自身の社会生活を写真や日々の録音を通して綿密に記録し、死後に『アンディ・ウォーホルの日記』 （1989年）として出版した。 1987年、胆嚢手術を受けた後、58歳で 不整脈のため死去した。

ウォーホルは「美術市場の先駆者」と評され、彼の作品のいくつかは史上最高額の絵画の中にランクされている。[1] [2] 2013年には、「シルバー・カー・クラッシュ（ダブル・ディザスター）（1963年）」が1億500万ドルで落札された。2022年には、「ショット・セージ・ブルー・マリリン（1964年）」が1億9500万ドルで落札され、これはオークションにおけるアメリカ人アーティストの作品の最高額となった。ウォーホルは数多くの回顧展、書籍、ドキュメンタリー映画の題材となっている。ピッツバーグのアンディ・ウォーホル美術館には彼の作品とアーカイブの膨大な常設コレクションがあり、単独のアーティストに特化した美術館としては米国最大である。

幼少期と教育

ピッツバーグのサウスオークランド地区、ドーソン通り3252番地にあるウォーホルの幼少期の家

ウォーホルは、1928年8月6日にペンシルベニア州ピッツバーグで生まれました。[3]彼はオンドレイ・ウォーホラ（アンドリュー・ウォーホラ・シニアとしてアメリカ化、1889年 - 1942年） [4]とジュリア・ウォーホラ（旧姓 ザヴァッカ、1891年 - 1972年）の4番目の子供であった。[5]彼の両親はオーストリア＝ハンガリー帝国のミコ（現在のスロバキア北東部のミコヴァ）からの労働者階級のルシン移民であった。[6] [7]

1912年、ウォーホルの父は米国に移住し、炭鉱で仕事を見つけた。[8]妻は9年後の1921年に彼に加わった。[9]一家はピッツバーグのオークランド地区のビーレン通り55番地に住み、後にドーソン通り3252番地に住んだ。[10]彼らはルーシ派カトリック教徒で、聖ヨハネ・クリソストム・ビザンチン・カトリック教会に通っていた。ウォーホルには、ポール（1922年 - 2014年）とジョン（1925年 - 2010年）の2人の兄と、マリア（1912年、幼少時に死去）の姉がいた。[7] [8]ウォーホルの甥のジェームズ・ウォーホラは、児童書のイラストレーターとして成功した。[12]

8歳の時、ウォーホルは連鎖球菌感染症にかかり、それが猩紅熱につながった。[13]この病気を治療する抗生物質がなかったため、病気はリウマチ熱へと進行し、最終的には神経疾患であるシデナム舞踏病（聖ヴィトゥスの踊りとも呼ばれる）へと発展した。[13]彼は寝たきりになり、学校を休まされることもあった。彼はその間、絵を描いたり、ハリウッド雑誌からスクラップブックを作ったり、母親が買ってくれた漫画本から画像を切り取ったりして過ごした。[14] [7]彼はまた、家族で持っていたコダック・ベビー・ブラウニー・スペシャル・カメラを使うのが好きで、彼の写真への情熱に気づいた父親と兄弟たちは、地下室に暗室を作って彼のために作った。 [15]

幼児のウォーホル（右）と母親のジュリア、弟のジョン、1930年頃

1937年にウォーホルがホームズ・スクールで美術の授業を受け始めたとき、美術教師は彼の才能を見抜き、ピッツバーグのカーネギー研究所の土曜日のデッサン教室に彼を受け入れた。[16] 1942年、彼の父親はウェストバージニア州の炭鉱から出た汚染水を飲んで亡くなった。[7]

ウォーホルは学校で優秀な成績を収め、スコラスティック・アート・アンド・ライティング賞を受賞した。[17] [ 7] 1945年にシェンリー高校を卒業後、ピッツバーグのカーネギー工科大学に入学し、商業美術を学んだ。在学中、ウォーホルはキャンパスのモダンダンスクラブとボザール協会に参加した。[18] [19]彼はまた、学生美術雑誌「カノ」のアートディレクターを務め、1948年には表紙、1949年には誌面いっぱいのイラストを描いた。[20] [21]これらは彼の最初の出版された2つの作品だと考えられている。[21]ウォーホルは1949年に絵画デザインの美術学士号を取得した。 [22]

キャリア

1940年代

1949年6月にカーネギー工科大学を卒業したあと、ウォーホルは同級生のフィリップ・パールスタインとともにニューヨークへ移った。[23] [24]彼らはイースト・ヴィレッジのトンプキンス・スクエア・パークに近いセント・マークス・プレイスの6階建てのアパートに住んでいた。[23]ニューヨーク滞在2日目にウォーホルは前年のニューヨークへの短い訪問で会っていたグラマー誌のアートディレクター、ティナ・フレデリックスを訪ねた。 [25]彼はカーネギー工科大学で完成した仕事のポートフォリオを提示し、フレデリックスはそれを好意的に受け取り、オーケストラの小さな絵を10ドルで自分のコレクション用に購入した。[26] [27]彼女はその後ウォーホルに靴のイラストレーションを依頼し、何度か試みた後、彼の絵は採用された。[28]グラマー誌はウォーホルの靴のイラストを1ページ掲載し、成功の階段を登る人々を数ページにわたって描いた。これはキャサリン・ゾンターク、ヘイゼル・M・ウッド、マーゴット・クラーク、パトリシア・カーテン、マリア・マンズ、エリザベス・ウェストンによる6つの個別の記事からなる「成功とは何か？」という主要特集記事に付随していた。[29] [28]こうして彼の商業アーティストとしてのキャリアが始まった。

1950年代

ウォーホルは、グラマー、マドモアゼル、ヴォーグ、ハーパーズ バザーなどの著名なファッション雑誌に雇われ、1950年代を通して多くの広告を制作しました。[30] [31] [32] [33]この時期に、ギャラリストのアレクサンダー・イオラスがウォーホルを発見し、1952年にニューヨークのヒューゴ・ギャラリーで彼の初の個展「アンディ・ウォーホル：トルーマン・カポーティの著作に基づく15点の絵」を企画したとよく言われています。 [34] [35]

ウォーホルは1953年から1954年にかけて、インテリア誌の表紙を数枚デザインした。[36] [37] 1954年、ウォーホルはニューヨークのヴィト・ジャッロのロフト・ギャラリーで複数回作品を展示した。[38] ARTnewsはウォーホルが「独自の線画スタイルを開発した」と評し、その技法は「線は途切れているが、空間はぼやけていない」にもかかわらず、ネガの裏側のような効果を生み出していると指摘した。[39]彼の「にじみ線」技法は、版画と紙へのグラファイト・ドローイングの要素を組み合わせたものだった。[26] 1年後、当時イースト34丁目の鉄道アパートで仕事をしていたウォーホルは、ジャッロを最初の有給スタジオアシスタントとして招き入れた。[38]

1955年、ウォーホルは靴メーカーのイスラエル・ミラーの広告デザインを始めた。[40] [41] 写真家のジョン・コプランズは、「アンディのように靴を描ける人は誰もいなかった。彼はそれぞれの靴に独特の雰囲気、トゥールーズ＝ロートレック風の巧妙な洗練さを与えていたが、形とスタイルは正確に表現され、バックルは常に正しい位置にあった」と回想している。[42] 1956年までに、ウォーホルの独特のスタイルはファッションイラストレーターとして広く知られるようになった。イスラエル・ミラーのために描いた作品は大きな注目を集め、彼は多忙を極めたため、依頼を断らざるを得なかった。[43]

1956年のマドモアゼル誌のインタビューで、ウォーホルは商業美術と美術を融合させる自身のアプローチについて、「仕事で靴を描くたびに、自分自身のためにイラストを描いている」と述べている。彼は「仕事を得るには専門性が必要だ」と認めつつも、ニューヨークのアートディレクターのほとんどが「やる気のある人にチャンスを与えてくれる」と指摘している。[43]ウォーホルの個人的なイラストは、金箔で装飾された気まぐれな靴のデザインで、それぞれにトルーマン・カポーティ、ケイト・スミス、ジェームズ・ディーン、ジュリー・アンドリュース、エルヴィス・プレスリー、ザ・ザ・ガボールといった著名人が描かれていた。[44] [45]これらは1956年12月にニューヨークのボドリー・ギャラリーで展示され、1点50ドルから225ドルで販売された。[44] [46]

1956年、ニューヨーク近代美術館（MoMA）は保管スペースが限られていることを理由にウォーホルへのドローイング「靴」の寄贈を丁重に断り、回収を求めた。しかし同年、彼の靴のドローイングの1つがMoMAの「Recent Drawings USA」グループ展に展示され、ウォーホルにとって初の美術館展示となった。[47] [48]同年、ウォーホルは友人で美術監督のチャールズ・リザンビーと共に世界中を旅し、各国で芸術と文化を学んだ。[49]京都滞在中、ウォーホルは実業家マダム・ヘレナ・ルビンスタインの様式化された肖像画を描いた。[50]

ウォーホルは、エピディアスコープで投影された写真をトレースするという方法を常用していた。[51]エドワード・ウォロウィッチの版画を使用した場合、ウォーホルが輪郭を大まかにトレースし、影をハッチングする間に、写真は微妙な変化を遂げることになる。[ 52] ウォーホルは、1958年にサイモン＆シュスターに提出したウォルター・ロスのパルプ小説『不滅』の表紙デザインにウォロウィッチの写真「タバコを吸う若い男」 （ 1956年頃）[53]を使用し、後には他の写真を絵画シリーズにも使用した。[54] [55]

アーティストとしての自身のプロモーションのため、ウォーホルは自費出版したイラストレーション集を制作・配布した。その中には『25 Cats Name Sam and One Blue Pussy』（1957年）や『A Gold Book』（1957年）などがあり、潜在的な顧客や知り合いに配布して仕事の依頼をしていた。[56] [57]彼は母親のジュリア・ウォーホルによるカリグラフィーを自分の絵に添えることが多かった。[58]

レコード産業の急速な拡大に伴い、RCAレコードはウォーホルをアルバムカバーや販促資料のデザインに雇った。[59] [60] 1950年代後半には、ティファニーなどの高級広告クライアントのためにも働くようになった。[61]

1960年代

伝統的なアーティストが他のアーティストの作品を購入しなかった時代に、ウォーホルは作品を集めました。[62]ギャラリーのアーティストは生き残るために、ウィンドウディスプレイなどの商業的な仕事をするのが一般的で、実名を使うことは好ましくなかったため避けていました。対照的に、ウォーホルは商業アーティストとして認められるようになり、他のアーティストとの緊張関係が生じました。[62]この時期は彼のペルソナ形成において重要な時期でした。作品についてコメントしたり、自分自身について話すことを頻繁に拒否し、インタビューでは「うーん、いいえ」「うーん、はい」といった返答にとどまり、しばしば他人に代弁させていたこと、そして彼のポップスタイルの進化さえも、ウォーホルがニューヨークのアート界の内輪から初めて無視された時期に遡ることができると考える人もいます。[63]

1960年から1974年まで、ウォーホルはマンハッタンのカーネギーヒル地区にあるレキシントン・アベニュー1342番地に住んでいました。この家は彼の最初のスタジオとなりました。

1960年、ウォーホルはマンハッタンのカーネギー・ヒル地区、レキシントン・アベニュー1342番地にあるビクトリア朝様式のタウンハウスを購入しました。[64]彼はこの家を住居とスタジオの両方として使い、母親は地下のアパートに住んでいました。[65]

1961年までに、ウォーホルは「ニューヨークで最もスタイリッシュなウィンドウドレッサー、そしてトップクラスの靴イラストレーター」の一人として広く認知されるようになった。[65]彼の手描きのイラストは、ヴォーグ誌やニューヨーク・タイムズ紙の社会面、そして彼のイラストが掲載されたエイミー・ヴァンダービルトのコンプリート・クックブック（1961年）などの出版物に定期的に掲載された。ちょうど写真イメージが商業メディアで手描きの作品を凌駕し始めた頃だった。[66] [67]その年の4月、彼のポップな絵画が5番街57丁目のボンウィット・テラー百貨店のウィンドウディスプレイに初めて展示された。[68] [65]春のドレスを着たマネキンの背景には、コミック・ストリップと新聞広告に基づいた5つの絵画、 「サタデーズ・ポパイ」、「リトル・キング」 、「スーパーマン」、 「ビフォー・アンド・アフター」 、「広告」が使われた。[69]

ウォーホルのキャリアにおける重要な転機は、彼がドル紙幣を描き始めたことであり、それが1962年の春にシルクスクリーンを始めるきっかけとなった。 [70]ウォーホルは、マンハッタンのグラフィックアート会社でマックス・アーサー・コーンからシルクスクリーンの版画技法を教わった。 [71] [72]ウォーホルはシルクスクリーン版画の先駆者とみなされることが多く、彼の技法はキャリアを通じてより精巧になっていった。[73]

キャンベルスープI（1968）

1962年5月、ウォーホルはタイム誌の記事で、彼の最も持続的なモチーフであるキャンベルスープ缶の始まりとなる絵画「大きなキャンベルスープ缶と缶切り（野菜）」 （1962年）が取り上げられた。 [74]この絵画は、 1962年7月にハートフォードのワズワース・アセナウムで展示され、ウォーホルの美術館で初めて展示された作品となった。[75] 1962年7月9日、ロサンゼルスのフェラス・ギャラリーでウォーホルの展覧会が開かれ、「キャンベルスープ缶」が彼の西海岸での展覧会を記念したものとなった。 [ 76] [77]

1962年11月、ウォーホルはニューヨークのエレノア・ウォードのステーブル・ギャラリーで展覧会を開催した。 [78]展示作品には、 『黄金のマリリン・モンロー』 、マリリン・シリーズの古典作品8点（別名フレーバー・マリリン）、マリリン・ディプティク、100個のスープ缶、100個のコークボトル、そして100枚のドル紙幣が含まれていた。『黄金のマリリン・モンロー』は建築家フィリップ・ジョンソンによって購入され、MoMAに寄贈された。[79]

1962年12月、MoMAはポップアートに関するシンポジウムを開催し、ウォーホルをはじめとするアーティストたちが消費主義に「屈服した」として批判された。批評家たちはウォーホルが市場文化を公然と受け入れたことに愕然とし、それがウォーホルに対する世間の評価の基調となった。[80]翌年、ウォーホルは短命に終わった前衛ノイズバンド、ザ・ドラッズを結成した。このバンドにはラリー・プーンズ、ラ・モンテ・ヤング、ウォルター・デ・マリア、ジャスパー・ジョーンズ、クレス・オルデンバーグ、ルーカス・サマラスといったニューヨークのミニマルアートやプロトコンセプチュアルアート界の錚々たる面々が参加していた。[81]

1963年1月、ウォーホルは最初のスタジオであるイースト87丁目159番地の古い消防署を借り、そこで「エイト・エルヴィス」（1963年）や「トリプル・エルヴィス」 （1963年）を含むエルヴィス・シリーズを制作した。[82]これらの作品は、エリザベス・テイラーの肖像画シリーズとともに、その年の後半にロサンゼルスのフェラス・ギャラリーで開催された2回目の展覧会で展示された。[83] 1963年11月、ウォーホルはスタジオをイースト47丁目231番地に移転し、そこはファクトリーとして知られるようになった。[84] [85]ウォーホルは生産性を高めるためにアシスタントを活用し、こうした共同作業はその後のキャリアを通じて彼の制作方法の特徴的な側面であり続けた。この時期、詩人のジェラード・マランガがファクトリーでのシルクスクリーンと映画の制作を手伝った。ファクトリーは1964年にビリー・ネームによってアルミホイルと銀の塗料で覆われた。[86] [87]

ウォーホルは、1964年にニューヨークのクイーンズで開催された世界博覧会のニューヨーク州館の美術作品を制作するよう委託された芸術家の一人だった。 [88]彼は壁画「十三人の最重要指名手配犯」（1964年）を制作したが、博覧会が1964年4月に開幕する前に政府関係者が絵に異議を唱えたため塗りつぶされた。[89] [88]その年の春、ウォーホルはステーブル・ギャラリーで2度目の展覧会を開催し、倉庫を模した商業用の箱の彫刻を空間全体に積み重ねて散りばめた作品を展示した。[90] [91]この展覧会のために、ウォーホルは特注の木箱にシルクスクリーンのグラフィックを施した。ブリロ・ボックス、デルモンテ・ピーチ・ボックス、ハインツ・トマト・ケチャップ・ボックス、ケロッグ・コーンフレーク・ボックス、キャンベル・トマト・ジュース・ボックス、モッツ・アップル・ジュース・ボックスの彫刻は、箱の大きさに応じて200ドルから400ドルで販売された。[92]

ウォーホルのキャリアにおいて極めて重要な出来事となったのは、 1964年後半にポール・ビアンキーニのアッパー・イースト・サイド・ギャラリーで開催された「アメリカン・スーパーマーケット」展である。この展覧会は、典型的な小さなスーパーマーケットの環境として提示されたが、農産物、缶詰、肉、壁のポスターなど、そこに展示されているものはすべて、彫刻家のクレス・オルデンバーグ、メアリー・インマン、ボブ・ワッツなど、当時の著名なポップ・アーティストによって制作された。ウォーホルは、赤いキャンベルのスープ缶が描かれた白無地の12ドルの紙製ショッピングバッグをデザインした。[93]キャンベルのスープ缶の絵は1,500ドルで、サイン入りの缶は3つで18ドル、1つ6.50ドルで販売された。[93] [94]この展覧会は、ポップアートと、芸術とは何かという永遠の問いの両方を一般大衆に直接突きつけた最初の大規模イベントの一つであった。[95]

1964年11月、ウォーホルの最初のフラワーズ・シリーズがニューヨークのレオ・カステッリ・ギャラリーで展示された。 [96] 1965年5月、前作よりもサイズと色のバリエーションが多い2番目のフラワーズ・シリーズがパリのイリアナ・ゾンナベンド・ギャラリーで展示された。[97] [98]この旅行中にウォーホルは、映画に集中するために絵画から引退すると発表した。[99] [100]ウォーホルは従来の絵画に反対するという意識的な決断を下し、もはや絵画を信じていないと述べた。[101]美術商アイヴァン・カープの牛を描くという提案に応えて、ウォーホルは牛の壁紙を制作し、 1966年4月の展覧会でレオ・カステッリ・ギャラリーの壁を覆った。[102]

1966年11月、ウォーホルはブルックリンのアブラハム＆ストラウス百貨店に雇われ、マース・マニュファクチャリング・カンパニーの「自分で描くドレス」コレクションのプロモーションを行った。このコレクションには、絵筆と水彩絵の具の箱が付属する白い紙のドレスが含まれていた。 [103] [104]実演では、ウォーホルはニコをモデルに、店内で2着のドレスをデコレーションし、ブルックリン美術館に寄贈した。 [105]実験ロック・グループ、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドのマネージャーとして、ウォーホルは1966年と1967年にマルチメディア・ハプニング「エクスプローディング・プラスチック・インエヴィタブル」の主要構成要素としてドレスを取り上げ、また、彼らのデビュー・アルバム「ザ・ヴェルヴェット・アンダーグラウンド＆ニコ（1967年） 」の資金提供を行った。[106] [107]

「 15分間の名声」というフレーズは、アンディ・ウォーホルの言葉で、束の間の名声に対する彼の考えを要約したものです。このフレーズが初めて登場したのは、1967年のタイム誌の記事で、ウォーホルは、現代アートと文化の急速な台頭の中で「誰もが15分間有名になる日」が来ると予言していました。[108]この概念は、ウォーホルの「スーパースター」と結び付けられることが多く、1960年代半ばから1970年代前半にかけてウォーホルが身を寄せていたボヘミアンやカウンターカルチャーの奇人変人たちのことで、ベイビー・ジェーン・ホルツァー、ブリジッド・バーリン、オンディーヌ、イーディ・セジウィック、イングリッド・スーパースター、ニコ、インターナショナル・ベルベット、メアリー・ウォロノフ、ヴィヴァ、ウルトラ・ヴァイオレット、ジョー・ダレサンドロ、キャンディ・ダーリング、ホリー・ウッドローン、ジャッキー・カーティス、ジェーン・フォースなどが挙げられます。[109] [110] [111]これらの人々はファクトリー映画に参加し、バーリンやホルツァーのようにウォーホルと生涯の友人となった者もいた。ニューヨークのアートやアンダーグラウンド映画界の重要人物、例えばキュレーターのヘンリー・ゲルツァーラーや映画監督のジョナス・メカス、ジャック・スミスなどもウォーホルの1960年代の映画に出演し、幅広い芸術界との繋がりを強調している。あまり知られていないのは、後に著名となる作家のデイヴィッド・ダルトン[112]、写真家のスティーブン・ショア[113]、そしてアーティストのビッベ・ハンセン[114]といった若い協力者たちをウォーホルが奨励していたことである。

1967年、ニューヨークのSSフランス号に乗船したウォーホルとテネシー・ウィリアムズ、ロッド・ラ・ロッド（左）とポール・モリッシー（背景） 。

1967年、ウォーホルは版画制作と出版事業のためにファクトリー・アディションズを設立した。[115]幅広い層に向けて版画を複製するため、ファクトリー・アディションズは10点ずつのポートフォリオを250部限定で複数発行した。これらはプロ仕様のスクリーン印刷機で印刷された。[95]

ウォーホルは1967年のカンヌ映画祭で映画『チェルシー・ガールズ』（1966年）を上映する予定だったが、「映画祭側が映画が長すぎる、技術的な問題があったと説明した」ため上映されなかった。[116]映画製作資金を調達するため、ウォーホルは大学で講演ツアーを行い、そこで自身のアンダーグラウンド映画を上映し、観客の質問に答えた。[117]ウォーホルは1967年10月の西海岸の大学ツアー中に、俳優のアレン・ミジェットを派遣して自分のなりすましを演じさせた。 [117]ウォーホルは出演しなかった4つの大学に費用を払い戻し、1968年に再び大学を訪れた。[118] [119]

1968年2月、ウォーホルの初の個展がストックホルム近代美術館で開催されました。 [120]

1968年の暗殺未遂事件

1968年、ストックホルム近代美術館でブリロ・ボックス（1964年）の彫刻に囲まれたウォーホル

1968年6月3日、急進的なフェミニスト作家ヴァレリー・ソラナスが、ファクトリーでウォーホルと美術評論家でキュレーターのマリオ・アマヤを銃撃した。 [121]ソラナスは銃撃事件以前、ファクトリーでは周縁的な人物だった。彼女はSCUM宣言[122]という分離主義フェミニストの小冊子を執筆し、男性の排除を主張した。また、ウォーホルの映画「われは男なり」（1967年）にも出演した。[123]アマヤは軽傷を負っただけで、同日中に退院した。[124]ウォーホルは襲撃により重傷を負い、かろうじて生き延びたが、2ヶ月近く入院していた。[125] [126]ソラナスは襲撃の数時間後に警察に出頭し、ウォーホルは「私の人生をコントロールしすぎていた」と述べた。[121] [127]その後、彼女は妄想型統合失調症と診断され、最終的に懲役3年の判決を受けました。[128]

撮影中にファクトリーにいたアシスタントのジェド・ジョンソン[129] [125]は、ウォーホルを毎日病院に見舞い、2人は親密な関係になった。[130] [131] ウォーホルが退院した直後、ジョンソンはウォーホルの回復を助け、ウォーホルの病気の母親の世話をするために彼と一緒に住むようになった。[132]その年の夏、ウォーホルが入院している間、ポール・モリッシーが主な映画製作の責任を引き継ぎ、ジョー・ダレサンドロ主演の処女作「フレッシュ（1968年）」を監督した。[133] [134]

暗殺未遂事件はウォーホルの人生と芸術に甚大な影響を与えた。[135] [136] [135]翌年行われた2度目の手術の合併症により、腹筋の修復が不十分となり、食事をする際に胃が膨張するのを防ぐため、生涯にわたって手術用コルセットを着用せざるを得なくなった。 [137]ファクトリーはより規制が厳しくなり、ウォーホルはそれを組織化された事業体にすることに注力した。彼はファクトリーを「普通のオフィス」に変えたのはモリッシーの功績だと述べている。[135]

撮影後

1968年8月、ウォーホルは、シャーロット・ブロンテの小説『ジェーン・エア』の映画化が中止されたプロジェクトに出資していたフィリップ・「フフ」・ヴァン・スコイ・スミスから8万ドルの損害賠償を求めて訴訟を起こされた後、法廷に出廷した。 [138]法廷闘争は2年間続いたが、出資者が出廷しなかったことで終結した。[139]

ウォーホルはその秋、再び社交界に姿を現した。1968年9月、ウォーホルはウルトラ・ヴァイオレットと共に映画『真夜中のカーボーイ』完成記念パーティーに出席した。[140] [141]映画にはファクトリーのメンバーが出演するパーティーシーンがあり、これはウォーホルの入院中に撮影されたものである。[141]同月、ウォーホルはニコのアルバム『マーブル・インデックス』のリリースを記念してファクトリーでパーティーを主催した。 [142]ウォーホル、ヴィヴァ、そしてウルトラ・ヴァイオレットは、 1968年11月10日付けのニューヨーク・タイムズ・ マガジンの表紙にも登場した。[143]

1969年2月、ウォーホルと側近はコロンビア映画との映画化契約の可能性について話し合うためロサンゼルスを訪れた。[144]以前から写真に興味を持っていたウォーホルは、銃撃事件後の回復の様子をポラロイドカメラで記録した。 [145]彼の写真のうち数枚は、1969年5月号のエスクァイア誌に掲載された。[146]彼は、様々な出来事を記録するために常にポラロイドカメラを持ち歩いていたことで有名になった。[147] 1970年代に絵画活動を再開した際には、インスタント写真を使ってシルクスクリーンの肖像画を制作した。[148]

エロティック映画 『ブルー・ムービー』（1969年）公開後、ウォーホルはイースト4番街62番地にあるフォーチュン・シアターを借り切り、1969年6月25日から8月5日まで男性向けポルノ映画を上映した。 [149]このプロジェクトはジェラルド・マランガが自身の会社「ポエトリー・オン・フィルム」を通じて運営した。[149]劇場は「アンディ・ウォーホル劇場：ボーイズ・トゥ・アドア・ガロア」と呼ばれた。[150]劇場を借り切り、入場料を5ドルにするというアイデアはモリッシーが考案した。[149]

ウォーホルとイギリス人ジャーナリストのジョン・ウィルコックは1969年秋に『インタビュー』誌を創刊した。[151]この雑誌は当初、『inter/VIEW: A Monthly Film Journal』として発行されていた。数年後に改訂され、ウォーホルの社交生活とセレブリティへの関心を反映するようになった。[152]

1969年、ウォーホルはプロビデンスのロードアイランド・スクール・オブ・デザイン美術館の常設コレクションを用いた展覧会のキュレーションを依頼された。 [153] 1969年10月、ヒューストンのライス大学芸術研究所で「Raid the Icebox 」展が開催された。1970年には、ニューオーリンズのアイザック・デルガード美術館を巡回し、その後ロードアイランド・スクール・オブ・デザイン美術館で開催された。[154]

1970年代

1973年、ジャック・ミッチェルがダックスフントのアーチーと一緒に撮影したウォーホル

1960年代のウォーホル作品の成功とスキャンダルに比べると、1970年代初頭は彼がより起業家精神を帯びるようになり、はるかに静かな時代となった。彼は一般的に物静かで内気、そして几帳面な観察者とみなされていた。美術評論家のロバート・ヒューズは彼を「ユニオン・スクエアの白いモグラ」と呼んだ。[155]彼のファッションは、ウォーホルが「レザールック」と呼んだものから、ブルックス・ブラザーズのシャツとネクタイ、デノワイエのブレザー、リーバイスのジーンズといった「ブルックス・ブラザーズ・ルック」へと進化した。[156] [157]

ウォーホルは映画製作にも進出し、「60年代に登場した最も有名で著名なポップアートの画家の一人」としての地位を確立した。[158]パサデナのパサデナ美術館は1970年にウォーホルの大規模な回顧展を開催した。[159]この展覧会はシカゴ現代美術館、オランダのアイントホーフェン市立ファン・アッベ美術館、パリ市立近代美術館、ロンドンのテート・ギャラリー、ニューヨークのホイットニー美術館を巡回した。 [160] [161] 1971年のホイットニー美術館展では、ウォーホルの絵画の背景として、1966年の「牛の壁紙」が特に目立った。 [162] [163]

1971年5月、ウォーホルの舞台作品『アンディ・ウォーホルのポーク』がニューヨークのラ・ママ実験劇場で初演された。 [164] 1971年8月にはロンドンのラウンドハウスに上演された。[165]

ウォーホルは1974年から1987年まで、マンハッタンのレノックス・ヒル地区にある東66丁目57番地に住んでいました。1998年、このタウンハウスは文化遺産に指定されました。

1971年後半、ウォーホルとビジネスパートナーのポール・モリッシーはニューヨーク州ロングアイランドのモントークにある海辺の邸宅、エオセンを購入しました。[166]彼らは1972年からこの敷地内の母屋を借り始めました。 [167]リー・ラジウィル、ジャッキー・ケネディ、ローリング・ストーンズ、エリザベス・テイラー、トルーマン・カポーティ、ハルストンなどがこの邸宅の客でした。[168]

ウォーホルは、ローリング・ストーンズのアルバム『スティッキー・フィンガーズ』（1971年）のカバーコンセプトと写真撮影の両方を担当したとされている。[169]彼は1972年の第14回グラミー賞で最優秀アルバムカバー賞にノミネートされた。[170]

1972年、ウォーホルはコティ賞でハルストンのランウェイショーを企画した。[171]ウォーホルは政治に関心がないと思われていたが、1972年の大統領選挙でジョージ・マクガヴァンの資金を集めるため、ポスター「Vote McGovern 」（1972年）を展示した。[172] [173]

ウォーホルと同棲中のボーイフレンド、ジェド・ジョンソンは、1972年11月にダックスフントの子犬、アーチーを飼い始めた。 [174] [2]ウォーホルはアーチーを溺愛し、スタジオ、パーティー、レストラン、ヨーロッパ旅行など、あらゆる場所に連れて行った。[6] [175]彼はジョンソン、アーチー、そして数年後に飼い始めた2匹目のダックスフント、エイモスの肖像画を描いた。[1]

ウォーホルはヨーロッパへの旅行を頻繁にするようになり、パリへの愛着を抱くようになった。[176]ウォーホルはパリ左岸のシェルシュ・ミディ通りにビジネス・マネージャーのフレッド・ヒューズと共同でアパートを借りていた。[177] [178]

1972年10月、ウォーホルの作品はテキサス州コーパスクリスティのサウステキサス美術館の開館記念展に展示された。[179] 1972年から1973年にかけて、ウォーホルはニューヨークの2つのギャラリー、ノードラー＆カンパニーとレオ・カステッリ・ギャラリー、そして美術収集家のピーター・ブラントの資金提供を受けて、中国共産党指導者毛沢東の肖像画シリーズを制作した。[180] [181] 1974年2月、毛沢東の肖像画はパリのガリエラ美術館に設置された。 [182]

1974年、ウォーホルとジョンソンはマンハッタンのレノックス・ヒル地区、イースト66丁目57番地にあるネオ・ジョージアン様式のタウンハウスに引っ越しました。 [183]​​ この頃、ウォーホルはパーティーへの参加により、公の場での存在感が著しく高まっていました。1974年、彼は「みんなが飽きて私について書くのをやめてくれるように、私は頻繁に出かけ、あらゆるパーティーに参加しようとします」と述べています。[184]

アンディ・ウォーホル、フェラーラのディアマンティ宮殿での展覧会にて、1975年

ウォーホルは、ママス&パパスのジョン・フィリップス作曲のブロードウェイミュージカル「マン・オン・ザ・ムーン」の舞台装置をデザインした。この作品は1975年1月にニューヨークのリトルシアターで初演された。 [185] 1975年5月、ウォーホルはホワイトハウスでイラン国王モハンマド・レザー・パフラヴィーを偲んで開かれたジェラルド・フォード大統領の公式晩餐会に出席した。[186] 1975年9月、ウォーホルは著書『アンディ・ウォーホルの哲学 (From A to B & Back Again)』の出版記念ツアーで全米8都市を回り、その後イタリア、フランス、イギリスを訪れた。[187] [188]

1976年、ウォーホルと画家のジェイミー・ワイエスは、マンハッタンのコー・カー・ギャラリーから互いの肖像画を描くよう依頼された。[189] 1977年1月、ウォーホルはクウェートを訪れ、ダイアト・アブドゥラ・アル・サレム・ギャラリーでの個展のオープニングに出席した。[190] 1977年6月、ウォーホルはジミー・カーター大統領選挙運動に版画を提供した「就任式アーティスト」たちを称える特別レセプションに招待された。[191] 1977年、ウォーホルは美術収集家のリチャード・ワイズマンから、当時の一流アスリートたちの肖像画10点を制作するよう依頼された。[ 192 ]

1977年のスタジオ54 のオープンは、ニューヨークのナイトライフに新時代の幕開けを告げた。ウォーホルはしばしばスタジオ54で交流し、パーティーで友人たちがドラッグに溺れて行う行動を観察していた。[193] 1977年、ウォーホルは様々なポーズをとり性行為を行う男性のヌード写真（「風景」と呼ばれる）を撮り始め、これは後に「トルソス・アンド・セックス・パーツ」シリーズとして知られるようになった。[194] [195]撮影された男性のほとんどは、ハルストンの恋人ヴィクトル・ユーゴーが​​ファクトリーに連れてきた街のハスラーや男娼だった。[196] [197]このことが、ウォーホルとユーゴーの友情を認めなかったジョンソンとの関係に緊張をもたらした。[198] [199]「スタジオ54がオープンすると、アンディの状況は一変しました。当時、ニューヨークは最も退廃的な時期を迎えていましたが、私はそこに関わっていませんでした。私はその状況が好きではありませんでしたし、居心地が悪かったのです。…アンディはただ時間を無駄にしていて、本当に腹が立ちました。…彼はただ、最も馬鹿げた人たちと時間を過ごしていたのです」とジョンソンは語った。[200]

ジミー・カーター大統領とウォーホル、ホワイトハウスにて、1977年

1979年、ウォーホルは出版社アンディ・ウォーホル・ブックスを設立し、著名な友人や知人を撮影した写真集『エクスポージャーズ』を出版した。 [201] 1979年11月、彼はアメリカで3週間のブックツアーに出発した。[202]

ウォーホルは肖像画制作の依頼を受け、新たな裕福なパトロンを集めることに多くの時間を費やした。パトロンにはイラン国王モハンマド・レザー・パフラヴィー、その妻ファラー皇后、その妹アシュラフ・パフラヴィー王女、ミック・ジャガー、ライザ・ミネリ、ダイアナ・ロス、ブリジット・バルドーなどが含まれる。[203] [204] 1979年11月、ホイットニー美術館は「アンディ・ウォーホル：70年代の肖像」展を開催した。[205] [206]一部の批評家は、人物や有名人を描いたこの展覧会を嫌い、表面的で安易で商業的であり、深みも主題の重要性も示していないと述べた。[207]

1980年代

1980年代、ウォーホルは、1980年代のニューヨーク・アートの「強気相場」を席巻していた、多作な若手アーティストたち、例えばジャン＝ミシェル・バスキア、ジュリアン・シュナーベル、デヴィッド・サールといったいわゆるネオ・エクスプレッショニストたち、そしてフランチェスコ・クレメンテやエンツォ・クッキといったヨーロッパのトランスアヴァンギャルド運動のメンバーたちと交流を深めた。彼はストリートでも高い評価を得ており、グラフィティ・アーティストのファブ・ファイブ・フレディは、キャンベル・スープ缶で列車全体をペイントすることでウォーホルへのオマージュを捧げた。[208]

ウォーホル、ニューヨークのユダヤ博物館にて、1980年

1980年にマンハッタンのユダヤ博物館で開催された展覧会「20世紀のユダヤ人10点の肖像」は批評家から酷評された。ユダヤ教やユダヤ人に興味がなかったウォーホルは、日記に「作品は売れるだろう」と記していた。[207]

ニューヨーク・アカデミー・オブ・アートはウォーホルによって設立された。[209] 1980年に設立されたこの研究所の使命は、「芸術家の養成における伝統的な方法を復活させること」であった。[210]共同創設者のスチュアート・ピヴァールによると、「モダニズムはウォーホルにとって退屈なものになった…しかし、彼の全体的な計画、つまり彼が本当に信じていたのは、近代は終わりを迎え、新古典主義の時代に入りつつあるということだった。」[210]

1981年、ウォーホルはピーター・セラーズ、ルイス・アレンと共同で「A No Man Show」というプロジェクトに取り組みました。これはウォーホルをモデルにした等身大のアニマトロニクス・ロボットをフィーチャーした移動式舞台作品です。[211]アンディ・ウォーホル・ロボットとして知られるこの人形は、パフォーマンスの一環としてウォーホルの日記を読むように設計されており、機械化と作家性に対する彼の長年の関心を反映しています。[212] [213]同じ時期にウォーホルは、ミッキーマウス、スーパーマン、アンクル・サムなどのキャラクターを現代の文化的アイコンとして再解釈したMythsシリーズ（1981年）を開発しました。 [214]

ウォーホルはハリウッドの強烈な魅力にも魅了されていました。彼はかつてこう語っています。「ロサンゼルスが大好き。ハリウッドが大好き。本当に美しい。すべてがプラスチックみたいだけど、私はプラスチックが大好き。プラスチックになりたいんだ。」[215]ウォーホルは時折、ファッションショーのランウェイを歩き、ゾリ・エージェンシー、後にフォード・モデルズといった広告代理店を通じて商品の宣伝活動も行いました。[216]

1983年、ウォーホルはブルックリン橋100周年を記念するポスターのデザインを依頼され、同年のニューヨーク・アート・エキスポに寄稿した。[217] [217]また、1983年4月にニューヨーク市のアメリカ自然史博物館で開催された「ウォーホルの動物たち：絶滅危惧種」展のために、絶滅危惧種を描いたシルクスクリーン版画シリーズを制作した。制作された150セットのうち、ウォーホルは10セットを野生動物保護団体に寄付し、募金活動を支援していた。[218] [218]

1984年のサラエボ冬季オリンピックに先立ち、ウォーホルはデイヴィッド・ホックニーやサイ・トゥオンブリーを含む15人のアーティストと共にスピード・スケーター（1983）の版画をアート・スポーツ・コレクションに寄贈し、後に同大会の公式ポスターに使用された。 [219]同年、ヴァニティ・フェア誌はウォーホルに、映画『パープル・レイン』（1984）とその関連映画の成功を報じる記事に添えるミュージシャン、プリンスの肖像画の制作を依頼した。『オレンジ・プリンス』（1984）と題されたこの作品は、オレンジ色の背景に黒のスクリーン印刷された顔の特徴を描き、緑と青のハイライトをアクセントにした、鮮やかなポップパレットでプリンスを描いている。[220]

1985年9月、ウォーホルとバスキアの合同展「Paintings」がトニー・シャフラージ・ギャラリーで開催され、酷評を受けた。[221]その月、ウォーホルの懸念にもかかわらず、彼のシルクスクリーンシリーズ「Reigning Queens 」（1985年）がレオ・カステッリ・ギャラリーで展示された。[222]ウォーホルは日記にこう記している。「これらはヨーロッパだけのはずだった。ここでは誰も王室のことなど気にしないし、また酷評されるだろう。」[223]

1986年4月、ウォーホルの展覧会「10 Status of Liberty 」（1986年）が、自由の女神像の100周年を記念してパリのラヴィーニュ・バスティーユ画廊で開催され、カモフラージュと重層的な色彩で自由の象徴を表現した。[224]作品の1つは、1986年5月12日発行の『ニューヨーク』誌の表紙に使用された。[225]同年、ウォーホルは「恐怖のかつら」と鮮やかなコントラストが特徴的な新しいシリーズ「Self-Portraits 」（1986年）を完成させ、 1986年7月にロンドンのアンソニー・ドフェイ画廊で初公開された。 [226]

1987年1月、ウォーホルはミラノを訪れ、パラッツォ・デッレ・ステリーネで最後の展覧会「最後の晩餐」のオープニングに出席した。 [227]翌月、ウォーホルは1987年2月17日にニューヨークのトンネルで行われたコシン・サトウのファッションショーで、ジャズミュージシャンのマイルス・デイビスと共にモデルを務めた。[228] [229]

死

ウォーホルは1973年に胆石と診断されましたが、病院を恐れて手術を頑なに拒否しました。[230]ウォーホルが手術を拒絶したため、担当の内科医デントン・コックスは日本から実験的な薬を入手しようと試みました。また、カイロプラクターと栄養士の指導を受け、小さな水晶を身につけることを勧められました。脱水症状に陥り、食事も摂れなくなったウォーホルは、1987年2月までに激痛に襲われました。[231]

ウォーホルは2月20日にマンハッタンのニューヨーク病院に入院し、 2月21日に胆嚢手術を受けた。[232]執刀医のビョルン・ソービャルナルソンは、ウォーホルの胆嚢が「穿孔寸前」で、「（ウォーホルの）腹部に感染が広がる」危険性があると診断した。[231] 4時間に及ぶ手術後、2人の医師がウォーホルを診察した時には、ウォーホルは意識があり、歩き回ったり、電話をかけたり、テレビを見たりすることができていた。[231]専属看護師のミン・チョは翌朝4時半にウォーホルの顔色が悪くなっているのに気づいたが、午前5時45分にウォーホルが「反応なし」になり、顔色が青ざめてくるまで、病院の心停止チームに連絡しなかった。[233]午前6時31分、ウォーホルは突然の不整脈により死亡が宣告された。[234] [233]

ペンシルベニア州ベセルパークのセント・ジョン・ザ・バプティスト・ビザンチン・カトリック墓地にあるウォーホルの墓

ウォーホルの兄弟は遺体をピッツバーグに運び、トーマス・P・クンサック葬儀場で棺を開けた通夜が行われた。頑丈な青銅製の棺には金メッキの柵と白い布張りが施されていた。ウォーホルは黒のカシミアスーツ、ペイズリー柄のネクタイ、プラチナのかつらを着けていた。 [235]彼は小さな祈祷書と赤いバラを手にして安置された。葬儀の典礼は1987年2月26日、ピッツバーグ北側のホーリー・ゴースト・ビザンチン・カトリック教会で行われた。ピーター・テイ神父が弔辞を述べた。[236]典礼の後、白いバラとアスパラガスのシダで覆われた棺はピッツバーグ南郊ベセル・パークの聖ヨハネ・バプテスト・ビザンチン・カトリック墓地に運ばれ、ウォーホルは両親の隣に埋葬された。[237]司祭は墓の脇で短い祈りを捧げ、棺に聖水を振りかけた。棺が下ろされる前に、ウォーホルの親友であり『インタビュー』誌のスタッフでもあったペイジ・パウエルが、2月号と3月号のコピーとエスティ・ローダーのビューティフル・オードパルファムを墓に捧げた。[238] [239]

ウォーホルの追悼式は1987年4月1日にマンハッタンのセント・パトリック大聖堂で行われた。[240]式典には2,000人以上が出席し、中にはウォーホルの協力者や、ラクエル・ウェルチ、デビー・ハリー、ライザ・ミネリ、クラウス・フォン・ビューロー、カルバン・クラインなど多くの有名人も含まれていた。[241] [242]ジョン・リチャードソンとオノ・ヨーコが追悼の言葉を述べた。[242]その後、パラマウント・ホテル下のダイアモンド・ホースシュー・ナイトクラブで昼食会が開かれた。[243]

不法死亡訴訟

1987年4月、ニューヨーク州保健局は、ウォーホルが入院から死亡の数時間前まで、ニューヨーク病院で適切なケアを受けていなかったという報告書を発表した。不適切なケアには、手術前に適切な検査が行われなかったこと、ウォーホルがアレルギー反応を起こした可能性のある抗生物質を投与したこと、水分過剰を招いたこと、カルテに正確な記録を何度も取らなかったことなどが含まれる。報告書によると、手術自体には問題はなかったという。[232]これを受けて、病院はウォーホルの看護のために雇われていた個人看護師を解雇し、彼女の監督を任されていた看護師に罰金を科した。[244]しかし、病院は看護上の不備はウォーホルの死を引き起こすほど重大なものではないと主張した。[244]

1991年12月、ウォーホルの家族は、不整脈は不適切な治療と水中毒によって引き起こされたと主張し、ニューヨーク州最高裁判所のアイラ・ガマーマン判事の前で、不十分な治療を理由に病院を訴えた。[245]この医療過誤訴訟はすぐに示談となり、ウォーホルの家族は非公開の金額の賠償金を受け取った。[246]

手術前、医師たちはウォーホルが生き延びると予想していたが、彼の死後約30年を経て再評価したところ、ウォーホルの手術は当初考えられていたよりもリスクが高かったことを示す多くの兆候が示された。当時、ウォーホルは「通常の」手術で亡くなったと広く報道されていたが、彼の年齢、胆嚢疾患の家族歴、過去の銃創、そして手術前の数週間の健康状態といった要素を考慮すると、手術後の潜在的な死亡リスクは相当なものだったと思われる。[247]

芸術作品

絵画と版画

1960年代初頭、ポップアート運動は複数のアーティストが独自に取り入れていた実験的な表現形式でした。ロイ・リキテンスタインをはじめとする先駆者たちは、後にこの運動の代名詞となる存在となりました。後に「ポップアートの法王」として名を馳せるウォーホルは、この新しいスタイルに目を向け、人気の高い主題をパレットに取り入れるようになりました。彼の初期の作品には、漫画や広告から引用したイメージが、絵の具の滴で手描きされています。この滴は、ウィレム・デ・クーニングのような成功した抽象表現主義者のスタイルを模倣したものです。

こうした初期から、彼は後の作風と主題を発展させていった。当初は特徴的な主題に取り組んでいたが、ウォーホルは次第に独自のスタイルを追求し、芸術的プロセスから手作りの要素を徐々に排除していった。ウォーホルは絵画制作の技法としてシルクスクリーン版画を早期に採用した。後期のドローイングはスライド投影からトレースしたものだった。ウォーホルには長年にわたり、ジェラード・マランガ、ロニー・カトローネ、ジョージ・コンドなど、ウォーホルの指示に従ってシルクスクリーンの複製作品を制作したアシスタントが数人いた。[248] [249]

ウォーホルの最初のポップアートの絵画は1961年4月にニューヨークデパートのボンウィット・テラーのウィンドウディスプレイの背景として展示されました。[250] 1962年の初の大規模な展覧会では、ウォーホルは20年間昼食に食べていたと主張するキャンベルスープの有名な缶を描きました。[251]ウォーホルは、ドル紙幣、キノコ雲、電気椅子、缶、コカコーラの瓶、マリリン・モンロー、エルビス・プレスリー、エリザベス・テイラーなどの有名人、新聞の見出しなど、アメリカを象徴する物を描き始めました。彼の作品は人気が出て物議を醸しました。ウォーホルはコカコーラについて次のように述べています。

この国の素晴らしいところは、アメリカが、最も裕福な消費者が最も貧しい消費者と基本的に同じものを買うという伝統を始めたことです。テレビでコカ・コーラを見れば、大統領がコカ・コーラを飲んでいること、リズ・テイラーがコカ・コーラを飲んでいることが分かります。そして、考えてみて下さい、あなたもコカ・コーラを飲めるのです。コカ・コーラはコカ・コーラであり、どんなにお金を出しても、街角の浮浪者が飲んでいるコカ・コーラより美味しいコカ・コーラは買えません。どのコカ・コーラも同じで、どれも美味しいのです。[252]

1962年、ウォーホルは有名なマリリン・シリーズを制作しました。「フレーバー・マリリン」は、このサブシリーズの14点のキャンバスから選ばれた作品です。キャンバスの中には、ライフセーバーのフレーバーにちなんで名付けられたものや、背景の色で識別されるものもあります。[253]ウォーホルはコミカルな作品とシリアスな作品の両方を制作し、スープ缶や電気椅子など、様々な題材を描きました。ウォーホルは、著名人、日用品、あるいは1962年から63年にかけて制作された「デス・アンド・ディザスター」シリーズに見られるような自殺、自動車事故、災害といった題材を描く際にも、シルクスクリーンという技法を用い、連続的に複製され、鮮やかな色彩で描かれました。[254]

1970年、ウォーホルの1960年代のスタジオからスクリーン印刷用の材料がヨーロッパに持ち込まれ、「サンデーBモーニング」という名の新しいシリーズの版画が制作された。[255]ウォーホルは当初250部限定のエディションに署名と番号をつけたが、スタジオの従業員との論争の後、彼が提供したのと同じ写真ネガとカラーコードを使用して、ブリュッセルで無許可の署名なしのエディションが制作された。[256]これらの後期の版画には「サンデーBモーニング」または「ここに署名を追加」というスタンプが押され、中にはウォーホルの免責事項「これは私、アンディ・ウォーホルの作品ではありません」と書かれたものもあった。[257]これらの中で最も広く知られているのは、1967年のマリリン・モンローのポートフォリオ・プリントで、2010年代まで制作され続けた。[258]サンデーBモーニング版は、フラワーズ、キャンベルスープI、キャンベルスープ缶II、金のマリリンモンロー、ドル紙幣など、他の作品にも発行されています。初期のバージョンでは裏面に黒のスタンプが押されていましたが、1980年代には青に変更されました。[259] [260]

1970年代に、ウォーホルは肖像画家へと進化し、著名人や社交界の人々の依頼を受けて肖像画を描いた。 [261] [206] 1974年、ユニオン・スクエア・ウェスト33番地の古いファクトリーで制作した最後の肖像画は、その2年前に他界した母親、ジュリア・ウォーホラの作品だった。[262]ブロードウェイ860番地の新しいファクトリーでは、1972年から74年の作品に見られたフィンガーペインティングやジェスチャーの複雑さを捨て、よりすっきりとした合理化されたスタイルを採用した。これは、古いスタジオの乱雑さから新しいスタジオの開放性への移行を反映している。[262]ウォーホルが1975年から76年の間に制作した肖像画の多くには、紺碧やミント、ラベンダーのウォッシュの下に遠くを見つめる目が描かれ、柔らかくパステル調の外観が共通している。このスタイルは、ミック・ジャガー、ジョー・マクドナルド、ロイ・リキテンスタイン、マリリン・カープ、マーシャ・ワイズマン、ドーダ・ヴォリディス、ティナ・フリーマン、キャロル・コールマンの描写を特徴づけた。 [262]

BMWグループ - 4 M1（1979）、ウォーホル作

ウォーホルは依頼された肖像画だけを描いていたわけではない。肖像画以外の作品の中には、彼が描き始める前にディーラーから依頼されたものもあった。彼のスタジオ制作は、同じ強度と量で、60年代半ばのレベルに戻った。マオ・シリーズ（1972-73年）の後、彼は1974年に「ハンド・カラード・フラワーズ」を制作した。これは、黒のシルクスクリーンと手描きの水彩画で構成された10点の花の版画のポートフォリオである。[263] [264] 1975年、ウォーホルは「レディース・アンド・ジェントルメン」シリーズを完成させ、続いて1976年に「キャッツ・アンド・ドッグス」 、同年後半に「スカルズ」シリーズを制作した。 [265] 1977年、彼は「トルソス」シリーズをデビューさせ、続いて「シャドウズ」（1978-79年）を開始した。[266] [267]

1979年、ウォーホルはBMWアートカープロジェクトの第4弾として、BMW M1 グループ4のレーシングバージョンのペイントを依頼された。 [268] 1978年には当初BMW 320iのペイントを依頼されたが、車種が変更されたため、その年のレースには出場できなかった。[269] [270] [271]ウォーホルは、技術者にスケールモデルのデザインを車に転写させるのではなく、自分で自動車に直接ペイントした最初のアーティストだった。[268]伝えられるところによると、車全体にペイントするのにかかった時間はわずか23分だった。[272] 1979年のル・マン24時間レースでは、レーシングカードライバーのエルヴェ・プーラン、マンフレッド・ヴィンケルホック、マルセル・ミニョーがこの車を運転した。[268]

ジャン＝ミシェル・バスキア（1982年）[273]などの「酸化絵画」（別名「小便絵画」）も、 この文脈で注目に値します。これらの作品とその制作手段が、ウォーホルのファクトリーの雰囲気をどのように反映していたかにも注目することが重要です。元インタビュー誌編集者のボブ・コラセロは、ヴィクトル・ユーゴーが​​「オキザシオン」で「幽霊小便者」のように、ウォーホルとロニー・クトローネが銅絵の具で下塗りしたキャンバスに小便をしていたと回想しています。ウォーホルによると、カットローネのビタミンBが色彩をより美しくしていたとのことです。初期のウォーホルは、自分の尿を使うことがあり、それを面白がって絵を描くのを手伝ってくれる訪問者もいました[274] 。

1984年、ウォーホルとジャン＝ミシェル・バスキア、ブルーノ・ビショフベルガー、フランチェスコ・クレメンテ

長年にわたるシルクスクリーン、酸化、写真撮影の後、ウォーホルは筆を手に絵画制作に戻りました。1983年、ウォーホルはジャン＝ミシェル・バスキアとフランチェスコ・クレメンテといったアーティストとのコラボレーションを開始しました。[275]ウォーホルとバスキアは1984年から1985年にかけて50点以上の大規模な共同作品を制作しました。[276]これらの作品が初公開された際には批判もありましたが、ウォーホルはそれらのいくつかを「傑作」と呼びました。[277]

1985年、ウォーホルはアミーガコンピュータを使ってデジタルアートを制作し、短編映画『ユー・アー・ザ・ワン』も制作した。[278]また、歌手のデビー・ハリーをモデルに、生放送でデモンストレーションも行った。[279]

ウォーホルはギャラリストのアレクサンダー・イオラスから、レオナルド・ダ・ヴィンチの「最後の晩餐」を基にした作品の制作を依頼された。[280]彼の「最後の晩餐」展は、1987年に死去する直前に開催された。これは、アメリカ人アーティストによる宗教をテーマにした作品としては最大のシリーズである。[281]死の直前、ウォーホルはメルセデス・ベンツのための絵画シリーズ「カーズ」にも取り組んでいた。[282]

図面

ウォーホルは版画、特にシルクスクリーンの作品で最もよく知られていますが、イラストレーターや製図家としても非常に優れた才能を持っていました。[283]初期の紙に描いたドローイングは、ブラインド・コンターや連続線描画といった技法を用いて、気楽さと即時性を表現しています。商業画家として、ウォーホルは「ブロッテッド・ライン」技法の先駆者となりました。これは、インクを紙に塗布し、まだ乾いていないうちに吸い取る技法で、初期の版画制作に似ています。[39]トレーシングペーパーとインクを用いることで、彼は基本的なイメージを繰り返し表現し、単一のモチーフから無数のバリエーションを生み出すことができました。[26]

初期の作品の中で最もよく知られているのは靴のイラストレーションである。[45]彼の個人的な作品のいくつかは、Yum, Yum, Yum（食べ物がテーマ）やHo, Ho, Ho（クリスマスがテーマ）やShoes, Shoes, Shoesなど、小冊子にまとめられて自費出版された。彼の最も批評家から高い評価を得ている画集はA Gold Bookで、若い男性の繊細な絵を集めたもので、金箔でページを飾っているのが特徴である。[284]晩年の画集には、彼の輝かしいキャリアを通じて磨かれた技能とテクニックが表れている。[283]

彫刻

ウォーホルの最も有名な彫刻作品はブリロ・ボックスである。これは、ブリロ・ソープパッド24個を収納するために使われていた、ブランドロゴ入りの大きな段ボール箱を木製のレプリカにシルクスクリーンで印刷したものである。[285]ブリロのオリジナルのデザインは、商業アーティストのジェームズ・ハーヴェイによるものである。ウォーホルのブリロ・ボックスは、ハインツ・ケチャップやキャンベルのトマトジュースの箱も含まれていた「食料品用カートン」作品シリーズの一部であった。 [286]その他の有名な作品には、ヘリウムガスを充填した銀色のマイラー製の枕型風船「シルバー・クラウド」がある。「シルバー・クラウド」は、ウィロビー・シャープがキュレーションした巡回展「エア・アート」（1968～1969年）に展示された。また、 「クラウド」はウォーホルによって、前衛振付家マース・カニンガムのダンス作品「レインフォレスト」（1968年）にも翻案された。[287]

ウォーホルが1980年に制作した「インビジブル・スカルプチャー」は、ファクトリーの部屋の周囲に設置された防犯アラームで構成され、中央の何もない場所に向けて設置されていました。[288]来場者が中央の点に足を踏み入れると、すべてのアラームが同時に作動しました。防犯アラームのない「インビジブル・スカルプチャー」のバージョンは、 1984年にニューヨークのナイトクラブ「エリア」の「アート」テーマの一環として設置されました。 [ 288]

アート市場

ウォーホルの生前、彼の作品は当初は手頃な価格でした。1965年には、「フラワーズ」シリーズの大型作品は約6,000ドルで販売され、小型版はわずか400ドルで入手できました。[263] 1970年代までに、ウォーホルは肖像画制作で収益を上げ、依頼された肖像画1点につき25,000ドル、割引価格の肖像画2点を40,000ドルで販売していました。[206] [289]

ウォーホルの作品市場は、彼の生前、オークションで勢いを増し始めた。1970年、パーク・バーネット・ギャラリーで「キャンベルのスープ缶（ラベルが剥がれた）」（1962年）が6万ドルで落札され、当時、存命のアメリカ人アーティストの作品としては公開オークションで最高額となった。[290] 1978年には、「19セント」（1962年）が9万5000ドルで落札され、ウォーホルのオークション新記録を樹立した。この作品は1962年に1300ドルで購入された後、この価格で落札された。[266] [291]

1987年のウォーホルの死後も、作品の価値は大幅に上昇し続け、彼は世界の美術市場において最も安定した高収益を上げているアーティストの一人としての地位を確立しました。2014年だけでも、ウォーホルの作品はオークションで約5億6,900万ドルの取引高を記録し、その年の世界​​美術市場の6分の1以上を占めました。[292]時折の低迷にもかかわらず、彼の市場は長期的な回復力を示してきました。美術商のドミニク・レヴィは、ウォーホルの市場を「上り坂に引っ張られるシーソー」と表現し、価格は変動するものの、ピークと下落はそれぞれ前回よりも高い水準で起こると指摘しました。彼女はこのパターンを、新たなコレクターの継続的な流入によるものとし、異なる世代や人口統計の人々が定期的に市場に参入し、新たな需要を生み出した後、安定して次の関心のサイクルへと移行していくことを観察しました。[293]

ウォーホルが描いた有名人の画像は高値で取引されており、マリリン・モンローは今でも彼の最も象徴的な題材の1人である。1998年、「オレンジ・マリリン」 （1964年）が1,730万ドルで落札され、当時のウォーホル作品の最高額記録を更新した。 [294]アーティスト市場は2000年代も引き続き活況を呈した。2007年、コレクターのステファン・エドリスとゲイル・ニーソンが、「ターコイズ・マリリン」（1964年）を金融家のスティーブン・A・コーエンに私的取引で売却し、その価値は8,000万ドルと伝えられている。[295] 2007年5月、クリスティーズで「グリーン・カー・クラッシュ（グリーン・バーニング・カーI）」（1963年）が7,110万ドルで落札され、同じオークションで「レモン・マリリン」（1962年）が2,800万ドルで落札された。[296] 2009年11月、1ドル紙幣（1962年）200枚がサザビーズで4,380万ドルで落札されました。[297]

エルヴィス・シリーズはウォーホルの最も重要な作品群の一つであり、制作された22のバージョンのうち11が美術館のコレクションに収められている。[83] エルヴィス・プレスリーをガンマンのポーズで描いた「エイト・エルヴィス」（1963年）は、2008年にアニバーレ・ベルリンギエリによって約1億ドルで非公開で販売された。 [298]関連作品もオークションで好成績を上げており、2012年にサザビーズで3,700万ドルで販売された「ダブル・エルヴィス（フェラス・タイプ）」や、 2014年にクリスティーズで8,190万ドルで販売された「トリプル・エルヴィス（フェラス・タイプ）」がある。 [299] [300] [301]

エリザベス・テイラーの肖像画もまた、非常に人気がある。2007年には、俳優ヒュー・グラントが以前所有していた「リズ（カラード・リズ） （1963年）」がクリスティーズで2,370万ドルで落札された。[302] [303] 2010年11月には、「メン・イン・ハー・ライフ（1962年）」がフィリップス・ド・ピュリで6,340万ドルで落札され、「コカ・コーラ（4）」（1962年）はサザビーズで3,530万ドルで落札された。[304] [305] 2011年5月には、「リズNo.5（アーリー・カラード・リズ）」がフィリップスで2,690万ドルで落札された。[306] 2015年5月には、「シルバー・リズ（1963年、二連画）」が2,800万ドルで落札され、「カラード・モナ・リザ（1963年）」はクリスティーズで5,620万ドルで落札された。[307] [308]

ウォーホルの自画像も同様にオークションで好調な成績を収めている。2010年5月には、ファッションデザイナーのトム・フォードがかつて所有していた1986年制作の紫色の自画像がサザビーズで3,260万ドルで落札された。[309] 2011年5月には、ウォーホルの初期の自画像である1963年から1964年にかけて制作されたものがクリスティーズで3,840万ドルで落札され、1986年制作の赤色の自画像も同じオークションハウスで2,750万ドルで落札された。[310]

2010年代初頭に行われたいくつかの大規模なオークションにより、ウォーホルは世界で最も価値のあるアーティストの一人としての地位をさらに確固たるものにした。2013年11月、ウォーホルのめったに展示されない二連画「シルバー・カー・クラッシュ（二重災害）（1963年）」がサザビーズで1億540万ドルで落札され、当時のウォーホルのオークション記録を更新した。[311] [254]同じ月、コカコーラ（3）（1962年）がクリスティーズで5730万ドルで落札された。[312] 2014年5月には、「レース・ライオット（1963年）」が6290万ドル、 「ホワイト・マリリン（1962年）」が4100万ドルでクリスティーズで落札された。[313]ウォーホルが描いたマーロン・ブランドの肖像画「フォー・マーロンズ（1966年）」は、2014年11月にクリスティーズで6960万ドルで落札された。[314]

ウォーホルの市場は2010年代後半から2020年代初頭にかけて世界的に拡大を続けました。同年、ヘッジファンドマネージャーの ケネス・C・グリフィンがプライベートセールで「オレンジ・マリリン」を約2億ドルで購入したと報じられています。 [315] 2022年3月には、シンワオークションで「シルバー・リズ（フェラスタイプ）」が23億円（1890万ドル）で落札され、日本のオークション記録を更新しました。[316] 2022年5月には、「ショット・セージ・ブルー・マリリン」（1964年）がクリスティーズで1億9500万ドルで落札され、オークション史上最高額のアメリカ美術作品となりました。[317]

コレクター

エミリーとバートン・トレメインは、ウォーホルの初期のコレクターであり、最も影響力のある支持者の一人でした。彼らはウォーホルの作品を15点以上購入しました。その中には、現在ロンドンのテート・モダンに所蔵されている「マリリン・ディプティク」 （1962年）や、現在ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリーに所蔵されている「ア・ボーイ・フォー・メグ」 （1962年）などがあり、どちらも1962年にウォーホルのスタジオから直接購入されました。[263] [266]ウォーホルは、彼らの支援と励ましへの感謝の気持ちとして、クリスマスプレゼントとして、トレメイン夫妻のニューヨークのアパートに小さなマリリン・モンローの頭部を贈ったことがあります。 [318]

ロバート・スカルとエセル・スカルもウォーホル作品の初期の重要なパトロンであった。[319]エセル・スカルはウォーホルの最初の依頼による肖像画「エセル・スカル36タイムズ」（1963年）の題材となり、現在はメトロポリタン美術館のコレクションに収蔵されている。[319]

ビジネスアート

ウォーホルは「ビジネス・アート」のファンであり、著書『アンディ・ウォーホルの哲学 AからBへ、そしてまた戻る』の中でこう述べている。「私はビジネス・アートの道へ進んだ。アート・ビジネスマン、あるいはビジネス・アーティストになりたかった。ビジネスで成功するということは、最も魅力的なアートだ」。彼が単なるビジネス・アーティストへと転落したことは、批判の対象となった。[320]しかし、後になって、ウォーホルの浅薄さと商業主義を「私たちの時代を最も鮮やかに映し出す鏡」と捉え、「ウォーホルは1970年代のアメリカ文化の時代精神を、抗しがたい何かで捉えていた」と主張する批評家もいる。[207]

ウォーホルは絵画やドローイングに加え、映画の監督・プロデュース、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドのマネージメント、多数の著書の執筆に加え、オーディオ、写真、彫刻、演劇、ファッション、パフォーマンスアートなど、多様なメディアで作品を制作しました。芸術、商業、そして日常生活の境界を曖昧にする彼の能力は、彼の創造哲学の中核を成していました。「おそらくウォーホルの最大の魅力は、彼が私たちの世界に浸透し、それを要約する方法です。彼と私たちの日常生活を区別することは、事実上不可能であり、そもそも無意味です」と、アーティストのマウリツィオ・カテランは述べています。[321]

フィルモグラフィー

夜空を背景にライトアップされたエンパイア・ステート・ビルのざらざらした白黒の静止画像
1965年の映画『帝国の逆襲』の静止画

1963年から1968年の間に、ウォーホルはファクトリーの訪問者を撮影した白黒の短い「スクリーンテスト」ポートレートを含む600本以上のアンダーグラウンド映画を制作した。 [322] [323]彼の映画の多くは、グリニッチビレッジのニューアンディウォーホルギャリックシアターとマンハッタンのミッドタウンにある55番街プレイハウスで初公開された。[324] [325]

彼の初期の実験映画は、ごくありふれた日常生活を静かに観察した作品である。『スリープ』（1964年）は、詩人ジョン・ジョルノが6時間眠る様子を捉えている。 [ 326 ] 『キス』（1964年）は、様々なカップルがキスをする様子を映している。 [327] 『イート』（1964年）は、芸術家のロバート・インディアナが45分間キノコを食べる様子を映している。[327] 35分間の『ブロウ・ジョブ』 （1964年）は、詩人ウィラード・マースからオーラルセックスを受けていると思われるデヴェレン・ブックウォルターの顔を連続的に映したショットであるが、カメラが下を向くことはなく、その証拠として映し出されている。[328]

これらの功績により、メカスはウォーホルに1964年のインディペンデント映画賞を授与した。これは「アンダーグラウンド映画界のオスカー賞」であった。[329] ニューズデイ紙のマイク・マグレディはウォーホルを「オフハリウッドの映画製作者セシル・B・デミル」と称賛した。 [329] ヴィレッジ・ヴォイス紙はウォーホルをニューヨークで「最もエキサイティングな」映画製作者の一人と呼んだ。[330]

1964年、ウォーホルはDCコミックスの許可なく『バットマン ドラキュラ』を制作・監督した。この作品は自身の展覧会でのみ上映された。バットマンシリーズのファンであったウォーホルにとって、この映画は「オマージュ」であり、露骨に大げさなバットマンの初登場作とされている。この映画は最近まで失われたと考えられていたが、2006年のドキュメンタリー映画『ジャック・スミスとアトランティスの破壊』で、そのシーンが長時間にわたって上映された。[331]

ウォーホルの1965年の映画『エンパイア』は、エンパイア・ステート・ビルを8時間にわたって映し出した作品であり、その直後にはアンソニー・バージェスの人気ディストピア小説『時計じかけのオレンジ』を原作とした『ビニール』（1965年）が公開された。彼の他の映画では、テイラー・ミード、ブリジッド・バーリン、イーディ・セジウィック、オンディーヌ、ニコ、インターナショナル・ベルベットといっ​​たファクトリーの常連メンバーによる即興の会話が描かれている。[要出典]

ポール・モリッシー監督の『フレッシュ』（1968年）のジョー・ダレサンドロ

彼の映画『チェルシー・ガールズ』（1966年）は、1960年代に初めて広く人気を博し、映画評論家の注目を集めたアンダーグラウンド映画となった。[327]この映画は、2本の16ミリフィルムを同時に映写し、2つの異なる物語を並行して上映するという点で非常に革新的だった。映写室では、一方の映画の「物語」を説明するために音量を上げ、もう一方の映画の音量を下げていた。[332]

ウォーホルのスーパースターであるヴィヴァとルイス・ウォルドンがベッドで愛し合う問題を描いた物議を醸した映画『ブルー・ムービー』（1969年）は、ウォーホルが監督を務めた最後の映画となった。 [333] [334]ポルノ黄金時代における重要な作品であり、当時は性行為に対する率直なアプローチが物議を醸した。 [335 ] 2005年、『ブルー・ムービー』は30年以上ぶりにニューヨークで公開された。[336]

ウォーホルが1968年に瀕死の銃撃から回復する間、助監督のポール・モリッシーがファクトリー集団の映画製作のほとんどの作業を引き継いだ。[133]モリッシーは、『フレッシュ』（1968年）、『トラッシュ』（1970年） 、『ヒート』 （1972年）で、ウォーホル・ブランドの映画をより主流で物語中心のB級エクスプロイテーション映画へと導いた。[133]アンディ・ウォーホルの『ドラキュラ』（1973年）や『フランケンシュタイン』（1974年）を含むこれらの映画はすべてジョー・ダレサンドロが主演し、現在ではカルト的な古典と見なされている。ウォーホルがプロデュースした最後の映画『バッド』はキャロル・ベイカーが主演で、モリッシーとダレサンドロのどちらも不在で作られた。この映画はウォーホルのボーイフレンドで、モリッシーの映画を何本か手伝っていたジェド・ジョンソンが監督した。[337]

ウォーホル監督作品のほとんどは、ウォーホル自身と彼の事業を運営していた周囲の人々によって流通から外されました。1984年、ウォーホルの支援を受けて、ホイットニー美術館とニューヨーク近代美術館はウォーホル作品の修復に着手し、現在では美術館や映画祭で時折上映されています。[323] 2022年、アンディ・ウォーホル美術館は、ユーザーが無料で美術館のコンテンツを視聴したり、コレクションからウォーホル作品の一部をレンタルしたりできるストリーミングプラットフォーム「ウォーホルTV」の立ち上げを発表しました。[338]

劇場とテレビ

ウォーホルの戯曲『アンディ・ウォーホルのポーク』は、1971年5月にニューヨークのラ・ママ劇場で初演され、2週間上演された。[339] 1971年8月にはロンドンのラウンドハウス劇場でさらに長く上演された。 『ポーク』は、ブリジッド・バーリンとウォーホルの会話を録音したものに基づいている。バーリンは、ウォーホルと自身の母親で社交界の名士であったハニー・バーリンとの電話での会話を録音したテープをウォーホルに聞かせていた。[340] 1974年、ウォーホルはミュージカル『マン・オン・ザ・ムーン』の舞台装置をデザインした。[341]

1968年、ウォーホルはニューヨークのシュラフト・レストランのテレビコマーシャルを制作した。このコマーシャルは「アンダーグラウンド・サンデー」という適切なタイトルのアイスクリームデザートだった。 [342]ウォーホルは、彼のお気に入りのテーマである「何もない」についてのテレビスペシャルを夢見ており、それを「何もないスペシャル」 と名付けた。[337]その後、彼は3つのテレビ番組を制作した。「ファッション」（1979年 - 1980年）、「アンディ・ウォーホルのTV」（1980年 - 1983年）、そしてMTVシリーズ「アンディ・ウォーホルの15分間」（1985年 - 1987年）である。[343]

音楽とカバーアート

アンディ・ウォーホルと彼の爆発するプラスチックの必然性に関する1966年のポスター

1963年、ウォーホルはニューヨークのプロトコンセプチュアルアートとミニマルアートコミュニティの著名なメンバーが参加した短命の前衛ノイズミュージックバンド、ザ・ドラッズを結成した。 [344]

1965年、ウォーホルはヴェルヴェット・アンダーグラウンドというバンドを採用し、彼らをマルチメディア・パフォーマンス・アート・ショー「エクスプローディング・プラスチック・イネヴィタブル」の重要な要素に据えた。 [345]ヴェルヴェット・アンダーグラウンドのミュージシャンたちと関わるようになったのは、彼が音楽プロデューサーになりたいという願望を表明したことがきっかけだった。[346] [347]ウォーホルとポール・モリッシーはバンドのマネージャーを務め、彼らをニコに紹介した。ニコはウォーホルの要請でバンドと共演することとなった。[348]ヴェルヴェット・アンダーグラウンドのマネージャーとして、ウォーホルは自身が上映する映画の前で演奏する際には、メンバー全員に黒ずくめの服を着せていた。[349]

1966年、彼は彼らのファーストアルバム『ヴェルヴェット・アンダーグラウンド＆ニコ』を「プロデュース」し、アルバムアートワークも担当した。アルバム制作への彼の実質的な参加は、スタジオ使用料を支払った程度であった。[350]

バンドの最初のアルバムの後、ウォーホルとバンドリーダーのルー・リードはバンドの方向性について意見の相違が深まり、ウォーホルは1967年に解雇された。[351] [352] 1989年、リードとジョン・ケイルは1972年以来初めて再結成し、ウォーホルへのトリビュートとしてコンセプトアルバム『ソングス・フォー・ドレラ』の作曲、演奏、録音、リリースを行った。 [353] 2019年10月、ウォーホルの1975年の著書『アンディ・ウォーホルの哲学：AからBへ、そしてまた戻る』に基づいた、リードによる公には知られていない音楽のオーディオテープが、ピッツバーグのアンディ・ウォーホル美術館のアーカイブで発見されたと報じられた。[354]

ウォーホルは1950年代のイラストレーター時代から、様々なアーティストのアルバム・ジャケットを数多くデザインした。彼がデザインしたアルバム・ジャケットには、ジョー・ニューマン・オクテットの『 I'm Still Swinging』 （1955年） 、ケニー・バレルの『 Blue Lights, Vols. 1 & 2 』（1958年） 、ジョン・ワロウィッチの『This Is John Wallowitch!!!』（1964年）、ローリング・ストーンズの『Sticky Fingers』（1971年）と『Love You Live』（1977年）、ジョン・ケイルの『The Academy in Peril』 （1972年）、ダイアナ・ロスの『 Silk Electric』（1982年）、アレサ・フランクリンの『 Aretha』（1986年）などがある。[355] [356]

1984年、ウォーホルはカーズのミュージックビデオ「Hello Again」の共同監督を務め、バーテンダー役でビデオに出演した。[357] [358] 1986年、ウォーホルはキュリオシティ・キルド・ザ・キャットのミュージックビデオ「 Misfit」の共同監督を務め、カメオ出演した。[359] [360]

書籍と雑誌

ウォーホルの絵と署名

1950年代後半から、ウォーホルは自身の作品を綴じていないポートフォリオをいくつか制作した。1957年には、彼の製本された作品集『25 Cats Name Sam and One Blue Pussy』がシーモア・バーリン社によって出版された。[56]バーリン社はまた、ウォーホルが自費出版した他の作品集、『A Gold Book』（1957年）や『Wild Raspberries』（1959年）も出版した。[361] [362]ウォーホルの作品集『A La Recherche du Shoe Perdu』は、彼の「商業アーティストからギャラリーアーティストへの転身」を象徴するものである。[363]このタイトルは、フランスの作家マルセル・プルーストの『À la recherche du temps perdu 』のタイトルをウォーホルが言葉遊びでアレンジしたものである。[363] 作品を生み出すため、これらの作品集の大部分は、彼のイラストに注目を集めるために人々に配布されることを目的として出版された。[57]

名声を得た後、ウォーホルは商業的に出版された数冊の本を「執筆」しました。

  • アンディ・ウォーホルのインデックス（書籍）（1967年、ISBN 9780517566985）は、ウォーホルのファクトリーでの風景を描写した作品で、ウォーホルとその仲間たちの写真、ポップアップページ、銀色の風船、そしてウォーホルが録音したニコと詩人ルネ・リカールの対談音声を収録したソノシートが付いていた。また、3つのインタビューも収録されていた。[364]
  • 小説『A』（1968年、 ISBN 978-0-8021-3553-7）は、オンディーヌとアンディ・ウォーホルの友人数人がファクトリーで過ごしたり、話したり、出かけたりしている音声録音の文字どおりの転写であり、スペルミスや音声的に書かれた背景の雑音やつぶやきが含まれている。[365]
  • アンディ・ウォーホルの哲学（AからBへ、そしてまたAへ）（1975年、 ISBN 978-0-15-671720-5）、パット・ハケットは、アンディ・ウォーホルから贈られたカセットテープを使って、日々の電話での会話をもとに本の書き起こしと文章を書いた。[366]カセットテープには、ブリジッド・バーリンと元インタビュー誌編集者のボブ・コラセロとの会話が収録されている。[367]
  • 露出（1979年、 ISBN 9780448128504ウォーホルとボブ・コラセロが共著した『ウォーホルの名作写真集』（原題：Warhol Holmes and Bob Colacello）は、ウォーホルが有名な友人たちを撮影した写真と逸話をまとめた本である。
  • ポピズム：ウォーホルの60年代（1980年、 ISBN 978-0-15-173095-7）は、ウォーホルとパット・ハケットが執筆した、1960 年代を振り返り、ポップアートの役割を考察した本です。
  • ウォーホルのアメリカ（1985年、ISBN 978-0060960049）は、ウォーホルが10年以上の旅で集めた写真と、逸話や皮肉でしばしば予想外に深い反省を組み合わせ、アメリカへの独特のラブレターを提示している。[368]
  • アンディ・ウォーホルの日記（1989年、 ISBN 978-0-446-39138-2パット・ハケットが編集した『ウォーホルの日記』（原題：Warhol's Diary）は、ウォーホルがハケットに毎日の電話で話した内容を口述した日記である。[366]ウォーホルは監査を受けた後、支出を記録するためにこの日記を書き始めたが、すぐに個人的および文化的な観察も含まれるようになった。[369]

ウォーホルはタイム誌やヴォーグ誌 など多くの雑誌の表紙を制作した。[370] 1969年に創刊したインタビュー誌は映画評論家として広く知られるようになり、1972年にはポップカルチャー雑誌となった。[371] [372]

アンディ・ウォーホルが撮影したクリストファー・マコスとデビー・ハリーの写真。1980年に彼女のシルクスクリーンの肖像画の撮影中にファクトリーで撮影された。

写真撮影と録音

ウォーホルはシルクスクリーンの絵画のベースとしてポラロイド写真を使用していました。これらの写真はほとんどがビッグショットカメラで撮影されました。[373]肖像画の制作中、ウォーホルは通常、被写体の写真を何十枚も撮影し、その中から絵画の下地となる最良の写真を選びました。絵画に対するこの写真的なアプローチと彼のスナップショット撮影法は、芸術写真に大きな影響を与えました。ウォーホルは熱心な写真家でもあり、ポラロイドSX-70を携帯用カメラとしても使用していました。[374]彼はファクトリーの訪問者、友人、有名人の写真を大量に撮影し、その多くがスタンフォード大学に収蔵されています。[375] [376]

ウォーホルはかつて、どこへ行くにも携帯型のテープレコーダーとカメラを持ち歩き、ほぼすべての言動を記録していた。彼はレコーダーを「妻」と呼んでいた。[377]これらの録音の一部は、彼の文学作品の基盤となった。ウォーホルはまた、『インタビュー』誌にインタビューを録音し、ポラロイド写真を定期的に掲載した。2015年には、タッシェン社から『アンディ・ウォーホル：ポラロイド 1958–1987』が出版された。[378]

ファッション

ウォーホルのキャンベルスープ缶をモチーフにした「スーパードレス」（1967年）

ウォーホルは「絵を​​飾るよりドレスを買って壁に飾る方がいいだろう？」と言ったと伝えられている。[204]ウォーホルは現代のダンディと評され、その権威は「言葉よりも存在感に支えられていた」とされている。[379]彼のファッション業界での仕事には、デパートのウィンドウディスプレイ、ヴォーグ誌やハーパーズ・バザー誌のイラストレーション、そしてモデルとしてのキャリアなどがある。[380]

1965年、ウォーホルはクープチック・フォレストのために毛皮をデザインしました。[381] 1966年、ペーパードレスの人気が高まり、ブルックリンのアブラハム＆ストラウス百貨店はウォーホルを招き、マース・マニュファクチャリング社製の無地の白いペーパードレスの装飾デモンストレーションを行いました。ドレスには筆と水彩絵の具セットが付属しており、ウォーホルはドレスを自分好みにカスタマイズすることができました。[103]イベント中、ウォーホルはニコが着ていたドレスに「FRAGILE（壊れやすい）」とシルクスクリーンで印刷し、「Dalí（ダリ）」とユーモラスにサインしました。また、別のドレスには大きなバナナのスクリーン印刷を施しました。どちらの作品も最終的にブルックリン美術館に寄贈されました。[382]

ウォーホルは、元ヴォーグ編集長のダイアナ・ヴリーランド、ファッションデザイナーのカール・ラガーフェルド、イヴ・サンローラン、ハルストン、ダイアン・フォン・ファステンバーグ、カルバン・クラインなど、ファッション業界の著名人と親交を深めた。[383] [384] [385] [380] 1972年、ウォーホルはコティ賞でハルストンとコラボレーションした。[386]

1997年、ニューヨークのホイットニー美術館は、アンディ・ウォーホル美術館の主催により「ウォーホル・ルック：グラマー、スタイル、ファッション」展を開催した。 [387]

公人

キャリア初期、ウォーホルは自身の経歴、習慣、そして仕事のやり方について記者に矛盾した説明をすることが多かった。彼は報道機関を情報拡散の研究対象とみなしていたのだ。 1976年にピープル・ウィークリー誌に語ったように、「私は雑誌ごとに異なる情報を提供するのが好きでした。それはまるで、人々が情報を得る場所を追跡するようなものだったからです」[337] 。小さな矛盾を植え付けることで、彼は記事がどのように広まり、進化していくかを観察し、インタビューをペルソナ、作家性、そしてメディア行動を駆使した彼の継続的な遊びの一部へと変えていった。

ウォーホルはまた、他人に代弁してもらうことを好んだ。[388] [389]公の場では、ますます非人間的なコミュニケーションスタイルに頼るようになった。これは、自身の作品制作から距離を置きたいという衝動を反映している。彼はしばしば、ぼんやりとした表情と「まあ」「えーと」「本当？」といった単調な言葉の裏に隠れ、メディアに対しては「一音節の奇人」あるいは「キートン風の白痴の天才」として振る舞うことを楽しんでいるようだった。 [390]彼は、彼の作品について知るべきことはすべて「すでに表面上に存在する」と示唆した。[204]彼の恋人ジェド・ジョンソンは、「彼は、アーティストは作品を他人に見せる際は中立的な表情を保つべきだと考えていた。喜びや不快感を露わにするのは、やはり『陳腐』だと思っていた。私は美術館やギャラリーでの彼の展覧会オープニングを何度も見てきたが、彼は常にその方針を守っていた」と述べている。[391]

私生活

セクシュアリティと人間関係

ウォーホルはゲイ解放運動以前からゲイとして生活していたが、メディアでは私生活を隠していたことが多かった。1950年代、ウォーホルは美術館に男性ヌードの同性愛的デッサンを提出したが、ゲイであることを公然と表現しすぎるとして却下された。[392] [393]著書『ポピズム』の中で、ウォーホルは映画監督のエミール・デ・アントニオとの会話を回想し、当時より有名だった（しかしゲイであることを隠していた）ゲイのアーティスト、ジャスパー・ジョーンズやロバート・ラウシェンバーグに社会的に受け入れられるのに苦労したことについて語っている。デ・アントニオはウォーホルについて、「あまりにスマートすぎるので、彼らを動揺させる。…一流の画家はまともに見えようとするが、ウォーホルはスマートさを強調する。まるで鎧を身に着けているようだ」と説明した。[62]これに対してウォーホルはこう答えた。「私はいつも人々の表情を見るのがとても楽しかった。抽象表現主義の画家たちの振る舞いや彼らが作り上げたイメージを見れば、画家が颯爽と登場するのを見て人々がどれほどショックを受けたかがわかるだろう。私は生まれつき男っぽい男ではなかったが、あえてその反対の極端を演じようとしていたことを認めなければならない。」[394]

ウォーホルの同性愛が彼の作品に与えた影響については、広く研究されている。[393] 彼は、アメリカ合衆国で同性愛がひどく烙印を押され、法的にも制約されていた時代に、多くの作品や映画を通して自身のクィアなアイデンティティを表現した。 [393]ウォーホルはキャリアを通して、男性ヌードのエロティックな写真やドローイングを制作した。彼の最も有名な作品のいくつか、例えばライザ・ミネリ、ジュディ・ガーランド、エリザベス・テイラーの肖像画や、『ブロウ・ジョブ』（1964年）、『マイ・ハスラー』 （1965年）、『ロンサム・カウボーイズ』（1968年）といった映画は、ゲイのアンダーグラウンド文化を題材にしたり、セクシュアリティや欲望の複雑さを公然と探求している。彼の映画の多くは、1960年代にゲイ・ポルノ劇場で初公開された。 [395]

1980年、ウォーホルはフォーラム誌で、自分はまだ童貞だと宣言した。[396]元インタビュー編集者のボブ・コラセロは、おそらくこれは真実であり、彼が経験したわずかなセックスは「 （ウォーホルの言葉を借りれば）のぞき見と自慰行為の混合」だっただろうと推測した。[ 397]しかし、この主張は、ウォーホルが1960年に性感染症であるコンジローマで入院していたという事実と矛盾する。[398]さらに、ウォーホルの友人の中には、ウォーホルのセックスを目撃し、彼がその性行為を自慢するのを聞いたという者もいる。[399]ウォーホルが片思いしていた美術デザイナーのチャールズ・リザンビーは、ウォーホルがセックスを「汚くて下品」だと言ったと語っている。[400]「彼は私に、セックスは何度かしたことがあると言っていました。試してみたけど、あまり好きではなかったんです」とリザンビーは語った。[399]

ウォーホル自身が無性愛者であることを告白していたため、彼の関係はすべてプラトニックなものだと思われていた。[401]ウォーホルのスーパースターで、双子の兄弟が長年のパートナーだったジェイ・ジョンソンは、「彼は、自分がのぞき見好きで無性愛者だと思われることを楽しんでいた。それが彼の神秘性だった」と述べている。[401]一時的にウォーホルの恋人だった写真家のビリー・ネームによると、「アンディのセックスの考え方は、一度か二度して終わらせることでした。アンディにとっては愛ではなく、仲間意識だったのです。」[402] [403]彼はまた、「ウォーホルの性格は非常に傷つきやすいため、無表情でいることが防御になった」とも述べている。[404]ウォーホルは写真家のエドワード・ウォロウィッチを「最初のボーイフレンド」と呼んでいた。[405]彼は芸術家のジョン・ジョルノ、美術史家のロバート・ピンカス＝ウィッテン、映画監督志望のダニー・ウィリアムズと親密な関係にあった。[406] [407] [408]彼の最も長続きした恋愛関係はジェド・ジョンソンとのもので、彼は彼が銃撃された後、看病して健康を取り戻した。[401]ジョンソンは彼と映画でコラボレーションし、インテリアデザイナーとして名声を博した。[409]彼らは12年間「夫婦として機能し、ベッドを共にし、家庭生活を共にした」。[410]ウォーホルの親友スチュアート・ピヴァーは「ジェドとの別れの後、彼は性生活を送っていなかった」と語っている。[411 ]彼の後の交際には、パラマウント・ピクチャーズの重役ジョン・グールドやファクトリーのアシスタントサム・ボルトンがいる。[401] [412]

宗教

最後の晩餐におけるイエスの像（1986年）

ウォーホルは熱心なルーシ派カトリック教徒だった。彼はニューヨーク市のホームレスシェルターで、特に忙しい時期には定期的にボランティア活動を行い、自らを信仰深い人間だと称していた。[413] 1966年、母ジュリア・ウォーホラはエスクァイア誌に対し、ウォーホルは「信仰心の篤い少年」で、毎週日曜日にセント・ポール大聖堂で午後1時のミサに出席していたと語った。 [7]ウォーホルの教会の司祭、セント・ヴィンセント・フェラーは、ウォーホルがほぼ毎日教会に通っていたと述べている。[413]聖体拝領や告解は見られなかったものの、教会の後ろの席に座ったり跪いたりしていたという。[397]司祭はウォーホルが人目を気にしていたと考えた。ウォーホルは、ラテン・カトリック教会で「正教会式」（右から左ではなく左から）に十字を切る姿を見られるのが恥ずかしかったと述べている。 [397] 1980年、ウォーホルはサン・ピエトロ広場で教皇ヨハネ・パウロ2世に謁見した。[397]

ウォーホルの後期作品の多くは宗教的な主題を描いており、その中には「ルネサンス絵画の細部」（1984年）と「最後の晩餐」 （1986年）という2つのシリーズが含まれる。ウォーホルは「最後の晩餐」をテーマにした約100のバリエーションを制作しており、グッゲンハイム美術館はこれを「この主題に対するほとんど強迫観念的な没入を示している」と評価した。[280]さらに、彼の死後、遺産の中に宗教的なテーマの作品群が発見された。[413]

ウォーホルの作品は、東方キリスト教の伝統の影響を顕著に受けており、それは彼の礼拝所にも顕著に表れていた。[413]ウォーホルの弟は、ウォーホルを「非常に信心深い芸術家だったが、プライベートなものだったので、人々に知られたくなかった」と評している。ウォーホルの信仰がプライベートなものであったにもかかわらず、ジョン・リチャードソンはウォーホルの追悼文の中で、ウォーホルの信仰を敬虔なものと描写している。「私の知る限り、彼は少なくとも一度は改宗を促した。甥の聖職者になるための学業に資金を提供することに、彼は大きな誇りを持っていた」[413] 。

2021年11月から2022年6月まで、ブルックリン美術館では「アンディ・ウォーホル：レベレーション」展が開催されました。[414]この展覧会では、ウォーホルの作品にしばしば反映されている、彼の信仰との永続的なつながりを深く掘り下げました。[414]

コレクション

ウォーホルは熱心な収集家で、あらゆるものを保存する「パック・ラット」でした。 [415] [416] 1974年にマンハッタンのスタジオを移転する際、ウォーホルはタイムカプセルの組み立てを開始しました。これは、平均800個のアイテムを収納できる610個のコンテナで構成されるモジュール式の彫刻です。コンテナの大部分は標準的な段ボール箱で、大きなトランクと40個のファイルキャビネットの引き出しが付いています。[417]これには、ウォーホルが自宅で作成したタイムカプセルも含まれており、手紙、電話メッセージ、写真、母親の持ち物など、膨大な個人的な思い出の品が収められています。[417]タイムカプセルは後にアンディ・ウォーホル美術館に移されました。[417]

1974年に設立されたウォーホルのブロードウェイ・ファクトリーは、アール・デコ調の大型家具がその一部を成していた。 [418]映写室には、エドガー・ブラントがデザインした赤い革張りのブロンズ製サイドチェア12脚が一式設置されていた。[419]パネル張りのエグゼクティブ・オフィスには、マカッサル黒檀の突板張りの大きな楕円形のテーブルと、エミール・ジャック・リュールマンがデザインした椅子12脚が置かれていた。[419]ウォーホルによると、これらの家具の多くはもともと「中古家具」として入手されたもので、以前は映画制作の小道具として使用されていたという。[419]

私が覚えている限り、父は毎日2、3時間も買い物をしていました。最初はアメリカインディアンの工芸品を買い始めました…それからアメリカーナも買い始めました。セレンディピティで見たもの全てが気に入ったからです…ティファニーのランプ、メリーゴーランドの馬、パンチ、そしてポップアートへの洞察を促した古い看板など。その後、原始的な肖像画や田舎風のペイント家具、そしてハイスタイルのペイント家具を買いました。そして1974年、ジョージアン様式のタウンハウス を購入した後、フェデラル家具へと移りました。

—ジェド・ジョンソン（1988）[420]

ウォーホルのアメリカ製品コレクションは1977年、アメリカンフォークアート美術館で開催された「アンディ・ウォーホルのフォーク＆ファンク」展で展示されたが、彼のコレクションの本当の規模を知る者は、死後までほとんどいなかった。[421] [422]「アンディは農民の知恵を持っていて、もし人々（非常に裕福な人でも、非常に貧しい人でも）が何か良いものを持っていることを知ったら、おそらくそれを奪おうとするだろうと考えていた。だから彼は持っているものを隠していた。それは人目に触れない消費だった」とウォーホルのパートナーであるジェド・ジョンソンは述べている。[423]ウォーホルは黒のタートルネックの下にダイヤモンドのネックレスをつけ、ベッドの天蓋の上のフェイマス・エイモスのクッキー缶に宝石を隠し、マットレスの中に札束を隠していた。[424] [423] [425]ウォーホルは車を運転しなかったが、メルセデスを所有し、後にロールスロイス・シルバーシャドウを所有した。[426]ジョンソンはロールスロイスを購入したとき、それを美術品と交換したと言うように厳しく命じられていた。[427]

ジョンソンはコレクションを整理していたが、ウォーホルがもっと部屋が必要だと気づいたとき、ジョンソンは1974年にイースト66丁目57番地にタウンハウスを見つけた。 [428]ジョンソンは4階建てのタウンハウスを装飾し、いくつかの華やかな新古典主義の時代風の部屋を作った。[428]ジョンソンと一緒に住んでいたとき、ウォーホルは買い物袋をクローゼットと最上階の収納室に保管することを約束した。[424]しかし、1980年12月にジョンソンが引っ越した後、タウンハウスはウォーホルの購入品で溢れかえった。[429]ウォーホルは1987年2月に亡くなったとき、2階の寝室と地下のキッチンを使用していた。他の部屋は、フィリピン人の家政婦である姉妹のネーナとオーロラ・ブガリンの部屋を除いてすべて収納として使用された。[430] [416]

晩年のウォーホルは、化学者で美術収集家のスチュアート・ピヴァールと毎日買い物に出かけていた。[429]ピヴァールは「傑作か、あるいは面白いガラクタか、何か見つけられないか探していた」と語っている。 [431]ピヴァールによると、ウォーホルはマディソン街に「ウォーホル・ホール」を構想していた。それは、彼が集めている彫刻コレクションを展示する美術館を併設した巨大なギフトショップだった。[431]ピヴァールは、ウォーホルを蚤の市、骨董品店、クリスティーズやサザビーズのオークション会場を巡り、社会を渡り歩く典型的な鑑識眼を持つ人物と見なしていた。[431]ウォーホルの事業部長で遺産執行人のフレッド・ヒューズも、ウォーホルの「ウォーホル・ホール」の構想を支持し、蚤の市ブースの設置を検討していたと付け加えた。[432]

ウォーホルの死後、彼の膨大なコレクションを現代の消費文化の記録としてそのまま残し、彼の家を「芸術界のグレースランド」として保存すべきだと考える人もいた。 [433]しかし、ウォーホルの遺言には、家の維持やコレクションの将来についての規定はなかった。[433] 1988年、ウォーホルのコレクションはニューヨークのサザビーズでオークションにかけられた。[416]ディーラーやコレクターは、売却された3,436ロット、合計約10,000点に魅了された。[434] 10日間のオークションで総額2,530万ドルが集まった。[434] [435]彼のコレクションには、アメリカの店の看板、コカコーラの記念品、19世紀のアメリカの家具、ジャック＝エミール・リュールマン、ジャン・デュナン、ジャン＝ミシェル・フランク、ピエール・ルグランによるアールデコ調の家具、メリーゴーランドの馬、ナバホ族のブランケットラグ、ジャン・ピュイフォルカの銀食器、クッキージャー175個、腕時計313個、フィエスタウェア332個が含まれていた。[210] [432] [424]遺産オークションの後、アンディ・ウォーホル財団の2人の学芸員が、タウンハウスでウォーホルの絵や版画を保管するために使用されていたファイルキャビネットの底に隠された宝石類を発見した。[436]数百個のダイヤモンド、数十個のサファイア、300カラットのエメラルド、パテック・フィリップ、ロレックス、カルティエなどのメーカーの時計96個を含むこのコレクションは、1988年12月にサザビーズで160万ドルで売却されました。[436] [437]

ウォーホルは芸術作品の購入を楽しみ、アントワーヌ＝ルイ・バリ、アントニオ・カノーヴァ、ジャン＝バティスト・カルポー、ジャン＝レオン・ジェロームらによる19世紀の彫刻のコレクションを所有していた。[431] [432]彼のコレクションの絵画の中には、ジョージ・ベローズの『ミス・ベンサム』（1906年）、マン・レイの『女性の絵画』（1954年）、ロイ・リキテンスタインの『笑う猫』（1961年）、『鏡』（1971年）、『帆船』（1974年）、ジャスパー・ジョーンズの『スクリーン・ピース』（1967年）、ジャン＝ミシェル・バスキアの『オール・ビーフ』（1983年）などがある。[431] [438] [439]彼はまた、マルセル・デュシャン、ジョセフ・ホワイティング・ストック、サイ・トゥオンブリー、デイヴィッド・ホックニーらの作品も所有していた。[440] [428] [441]ジョンソンは、ウォーホルが自分の作品を壁に掛けることを拒否し、「自分の作品を飾るのは陳腐すぎる」と言ったことを思い出した。[391]

ウォーホルはまた、1,200冊を超える書籍を収集しました。[442]彼のコレクションは彼の多様な趣味と関心を反映しており、ドミニク・ダンの『The Two Mrs. Grenvilles: A Novel』、マックス・イーストマンの『Artists in Uniform』、ダイアナ・ヴリーランドの『DV』、ジャン・コクトーの『Blood of a Poet』、サルバドール・ダリの『Hidden Faces』、そして『The Dinah Shore Cookbook』などが含まれています。[443]

遺産

マンハッタンのレノックスヒル地区、東66丁目57番地にある彼の自宅の外に、彼の生涯を称える銘板が設置されている。

1991年、ウォーホルの家族とスロバキア文化省によって、スロバキアのメジラボルツェにウォーホル・ファミリー近代美術館が設立されました。1996年にアンディ・ウォーホル近代美術館に改名されました。[444]

1992年、ウォーホルの遺産管理団体は、かつての所有地であるエオセンの15エーカーの土地をザ・ネイチャー・コンサーバンシーに寄贈しました。現在、この土地はアンディ・ウォーホル保護区と呼ばれ、モントークにある2,400エーカーの保護区の一部となっています。[445]

1994年、ピッツバーグにアンディ・ウォーホル美術館が開館した。[446]この美術館は、世界最大のウォーホル作品コレクションを所蔵している。[444]

1998年、ウォーホルの生誕70周年を記念して、マンハッタンのアッパー・イースト・サイドにある57 E 66th Streetにあるタウンハウスが、歴史的建造物保存センターによって文化的ランドマークに指定された。 [447]

2002年、米国郵政公社はウォーホルを記念した18セント切手を発行した。アリゾナ州スコッツデールのリチャード・シェーフがデザインしたこの切手は、アンディ・ウォーホル美術館で開催された式典で公開され、ウォーホルの絵画「自画像、1964年」が描かれている。[448] [449]

スロバキア、ブラティスラバのアンディ・ウォーホルの像

2005年、ピッツバーグのセブンスストリート橋は彼に敬意を表してアンディ・ウォーホル橋と改名された。[450]

パブリックアート基金の委託を受けて、アーティストのロブ・プルーイットはウォーホルのクロム彫刻を制作し、2011年3月から10月までマンハッタンのユニオンスクエアにあるブロードウェイ860番地（旧ファクトリー跡地）の外に設置された。 [451]

国際天文学連合は2012年に水星のクレーターにウォーホルの名をつけた。 [452] [453]

2013年、ウォーホル生誕85周年を記念して、アンディ・ウォーホル美術館とアースカムは、ウォーホルの墓のライブ配信である「フィグメント」という共同プロジェクトを立ち上げました。 [454] [455]

2024年、ウォーホルは死後37周年を記念して、スロバキア共和国のズザナ・チャプトヴァー大統領の要請により、「スロバキア共和国の名声を海外に広めた」功績により、駐米スロバキア共和国大使から二級白二重十字勲章を授与された。[456]

2025年、ウォーホルはピッツバーグ・ウォーク・オブ・フェイムの最初の10名の選出者に選ばれた。[457]

アンディ・ウォーホル視覚芸術財団

ウォーホルの遺言には、家族へのわずかな遺贈を除く全財産を財団設立に充てることが明記されていた。彼の所有物の規模の大きさから、サザビーズは彼の死後10日間で遺産を競売にかけ、2530万ドルの収益を得た。[435] [458] 1987年、ウォーホルの遺産として、革新的な芸術表現と創造プロセスの育成、特に挑戦的で実験的な作品の支援という使命を推進するために、アンディ・ウォーホル視覚芸術財団が設立された。[459]

1995年、財団は美術作品を審査し、真贋を判断するためにアンディ・ウォーホル美術鑑定 委員会を設立しました。委員会は、複数の訴訟（総額約1,000万ドル）に直面し、いずれも勝訴したものの、その後、2012年に解散しました。 [460]財団のジョエル・ワックス会長は、この決定により、財団は訴訟ではなくアーティスト支援にリソースを集中させることができたと説明しています。[461]

アーティスト・ライツ・ソサエティは、アンディ・ウォーホル視覚芸術財団の米国著作権代理人であり、ウォーホルの映画スチール写真を除くすべてのウォーホル作品について管理しています。[462]ウォーホルの映画スチール写真の米国著作権代理人は、ピッツバーグのウォーホル美術館です。[463]さらに、アンディ・ウォーホル視覚芸術財団は、画像アーカイブに関する契約を締結しています。ウォーホルのすべてのデジタル画像はコービス社が独占的に管理しており、ウォーホルのすべての透明画像はアート・リソース社が管理しています。[464]

この財団は、アメリカ合衆国で視覚芸術に対する最大規模の助成団体の一つである。[465] 2007年には設立20周年を迎え、3巻からなる年次報告書を刊行した。第1巻 1987-2007年、第2巻 助成金と展覧会、第3巻 レガシープログラムである。[466]ウォーホルの作品や私物の多くはピッツバーグのアンディ・ウォーホル美術館に展示されており、財団は同美術館に3,000点以上の美術作品を寄贈している。[467]

この財団は、アンディ・ウォーホルの絵画と彫刻のカタログ・レゾネ（カタログ・レゾネ）の編纂を担当しており、作家のキャリアにおける特定の時期を網羅した巻として出版されている。[468]このプロジェクトは、ウォーホルがまだ存命でキャリアの中盤にあった1977年、スイスの美術商トーマス・アマンによって開始された。1993年、アンディ・ウォーホル視覚芸術財団はトーマス・アマン・ファインアートと共同でカタログを制作し、2004年にはプロジェクトの全責任を負った。最新版となる第6巻は2024年に出版され、現在第7巻が準備中である。[469] [470]

ポップカルチャーでは

映画

ウォーホル（右）と監督のウリ・ロンメル。エオテンで撮影された『コカイン・カウボーイズ』（1979年）のセットにて。ウォーホルはカメオ出演している。

ウォーホルは生前、ダイナマイト・チキン （1971年）や運転席（ 1974年）やコカイン・カウボーイズ（ 1979年）やトッツィー（ 1982年）など多くの映画に出演している。[471] [472] [473]死後、彼は映画やその他のメディアで頻繁に描かれている。ウォーホルを演じた俳優には、ドアーズ（1991年）のクリスピン・グローヴァー、アンディ・ウォーホルを撃った（1996年）のジャレッド・ハリス、バスキア（1996年）のデヴィッド・ボウイ、ファクトリー・ガール（2006年）のガイ・ピアース、ウォッチメン（2009年）のグレッグ・トラヴィス、ビリオネア・ボーイズ・クラブ（2017年）のケーリー・エルウィスがいる。[474] [475] [476]彼はまた、マイケル・ドーハティのオペラ『ジャッキーO』（1997年）の登場人物として出演したほか、 『オースティン・パワーズ/インターナショナル・マン・オブ・ミステリー』（1997年）のマーク・ブリンゲルソン役、『メン・イン・ブラック3』（2012年）のビル・ヘイダー役、 『ノエル・フィールディングのラグジュアリー・コメディ』 （2012年）のトム・ミーテン役、『ウィアード：アル・ヤンコビック・ストーリー』 （2022年）のコナン・オブライエン役など、コメディやファンタジーの描写にも登場しています。[477] [478]

俳優のジャレッド・レトが、マイケル・デ・ルカ製作、テレンス・ウィンター脚本による、ビクター・ボクリスの著書『ウォーホル伝記』を原作とした近日公開の伝記映画『ウォーホル』で、ウォーホルを演じる予定だと報じられている。[479]

ドキュメンタリー

テレビと広告

ウォーホルは数多くのテレビに出演し、広告にも熱心に取り組んだ。彼は広告とマスメディア、そして消費文化への芸術的関与の延長として捉えていた。彼の初期のテレビ出演は1963年、CBSテレビの特別番組「Exhibitions: Contemporary American Painters」で、スタジオで制作に携わる現役のアメリカ人アーティストたちを特集した際に撮影された。[490] [491]

1965年、ウォーホルはミューズであるイーディ・セジウィックと共に『マーヴ・グリフィン・ショー』に出演した。インタビュー中、ウォーホルは最小限の発言で、短い身振りやささやき声で答える一方、セジウィックはポップアートと、伝統的な芸術表現からの感情的な乖離についての自身の考えを明確に述べた。[492] [493]

ウォーホルは商品の宣伝に熱心だった。1969年には、ブラニフ・インターナショナル航空の「When You Got It – Flaunt It」キャンペーンの2本のCMに出演し、そのうち1本はヘビー級ボクサーのソニー・リストンと共演した。[494]これらのCMは、ウォーホルが公衆パフォーマンスの一形態として広告に積極的に参加するようになった始まりを示した。ウォーホルが初めて定期的な宣伝契約を結んだのは1973年、パイオニア・エレクトロニクスと契約を結んだ時だった。[495]最初のキャンペーンでは、ウォーホルが愛犬のアーチーと共に、ステレオスピーカー、ターンテーブル、テープレコーダーに囲まれたポーズで登場し、「アンディ・ウォーホルの未完成交響曲」という見出しが付けられた。[495]

1980年代、ウォーホルはテレビでますます目立つようになった。1981年、ウォーホルはBBCのシリーズ「Arena」で作家のウィリアム・S・バロウズとビクター・ボックリスと共に特集され、その年の後半には「サタデー・ナイト・ライブ」のコーナーを撮影した。[496] [497]同年、彼はソニー・ベータ・テープのCMに登場し、マリリンの肖像画の横でポーズをとり、「鮮やかな色と繊細な陰影」を再現するテープの能力を強調した。[498]彼は続けて1983年にTDKビデオテープ、 1985年にはダイエット・コークのCMに出演した。[493] [493] 1985年、ウォーホルは「ラブ・ボート」の第200話にゲスト出演し、架空の自分自身の役を演じ、ヴィダル・サスーンのヘアスプレーの広告塔となった。[499] [69] 1986年に彼は投資会社ドレクセル・バーナム・ランバートの印刷広告に登場した。[500]

ウォーホルの死後、ウォーホルはテレビでジョン・キャメロン・ミッチェル主演の『ビニール』（2016年）やエヴァン・ピーターズ主演の『アメリカン・ホラー・ストーリー：カルト』 （2017年）で描かれている。[501] [502]

音楽

ウォーホルは、ニューウェーブ/パンクロックバンドのディーヴォやデヴィッド・ボウイに強い影響を与えた。ボウイは1971年のアルバム『ハンキー・ドリー』に「アンディ・ウォーホル」という曲を収録した。[503]ルー・リードは、ウォーホル暗殺未遂事件への反応として「アンディズ・チェスト」という曲を書いた。 [351]この曲はもともとヴェルヴェット・アンダーグラウンドによって1969年に録音されたが、リードのソロアルバム『トランスフォーマー』に1972年にバージョンが登場するまでリリースされなかった。バンドのトライアンフもアンディ・ウォーホルについて「ストレンジャー・イン・ア・ストレンジ・ランド」を作曲し、1984年のアルバム『サンダー・セブン』に収録している。

本

ウォーホルについては多くの本が書かれている。[504] [505]友人で美術評論家のデイヴィッド・ボードンによるウォーホルの公式伝記が1989年に出版された。[506] [505]作家のビクター・ボクリスはウォーホル：伝記（1989年）を出版した。 [507]回想録ホーリー・テラー：アンディ・ウォーホル・クローズアップ（1990年）は、ウォーホルの雑誌インタビューの元編集長ボブ・コラセロによって書かれた。[508]文化評論家で詩人のウェイン・コステンバウムは伝記アンディ・ウォーホル（2001年）を出版した。[509]美術評論家のブレイク・ゴプニックは包括的な伝記ウォーホル（2020年）を書いた。[510] [511] [512

コミック

ウォーホルはミラクルマンシリーズの漫画の登場人物として登場する。[513] [514] ピアース・ハーガンがイラストを描いたニック・ベルトッツィの『Becoming Andy Warhol』は、 2016年にエイブラムス・コミックアーツから出版された。 [515] 2018年には、SelfMadeHeroがオランダのイラストレーターTypexによるグラフィックノベル 『Andy: The Life and Times of Andy Warhol』を出版した。[516]

ビデオゲーム

ウォーホルは2003年のビデオゲーム『シムズ: スーパースター』にスタジオタウンの写真家として登場する。 [517]ウォーホル（ジェフ・グレイス演じる）は2022年のビデオゲーム『イモータリティ』にカメオ出演する。[518] [519]

参照

注記

  1. ^
    • ホールデン、スティーブン（2006年9月1日）「先見の明のあるアーティスト、覗き見をする人、そしてブランドスターとしてのアーティストの肖像」ニューヨーク・タイムズ。 2025年8月24日閲覧。
    • コッター、ホランド（2018年11月8日）「素晴らしいホイットニー展でウォーホルに再び会おう」ニューヨーク・タイムズ。2024年4月1日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2024年4月1日閲覧。ウォーホルは20世紀後半における最も重要なアメリカ人アーティストの一人です。
    • メトカーフ、スティーブン（2018年12月6日）「アンディ・ウォーホル、冷たく無言、それは現代にふさわしい完璧なアーティストだ」アトランティック誌。ISSN 2151-9463  。2024年4月1日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2024年4月1日閲覧。彼は現在、20世紀後半の最も重要なアーティストとして広く認められている。
    • アコセラ、ジョーン（2020年6月1日）「アンディ・ウォーホルを解き明かす」ニューヨーカー誌。ISSN 0028-792X  。2024年4月1日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2024年4月1日閲覧。60年代の美術において、ウォーホルほど高い評価を得た時代は他になく、20世紀後半の美術において、60年代ほど重要な10年間は​​他になかった。その後のアメリカにおける美術の多くは、彼なしには考えられない。（…）

参考文献

  1. ^ ab “Andy Warhol painting sells for $105M”. New York Daily News . 2013年11月13日. 2020年9月24日時点のオリジナルよりアーカイブ。2013年11月13日閲覧。
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  3. ^ ボックリス 1997年、15ページ。
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参考文献

  • ボックリス、ヴィクター（1997年）『ウォーホル』（ダ・カーポ・プレス初版）ニューヨーク：ダ・カーポ・プレス。ISBN 9780306807954。
  • ブルドン、デイヴィッド（1989年）『ウォーホル』ニューヨーク：エイブラムス社、ISBN 978-0810917613。
  • コラチェロ、ボブ（1990年）『聖なる恐怖：アンディ・ウォーホルのクローズアップ』ロンドン：ハーパーコリンズ、ISBN 978-0-06-016419-5. OCLC  21196706。
  • ゴプニック、ブレイク（2020年）。ウォーホル、エコ社。ISBN 978-0-06-229839-3。
  • ケステンバウム、ウェイン（2001年）『アンディ・ウォーホル』ニューヨーク：ヴァイキング・ペンギン社、ISBN 978-0-670-03000-2。
  • ウォーホル、アンディ、ハケット、パット（1980年）『ポピズム：ウォーホルの60年代』ハードコア・ブレイス・ジョヴァノヴィッチ著、ISBN 978-0-15-173095-7。
  • ウォーホル、アンディ; ハケット、パット (1989). 『アンディ・ウォーホルの日記』 . ワーナーブックス. ISBN 978-0-446-39138-2。

さらに読む

  • メトロポリタン美術館のアンディ・ウォーホル
  • 国立美術館のアンディ・ウォーホル
  • ニューヨーク市のウォーホル財団
  • ピッツバーグのアンディ・ウォーホル・コレクション
  • ウォーホルスターズ：アンディ・ウォーホルの映画、アート、そしてスーパースター
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