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ホワイトキューブ・ギャラリーは、正方形または長方形のギャラリー様式で、装飾のない白い壁と、通常は天井に光源が設置されている。[ 1 ]床は一般的に堅木張りまたは磨き仕上げのコンクリートである。20世紀初頭、芸術はより抽象的になり、バウハウスやデ・スティルといったグループは、作品を白い壁に展示することを要求した。彼らにとって背景は絵画の不可欠な要素であり、額縁のようなものだった。 1883年にロンドンのファイン・アート・ソサエティで開催されたジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラーの展覧会は、おそらく最初の「ホワイトキューブ」展と言われており、作品は白い額縁に入れられ、白いフェルトの背景に展示されていた。[ 2 ]

1976年までに、ホワイトキューブの美学は、ブライアン・オドハティによってモダニズムの執着として批判されていました。[ 1 ]彼は著書「ホワイトキューブの内側:ギャラリー空間のイデオロギー」 [ 3 ]の中で、イーゼル絵画においてはフレームが世界を見る窓であり、そのためには文脈のための壁が必要であると主張しました。フレームがなくなり壁が白くなると、オドハティの見解では、遠近法や形式的な構成は失われます。オドハティは、モネの平面性をエッジの線が侵食されていると表現し、ホワイトキューブは絵画の平面を再定義するものであると捉えています。[ 4 ]オドハティは、白い壁を芸術のフレームとして使用するだけではもはや十分ではなく、モダニズムにおいては作品を再定義してそれを活用し、満たすことが必要になると主張しています。彼は、観客は「私はどこに立たなければならないのか?」と自問しなければならないと書いています。
オドハティは、白い空間の文脈を、生活が地理から乖離した20世紀社会[ 5 ]の反映であると説明する。ポストモダニズムにおいて、彼は芸術は難解で、高価で、排他的なものとして設計されていると見ている。オドハティにとって、ホワイトキューブ空間は、芸術が広大で高価な空間を占有せざるを得ない、社会的、経済的、そして知的なスノッブな空間として設計されている。彼は白い壁の中立性は幻想であり、芸術家とエリートの観客を結びつけるものであり、キューブは芸術家が社会から疎外されることを受け入れるものであり、ギャラリー空間を受け入れる芸術家は社会秩序に従うことになると見ている[ 6 ] 。
2003年、チャールズ・サーチは白い壁のギャラリーというコンセプトを批判し、「無菌的」で「美術館の流行に支配されたタイムワープ」だと批判した。[ 7 ]美術評論家のジョナサン・ジョーンズは2015年の記事で、かつては「スタンリー・キューブリックの宇宙ステーションのように白く純粋なギャラリーに入ると本当に衝撃を受けた」が、その後、このスタイルは型にはまった、刺激のないものになったと述べている。[ 8 ]
ホワイト・パブという批評家デュオは、ホワイトキューブスタイル全般とロンドンのギャラリーを批判するためにこの名前を選びました。[ 9 ] [ 10 ]
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