音楽界の女性たち

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音楽界における女性は、何世紀にもわたって芸術において多くの役割を担い、歌手、作詞家、作曲家、楽器演奏家、教育者、そして舞台裏の役割として、ムーブメント、ジャンル、トレンドを形作る多くの貢献を担ってきました。しかし同時に、音楽における多くの役割は女性にとって閉ざされていたり、奨励されていなかったりしました。おそらく1960年代以降、この問題に対する認識が高まり、扉が開かれてきました。

女性音楽とは、女性によって創作され、女性に向けた音楽を指します。政治的および社会的トピックを探求し、創造性、活動主義、文化に影響を与えることがあります。

西洋の作曲家

19世紀の作曲家兼ピアニスト、クララ・シューマン

女性作曲家の作品が標準的なクラシック音楽のレパートリーに含まれていることはほとんどありません。例えば、『オックスフォード音楽史要覧』では、クララ・シューマンは数少ない女性作曲家の一人として言及されています。[1] [2]

中世

「おお、フロデンス・ヴィルガ」
ヒルデガルト・フォン・ビンゲンの『オルド・ヴィルトゥトゥム』より
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中世には、ほとんどの芸術音楽は典礼（またはその他の宗教的）目的のために作曲されました。宗教指導者の女性の役割に関する見解のため、ヒルデガルト・フォン・ビンゲンのような例外を除いて、この種の音楽を作曲した女性はほとんどいませんでした。[3]

フォン・ビンゲン（1098-1179）は、ドイツのベネディクト会 女子修道院長で、作曲家、作家、哲学者でした。[4]作家兼作曲家としての彼女の作品の一つである『オルド・ヴィルトゥトゥム（美徳の秩序）』は、典礼劇と道徳劇の初期の事例です。[5]彼女の77の連作詩は、それぞれ独自の詩的なテキストを持っており、[6]中世の作曲家の中でも最大級のレパートリーの一つです。[7]

彼女はまた、多くの典礼歌を作曲し、それらはSymphonia armoniae celestium revelationum（天の啓示の調和のシンフォニー）と呼ばれる連作にまとめられました。Symphoniaの歌は彼女自身のテキストに設定されており、アンティフォナ、賛美歌、シークエンスからレスポンソリーまで多岐にわたります。[8]彼女の音楽はモノフォニックと評され、[9]伝統的なグレゴリオ聖歌の限界を押し広げた旋律を使用しています。

ルネサンス時代

音楽界で特に注目すべきルネサンスの女性は2人います。マッダレーナ・カズラーナとカテリーナ・アッサンドラです。どちらもイタリア人です。

マッダレーナ・カズラーナ

アルテミジア・ジェンティレスキによる絵画。音楽の守護聖人である聖チェチーリアを描いたもので、2010年以降、イタリアの作曲家マッダレーナ・カズラーナと同一視されるようになりました。マッダレーナ・カズラーナは、自身の楽曲が印刷・出版された最初の女性作曲家と考えられています[a]

マッダレーナ・カズラーナ（1544–1590）は、イタリアの作曲家、リュート奏者、歌手でした。[10]ヴェネツィアで出版された4声のマドリガーレ集『最初のマドリガーレ集』（Il primo libro di madrigali）は、西洋音楽史上初めて女性によって印刷・出版された作品となりました。[11]献辞の中で、彼女は女性作曲家としての心境についてこう書いています。「この音楽という職業において、男性だけが知性と芸術性の才能を持ち、そのような才能は決して女性に与えられないという、男性たちのうぬぼれの強い誤りを、できる限り世界に示したいのです。」[要出典]フィリップ・ド・モンテなど、当時の他の作曲家も彼女を高く評価していました。[要出典]

カテリーナ・アサンドラ

カテリーナ・アサンドラ（1590–1618）はイタリアの作曲家であり、ベネディクト会の 修道女でした。彼女はオルガニストでもあり、モテットやオルガン曲を作曲し、様々な作品[12] [13]を出版しました。 『モテッティ（モテット）』作品2に収録されているモテット「おお、救いの犠牲者よ」は、ヴィオローネが使用された最初の作品の一つです。

バロック時代

著名なバロック時代の女性音楽家には、フランチェスカ・カッキーニ、バルバラ・ストロッツィ（イタリア）、エリザベート・ジャケ・ド・ラ・ゲール（フランス）などがいます。

フランチェスカ・カッチーニ

オラツィオ・ジェンティレスキ作『リュート奏者』は、イタリアの作曲家フランチェスカ・カッチーニの肖像画と推定されています

フランチェスカ・カッチーニ（1587–1641）は、イタリアの作曲家、歌手、リュート奏者、詩人、音楽教師でした。 1600年、フランス国王アンリ4世とマリア・デ・メディチの結婚式で歌った際、アンリは彼女をフランス最高の歌手と称賛しました。母国イタリアでは、メディチ家の宮廷で教師、室内楽歌手、リハーサルコーチ、そして室内楽と舞台音楽の作曲家として活躍しました。

バルバラ・ストロッツィ

バルバラ・ストロッツィ（1619–1677）は、イタリアのバロック音楽の作曲家兼歌手でした。詩的な才能と作曲の才能で名声を博したストロッツィは、[14] 「 19世紀半ばのヴェネツィアで最も多作な世俗声楽の作曲家（男女問わず）」と言われました。 [14]

エリザベート・ジャケ・ド・ラ・ゲール

エリザベート・ジャケ・ド・ラ・ゲール（1665–1729）は、フランスの作曲家、音楽家、チェンバロ奏者でした。音楽家と名高い楽器製作者の家庭に生まれた彼女は、天才児としてルイ14世の前でチェンバロを演奏しました。彼女は宮廷音楽家となり、国内やパリ各地で指導、作曲、演奏会を行いました。[15]当時の数少ない著名な女性作曲家の一人である彼女は、様々な音楽形式で作曲を行いました。[16]彼女の才能と功績はティトン・デュ・ティエに認められ、彼女はわずか26歳の時に、ルイ14世の治世下におけるフランスの詩人と音楽家の栄光を称える記念碑であるパルナッソス山に彼女の居場所を与えました。

古典時代

古典派時代には、マリア・テレサ・アニェージ（イタリア）、アンナ・アマリア王女（プロイセン）、エリザベス・オリン（スウェーデン）、ヘンリエッタ・アデライード・ヴィラール・ド・ボーメニル（フランス）、マリアンヌ・フォン・マルティネス（オーストリア）、ハリエット・エイブラムスとジェーン・メアリー・ゲスト（イギリス）など、様々な国で多くの西洋女性音楽家が輩出されました。アンナ・アマリア王女、アンリエッタ・アデライード・ヴィラール・ド・ボーメニル、ジェーン・メアリー・ゲストのように楽器を演奏したり、エリザベス・オリンやハリエット・エイブラムスのように歌ったりした人もいました。マリア・テレサ・アニェージとマリアンヌ・フォン・マルティネスは作曲に加えて、その両方を行いました。

マリア・テレサ・アニェージ（1720～1795）は、イタリアの作曲家、チェンバロ奏者、歌手でした。[要出典]彼女のキャリアは、女性の権利を重視するオーストリア領ロンバルディアによって可能になりました。[要出典] [要説明]

アンナ・アマリア王女（1723–1787）はプロイセンの作曲家でした。幼い頃からチェンバロ、フルート、ヴァイオリンを演奏するようになりました。1755年にクヴェトリンブルクの女子修道院長になりました。[17]作曲家として名声を博し、三重奏曲、行進曲、カンタータ、歌曲、フーガといった小品室内楽作品で知られています。また、楽譜の収集家としても活躍し、ヨハン・セバスチャン・バッハ、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル、ゲオルク・フィリップ・テレマン、カール・ハインリヒ・グラウン、カール・フィリップ・エマヌエル・バッハといった作曲家の作品を600冊以上所蔵しています。[18]

エリザベス・オリン（1740–1828）は、スウェーデンのオペラ歌手兼作曲家でした。彼女はストックホルムの貴族の館（リッダルフーセット）で定期的に開催される公開コンサートで声楽家として活躍しました。彼女は10年間、スウェーデン・オペラのプリマドンナでした。1773年には、女性として初めて宮廷歌手（ Hovsångare ）の称号を授与され、1782年にはスウェーデン王立音楽アカデミーに女性として初めて会員として選出されました。[19] [20]

アンリエット・アデライード・ヴィラール・ド・ボーメニル（1748–1813）は、フランスの作曲家兼オペラ歌手でした。彼女は7歳で端役の喜劇で働き始め、 1766年にパリ・オペラ座でソリストとしてデビューしました。[21] [22]彼女はパリ・オペラ座で作曲が演奏された2人目の女性でした。[23]

マリアンネ・フォン・マルティネス（1744–1812）はオーストリアの作曲家、歌手、ピアニストでした。メタスタージオは彼女の早熟な才能に気づき、音楽教育を監督するようになりました。その教育には、ハイドンからの鍵盤楽器のレッスン、ポルポラからの歌唱のレッスン、ヨハン・アドルフ・ハッセと宮廷作曲家ジュゼッペ・ボンノからの作曲のレッスンが含まれていました。彼女は宮廷で演奏し、その声と鍵盤楽器の演奏で注目を集め、[24]マリア・テレジア皇后の前で演奏するよう頻繁に依頼されました。[25]

ハリエット・エイブラムス（1758–1821）はイギリスの作曲家、ソプラノ歌手でした。歌手としては、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルの作品の演奏で高く評価されました。[要出典]作曲家トーマス・アーンに歌唱、音楽理論、作曲を学んだ後、1​​775年にロンドンのシアター・ロイヤルでオペラデビューを果たしました。ロンドンのコンサートや地方の音楽祭で首席歌手となり、1780年から1790年まで定期的に出演しました。[26]

ジェーン・メアリー・ゲスト（1762–1846）はイギリスの作曲家、ピアニストでした。ヨハン・クリスチャン・バッハの弟子で、当初はガラント様式で作曲していました。[27]鍵盤ソナタ、その他の鍵盤作品、鍵盤伴奏付きの声楽作品を作曲しました。[28]イギリスのアメリア王女とウェールズのシャーロット王女のピアノ教師でした。[29]

ロマン派時代

ロマン派時代には、ポーランドのマリア・シマノフスカとドイツのファニー・メンデルスゾーン、クララ・シューマンが大きな名声を得ました。

ドイツの作曲家ファニー・メンデルスゾーンの絵画、モーリッツ・ダニエル・オッペンハイム作、1842年

マリア・シマノフスカ

マリア・シマノフスカ（1789～1831）は、ポーランドの著名な作曲家兼ピアニストでした。彼女は、ジョアッキーノ・ロッシーニ、ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテ、アダム・ミツキェヴィチといった著名な芸術家たちと交流を続けていました。

ファニー・メンデルスゾーン

ファニー・メンデルスゾーン（1805–1847）は、1800年代で最も有名な女性作曲家の一人でした。彼女は驚異的な音楽的才能を示し、幼い頃から作曲を始めました。ファニーと兄フェリックス・メンデルスゾーンを訪ねた家族は、ファニーと兄フェリックス・メンデルスゾーンに等しく感銘を受けましたが、ファニーは当時の考え方に縛られていました。父親は彼女の活動を支持するというよりは、むしろ寛容でした。1820年に彼は彼女に手紙を書き、「音楽はおそらく彼（フェリックスの息子）の職業になるだろうが、あなたにとってはそれは単なる装飾であり、そうあるべきだ」と述べました。[30]フェリックスは、彼女が自分の名前で出版することに対して警告し、彼女について次のように述べています

ファニーについての私の知識から言うと、彼女には音楽作家になる素質も才能もないと言えるでしょう。彼女は女性としてあるべき姿をすべて持ちすぎています。彼女は家庭を律し、最初の義務を果たすまでは、世間のことも音楽界のことも、ましてや音楽のことさえも考えません。出版は彼女のこうした活動を妨げるだけであり、私はそれを支持することはできません。[31]

クララ・シューマン

クララ・シューマン（1819-1896）は、61年間にわたりコンサート活動を行ったドイツの作曲家兼コンサートピアニストでした。幼い頃からピアノ、ヴァイオリン、歌唱、理論、和声、作曲、対位法の1時間のレッスンを受けていました。1830年、11歳にして熟練したソリストとなり、ヨーロッパ各都市を巡るコンサートツアーに出発しました。1830年代後半には、チケットが満席となり、絶賛されました。フレデリック・ショパンは、彼女の演奏をフランツ・リストに伝えました。リストは彼女のコンサートを聴きに訪れ、その後パリの「レヴュー・エ・ガゼット・ミュジカル」紙に掲載された手紙の中で「彼女を惜しみなく賞賛した」と述べています。 [32]彼女はオーストリア最高の音楽栄誉である「王室および帝国室内楽ヴィルトゥオーゾ（Königliche und Kaiserliche Kammervirtuosin）」の称号を授与されました。[32]

彼女はまた、コンサートピアニストに期待されるプログラムの種類を変える上で重要な役割を果たしました。初期のキャリアでは、当時慣例となっていた、主に彼女の技術を披露するために設計された華麗な作品を演奏しました。それは、タルバーグ、ヘルツ、ヘンゼルトといった名手によって書かれたオペラの人気テーマの編曲や変奏曲の形をとることが多かったのです。自作曲を演奏することも慣例であったため、彼女はすべてのプログラムに少なくとも1つの自作曲を含めました。例えば、「ベッリーニの主題による変奏曲」（作品8）や人気の「スケルツォ」（作品10）などです。彼女の作品には、歌曲、ピアノ曲、ピアノ協奏曲、ピアノ三重奏曲、合唱曲、そしてヴァイオリンとピアノのための3つのロマンスがあります。

近代

キャサリン・フーバー

キャサリン・フーバー（1937–2018）は、ロチェスター大学とイーストマン音楽学校で音楽を学び、1959年にフルートの演奏資格と音楽理論の音楽学士号を取得しました。[33] 1965年に『 2つのヴァイオリンのための二重奏曲』で作曲活動を開始しました。フーバーは、全米フルート協会の新出版音楽コンクールで2度優勝しました。最初は1987年に『中世組曲』で、次は1991年にフルート独奏のための『ココペリ』です。これらの作品では、ピッチベンディングなど、フルートのための多くの拡張技法が用いられています。彼女の作品の多くは、他の著名な音楽家によって録音され、カーネギーホールで演奏されています。[34] : 252–253 

ジョーン・タワー

ジョーン・タワー（1938年生まれ）は1976年に『ブラック・トパーズ』を作曲したが、それは多くの調性メロディーとハーモニーを特徴としている。[35] : 134 彼女は1978年にコロンビア大学で作曲の音楽芸術博士号を取得した。彼女は1979年にアメリカ作曲家オーケストラの委嘱を受け、その結果生まれた初の管弦楽曲『セコイア』は世界中で演奏されている。タワーは1985年から1988年までセントルイス交響楽団の専属作曲家を務めた。1990年、彼女は15万ドルの賞金を含むグラウエマイヤー作曲賞を受賞した初の女性となった。それ以来、タワーはノーフォーク室内楽祭やタングウッド現代音楽祭を含む数多くの音楽祭で専属作曲家を務めている。タワーは1982年からニューヨークのバード大学で音楽教授を務めており、20世紀で最も影響力のある女性作曲家の一人と考えられています。 [34] : 278–280 

エレン・ターフェ・ズウィリッチ

エレン・ターフェ・ズウィリッヒ（1939年生まれ）は、ジュリアード音楽院で作曲の博士号を取得した最初の女性でした。同年、イタリアの国際作曲コンクールで金メダルを獲得しました。1983年、ズウィリッヒは再び歴史を作り、交響曲第1番でピューリッツァー音楽賞を受賞した最初の女性となりました。彼女は多くの委嘱を受け、彼女の作品「ミレニアム」は2000年の初演以来、数十のオーケストラによって演奏されています。彼女は1999年にフロリダ州立大学のフランシス・エップス音楽教授に就任しました。[34] ：288–290 ズウィリッヒは、明確なデザインと豊かな音色を用いた「折衷的な千年紀の声」で知られています。第二ウィーン楽派の影響を受けた彼女の音楽はもともと不協和音でしたが、夫の死後、彼女のスタイルはより感情的なものになりました。[35] ：179 

リビー・ラーセン

リビー・ラーセン（1950年生まれ）は、ミネソタ大学で1975年に音楽修士号、1978年に博士号を取得しました。1973年にはミネソタ作曲家フォーラム（後のアメリカ作曲家フォーラム）の共同設立者となり、 [36] 1983年から1987年までミネソタ管弦楽団の専属作曲家を務めました。管弦楽、ダンス、オペラ、合唱、演劇、室内楽、ソロなど220以上の作品を作曲し、その作品はアメリカとヨーロッパで演奏されています。ラーセンは現代音楽と女性音楽家の強力な支援者です。彼女は1994年にCD 『アーリーン・オーガーの芸術』でグラミー賞を受賞し、2000年にはアメリカ芸術文学アカデミー生涯功労賞を受賞しました。また、 2007年には著書『眠りに落ち、カーラジオとして目覚めたコンサートホール』を出版しました。[35] : 242–253  [34] : 256–258 

ジェニファー・ヒグドン

ジェニファー・ヒグドン（1962年生まれ）は、1994年にフィラデルフィア大学で修士号と博士号を取得しました。ヒグドンは、グッゲンハイム財団、アメリカ芸術文学アカデミー、国際女性作曲家連盟などから賞を受賞しています。1996年の作品『シャイン』は、 USAトゥデイ紙によって最優秀現代作品に選ばれました。[34] ：252–253 ヒグドンの多くの作品の中で、『ブルー・カテドラル』は最も頻繁に演奏されています。2010年には、打楽器協奏曲でグラミー賞最優秀現代クラシック作曲賞を受賞し、ヒラリー・ハーンによって初演されたヴァイオリン協奏曲でピューリッツァー音楽賞を受賞しました。[37]

その他

その他の女性作曲家は、生年と国籍別に以下にリストされています。演奏家もいます。例えば、アグネス・ティレル、エイミー・ビーチ、ヴェルディナ・シュロンスキーは著名なピアニストでした。完全なリストについては、生年別女性作曲家リストをご覧ください。

ソングライター

1960年代の音楽業界のほとんどの側面と同様に、作詞作曲は男性優位の分野でした。ラジオには多くの女性歌手がいましたが、女性は主に消費者として見られていました。歌うことは少女にとって受け入れられる娯楽であることもありましたが、楽器を演奏したり、曲を書いたり、レコードを制作したりすることは決して行われていませんでした。そして、女性は自分たちを音楽を作る人として見るように社会化されていませんでした。

エリカ・エイブラムス、Rebeat誌、2015年1月28日

19世紀～20世紀初頭

リチャード・A・ルーブリンとリチャード・G・ベイルによると、19世紀後半から20世紀初頭にかけて、アメリカには多くの女性ソングライターがいましたが、そのうちのほんの数人の作品しか聴かれたり出版されたりしませんでした。これは、女性は音楽を作曲するのではなく、演奏するものだと考えられていたためです。彼らはこれを「私たちの音楽遺産における明白で恥ずべき欠落」と呼びました。[38]

例えば、シカゴの音楽評論家ジョージ・P・アプトンは、生物学的素因と呼ばれるもののために、「女性は良い音楽を作曲するための生来の創造性を欠いている」と主張しました。しかし、後に、女性が音楽教育において役割を果たすことが認められ、その役割の一環として、女性は賛美歌や子供向けの音楽を作曲しましたが、アメリカでは世俗音楽はあまり作曲しませんでした。実際、1880年以前にはそのような作品は約70点しか見つかりません。[38]

1900年代初頭のイギリスのミュージックホールにおけるソングライターの約95%は男性であり、歌手の約70%も同様でした。 [39]しかし、19世紀半ばには、ファウスティナ・ハッセ・ホッジス、スーザン・マクファーランド・パークハースト、オーガスタ・ブラウン、マリオン・ディックス・サリバンなど、女性ソングライターが登場しました。1900年までにその数は増加しましたが、多くは性別を隠すためにペンネームやイニシャルを使用していました。[38]

  • キャリー・ジェイコブス＝ボンドは、1900年代後半から20世紀半ばにかけて卓越した女性作曲家であり、作品の売り上げが100万枚に達した最初の女性ソングライターとなりました。[38]
  • モード・ニュージェント（1877–1958）は、1896年に「スウィート・ロージー・オグレイディ」を執筆したほか、「ロージー・ライリーのアパートで」「マイ・アイリッシュ・デイジー」「ティペラリー出身のメアリー」も執筆しました。[38]
  • シャーロット・ブレイク（1885–1979）は、ミシガン州デトロイトのホイットニー・ワーナー出版社のスタッフライターでした。当初、同社は彼女を「C・ブレイク」と名乗っていましたが、1906年までに広告では彼女のフルネームが使用されるようになりました。[38]
  • カロ・ローマ（1866–1937）は、ティン・パン・アレー時代の最も人気があり、よく知られた初期のミュージシャンの一人であるキャリー・ノースリーのペンネームでした。 [38]彼女の曲には、「Can't Yo' Heah Me Calling」、「Faded Rose」、「The Angelus」、「Thinking of Thee」、「A Perfect Day」、「Resignation」などがあります。[38]

ジャズ

20世紀ジャズにおける女性の例

ジャズの作詞作曲は長い間男性が支配する分野でしたが、アン・ロネル、アイリーン・ヒギンボサム、ドロシー・フィールズ、リル・ハーディン・アームストロング、ビリー・ホリデイなどの女性ジャズ・ソングライターも成功を収めました。[40]

女性は、プロデュース、作曲、演奏を通してジャズ音楽に影響を与えました。初期の影響力のある女性の一人は、ベッシー・スミス（「ブルースの女帝」）です。ロックの殿堂入りを果たした彼女は、1989年にグラミー賞生涯功労賞を受賞しました。[41]ジャズ業界に歴史を刻んだもう一人の女性は、レコーディングされた最初の女性ジャズトランペット奏者であるドリー・ジョーンズです。 [42]ビリー・ピアース、ラヴィー・オースティン、ジャネット・キンボール、メアリー・ルー・ウィリアムズ、アリス・コルトレーン、ヘイゼル・スコットといっ​​た女性も、ジャズというジャンルに影響を与えました。[43]

女性は、多くの場合、女性だけのジャズグループでの演奏からキャリアをスタートさせました。[44]例えば、「トランペットの女王」として知られるヴァライダ・スノー[45]や、ジャズボーカリスト兼マルチインストゥルメンタリストのノナ・ヘンドリックスなどです。[45]

第二次世界大戦は女性アーティストに多くの扉を開きました。しかし、男性が戦争から帰還すると、女性ジャズミュージシャンはセクハラや厳しい批判などの困難に直面しました。[要出典]

1965年のダスティ・スプリングフィールド

1960年代のポップミュージックシーンでは、女性が主に歌手でした。[46]当時のポップチャートを席巻していたアメリカの音楽産業の中心地と考えられていたニューヨーク市のブリル・ビルディングで、キャロル・キング、エリー・グリニッジ、シンシア・ワイルなど、数人の女性が曲を書き、他のアーティストのために象徴的なヒット曲を書きました。

シンガーソングライター

バエズは、マイクがびっしり並んだ高すぎる演壇の後ろに立っています。チェック柄のノースリーブのトップスを着て、長めの髪をフェザーカットにしています。
1963年8月のワシントン大行進で演奏するジョーン・バエズ

1960 年代後半には、アン・セクストンやシルビア・プラスなどの詩人の告白的なスタイルで曲を書くシンガーソングライターが大成功を収め、女性アーティストの代表として活躍した。

ジョニ・ミッチェルのようなソングライターは、人種や性別のカテゴリーから脱却し、単にアーティストとして見られることを望んでいました。彼女は1994年のインタビューで、差別、性別に基づく排除、そして不当な性的対象化を指摘しましたが、フェミニズムも拒絶しました。[47]

キャロル・キングは、ソングライターとして初期の輝かしい成功を収めた後、当時最も成功したアルバムの1つである『つづれ織り』で自身の曲を歌い、 1500万枚以上を売り上げました。[48]彼女はデート、結婚、セックスに関する慣習に挑戦し、カジュアルな関係を推奨し、ヒット曲「ユーヴ・ゴット・ア・フレンド」で異性との友情という概念を強調しました。 [49] 2013年には、ガーシュウィン賞ポピュラーソング部門を女性として初めて（そして通算5人目）受賞しました。[50]

最も成功したシンガーソングライターの1人であるキャロル・キングは、ローリングストーン誌の「史上最高のソングライター100人」とソングライターの殿堂入りを果たしました。[51]

かつてモデルだったグレース・スリックは、1960年代半ばにサンフランシスコで急成長を遂げたサイケデリック音楽シーンでの役割で名声を博しました。

その他の著名な女性シンガーソングライターには、以下の者がいます。[52]

ミュージカル

エセル・マーマン「ミュージカル界のファーストレディ」として知られるエセル・マーマンの力強い歌声と圧倒的な存在感は、ブロードウェイの多くの舞台を彩りました

ミュージカルでは、女性ソングライターは珍しい。2013年、シンディ・ローパーは『キンキーブーツ』の作詞作曲で、男性の共演者なしでトニー賞作曲賞を受賞した初の女性となった。[55] 2015年には、女性だけの作曲チームがトニー賞作曲賞を受賞し歴史を作った。[56]リサ・クロン（最優秀脚本賞）、ジャニーン・テソーリ、クロン（最優秀オリジナル作曲賞）[55]は『ファン・ホーム』で最優秀作曲賞を受賞した。[56] 他の女性ソングライターには、 『ソングバード』のローレン・プリチャード、 『ラスティング・インプレッション』と『ザ・イヤーズ・ビトウィーン』のゾーイ・サーナック、ケイティ・トンプソン[例が必要]がいる。[56]

ミュージカルにおける男女不均衡は21世紀も続いており、2019年の報告によると、吹奏楽作曲家のわずか3%、合唱作曲家の12%が女性です。[57]ミュージカル作曲における女性の不足にもかかわらず、50人以上の女性がブロードウェイやオフブロードウェイの作品の音楽スコアを作曲したことで国際的な評価を受けています。[57]

黒人女性

アビー・リンカーン（1930～2010年）は、アメリカのジャズボーカリスト、ソングライター、女優であり、自身の作曲と演奏を行いました。彼女は1960年代に公民権運動の活動家でした。[58] [59]

黒人女性はアメリカ音楽に歴史的な貢献をしてきました。例としては、ジャズ・アーティストのビリー・ホリデイ、ソウル・アーティストのアレサ・フランクリンとダイアナ・ロス、ディスコ・アーティストのドナ・サマーとチャカ・カーン、そして後にはミッシー・エリオット、マライア・キャリー、ビヨンセ、リアーナ（バルバドス出身ですが）といった歌手が挙げられます。しかし、2009年の報告によると、ソングライターの殿堂の380人以上のメンバーのうち、黒人女性はシルヴィア・モイとヴァレリー・シンプソンだけです。 [60]

器楽演奏家

演奏家とバンドリーダー

プロの女性楽器奏者は、当初はロック音楽では珍しかった。[61] : 101–102  [46]唯一の例外は、アメリカの女性だけのガレージロックバンドで楽器を演奏する女性たちだが、これらのバンドはいずれも地域的な成功を収めたに過ぎなかった。ヘビーメタルバンドは、少なくとも1980年代半ばまではほぼ男性のみで構成されていたが[62] 、ガールスクールなどの例外はいくつかあった。 [ 63 ] 1973年にスージー・クアトロが登場したとき、他に著名な女性ロックミュージシャンで歌手、楽器奏者、作詞家、バンドリーダーとして活動している人はいなかった。[64] : 2  [64] : 3 

多くのアーティストが歌と作曲の両方を手がけていたが、これらのアーティストは楽器も演奏していた。

バンド

1980年代のポップロックシーンで活躍したバンド、バングルズ

女性だけのバンドとは、ロック、ブルース、ジャズなどのポピュラー音楽ジャンルで、女性ミュージシャンで構成される音楽グループです。女性だけのバンドは「ガールグループ」と呼ばれることもあります。[65]維持が困難でした。多くのバンドは、女性ミュージシャンが脱退した後の代わりを探すのに苦労し、バンドを継続するために男性に門戸を開くことを選ぶバンドもありました。[66]

1930年代～1960年代
スティーヴィー・ニックスの演奏

ジャズ・エイジと1930年代には、ブルー・ベルズ、パリジャン・レッドヘッズ（後のブリックトップス）、リル・ハーディンのオール・ガール・バンド、インジェニューズ、ハーレム・プレイガールズ、フィル・スピタルニーのミュージカル・スウィートハーツ、ヘレン・ルイスと彼女のオール・ガール・ジャズ・シンコペイターズといった女性だけのバンドが人気を博した。アイナ・レイ・ハットンは1934年から1939年までメロディアーズを率いた。ユーニス・ウェストモアランドはリタ・リオという名でバンドを率い、NBCラジオ、ヴァイタフォン、RKOに出演した。ニュー・クーン・クリーク・ガールズは1930年代に活動した。[66]ポーランドのグループ、フィリピンキは1959年に結成された。[67]

女性だけのバンドもロックンロールを演奏していました。1964年のゴールディ・アンド・ザ・ジンジャーブレッドス、 1964年のスージー・クアトロと共演したプレジャー・シーカーズ、 1968年のフェミニン・コンプレックス、1969年のファニーなどがその例です。その他には、リヴァーバーズ（1962～1967年）、エース・オブ・カップス（1967年）、ハート・ビーツ（1968年）、アリエル（1968～1970年）などがあります。

1970年代～1980年代

1971年、ファニーは「チャリティ・ボール」が最高40位に達し、ホット100のトップ40にランクインした初の女性バンドとなりました。1975年には、カナダ出身の姉妹デュオ、ケイトとアンナ・マクギャリグルが、一連のアルバムの最初のアルバムをレコーディングしました。ランナウェイズは初期の商業的に成功したハードロックバンドで、1976年に最初のアルバムをリリースしました。バンドメンバーのジョーン・ジェット、シェリー・カリー、リタ・フォードは、それぞれソロキャリアで成功を収めました

ハッピー・ホロウ・ストリングバンド（1974～1979年）はブルーグラスを演奏し、サンディ・クリスコがバンジョーを演奏していました。彼女は、多くの男性演奏者が女性用トイレの場所を知らなかったため、予約時に女性用トイレを見つけるのが難しい場合があると報告しています。[66]当時のもう一つの女性バンドはワイルドウッド・ガールズでした。1979年にシカゴ地域で結成されたこのバンドは、家族経営となりました。USO（アメリカ陸軍士官学校）や国防総省で演奏し、ドリーウッドやビル・モンローのビーン・ブロッサム・フェスティバルでも活動しました。6枚のレコードをリリースしました。[要出典]

1980年代は、女性楽器奏者が初めてチャートで成功を収めた時代でした。 1982年のビルボード・ホット100年間チャートでは、[68]ジョーン・ジェットの「I Love Rock 'n' Roll」が3位、ゴーゴーズの「We Got the Beat」が25位となり、演奏できる女性でも収入を得られることを示しました。

1989年、ディクシー・チックス（後にチックスと改名）はテキサス州ダラスの街角から大成功を収めました。バンドは、ナタリー・メインズがリードシンガー、ナタリー・マグワイアがフィドルとマンドリン、エミリー・ロビンソンがバンジョー、ドブロ、ギター、アコーディオンを担当するトリオ編成です。彼らはグラミー賞を5回受賞し、カントリーミュージック協会の年間最優秀アルバム賞と、2002年の年間最優秀ボーカル・グループ賞を受賞しました。 [要出典]

パンク
ジョーン・ジェットはしばしば「パンクのゴッドマザー」と呼ばれる。[69]

イギリスでは、1970年代後半に「誰にでもできる」という精神を掲げたパンクの到来が、女性に大きな貢献を促しました。 [70] [71]「それがパンクの美しさだった」とクリッシー・ハインドは後に語っています。「[性]差別は存在しなかった。」[72]女性パンクアーティストは、参加するだけでなく、その音楽ジャンルの発展に影響を与えました。[73]

ロック史家のヘレン・レディントンは、多くの、あるいはほとんどのパンク女性ミュージシャンは、網タイツやスパイ​​クブロンドヘアといったファッションよりも、イデオロギーや社会政治的な意味合いに興味を持っていたと主張しました。[74] [75] ジョニー・ロットンは、「ピストルズの時代、女性たちは男性と演奏し、対等に私たちと戦っていた…それは戦闘的ではなく、両立可能だった。」と書いています。[76]女性楽器奏者は、スリッツ、レインコーツなどのバンドに参加していましたモデッツ、ドリー・ミクスチャー、イノセンツなど。[要出典]しかし、この平等主義的な見解は、ギタリストのヴィヴ・アルバーティーンによって異議を唱えられました。彼女は「A&R担当者、用心棒、サウンドミキサー、誰も私たちを真剣に受け止めてくれなかった…だから、どこに行っても尊敬されなかった。人々は私たちを近くに置きたがらなかっただけだ」とコメントしました。 [77] [78]ソニック・ユースのキム・ゴードンも同様の見解を表明し、「女性は常に男性の枠組みの中で活動している」ため、女性は生まれながらのアナーキストだと考えていると述べました。[79]

ヘビーメタル
ガールスクールは、1978年にイギリスのヘビーメタルシーンのニューウェーブで結成された、イギリスの女性のみのヘビーメタルバンドで、同時代のモーターヘッドとしばしば関連付けられています。彼女たちは35年以上も活動を続けている、最も長く活動している女性のみのロックバンドです。 [80] [81]

サウスロンドンのバンド、ガールスクールは1978年に結成され、1980年代初頭に有名になりました。バンドメンバーのキャシー・バレンタインはゴーゴーズに加入するために脱退し、ギターからベースに転向しました。ガールスクールの初期のレコーディングの中には、ブロンズ・レーベルの仲間であるモーターヘッドとヘッドガール名義で録音したEP「セント・バレンタインズ・デイ・マサカー」があります。1974年には、ロック／カントリーバンドのデッドリー・ナイトシェードがファントムと契約しました。[82]

グランジ
2012年のコートニー・ラブ

L7、ルナチックス、ディックレス、STP、7イヤー・ビッチ、コートニー・ラブのグループ、ホール、ベイブズ・イン・トイランドなどのグランジバンドには女性が多く参加していました。ライオット・ガールはアンダーグラウンドのフェミニストパンク運動の一部でした。[83]女性楽器奏者には、スマッシング・パンプキンズのベーシストのダーシー・レッキーとメリッサ・オフ・ダ・モール、ドラマーのパティ・シェメル（ホールとコートニー・ラブのプロジェクト）、ベイブズ・イン・トイランドのロリ・バルベロなどがいます。[84]

1990年代～2000年代

アラニス・モリセットがファンにサインをしている様子、2011年

1990年代、音楽雑誌はボニー・レイット[85] [86]とティナ・ウェイマス[87]を表紙に取り上げました。クラブバンドのザ・ゴーゴーズとザ・バングルズは、持続的な成功を収めた最初のバンドでした。

ロックでは、ホール、スーパー・ヒロインズ、ザ・ラブドールズ、L7などのバンドが人気を博し、自信に満ちた「悪い」態度を示し、女性だけのバンドがどのように振る舞うべきかという前提に挑戦しました。コートニー・ラブは、ホールの芸術的野心を「男性がやってきたことを繰り返すだけでなく」、より女性的で、月のような視点から物事を見ることと表現しました。[88]

1990年代、女性主導のパンク・ライオット・ガール運動は、 ブラットモービルやビキニ・キルなどのバンドと関連付けられていました

ポップミュージック界では、2つの商業グループが短期間で名声を博しました。デスティニーズ・チャイルドは、ビヨンセ・ノウルズ、ケリー・ローランド、ミシェル・ウィリアムズからなるアメリカのグループで、1990年にガールズ・タイムとして結成され、1997年にデスティニーズ・チャイルドとなりました。スパイス・ガールズは、メル・B、メラニー・C、エマ・バントン、ジェリ・ハリウェル、ヴィクトリア・ベッカムからなるイギリスのポップグループです。彼女たちのシングル「ワナビー」は1996年にリリースされ、37カ国で1位を獲得しました。[89]

2000年代～2010年代

フローレンス・アンド・ザ・マシーンは、バンドのラングス・ツアー中にグラスゴーのO2 ABCで演奏しています

2000年代には、バンドはフェミニズムや音楽界における女性の活躍を促進するために影響力を発揮し始めました。ブロディ・ダルが率いるザ・ディスティラーズのようなバンドは、ストリートパンクの台頭に影響を与えました。セント・ヴィンセントは人気を博し、ビキニのデカールが入ったTシャツを着てギター・ワールド誌の表紙に登場しました。これは、女性がギターを持って登場する際、たいていはミニマルな服装をしているため、楽器の売り上げに貢献しているというコメントです。3姉妹からなるバンド、ハイムは、音楽フェスティバルにおける女性ボーカルの不足と、同レベルの男性アーティストに比べて女性アーティストへの報酬が低いことを批判しています。[90] [91]

サマンサ・フィッシュは、ブルース風のロックサウンドとギター演奏のスキルで知られています

2010年から2018年にかけて、ジェシー・ネルソン、リー＝アン・ピノック、ジェイド・サールウォール、ペリー・エドワーズからなるイギリスのバンド、リトル・ミックスなど、多くのガールズバンドが注目を集めました。リトル・ミックスは、プッシーキャット・ドールズ以来、アルバム『 DNA』 （2012年）で全米トップ5にランクインした初の女性グループとなりました。また、スパイス・ガールズの記録を破り、イギリスのガールズグループの初リリースとしては最高のデビュー・チャート順位を獲得しました。[92] [信頼できない情報源？ ]アリー・ブルック、ノーマニ・コルデイ、ダイナ・ジェーン、ローレン・ハウレギ、カミラ・カベロからなるアメリカのグループ、フィフス・ハーモニーは、3枚のアルバムがアメリカ・ビルボード200のトップ10にランクインしました。[93]

ジャズ

ジャズにおける女性楽器奏者には以下が含まれます。

メアリー・ルー・ウィリアムズ（左）とサラ・ヴォーンは、2人の有名なジャズパフォーマーでした。

女性ジャズバンドには、インターナショナル・スウィートハーツ・オブ・リズムや、アワー・オブ・チャーム・オーケストラなどのオーケストラがあります。第二次世界大戦中、これらのグループは男性ミュージシャンが従軍している間、兵士たちを楽しませていました。しかし、戦後、人々は男性ミュージシャンが示す「平凡さ」を好んだのです。[94]

ボーカリストのジューン・ノートンは、ワシントンD.C.地域で南部諸州向けのテレビコマーシャルに出演した最初の黒人女性であり、1962年の全米有色人種女性協会功労賞、年間最優秀テレビパーソナリティ賞[説明が必要] 、1962年の全米市場開発協会エンファシス賞、1962年YMCA年間最優秀歌手賞など、数々の賞を受賞しました。[94]

ピアニスト、作曲家、そしてボーカリストであるシャーリー・ホーンは、25枚以上のアルバムを録音し、スタッフ・スミス、トゥーツ・シールマンス、チャーリー・ヘイデン、オスカー・ピーターソンなどのサイドミュージシャンとして活躍しました。彼女のデビューアルバム『Embers and Ashes』は注目を集めました。数か月後、マイルス・デイビスはホーンに連絡を取り、ヴィレッジ・ヴァンガード紙に、ホーンがオープニングアクトを務めない限り演奏を拒否すると伝えました。彼女は数々の賞を受賞しており、1999年には『I Remember Miles』で最優秀ジャズ・ボーカル・アルバム賞を受賞、ワシントン・エリア・ミュージック・アワードを5回受賞、バークリー音楽大学から名誉音楽学位を授与、2004年には全米芸術基金からNEAジャズ・マスター・フェローシップと賞を受賞しました。[94]

クラシック音楽

エセル・スミスの像は、2022年にイギリス、ウォーキングのデュークス・コート・プラザで除幕されました

女性器楽奏者は、その才能を認めることに消極的であるにもかかわらず、クラシック音楽というジャンルが始まって以来、あらゆる形態（ソロ、小グループ、オーケストラ）とあらゆる設定（宗教、学術、王室、商業）で演奏してきました。

アルバム時代、プロモーターは演奏者の肉体的な魅力をためらうことなく利用し、露出を増やし、売上を伸ばし、さらにはプロモーションする演奏者を選びました。[95] [96]一部の女性アーティストはこのアプローチを拒否しましたが、従ったアーティストはより大きな成功を収める傾向がありました。[96]

オーケストラ

1894年にロザベル・ワトソンによって設立されたエオリアン・レディース・オーケストラは、女性のみで構成された最初のプロのオーケストラの一つでした。1917年、イギリスの音楽新聞の社説は、第一次世界大戦終結後に女性アーティストがその地位を男性アーティストに譲ることを条件に、オーケストラに対し女性に「軽い楽器」の演奏を許可するよう奨励しました。[39]

ハープは「女性の楽器」と考えられていたため、女性は他の楽器よりも先にハープ奏者としてオーケストラに受け入れられました。 [要出典] 1922年、ハープ奏者のステファニー・ゴールドナーはニューヨーク・フィルハーモニック初の女性メンバーになりました。[97] 100年後、オーケストラ全体で女性の数が男性を上回りました。[98]

1990年代、ジェンダーバイアスを回避するため、一部のオーケストラはブラインドオーディションを導入し、候補者にスクリーンの後ろで演奏を義務付けました。この慣行は、慣行を修正することで公平性を高めることができるという反対意見があったにもかかわらず、21世紀まで続きました。[99]

1980年代の調査によると、米国のオーケストラの36%、イギリスの30%、東西ドイツの16%を女性が占めていました。女性がオーケストラに採用される可能性は、あまり有名でないオーケストラの方が高かったのです。[100]

かつて、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団（VPO）は、「民族的および性別の均一性」がオーケストラの音色を向上させると主張しました。[100] VPOの男性演奏家数名は、1996年のインタビューで、クラシック音楽には「性別によって定義された性質があり、それは男性の均一性によって最も明確に表現される」と述べました。[100]また、第一フルート奏者のディーター・フルーリーは、女性を受け入れることは「この生物が現在持っている感情的な統一性（ emotionelle Geschlossenheit ）を賭けることだ」という意見でした。[101]

1997年のオーケストラのツアー中に、全米女性機構と国際女性音楽協会による抗議を受けて初めて、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団は女性の正会員を認め、アンナ・レルケスをハープ奏者として認めることに同意しました。 [102] 2013年現在[update]、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団には6人の女性会員がいます。ヴァイオリニストのアルベナ・ダナイロワは2008年にオーケストラのコンサートマスターに就任し、女性として初めてその職に就きました。[103]ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団のクレメンス・ヘルスバーグ会長は、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団はブラインドオーディションを採用していたと述べました。[104]

チェコ・フィルハーモニー管弦楽団は女性を排除している。[要出典]ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団には性差別の歴史があると報告されている。[100] 2008年にグラモフォン誌によって世界トップ5にランクされたオーケストラの中で、[105]女性を常任の役職に任命したのはベルリン・フィルハーモニー管弦楽団が最後だった。[106] 2013年、マザー・ジョーンズの記事は、「多くの名門オーケストラには多くの女性会員がおり、ニューヨーク・フィルハーモニックのヴァイオリン部門では女性が男性を上回っている。また、国立交響楽団、デトロイト交響楽団、ミネソタ交響楽団など、いくつかの有名なアンサンブルは女性ヴァイオリニストが指揮している。金管楽器、打楽器、弦楽・低音のオーケストラ部門は依然として男性が大部分を占めている。」と述べている。[107]

ソリスト

クラシック音楽では、ソリストが自身の楽器で無伴奏のソロを演奏することがあります。これは、ピアノ独奏曲を演奏するピアニストや、弦楽器奏者がバロック様式の単楽器組曲（例：バッハのチェロ独奏組曲）を演奏する場合に当てはまります。しかし、多くの場合、ソリストはピアニスト、小規模な室内楽アンサンブル、あるいは協奏曲の場合はフル交響楽団の 伴奏を受けます

2014～2015シーズン、カナダの主要オーケストラと共演した協奏曲ソリストの大多数は男性でした。バンクーバー交響楽団では、協奏曲ソリストの67%が男性でした。トロント交響楽団では、協奏曲ソリストの74%が男性でした。国立芸術センター管弦楽団では、協奏曲ソリストの79%が男性でした。モントリオール交響楽団では、協奏曲ソリストの84%が男性でした。[96]協奏曲ソリストの男女比に関するCBCニュース記事が発表された際、バンクーバー交響楽団の指揮者であるブラムウェル・トーヴィーは、自身のオーケストラに関するニュース記事の正確性に異議を唱え、記事は1シーズンのみを考慮していると主張しました。[要出典]

国際的に有名なソリストは、アルゼンチンのマルタ・アルゲリッチで、録音時代における最も偉大なピアニストの一人とされています。[要出典]

歌手

影響力のある女性ポップアーティストの例。いずれも史上最も売れている音楽アーティストの一人です。

「ポップミュージック」の歌手は、バンドやその他の音楽グループのボーカルを担当します。グループの規模は、デュオやパワートリオから大規模なジャズビッグバンドまで様々です。歌手は通常、ライブパフォーマンスとスタジオレコーディングの両方を行います。ライブパフォーマンスを行う人は、コーヒーハウスやナイトクラブなどの小さな会場で歌うこともあれば、アートセンターからスタジアムまで、大きな会場で演奏することもあります。また、曲のプロモーションに使用されるミュージックビデオに出演する歌手もいます。

ポップのスタイルによっては、歌手が歌いながらリズムギター、エレキベース、打楽器などのリズムセクションの楽器を演奏することがあります。他のスタイルのポップでは、歌手はショー中に振り付けされたダンスの動きを披露します。ライブショーでの手の込んだダンスルーティンで知られる女性ポップシンガーには、シェール、マドンナ、ビヨンセ、ブリトニー・スピアーズ、レディー・ガガなど がいます

シェールは、「男性主導の時代に女性の自立の先駆者であり、性差別的な音楽業界に道を切り開いた」と評されています。[108]彼女は当時を「女性歌手が良い子だと頭を撫でられ、考えるなと言われていた時代」と回想していますが、[109]彼女自身のイメージは、「男性への依存を拒否し、若さを崇拝する業界で40歳以上の女性に割り当てられている従来の役割を拒否する決意」によって最終的に変化しました。[110]ポップミュージックの重要人物である マドンナも、女性アーティストへの道を切り開き、女性や今日のポップスターのために音楽業界を永久に変えた功績があるとされています[111]ポップミュージック界で影響力のある他の女性アーティストとしては、アニー・レノックス、シンディ・ローパー、デビー・ハリー、ダイアナ・ロス、ドナ・サマー、グレース・ジョーンズ、グロリア・エステファン、ジャネット・ジャクソン、ケイト・ブッシュ、カイリー・ミノーグ、ニーナ・ハーゲン、オリビア・ニュートン＝ジョン、パット・ベネター、スティーヴィー・ニックス、ティナ・ターナーなどがいます。[要出典]

シンガーソングライター兼音楽プロデューサーのビョークは、女性シンガーのレコーディングでは、男性がコラボレーションしたアーティストがサウンドのクレジットに名を連ねられることが多いと述べている。これは、ステージでのパフォーマンスを見た人々が、彼らがレコーディングをプロデュースしたり楽器を演奏したりしていないと推測するからだ。[112] レディー・ガガも、音楽業界が男性だけのクラブに似ていて、女性アーティストが入り込めないという問題に直面していると述べた。[113]同様に、インディーフォークのシンガーソングライター兼ギタリストであるアニ・ディ・フランコは、女性にとってかつてはギター店に入ることさえ「勇気の行為」だったと述べている。なぜなら、そこは「男性だけのクラブ」のように感じられたからだ。[47]実際、ある調査では、ギター店の女性店員がギターの専門用語を使うまで、客は彼女をギターについて何か知っているかのように扱わなかったという。[47]

ファンクミュージックにおける女性アーティストには、チャカ・カーン、ラベル、ブライズ・オブ・ファンケンシュタイン、クライマックス、マザーズ・ファイネスト、ベティ・デイビスなどがいます。現代音楽におけるファンクの人気にもかかわらず、ファンク・ウーマンの作品を研究した人はほとんどいません。しかし、文化評論家のシェリル・キーズはその一人です。彼女はベティ・デイビスに焦点を当て、「ファンクとロックの歴史における先駆者として、その名が知られていないアーティスト」と呼んでいます。これらの音楽ジャンルに関するほとんどの著作では、伝統的にジミ・ヘンドリックス、ジョージ・クリントン（パーラメント＝ファンカデリック）、ベーシストのラリー・グラハムといった男性アーティストが、ロック音楽の感性を形作るトレンドセッターとして位置付けられてきました。」[114]

2000年代以降、最も影響力のある女性歌手には、アデル、アリシア・キーズ、アリアナ・グランデ、アヴリル・ラヴィーン、ビヨンセ、ビリー・アイリッシュ、ブリトニー・スピアーズ、クリスティーナ・アギレラ、デュア・リパ、フローレンス・ウェルチ、ケイティ・ペリー、ケリー・クラークソン、レディー・ガガ、ラナ・デル・レイ、マイリー・サイラス、ピンク、リアーナ、シャキーラ、SZA、テイラー・スウィフトなどがいます。彼女たちのほとんどは自分で曲を書いており、中にはプロデュースする人もいます

東アジアのポップミュージックでは、2010年代、世界最大（全体では第2位）のフィジカル音楽市場で日本のアイドル女性グループが大きな成功を収め、 2017年だけで17曲のナンバーワンシングルを出した。Jポップのアイドル女性グループの中で最も売れているのはAKB48で、シングル販売枚数では日本史上最も売れているグループであり、レコード販売枚数では第3位であり、この10年間、毎年国内で最も売れたシングルとなっている。また、国内で最も売れたアルバムは1999年にリリースされた『First Love 』で、日系アメリカ人の女性シンガーソングライター、宇多田ヒカルによるものである。

韓国のアイドルガールグループも2010年代に大きな成功を収めており、TWICEは2016年に国内で最も売れたシングルを記録したほか、 2015年10月のデビュー以来、合計43の賞を受賞しています。この10年間で大きな成功を収めたもう1つの韓国アイドルガールグループはBLACKPINKで、ビルボードホット100でK-POPガールグループとして史上最高位を獲得しただけでなく、ビルボードエマージングアーティストチャートでK-POPガールグループとして初めて1位を獲得しました。[115] [116]また、2016年8月のデビュー以来、合計16の賞を受賞しています。K -POPはアメリカでも人気が高まっており、多くのアイドルガールグループがランキングを駆け上がっていますが、その人気のほとんどは男性グループによるもので、女性グループは男性限定クラブという概念によって影を潜めています。[要出典]

中国のアイドルガールズグループも最近大きな成功を収めており、SNH48やロケットガールズ101といったCポップグループがいます。ロケットガールズ101は2018年にデビューEPを160万枚以上売り上げました。[117]

ブルース

マ・レイニー（1886–1939）[118]は、最も初期のアメリカのプロのブルース歌手の一人であり、レコーディングを行った最初の世代の歌手の一人でした。[119]

クラシック・フィメール・ブルースは、 1920年代に人気を博したブルース音楽の初期の形態です。伝統的なフォーク・ブルースと都会の劇場音楽が融合したこのスタイルは、ヴォードヴィル・ブルースとしても知られています。女性ボーカリストによるクラシック・ブルースの楽曲は、ピアニストや小規模なジャズ・アンサンブルの伴奏で演奏され、初めて録音されたブルースとなりました。クラシック・フィメール・ブルース歌手は、黒人歌手やブルース・アーティストとして初めて録音されたため、レコード業界のパイオニアでした。また、 12小節ブルースを全米に広める上でも重要な役割を果たしました。 [要出典]

「ブルースの母」として知られるガートルード・「マ」・レイニー（1886～1939年）は、1902年頃にブルースをショーソングやコメディの演技に取り入れ始め、大衆娯楽として舞台でブルースを演奏した最初の人物として知られています。 [120] : 38  [121] : 34 ニューヨークを拠点とするキャバレー歌手のメイミー・スミスは、1920年に「クレイジー・ブルース」を録音し、7万5000枚以上を売り上げ、[120]彼女は「アメリカのブルースのファーストレディ」として知られるようになりました。1920年、ヴォードヴィル歌手のルシール・ヘガミンは「ザ・ジャズ・ミー・ブルース」を録音し、ブルースを録音した2人目の黒人女性となりました[120] : 16  エセル・ウォーターズ、アルバータ・ハンター、メアリー・スタッフォード、ケイティ・クリッペン、エディス・ウィルソン、エスター・ビジョーなどが1921年末までに最初のレコーディングを行った。[122]これらのブルースのレコーディングは、白人向けのレコードと区別するために、通常「人種レコード」とラベル付けされていた。しかしながら、古典的な女性ブルース歌手のレコーディングは、白人のバイヤーにも購入された。[123] マリオン・ハリスは、ブルースを録音した最初の白人女性歌手の一人となった。

クラシック・ブルース歌手の中で最も人気があったのは、テネシー州生まれのベッシー・スミス（メイミー・スミスとは血縁関係はありません）で、1923年に初めてレコーディングを行い、「ブルースの女帝」として知られるようになりました。彼女は1920年代に最も高額の報酬を得た黒人アーティストとなり、160曲以上をレコーディングしました。1920年代末まで精力的にレコーディングを行った他のクラシック・ブルース歌手には、アイダ・コックス、クララ・スミス、サラ・マーティンなどがいます。これらの初期のブルース歌手は、マヘリア・ジャクソンやジャニス・ジョプリンといった後のブルース歌手に影響を与えました。ブルースの女性たちがこのジャンルに貢献したのは、「メロディーラインの即興性の向上、歌詞の強調とインパクトを変える独特のフレージング、そして叫び声、うめき声​​、うめき声​​、泣き声を使ったボーカルのドラマチックさ」でした。ブルースの女性たちはこうして、ジャズ、ブロードウェイ・ミュージカル、1930年代と1940年代のトーチソング、ゴスペル、リズム・アンド・ブルース、そして最終的にはロックンロールへと派生した他の種類のポピュラー・シ​​ンギングにも変化をもたらしました。」[121] : 8 

カントリーミュージック

カントリーミュージックの先駆者、そしてリーダー的存在の例

カントリーミュージックのジャンルでは、多くの女性歌手が成功を通じて業界に影響を与えてきました。男性カントリーアーティストの人気と、彼女たちの音楽全体に見られる差別にもかかわらず、多くの女性アーティストが成功を収め、数々の功績を残してきました

55年以上にわたりカントリー歌手として活躍してきたドリー・パートンは、成功を収めました。彼女はファンのために常に新しいプロジェクトを生み出し、ローリングストーン誌では「止められない」と評されました。[124]これらのプロジェクトには、45枚以上の音楽アルバム、複数の長編映画、テーマパーク「ドリーウッド」、そして制作会社の設立が含まれています。[125]

アメリカン・アイドルの伝説的優勝者であるキャリー・アンダーウッドもまた、カントリーミュージックのジャンルに永続的な影響を与えた。25万1千枚以上を売り上げたアンダーウッドのアルバム『クライ・プリティ』は、ビルボード200チャートで1位を獲得した4枚目のアルバムとなり、 『ブローン・アウェイ』、『プレイ・オン』、『カーニバル・ライド』に続くものとなった。[ 126]これらの功績により、彼女は全ジャンルのビルボード200チャートで4枚のカントリーアルバムが1位を獲得した初の女性歌手となった。[126]アンダーウッドはキャリアを通じて他にも数々のナンバーワンアルバムを獲得しており、他の多くの人気アーティストを追い抜き、女性カントリーミュージック業界に強い影響を与えている。

女性の権利活動家であり動物愛好家でもあるミランダ・ランバートは、カントリーミュージック界でも輝かしいキャリアを築いてきました。彼女の楽曲「Over You」と「Heart Like Mine」は、 2010年と2011年にビルボードのチャートを席巻し、カントリーミュージックのラジオ局でもヒットしました。 [127]ソロアーティストとして、彼女は誠実さと現実を通して音楽を作り続けています。[128]彼女の音楽を通して発信されるメッセージは、困難な状況にある他の女性たちが孤独を感じないようにするためのものです。音楽業界で得た名声を活かし、ランバートは動物愛護協会などの慈善団体と協力して社会貢献活動を行っています。[129]

しかし、カントリーミュージックでは性差別や性差別が頻繁に見られ、ラップやポップスなどのカテゴリーに比べて、このジャンルでは時とともに顕著になってきています。テキサス工科大学メディアコミュニケーション学部の教授であるエリック・ラスムッセン博士は、1990年代と比較して、2010年代のカントリーミュージックは女性に対する差別がより顕著になっていると主張しています。例えば、「女性の外見についてより多く語ること、女性がタイトな服や露出度の高い服を着ていること、女性を物に例えること、女性を本名ではなく俗語で呼ぶこと、女性を不信感を抱く人や浮気者として描写すること」などです。[130]

2010年代から、ブロ・カントリーという人気のサブジャンルが生まれました。歌詞は女性を性的に客体化し、男性が利用できる資産として描いているとして批判されています。[131]ブロ・カントリーの人気アーティストには、ルーク・ブライアン、フロリダ・ジョージア・ライン、ブレイク・シェルトンなどがいます。ブロ・カントリーは、人種差別や性差別と関連付けられてきた南部文化の歴史的側面に影響を受けている可能性があります。カントリーミュージック界の女性たちは、これらの問題に直面し続けており、直接対処する方法が見つからないことがよくあります。例えば、レコーディングアーティストのケイシー・マスグレイヴスがカントリーミュージックでの経験を述べているように、レーベルが女性の曲をヒットさせなかった場合、すぐに彼女の性格や女性であるという事実、あるいはラジオ局の番組ディレクターに重要な存在だと感じさせなかったことが非難されます。[要出典]

ジャズ

影響力のあるジャズミュージシャン、ニーナ・シモン

ジャズ界では、女性が楽器奏者、作曲家、作詞家、バンドリーダーとして活躍することはあまり多くありませんが、多くの女性ジャズシンガーが存在します。ベッシー・スミスはブルースとジャズの両方を歌いました。レナ・ホーンは10代の頃にコットン・クラブに初登場しました。エラ・フィッツジェラルドとビリー・ホリデイは、スウィング時代のバラードで知られています。シャーリー・ホーンはジャズとブルースの両方を歌いました。ニーナ・シモンはジャズ、フォーク、リズム・アンド・ブルースを歌いました。エタ・ジョーンズはリズム・アンド・ブルースとジャズを歌いました。アニタ・オデイはビバップへの貢献で知られています。ベティ・カーターはポスト・バップ時代に歌いました。メアリー・ルー・ウィリアムズは、スウィングとハード・バップ時代の歌手兼ピアニストでした。サラ・ヴォーンはクール・ジャズ時代 の歌で知られています

その他のジャズ歌手には、ローズマリー・クルーニー、ダイアン・シューア、フローラ・プリムなどがいます。コンテンポラリー・ジャズ歌手には、ノラ・ジョーンズ、ダイアナ・クラール、メロディー・ガルドー、 ダイアン・リーヴス、そしてシンガー兼ベーシストのエスペランサ・スポルディングなどがいます。彼女は、ジャズにおける現在の差別についての議論を訴える活動で、2017年にアルバム『Exposure』の制作過程を77時間連続でライブストリーミングし、作曲、アレンジ、レコーディングの全過程を披露しました。男性優位のレコーディングスタジオという空間で、女性が自信を持って仕事をしている姿を何千人もの人々に見せたことが、彼女の活動のハイライトとなりました。[132]

クラシック音楽

左から：チェチーリア・バルトリとクラシック・クロスオーバー・ポップシンガー、サラ・ブライトマン

クラシック歌手は通常、ライブパフォーマンスとレコーディングの両方を行います。ライブパフォーマンスは、教会などの小さな会場、またはオペラホールやアートセンターなどの大きな会場で行われることがあります。クラシック歌手は、芸術歌曲（ピアノ伴奏で演奏される歌）やオペラ（舞台で衣装を着て演奏される舞台で 交響楽団の伴奏で歌われる歌）など、特定の種類の歌唱に特化している場合があります。

クラシック歌手は通常、声の種類によって分類されます。声の種類は、声域と、場合によっては声の「色」の両方を示します。女性歌手の声域を示す声の種類には、（低い音域から高い音域へ）コントラルト、メゾソプラノ、ソプラノがあります。 女性歌手の声域と「色」の両方を示す声の種類には、コロラトゥーラ・ソプラノとリリック・ソプラノがあります

ポピュラー音楽の歌手は通常、マイクと拡声システムを使って歌いますが、クラシック音楽では声を自然にホールに響かせる必要があり、そのためには専門的な発声訓練が必要です。

黒人女性

1940年のマリアン・アンダーソン

マリアン・アンダーソン（1897～1993）[133]は黒人のコントラルト歌手で、音楽評論家のアラン・ブライスは「彼女の声は豊かで活気に満ちた、本質的な美しさを持つコントラルトだった」と述べています。[134]彼女の歌手としてのキャリアのほとんどは、1925年から1965年の間に、アメリカとヨーロッパの主要な音楽会場や有名なオーケストラとのコンサートやリサイタルでの演奏に費やされました

アンダーソンは、20世紀半ば、ワシントンD.C.のコンスティチューション・ホールで黒人アーティストが人種的偏見を克服するための闘争において重要な人物となりました。当時、アメリカ革命の娘たち（DAR）は、彼女が黒人ではない聴衆の前で歌うことを許可しませんでした。1939年4月9日のイースターサンデーには、ファーストレディのエレノア・ルーズベルトと夫のフランクリン・D・ルーズベルト大統領の支援を受けて、ワシントンのリンカーン記念館の階段で、7万5000人以上の観客と数百万人のラジオ視聴者の前で、批評家から絶賛された野外コンサートを行いました。彼女はアメリカ合衆国における黒人アーティストの障壁を打ち破り続け、1955年1月7日、ニューヨーク市のメトロポリタン歌劇場で主役を演じた最初の黒人（アメリカ人であろうとなかろうと）となりました。 [ 135]

クラシック歌手

著名な女性クラシック歌手の短いリストは次のとおりです。

ワールドミュージック

ワールドミュージックのアイコンの例

女性は、アフリカ、カリブ海、南米、アジアなどの地域の民族音楽や伝統音楽、先住民族の音楽、新伝統音楽、西洋のポップスと民族音楽の融合など、複数の文化的伝統が混ざり合った音楽など、世界中のさまざまなスタイルの音楽を網羅する音楽カテゴリーであるワールドミュージックにおいて重要な役割を果たしている。この用語は、1980年代に非西洋の伝統音楽のマーケティングカテゴリーとして普及した。[136] [137]

ブラジルの女優、歌手、ダンサーであるカルメン・ミランダは、1930年代のハリウッド映画におけるエキゾチックな脇役として西洋で知られるようになった。これは、以前のダンサーであるジョセフィン・ベーカーや、その後のエキゾチック歌手である イマ・スマックに似ている。1960年代には、エリス・レジーナが最も著名な女性ボサノバ歌手となり、[要出典]世界中のポピュラー音楽に影響を与えた。1960年代と1970年代には、アルゼンチンのフォークシンガー、メルセデス・ソーサ、南アフリカのミリアム・マケバ、ギリシャのマリア・ファラントゥーリが、母国の抑圧的な政治状況に反対する活動で注目を集めた。ソーサの「Gracias a la vida」（「人生に感謝」）、マケバの「Pata Pata」（「触れて、触れて」）、そしてマリア・ファラントゥーリと作曲家ミキス・テオドラキスのコラボレーション（特に「マウトハウゼン三部作」）は、人権闘争の音楽的象徴であった。 「サルサの女王」セリア・クルスは1966年にキューバからアメリカ合衆国に移住しました。

1980年代、当時いわゆるワールドミュージックへの関心が高まるにつれ、長年活躍してきたアーティストの古い録音が世界中の聴衆のために再発見され、世界中に配信されました。アラブ歌手のウム・クルスームやアスマハン、ファイルーズ、アルジェリアのライ歌手チェイカ・リミッティ、ボリウッド映画のサウンドトラックで最も多作なインドのプレイバックシンガーであるアーシャ・ボスレ、ロマのエスマ・レジェポヴァ、メキシコのランチェラ歌手チャベラ・バルガス、南アフリカのマホテラ・クイーンズなど、母国でよく知られ、時には伝説的な地位にあるスターたち、あるいはカーボベルデのセザリア・エヴォラ、ジンバブエのステラ・チウェシェ、アフロペルーのスサナ・バカのように、 初めて（白人男性によって）録音された人たちもいました

ワールドミュージックの女性パフォーマーは数多くおり、アン・サヴォイ、ビー・キドゥーデ、ブレンダ・ファッシー、チャブカ・グランダ、チャヴァ・アルベルシュタイン、クレオマ・ブロー・ファルコン、ドリー・コリンズ、エリザベス・コットン、フレヘル、ガル・コスタ、ジェノア・ケアウェ、グーグーシュ、ヘイゼル・ディケンズ、ジーン・リッチー、ラタ・マンゲシュカル、リア・ソング、ローラ・ベルトラン、ルチャ・レイエス、ルシラ・ガレアッツィ（ザ・ママス）、リディア・メンドーサ、マリア・タナセ、マリアム・ドゥンビア、ナダ・マムラ、オフラ・ハザ、ウム・サンガレ、リタ・マーリー、ローザ・パソス、ローザ・エスケナジー、サフィエ・アイラ、サラマット・サディコヴァ、セルダ・バグカン、シャーリー・コリンズなどが挙げられる。ヴァリャ・バルカンスカ、ビオレッタ・パラ、ワルダ、マルタ・ゴメス、ザップ・ママ。

東洋音楽

アラブ音楽

1920年代のバグダッドの音楽劇団に所属する、女性演奏者を含む音楽家グループ

アラブ音楽は、アラビア半島のアラブ人の音楽と、アラブ世界を構成する様々な民族の音楽が融合したものです。

中世には、プロの音楽家である女性はアワリム（複数形）または「学識のある女性」を意味するアルメと呼ばれていました。これらの歌手は、裕福な人のハーレムでの祝賀会の際に雇われることがよくありました。彼女たちはハーレムではなく、ハーレムや家の主人に見られないように、衝立で隠された高い部屋にいました。女性アワリムは男性演奏者よりも高い報酬を受け、より高く評価されていました

この時期のエジプトにおける男性のプロの音楽家は、alateeyeh（複数形）またはalateeh（単数形）と呼ばれ、「楽器を演奏する人」を意味します。しかし、この名称は声楽家と器楽家の両方に当てはまります。男性のプロの音楽家は評判が悪く、卑しいと見なされ、パーティーで演奏して生計を立てていました。9世紀には、男性の器楽奏者の使用が論文（どの論文？）で厳しく批判されました。なぜなら、男性はチェスをしたり、恋愛詩を書いたりといった悪徳と結び付けられていたからです。

数世紀後、エジプト侵攻後にナポレオンが委託したオスマン帝国文化の現状に関する報告書の1つには、男性の聴衆に向けて演奏する男性器楽奏者のギルドと、女性の聴衆に向けて歌と演奏を行う「博識な女性」歌手/音楽家がいたことが記されています。

中国音楽

顧鴻忠作の宋代（960～1279年）版『韓熙載夜話』の半切。[138]画像の中央にいる女性楽師は横笛と管を演奏し、男性楽師は拍子木（パイバン）を演奏しています。

古代中国の音楽において、音楽は女性、特に学識のある女性にとって主要な活動でした。古代から、女性演奏家は古琴（琴の一種で、 7弦の撥弦楽器）と結び付けられていました。古琴は伝統的に、学者や文人によって非常に繊細で洗練された楽器と考えられてきました。 著名な女性古琴演奏者の一人は、胡家十八拍《胡笳十八拍》で知られる蔡文吉です

中国の民俗音楽では、女性音楽家も重要な役割を果たしてきました。福建省南部と台湾では、南音音楽または南管音楽は、女性が笙笛や琵琶などの伝統的な楽器の伴奏で歌う、伝統的な中国の民謡の一種です。この音楽は閩南語、つまり地域の方言で歌われます。この音楽は一般的に悲痛で、典型的には失恋した女性をテーマにしています

1930年代から1940年代の中国ポップス（Cポップ）業界は、その時期に中国で最も有名な歌手であった七大歌謡スターによって席巻されていました。1930年代には周玄、龔秋霞、姚李、白鴻が登場し、その後1940年代には白光、李香蘭、呉英音が登場しました。1949年以降、初期のCポップは中国共産党によってイエローミュージック、性的にわいせつなものとして非難されました（中国では黄色はエロティシズムやセックスと関連付けられています）。1980年代初頭の文化大革命終結後になって初めて、イエローミュージックは再び演奏されるようになりました。

近代における中国の政治的・文化的変化の激化に伴い、中国のポピュラー音楽は韓国（K-POP）と日本（J-POP）のポピュラー音楽のスタイルを模倣し、インスピレーションを得ることが多くなり、現在では両国と非常に類似しています。そのため、2010年代には、SNH48（2012年結成）とその姉妹グループなど、日本のモデルと、ロケットガールズ（2018年、韓国のリアリティ番組のタレントコンペティション番組の中国版から結成）など、韓国のモデルの両方に基づいたガールズグループがいくつか結成されました。これらのグループは大きな成功を収め、ロケットガールズのデビューEPは160万枚以上を売り上げました。[117]

それにもかかわらず、中国のソロ女性アーティストは、伝統的にそうであったように、国内全体で依然として非常に人気があります。[139]最近最も人気のある中国のソロ女性歌手には、フェイ・ウォン、GEM（グロリア・タン）、ララ・スー、胡66  [zh]、アーダ・ジュアン、ケリー・ユー、チェン・リー（陳粒）、フェン・ティモ、ビビ・ジョウ、シュアンシェン [zh]（双笙）、ティア・レイ、ヴァネッサ・ジン（金玟岐）、ジェーン・チャンなどがいます。[140]

インド音楽

アーシャ・ボスレーは、ヒンディー語映画のプレイバックシンガーとして最もよく知られているインド人歌手です。2011年、彼女は音楽史上最もレコーディングされたアーティストとしてギネス世界記録に公式認定されました。[141]

インド古典音楽はインド亜大陸の芸術音楽です。インド古典音楽の起源はヒンドゥー教の聖歌にあります。この聖歌のスタイルはジャーティへと進化し、最終的にはラーガへと発展しました。

インド古典音楽はインドの民俗音楽からも大きな影響を受け、あるいはシンクレティズムを受けています。歴史的なインド古典音楽の伝統における主要な作曲家は男性でした。インドの民俗音楽において、ラーヴァニーはマハラシュトラ州で人気のある音楽ジャンルで、伝統的に女性によって演奏されています。バングラ（パンジャーブ語：ਭੰਗੜਾ ）は、パンジャーブのダンス志向の民俗音楽の一種です。現在の音楽様式は、同じ名前で呼ばれるパンジャーブのリフへの非伝統的な音楽伴奏から派生したものです。パンジャーブ地方の女性の踊りはギッダ（ਗਿੱਧਾ） として知られています

現代の女性ボーカリストには、DKパタマル、M.S.スッバラクシュミ、ガングバイ・ハンガル、ヒラバイ・バロデカル、ケサルバイ・ケルカル、キショリ・アモンカル、マリニ・ラジュルカル、モグバイ・クルディカル、プラバ・アトレ、ロシャン・アラ・ベグム、シュルティ・サドリカル・カトカルなどがいます。女性器楽奏者としては、アンナプルナ・デヴィがいます。

ボリウッド（インド映画産業の中心地）やその他の地域の映画産業の音楽において、女性のプレイバックシンガーは重要な役割を果たしてきました。主にヒンディー語映画で活躍するラタ・マンゲシュカルとアーシャ・ボスレーの姉妹は、インドで最も有名で多作なプレイバックシンガーの2人としてよく知られています。2011年、ボスレーは音楽史上最もレコーディングされたアーティストとしてギネス世界記録に公式認定されました。 [141]

イラン音楽

ファテメ・ヴァーエズィー（ペルシア語：فاطمه واعظی ）は、一般的にパリサー（ペルシア語：پریسا）という芸名で知られ、ペルシアの古典音楽の歌手兼音楽家です

伝統的に、イランでは女性歌手が公の場に出る機会は少なかった。女性はターズィーエと呼ばれる宗教儀式でのみ歌を披露することが許されており、男性は一般的に女性の歌を聴くことを禁じられていた。イラン革命以前は、女性が歌を披露できるのは、プライベートな場、仕事中、他の女性の前で、あるいは女性の祝賀行事の時など、限られた状況に限られていた。しかし革命以降、女性は女性観客の前でソロ歌手として、また男性観客の前で合唱団の一員として歌を披露することが認められている。

カマル・オル＝モルーク・ヴァジリ（1905～1959）は、ペルシャ音楽における最初の女性巨匠の一人でした。その他の著名な女性音楽家には、デルカシュ、シミン・ガネム、バルバド・アンサンブルの創設者マリアム・アコンディ、ペルシャのクラシックギタリスト、リリー・アフシャール、ペルシャ・アカデミー賞を受賞した歌手シャキーラ、指揮者のスーダベ・サレム、アフサネ・ラサエイ、ナヴァ・アンサンブルとリアン・アンサンブルの創設者ピラエ・プーラファル、そしてマハサ・ヴァフダットなどがいます。[説明が必要]

クラシック歌手のファテメ・ヴァエズィー（通称パリサ）は、女性オーケストラを伴奏にコンサートを行ってきました。1986年以降、マリアム・アコンディは亡命中の他のイラン人音楽家と活動を始め、2000年には女性だけのアカペラグループ「バヌー」を結成し、女性の活動や祝賀行事の一部であった古い民謡を歌いました。歌手のシマ・ビナは、男女問わず多くの女性生徒、ガシャン・カムカルを指導してきました。彼女とヴァエズィーは、女性音楽家に対するイランの家父長制的な権力構造を批判してきました。[142]

イランのフォークミュージックの演奏者には、シマ・ビナー、ダリヤ・ダドヴァル、モニカ・ジャリリ、ジバ・シラジ、ゾーレ・ジョーヤ、シュシャー・グッピーなどがいます。イランのポップスの演奏者には、グーグーシュ、ハイエデ、マハスティ、レイラ・フォルハル、プーラン、ラレ・プールカリムなどがいます。イランのワールドミュージックの演奏者には、アザム・アリとチミン・サマワティなどがいます。

日本の音楽

日本のアイドルグループAKB48は、シングルの売上枚数で日本で最も売れているグループです

日本は世界最大のフィジカル音楽市場を有し、2014年には20億米ドルに達しました。また、音楽市場全体では世界第2位で、2014年の総小売価格は26億米ドルでした。[143] 日本のアイドル女性アーティストはフィジカルシングル市場を席巻しており、2015年の国内で最も売れたシングルトップ10のうち9つは、アイドルガールズグループAKB48またはその「姉妹」および「ライバル」グループのものでした。 [144] AKB48は過去6年間、国内で最も売れたシングルを記録しており[ ？現在]、シングル販売枚数でも日本で最も売れているアーティストです。 [145]日系アメリカ人のシンガーソングライター、宇多田ヒカルは、国内で最も売れたアルバム『First Love』を持っています。[要出典]

ユダヤ音楽

聖書の『士師記』などの書物には、女性（ミリアム、デボラ、ハンナを含む）が哀歌を歌ったり楽器を演奏したりする音楽の伝統に参加していたという文学的な証拠があります。しかし、典礼に関する記述には女性は登場しません。女性は最終的に典礼礼拝（コリシャ）から禁止されました。家庭、埋葬、結婚式といった家庭内の音楽儀式において女性は引き続き役割を果たしましたが、これらの習慣は典礼音楽やその創作者、演奏者のように記録されていませんでした。[146]

音楽学者と教育者

音楽学者と音楽史家

ロゼッタ・ライツ（1924–2008）は、アメリカのジャズ史家でありフェミニストで、初期のジャズとブルースの女性たちの音楽のアルバム18枚を制作したレコードレーベルを設立しました。[147]

主要な音楽学者や音楽史家の大多数は男性ですが、女性音楽学者の中にも音楽業界でトップの地位に達した人がいます

スーザン・マクラリーは、フェミニスト音楽批評を作品に取り入れた新音楽学に携わる音楽学者です。ハーバード大学で博士号を取得しています。彼女の最も有名な著作の一つは『Feminine Endings』（1991年）で、ジェンダーとセクシュアリティの音楽的構築、伝統音楽理論におけるジェンダー的側面、音楽物語におけるジェンダー化されたセクシュアリティ、ジェンダー化された言説としての音楽、そして女性音楽家を取り巻く諸問題を取り上げています。マクラリーは著書の中で、交響曲や弦楽四重奏曲で用いられるソナタ形式は、ジェンダーと性的アイデンティティを構築する性差別的あるいは女性蔑視的な手法である可能性があると示唆しています。また、『 Conventional Wisdom 』（2000年）では、文化や意味、社会や身体から切り離された「純粋に音楽的な」要素が存在するという伝統的な音楽学の前提は、客観的とされる音楽学者が最も重視する古典音楽の規範を生み出す世界観の社会的・政治的要請を覆い隠すために用いられる思い上がりであると主張しています。

プリンストン大学で博士号を取得したアメリカの音楽学者、キャロリン・アバテは、ハーバード・ガゼット紙によって「世界で最も優秀で尊敬されている音楽史家の一人」と評されています。 [148]

音楽学と音楽史における他の女性学者には、以下が含まれます。

民族音楽学者

フランシス・デンスモア（1867–1957）は、ネイティブアメリカンの音楽と文化の研究で知られるアメリカの人類学者、民族誌学者でした

民族音楽学者は、世界中の様々な音楽を研究対象としています。これらの音楽は、音楽の孤立した要素や特定のレパートリーではなく、あるいはそれらに加えて、文化的、社会的、物質的、認知的、生物学的、その他の側面や文脈を重視しています。民族音楽学（エトノス、民族）は、ヤープ・クンストによってギリシャ語のἔθνος（エトノス、「国民」）とμουσική（ムシケ、音楽）から造語され、音楽の人類学または民族誌学と表現されることが多いです。当初はほぼ非西洋音楽のみを対象としていましたが、現在では人類学的、社会学的、異文化間の観点から西洋音楽を研究する分野も含まれています。

女性は民族音楽学、特にジェンダー研究と民族音楽学の接点において、多大な貢献をしてきた。[149]イーストマン音楽学校名誉教授であり、民族音楽学会元会長、ラジオ番組「What in the World is Music?」の司会者でもあるエレン・コスコフは、この点について広範な研究を行っている。[150]コスコフは著書『異文化視点における女性と音楽』 （1987年）の中で、女性によって演奏される音楽は「軽視」されており、場合によっては「音楽形式」を有しているにもかかわらず「非音楽」とみなされることさえあると主張している。[149] : 15 彼女はさらに、公共の領域を占める男性と、私的な家庭の領域を占める女性との区別が、文化の異なる部分ではなく、補完的な二つの部分を生みだしてきたと説明している。[149] : 1 また、女性のアイデンティティはセクシュアリティに根ざしていると広く信じられているため、「女性と音楽の最も一般的な関連の1つは、女性の主要な性的アイデンティティと役割を音楽演奏と結び付けている」と述べている。[149] : 6 この関連において、コスコフは、男女間の関係と確立された社会的/性的取り決めに関連して、4つのタイプの音楽演奏が出現することを発見している。

  • それを確認し、維持するもの
  • 他のより関連性の高い価値観を守るためにそれを維持しているように見えるもの
  • 抗議しつつもそれを維持するもの（しばしば象徴的に）
  • それに挑戦し、脅かすもの[149] : 10 

カリフォルニア大学リバーサイド校の教授であるデボラ・ウォン氏[151]は、東南アジアの音楽とアジア系アメリカ人の音楽制作に焦点を当てていることで知られており[151] 、太鼓、つまり日系アメリカ人の太鼓演奏も研究しています[152] 。

その他の女性民族音楽学者には、以下が含まれます。

音楽教育者

1943年、小学校で音楽アンサンブルを指揮する音楽教師

1880年代の音楽評論家たちは、「女性は生物学的素因により、優れた音楽を作曲する生来の創造性に欠けている」と主張しましたが[38]、後に女性が音楽教育において役割を果たすことが認められるようになりました。女性はこの分野に深く関わり、19世紀後半から20世紀にかけて、この分野を支配しました[38] 。しかし、少なくとも米国では、音楽教育における女性の貢献に関する研究は、バンドや階層的な音楽組織の最高幹部に重点が置かれていたため、見過ごされてきました[153] 。しかし、さらに詳しく見てみると、女性は「家庭、地域社会、教会、公立学校、教員養成機関」や「作家、後援者、そして組織におけるボランティア活動を通じて」、音楽教育において多くの役割を果たしてきました[153] 。

19世紀には音楽教育における女性の役割に制限が課されていましたが、幼稚園の教師として女性は受け入れられました。これは「私的な領域」とみなされていたためです。女性はまた、女子校や日曜学校だけでなく、個人的にも音楽を教えていました。また、学校の音楽プログラムで音楽家を育成していました。20世紀に入ると、女性は小学校の音楽監督、師範学校の教師、大学の音楽教授として雇用されるようになりました。また、女性は音楽教育の専門団体でより積極的に活動するようになり、会議で論文を発表しました

一般音楽、合唱、個人レッスン、鍵盤楽器の指導において、女性の音楽教育者は「男性の2倍」です。[154] : 177 しかし、バンド教育、管理、ジャズの仕事、そして大学で働く場合は、男性の方が多い傾向があります。: 177 サンドラ・ウィーランド・ハウ博士によると、音楽教育のキャリアにおいて女性には依然として「ガラスの天井」があり、指導的立場にある女性には「スティグマ」があり、「管理職では男性の数が女性を上回っている」とのことです。[155]

著名な女性音楽教育者には以下が含まれます

  • フランシス・クラーク（1860～1958年）は1907年に全米音楽監督会議（MSNC）を設立しました。その後1世紀にわたって、少数の女性がMSNCおよびそれに続く改名後の組織の会長を務めましたが、20世紀においては、1952年から1992年の間に女性会長はわずか2人しかおらず、「おそらく差別を反映している」と考えられます。しかし、1990年以降、組織内で女性の指導的役割が開かれ、1990年から2010年の間には5人の女性会長がいました。[154] : 171 

指揮

プロのオーケストラ指揮者の大多数が男性であることから、ガーディアン紙は指揮を「音楽業界における最後のガラスの天井の一つ」と呼んだ。 [107]英国ラジオ3編集者のエドウィナ・ウォルステンクロフト氏によると、「音楽界は長い間、女性の演奏家を歓迎してきた…しかし、公の場で権威と権力を持つことは別の問題だ。女性指揮者はそこで苦労してきた。私たちの社会は、女性が楽しませることよりも、公の場で力を持つことに抵抗があるのだ。」[168]

オーケストラ演奏という職業において、多くの女性は性別、人種、あるいはその両方による差別を経験している。当初、女性は社会から不適切と見なされていたため、プロとして演奏することを奨励されていなかった。さらに、女性はピアノ以外の楽器を演奏したり、過酷なリハーサルスケジュールを乗り切ったりするのに十分な強さも技術もないと考えられていた。[169]

女性指揮者の割合が低いのは、女性が音楽学校で指揮を学んでいないからではありません。実際、2009年と2012年には、指揮の博士号を取得した人のほぼ半数が女性でした。[107]女性指揮者と男性指揮者の全体的な比率が低い例として、2013年の記事によると、フランスでは574回のコンサートのうち、女性が指揮したのはわずか17回で、パリ国立オペラ座では女性が指揮した人は一人もいませんでした。[170] Bachtrackは、同年の世界のトップ指揮者150人のリストのうち、女性はわずか5人だったと報告しています。[171]

しかし、少数の女性指揮者も国際的にトップクラスの指揮者となっている。2005年1月、オーストラリアの指揮者シモーヌ・ヤングは、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団を指揮した初の女性となった。2008年には、レナード・バーンスタインの弟子であるマリン・オールソップがボルティモア交響楽団の音楽監督兼首席指揮者に就任し、米国の主要なオーケストラの音楽監督兼首席指揮者に就任した初の女性となった。[172]オールソップが初めて音楽監督に任命された際、「ボルティモア交響楽団の多くのメンバーから抗議があった」にもかかわらず、それ以来「称賛が殺到している」[172] 。 2014年、オールソップは、英国で最も重要なクラシック音楽イベントの一つであるプロムスの最終夜コンサートを、118年の歴史の中で初めて指揮した女性指揮者となった[172] 。

プロのオーケストラには女性が不足している一方で、最近の研究では、指揮という職業自体に性別や人種の多様性が欠けていることが示されています。白人女性の数は白人男性に比べて少ないですが、他の人種や民族的アイデンティティを持つ人の数はさらに少ないという明確な違いがあります。オーケストラの労働力に占める非白人音楽家の割合、特にアフリカ系アメリカ人とヒスパニック系/ラテン系の音楽家の割合は、依然として非常に低いままです。[173]オーケストラ界は依然として白人が圧倒的に多いままです。指揮者、幹部、スタッフなどの役職は白人、特に白人男性が占めています。上級管理職では、女性や有色人種を見かけることは依然として稀です。

しかし、1990年代初頭には男女格差が縮小し、その後20年間で女性音楽家は音楽家全体の46%から49%を占めるようになりました[173] 1980年から2014年にかけて、舞台上の多様な音楽家の割合は4倍に増加したが、これは主にアジア系/太平洋諸島系の背景を持つ音楽家の増加によるものである。[173]長年にわたり、この分野におけるジェンダーと人種の不均衡により注目が集まり、これがオーケストラの分野にプラスの影響をもたらしている。2006年から2016年までの指揮者に関するデータでは、人種的および民族的多様性への緩やかだが着実な傾向が示されており、アフリカ系アメリカ人、ラテン系/ヒスパニック、アジア系/太平洋諸島系、アメリカインディアン/アラスカ先住民、およびその他の非白人の指揮者の割合が、2006年の15.7%から2016年には21%に増加している。[173]この分野における白人化と男性のジェンダー支配については再構築が行われてきたが、まだやるべきことはある。

ジェリ・リン・ジョンソンは、 2005年にタキ・コンコルディア指揮フェローシップを受賞し、国際指揮賞を受賞した最初のアフリカ系アメリカ人女性となりました。ウェルズリー大学とシカゴ大学を卒業し、指揮者、作曲家、ピアニストとして活躍しています。フィラデルフィア初の多民族プロオーケストラであるブラックパール室内管弦楽団の創設者兼音楽監督を務めています。2001年から2004年までは、フィラデルフィア室内管弦楽団の副指揮者を務めました。[174]コロラド交響楽団、ボーンマス交響楽団（イギリス）、ワイマール国立歌劇場管弦楽団（ドイツ）など、世界中のオーケストラを指揮してきました。著名な女性指揮者であるマリン・アルソップやジョアン・ファレッタとともに、ジョンソン氏はNBCの トゥデイ ・ショーで、アメリカを代表する女性指揮者の一人として称賛されました。 [要出典]

音楽評論家

アメリカのポップミュージック評論家、アン・パワーズ（2007年撮影）

ホリー・クルーズによると、ポップミュージックに関する記事は通常「男性的な主題の立場」から書かれている。[175]また、音楽ジャーナリズムにおける女性は比較的少ない。例えば、「1999年までに、ローリングストーン誌の女性編集者またはシニアライターの数は…15%程度にとどまっていた。」[176]

2006年にロサンゼルス・タイムズ紙の主任ポップミュージック評論家に任命された女性音楽評論家兼ジャーナリストのアン・パワーズ氏[ 177]は、音楽業界における性別の認識を批判しています。[178] [179]ザ・マンスリー紙のライターであるアンウェン・クロフォード氏は、「ロック批評の分野において、女性が最初から先駆者となってきたにもかかわらず、知名度と認知度を得るために長年闘ってきた」ことを探求しています。[180]「最も有名なロック音楽評論家は…全員男性だ」[112]と指摘し、「女性の専門知識は、現れても、繰り返し偽物として退けられます。ポピュラー音楽について意見を述べたことがある女性なら誰でも、この経験について何らかの形で語ることができるでしょう。」[180]

クラシック音楽

マリオン・リニャーナ・ローゼンバーグ（1961～2013年）は、音楽評論家、作家、翻訳家、放送作家、ジャーナリストであり、Salon.com、ニューヨーク・タイムズ、プレイビルなど、多くの定期刊行物に寄稿していました。

ウィリアム・オズボーンは、「世論に影響を与えるアメリカの大手新聞には、女性のクラシック音楽評論家がほとんどいない」と述べています。[181]アメリカの大手新聞の女性評論家は、シカゴ・サンタイムズのウィン・デラコマとニューヨーク・タイムズのアン・ミジェットの2人で、ミジェットは「新聞の歴史全体を通してクラシック音楽を取材した最初の女性」でした。[181]

その他の音楽専門職

レコード制作とサウンドエンジニア

2013年のSound on Soundの記事は、「レコード制作とサウンドエンジニアリングの分野で女性はほとんどいない」[182]と指摘しました。実際、「音楽プロデューサーの95%は男性であり、音楽で素晴らしい成果を上げている女性プロデューサーはいるものの、男性プロデューサーほど有名ではない」としています。[182]「2012年時点で、ブリット・アワードやグラミー賞で最優秀プロデューサーにノミネートされた女性はわずか3人しかおらず」、どちらの賞も受賞していません。[183] ​​「[プロデューサー]業界に参入したい女性は、男子社会、あるいはギルド精神に直面している」[183]

このような状況にもかかわらず、女性たちは1940年代からこの挑戦に取り組んできました。メアリー・シップマン・ハワードは1940年代にニューヨーク市でエンジニアとして働き、リリアン・マクマリーは1950年代にレコードプロデューサー兼トランペット・レコードの創設者でした。自身のロックンロール音楽レーベルで音楽のプロデュース、エンジニアリング、アレンジ、プロモーションを行った最初の女性の一人はコーデル・ジャクソン（1923～2004年）で、彼女は1956年にメンフィスでムーン・レコード・レーベルを設立し、このレーベルで自宅スタジオで録音したシングルのリリースとプロモーションを開始し、エンジニア、プロデューサー、アレンジャーとして活躍しました。エセル・ガブリエルはRCAで40年間のキャリアを持ち、メジャーレーベル初のレコードプロデューサーでした。[要出典]

トリーナ・シューメーカーは、クイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジ[184]、シェリル・クロウ[ 184] 、エミルー・ハリス[ 184]、サムシング・フォー・ケイト[184]、ナンシー・グリフィス[ 184]などのバンドのレコード制作、エンジニアリング、ミキシングを担当するミキサー、レコードプロデューサー、サウンドエンジニアです。[184] 1998年、シューメーカーは『ザ・グローブ・セッションズ』での功績により、女性として初めてグラミー賞最優秀エンジニア・アルバム賞を受賞しました。[185]その後、ブルース・トラベラー、エミルー・ハリス、インディゴ・ガールズ、ディクシー・チックス（現在はチックスのみ）[186]などのアーティストとも仕事をしました。

その他の女性には以下が含まれます。

DJとターンテーブリスト

ヒップホップ、ハウスミュージック、ニューメタル、そしてDJやターンテーブリストが参加する他のジャンルでは、女性のDJやターンテーブリストは比較的少なく、女性DJが男性優位の分野に適応することは困難です。[187] 特に音楽界の女性は、ポピュラー音楽 の歌唱 役として見られることが多いためです

この一因は、オーディオエンジニアリングや制作といったオーディオ技術関連の仕事に就く女性の割合が全体的に低いことに起因している可能性がある。2007年、マーク・カッツ氏は記事「男性、女性、そしてターンテーブル：ジェンダーとDJバトル」の中で、「女性同士のバトルはほとんどなく、この問題はヒップホップDJの間で長年議論されてきた」と述べている。[188] 2010年、レベッカ・ファルジア氏は「EDM（エレクトロニック・ダンス・ミュージック）文化の男性中心性」が「これらのEDM空間における女性の疎外」につながっていると述べた。[189]ターンテーブルとDJのより広範な活動は混同されるべきではないが、カッツ氏は、ジャンルや分野を問わず女性によるターンテーブルの使用の有無は、彼が定義する「男性のテクノフィリア」の影響を受けていると示唆している。[188]

歴史家ルース・オルデンジールは、工学に関する著書の中で、女性がテクノロジーに関心を示さない主な要因として社会化を挙げている。彼女は次のように説明している。「女性がこの分野に参入できなかったという点だけに焦点を当てるだけでは、ステレオタイプな概念がどのようにして生まれたのかを理解するには不十分である。それは、立証責任をすべて女性に押し付け、彼女たちの社会化の不十分さ、向上心の欠如、男性的な価値観の欠如を女性に押し付ける傾向がある。同様に難しい問題は、なぜ、そしてどのようにして男子が技術的なものを好きになったのか、そして歴史的に男子がどのようにしてハイテク愛好家として社会化されてきたのかということである。」[190]

ルーシー・グリーンは、音楽の演奏家やクリエイターとの関係におけるジェンダー、特に両者に関連する教育的枠組みに焦点を当てています。[191]彼女は、女性が音楽の技術的な分野から疎外されているのは、必ずしもそれらの分野を嫌っているからではなく、「主に男性的な描写」に関連していると示唆しています。[192]それでも、女性や少女たちは、個人として[193]、集団として[194]、ターンテーブルやDJの実践にますます積極的に参加し、「EDMやDJ文化の中で自分たちの居場所を切り開いています。」[189] women DJs London [195]など、これらの実践の促進と支援に特化した様々なプロジェクトがあり、一部のアーティストや集団は、これらの実践を超えて、よりジェンダーを包摂するようになっています。[196]例えば、ニューヨークを拠点とする集団兼ブッキングエージェンシーであるDiscwomanは、「シス女性、トランス女性、ジェンダークィアの才能を代表し、紹介する」と自称しています。[197]

運動、組織、イベント、ジャンル

女性音楽

バーニス・ジョンソン・リーゴン（1942年生まれ）は、歌手、作曲家、学者、社会活動家であり、 1973年にアカペラ・アンサンブル「スウィート・ハニー・イン・ザ・ロック」を設立しました。彼女は女性音楽シーンにおける重要な人物でした。[要出典]

女性音楽（womyn 's music、wimmin's musicとも呼ばれる）は、「女性による、女性のための、女性についての」音楽である。[198] [199]このジャンルは、第二波フェミニズム運動[200]や労働運動、公民権運動、平和運動の音楽的表現として登場した。[201]アメリカ合衆国では、レズビアン（クリス・ウィリアムソン、メグ・クリスチャン、マージー・アダムなど）やアフリカ系アメリカ人ミュージシャン（リンダ・ティレリー、メアリー・ワトキンス、グウェン・エイヴリーなど）や活動家（バーニス・ジョンソン・リーゴンと彼女のグループ「スウィート・ハニー・イン・ザ・ロック」 、平和活動家ホリー・ニアなど）によってこの運動が始められた。[201] 女性音楽は、演奏アーティストだけにとどまらず、女性のスタジオミュージシャン、プロデューサー、サウンドエンジニア、技術者、カバーアーティスト、配給会社、プロモーター、フェスティバル主催者などを含む、より広範な女性音楽産業を指すこともある。[198]

団体

国際女性音楽同盟

国際女性音楽同盟（IAWM）は、音楽界における女性の活動、特に作曲、演奏、研究といったジェンダー差別が歴史的かつ継続的な懸念となっている分野における女性の活動の促進と奨励を目的とした国際組織です。IAWMは、交響楽団の会員資格を含む女性音楽家に対する差別と闘うため、女性作曲家の楽曲のプログラムを増やし、大学の音楽カリキュラムに女性音楽家の貢献に関する記述を含めるよう取り組んでいます。ジェンダー差別を終わらせるため、IAWMは1990年代にウィーン・フィルハーモニー管弦楽団のアメリカ公演のボイコットを主導し、成功を収めました。 [202]この組織のアドボカシー活動は、大学の音楽史の教科書に女性作曲家が掲載されることに貢献しました。[203]

女性音楽同盟（WIM-NY）

ウィメン・イン・ミュージック（WIM-NY）は、1985年にニューヨーク市で設立されたアメリカの組織で、音楽業界における「女性の才能を支援、育成、そして認知する」ことを目的としています。[204] WIM-NYは、「セミナー、パネルディスカッション、ネットワーキングイベント」などの活動やイベントを開催しています。[204]会員には、「あらゆるジャンルの音楽と音楽業界のあらゆる分野」の「レコードレーベルの幹部、アーティスト・マネージャー、ソングライター、ミュージシャン、弁護士、レコーディング・エンジニア、エージェント、広報担当者、スタジオオーナー、音楽出版社、オンラインおよび従来型のマーケティング担当者」が含まれます。[204]

ウィメン・イン・ミュージック・カナダ

ウィメン・イン・ミュージック・カナダ・プロフェッショナル協会（WIMC）は、2012年に設立されたオンタリオ州トロントを拠点とする組織です。連邦政府に登録された非営利団体であり、「女性の支援と昇進を通じて音楽業界における平等を促進する」ことを目的としています。[205]

ガールズ・ルール

Now Girls Ruleの創設者、エリス・パプリカが2019年にモンゴルのプレイタイム・フェスティバルでパフォーマンスを披露

Now Girls Ruleは、女性アーティストや女性が率いるバンドのエンパワーメントとプロモーションのために設立されたメキシコのフェミニスト団体です。女性が創作した音楽を称賛するとともに、教育とインスピレーションを通して新世代のアーティストの育成に焦点を当てることで、メキシコのアートシーンの場を創出し、拡大しています。[206] [207] [一次情報源以外必要] Now Girls Ruleは、2014年にメキシコのインディーズロックミュージシャン、エリス・パプリカによって設立されました。その名前は、同年にリリースされたシングル「Now Girls Rule」に由来しています。この曲では、バンド「Descartes a Kant 」のサンドルーシュカ・ペトロヴァとアナ・クリスティーナ・モ、レニー・ムーイ、ヴァネッサ・サモラといった他の重要なラテンアメリカの女性アーティストをフィーチャーしています。パプリカはキャリアを通して、才能豊かな女性アーティストが多数存在するにもかかわらず、メキシコの音楽シーンは歴史的に、音楽における女性のための適切な場と機会の促進と創出に失敗してきたという事実に、常に注目を集めてきました。

Now Girls Ruleでは、音楽に関連したいくつかのイベントが開催されます

  • ガールキャンプでは、7歳から17歳までの少女を対象に、音楽とファンジンのデザインレッスンを提供しています。講師は全員、メキシコの音楽シーンで活躍する女性アーティストです。[208]この形式は、若いアーティスト志望者が、夢を追い求め、芸術で生計を立ててきた女性たちと出会い、学び、音楽と芸術の分野でのキャリアを築くための刺激を受けるために作られました
  • Now Girls Rule Nightsは、著名な女性アーティストや女性ボーカルバンドをフィーチャーしたライブコンサートのシリーズで、新進気鋭の女性ボーカルバンドを招待し、新たな観客層を獲得するためのパフォーマンスも行っています。
  • Now Girls Rule Networkingsは、様々なバックグラウンドを持つプロの女性と女性アーティストが集まり、新しい事業やプロジェクトで力を合わせることを目指して、仕事について語り合う場です。
  • メキシコ初の女性アーティストだけのバザールであるLa Marketaは、アーティストがファンに直接商品を販売し、売り上げの100%を受け取ることができるように作られました。[209] La Marketaは、年齢、性別を問わず、ペットも歓迎のイベントで、一部のアーティストによるライブパフォーマンスも行われます。
  • パプリカはまた、Vive LatinoのSeñal VLチャンネルで毎週配信されている番組「Now Girls Rule Podcast」の司会も務めており、ツアー中に世界各地で出会った女性アーティストや女性ボーカルの音楽を特集しています。イラン系トルコ人パフォーマーAIDAZなど、中東の女性アーティストは、伝統文化と現代のパフォーマンスアートを融合させ、エレクトロニックミュージックやビジュアルミュージックのシーンに登場しています。

ライオット・ガール

ライオット・ガールは、 1990年代初頭にワシントンD.C. [210]と太平洋岸北西部、特にワシントン州オリンピアで始まったアンダーグラウンドの フェミニスト・ ハードコア・パンク・ムーブメントです。[211]第三波フェミニズムと関連付けられることが多く、第三波フェミニズムがライオット・ガールの出発点と見なされることもあります。ライオット・ガールは、インディーロックから生まれた音楽ジャンルとも言われており、パンクシーンは、女性が男性と同じように自己表現できる音楽ムーブメントのインスピレーションとなっています。[212]

ライオット・ガールのバンドは、レイプ、家庭内暴力、セクシュアリティ、人種差別、家父長制、女性のエンパワーメントといった問題に取り組むことがよくあります。このムーブメントに関連するバンドには、ビキニ・キル、ブラットモービル、ヘブンズ・トゥ・ベッツィー、エクスキューズ17、ハギー・ベア、ケーキ・ライク、スキンド・ティーン、エミリーズ・サッシー・ライム、スリーター・キニー、そしてチーム・ドレッシュのようなクィアコア・グループなどがあります。[213] [214]音楽シーンとジャンルに加えて、ライオット・ガールはDIY倫理、ジン、アート、政治活動、そしてアクティビズムを伴うサブカルチャーです。 [215]ライオット・ガールはまた、会合を開き、支部を設立し、音楽界における女性を支援し、組織化しています。[216]

フェスティバル

女性のための音楽フェスティバル（ウーマンズ・ミュージック・フェスティバルとも呼ばれる）は1970年代から開催されています。中にはレズビアンのためのフェスティバルもあります。最初の女性のための音楽フェスティバルは1973年にサクラメント州立大学で開催されました。1974年5月には、イリノイ州シャンペーン・アーバナで、イリノイ大学の学生クリスティン・レムズによって創設された第1回全米女性音楽フェスティバルが開催されました。[217] 2015年7月2日から5日にかけて、ウィスコンシン州ミドルトンで40周年を迎えました。[218]同年から4日間にわたるイベントで、コンサート、ワークショップ、コメディ、演劇、映画、執筆イベントなどが行われ、「障害のある女性を含む多様な多文化コミュニティの女性の創造的才能と技術的スキルを促進し、肯定する」ことを目的としています。参加者のほとんどは女性ですが、男性の参加も可能です。[219]

1976年に創設されたミシガン・ウーマンズ・ミュージック・フェスティバルは、アメリカ最大のフェスティバルとなりました。[220] : 28 

ロチェスター大学イーストマン音楽学校が開催するウーマン・イン・ミュージック・フェスティバルは、作曲、演奏、教育、学術研究、音楽運営における女性の貢献を称えるものとして2005年に始まりました。[221]イーストマンの学生と教職員が女性作曲家の音楽を演奏するというささやかな始まりから、このフェスティバルはニューヨーク州ロチェスター全域でコンサートやイベントを開催し、タニア・レオン（2007年）、ナンシー・ヴァン・デ・ヴァテ（2008年）、ジュディス・ラング・ザイモント（2009年）、エマ・ルー・ディーマー（ 2010年）、ヒラリー・タン（2011年）といった作曲家を招聘するまでに成長しました。このフェスティバルでは、158人の作曲家による291以上の作品が発表されてきました。[要出典]

1970年代半ば以降、アメリカとカナダ全土で多くのフェスティバルが創設され、参加者数は数百人から数千人まで様々です。例えば、 2007年に2500人以上の参加者を集めて始まったロサンゼルス・ウィメンズ・ミュージック・フェスティバルなどです。アメリカ国外では、オーストラリアでシスタジャイブ・ウィメンズ・ミュージック・フェスティバルが開催されています。

ミシガン州ハート近郊で開催されるミシガン・ウーミンズ・ミュージック・フェスティバルのように、レズビアンコミュニティに焦点を当てた音楽フェスティバルもあります。[要出典]ウィメンズ・ミュージック・フェスティバルは音楽を中心に据えていますが、レズビアンやフェミニスト文化の多くの側面をサポートしています。女性の音楽と文化のための安全な空間を提供することを目的としたフェスティバルもあります。

リリス・フェア共同創設者サラ・マクラクラン

リリス・フェアは、女性ソロアーティストや女性リーダーのバンドだけで構成されたコンサートツアー兼移動音楽フェスティバルであった。カナダ人ミュージシャンのサラ・マクラクラン、ネットヴェルク・ミュージック・グループのダン・フレイザーとテリー・マクブライド、ニューヨークのタレントエージェントのマーティ・ダイアモンドによって創設され、1997年から1999年の夏に開催され、2010年の夏に復活した。[222]マクラクランは、コンサートプロモーターやラジオ局が2人続けて女性ミュージシャンの出演を拒否したことに不満を抱き、このフェスティバルを企画した。[223]業界の常識に反し、彼女はアメリカ人シンガーソングライターのポーラ・コールと共にツアーを成功させた。1996年9月14日の2人の共演は「リリス・フェア」というタイトルで、マクラクラン、コール、リサ・ローブ、元クラッシュ・ベガスのミシェル・マカドーリーが出演した。翌年、マクラクランは、リリスがアダムの最初の妻であるという中世ユダヤの伝説にちなんで、リリス・フェア・ツアーを設立しました。[要出典] 1997年、リリス・フェアは1600万ドルの興行収入を上げ、ツアー・フェスティバルの中で最高の興行収入を記録しました。[223]また、その年のすべてのコンサート・ツアーの中では16番目に高い興行収入を記録しました。[223]このフェスティバルは、「Breast-fest（乳房祭）」や「Girlapalooza（ガールパルーザ）」など、いくつかの蔑称で呼ばれました。 [224] [225]

問題とアプローチ

1993年、アメリカの音楽学者マーシャ・シトロンは、「なぜ女性作曲家が標準的な『クラシック』レパートリーからこれほど周縁化されているのか？」と問いかけました。[226]シトロンは、「演奏される音楽作品の『正典』から女性作曲家が排除されるに至った慣行と態度を検証」し、1800年代には、女性作曲家は、オーケストラ演奏を目的とした交響曲ではなく、小規模なリサイタルでの演奏のための芸術歌曲を作曲するのが一般的だったと指摘しています。交響曲は作曲家にとってより重要なジャンルと見なされていました。女性作曲家は交響曲をあまり書いていなかったため、作曲家として注目に値しないとみなされていました。[226]

ガラスの天井

ボニー・レイット（左）やシェール（右）といった歌手は、歴史的に男性が支配する業界でデビューしました。

近年の複数の調査研究やニュース記事により、音楽業界、レコードレーベル、音楽出版社、タレントマネジメントにおける最高幹部職に女性が不足していることが明らかになりました。業界自体は過去数十年にわたってこの問題を認識してきましたが、ほとんど変わっていません。

例えば、1982年にコスモポリタン誌は6人の女性幹部へのインタビューとプロフィールを掲載し、「女性が初めて、競争が激しく、非常に収益性の高いポップレコード業界で先駆者となっている」と結論付けました。[227] [228]百科事典的な書籍『She Bop: The Definitive History of Women in Rock, Pop and Soul』の音楽業界のビジネス面における女性に関する章には、女性幹部はわずかしか掲載されていません。この本は主に女性ミュージシャンやボーカリストに焦点を当てています

ニューヨーク・タイムズ紙は2021年に次のように報じました。「3年前、ある学者がヒット曲の演奏者、プロデューサー、作詞家の数を集計したところ、女性の代表性は、おおよそ「悪い」から「最低」の間の尺度に当てはまることが分かりました。」 [229] [230]

1970年代と1980年代の進歩にもかかわらず、今日の音楽業界では女性の上級幹部は依然として少ない。[231] 2021年のアネンバーグの調査によると、「大手および独立系音楽会社70社のうち、女性は13.9%でした。」[232]音楽業界以外では、女性の地位ははるかに高く、USニューズ＆ワールド・レポートの2021年のレポートによると、「全業界で女性が最高幹部の31.7%を占めています。」[233]

ジリー・クーパーの小説『アパショナータ』はクラシック音楽の世界を舞台に、アビゲイル・ローゼンがヴァイオリン独奏者から指揮者へとキャリアチェンジする様子を描いています。[234]

人種差別、性差別、そして差別

ビヨンセやレディー・ガガといったパフォーマーは、性差別やジェンダーの不平等など、さまざまな問題について声を上げてきました

あらゆるジャンルの女性ミュージシャンやパフォーマーは、差別や性差別的な扱いを受けている。[235]女性歌手が経験する微妙な差別には、主に3つの形態がある。それは、非音楽家と間違われること、男性歌手に比べて芸術的なコントロールが欠如していること、そして、セクシュアリティ、年齢、女性らしさが常に詮索されることである。[236]多くの場合、女性ミュージシャンは「目立たない存在」「女性に似合わない」「目に見えないアクセサリー」といった劣った役割に押し付けられる。[236]音楽プロジェクトの大半は男性が主導しており、女性ミュージシャンの芸術的自由は男性バンドリーダーやマネージャーによって制限されている。[236]

音楽業界における女性ボーカリストやミュージシャンに対するもう一つの蔓延した差別は、性的違法行為です。[237]多くの女性ミュージシャンは、性的暴行の経験を公表することを恐れています。なぜなら、彼女たちの話は音楽業界では普通とされているものに対して過度に敏感であるとして無視されるからです。しかし、20世紀初頭には、ケシャ、テイラー・スウィフト、レディー・ガガ、デュア・リパなど多くの女性ボーカリストが自らの体験を告白し、反ハラスメント運動の形成に貢献しました。さらに、MeToo運動の下で、音楽業界における違法行為や差別に関するより多くの話が再検証されています。[238]デュア・リパは音楽業界における性差別について発言し、「女性は認められるのに苦労している」と述べています。なぜなら、大物女性アーティストの成功は、「女性の背後には男性がいる」という信念によって信用を失墜させられることがよくあるからです。[239]

音楽業界におけるもう一つの性差別は、歌詞にも現れている。[235]サラ・ネフが指摘するように、あらゆるジャンルの歌詞には、女性差別を助長する5つの主要なテーマが存在する。それは、「女性を伝統的な性別役割で描写すること、女性を男性より劣っているものとして描写すること、女性を物として描写すること、女性をステレオタイプとして描写すること、そして女性に対する暴力を描写すること」である。[235]性差別的な指標を用いた研究では、数え切れないほどの歌詞に性差別的なテーマが含まれていることが明らかになっている。これには、「女性を伝統的な性別役割で描写すること、女性との関係を非現実的な方法で描写すること、女性の価値を容姿のみに基づいて判断すること」などが含まれる。[240]音楽における性差別は、ラップやヒップホップなどのジャンルでよく知られているが、最近の研究では、カントリーミュージック、ロック、その他のジャンルにも当てはまることが明らかになっている。[240]

女性指揮者は19世紀から20世紀にかけて、性差別、人種差別、ジェンダー差別に直面しました。女性だけのオーケストラが設立・組織され、その一例が、 1888年に指揮者のキャロライン・B・ニコルズによって設立されたボストンのファデット女性オーケストラです。[169] 20世紀初頭には、女性指揮者が率いる女性だけのオーケストラが数多く設立されました。作家のロニー・ウートンは次のように述べています。「『普遍的』と考えられているものが、歴史的に女性（特定のステレオタイプ的に定義された役割を除く）、そしてより具体的には有色人種の女性を排除してきたことは、興味深くもあり皮肉なことです。」[241]これは、指揮における女性の過少代表が性差別の問題だけでなく人種差別の問題としても見なされているという事実について述べています。

女性指揮者は、21世紀初頭の数十年間も性差別に直面し続けています2010年代には、複数の男性指揮者や音楽家が女性指揮者について性差別的な発言をした。2013年、オスロ・フィルハーモニー管弦楽団とロイヤル・リヴァプール・フィルハーモニー管弦楽団の首席指揮者であるヴァシリー・ペトレンコは、ノルウェーの新聞に対し、「オーケストラは男性が前にいる方が反応が良い」と発言し、激しい非難を浴びた。 [242]また、「女性が家庭を持つと、この業界で求められるような献身的な姿勢を保つことが難しくなる」とも述べた。[242]パリ音楽院のブルーノ・マントヴァーニ院長は、インタビューで女性指揮者について性差別的な発言をした。マントヴァーニは「母性の問題」を提起し、「指揮、飛行機の乗り継ぎ、また飛行機の乗り継ぎ、そしてまた指揮」といった、指揮という職業に伴う肉体的な困難やストレスに女性が耐えられるのか疑問視した。[96]サンクトペテルブルク・フィルハーモニー管弦楽団の音楽監督ユーリ・テミルカーノフは、2013年9月のインタビューで女性指揮者について性差別的な発言をし、「指揮者の職業の本質は強さだ。女性の本質は弱さだ」と述べた。[96]フィンランドの指揮者ヨルマ・パヌラは2014年に女性指揮者について性差別的な発言をし、「女性指揮者は…良くなっているどころか、悪化しているだけだ」と述べ、これを「純粋に生物学的な問題」と呼んだ。[243] [244]

関連項目

注釈

  1. ^ アルテミジア・ジェンティレスキによる聖チェチーリアを描いたこの絵画は、2010年以降、マッダレーナ・カズラーナと同一視されるようになりました。しかし、実際にカズラーナの肖像画であるという証拠はありません。

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