シンガーソングライター

シンガーソングライターとは、歌詞やメロディーを含む楽曲を自ら作詞・作曲し、演奏するミュージシャンのことです。アメリカ合衆国では、このカテゴリーはギターを用いたフォーク・アコースティックの伝統を基盤としていますが[ 1 ]、この役割はポピュラー音楽の時代を通じて変化してきました。伝統的に、これらのミュージシャンは個人的な曲を書き、歌っていました。シンガーソングライターは、曲全体の伴奏を単独で担当することがよくあります。ピアノも選択肢の一つです。

1963年、ワシントンD.C.で行われたワシントン大行進に参加したボブ・ディランとジョーン・バエズ

バイオグラフィー

「シンガーソングライター」（または「ソングライター／シンガー」[ 2 ] ）という呼称は、レコード会社や批評家が、自ら楽曲を書き、演奏するポピュラーミュージックのアーティストを定義するために用いる。これらのアーティストは、多くの場合、アコースティックギターやピアノによる伴奏で演奏する。[ 3 ]このようなアーティストは、作曲家、作詞家、ボーカリスト、時には楽器奏者、そして多くの場合はセルフ・マネージャー としての役割を果たす。 [ 4 ] AllMusicによると、シンガーソングライターの歌詞は個人的な内容であることが多いが、精巧な比喩や漠然としたイメージに覆い隠されており、彼らの創作上の関心は、演奏よりも楽曲そのものに重点を置くことにある。このようなアーティストのレコードの多くは、同様に率直で簡素なサウンドで、楽曲そのものに重点が置かれている。[ 5 ]

この用語は、ロック、フォーク、カントリー、ポップミュージックのジャンル のソングライターにも当てはまる。ヘンリー・ラッセル（1812–1900）、アリスティド・ブリュアン（1851–1925）、ハンク・ウィリアムズ（1923–1953）、バディ・ホリー（1936–1959）などがその例である。「シンガーソングライター」という表現は1949年から使用され始め[ 6 ] 、 1960年代以降[ 7 ]、特定のスタイルやテーマ、特に歌詞の内省、告白的な作詞、軽めのアレンジ、控えめな演奏スタイルに従うソングライターを指すようになった。[ 8 ]作家のラリー・デヴィッド・スミスによると、シンガーソングライター現象は作曲家、作詞家、歌手の役割を融合させたため、ティン・パン・アレーの時代以降、アメリカのポピュラー音楽に中世の吟遊詩人の「公人による歌」の伝統を再導入した。[ 9 ]アメリカのフォークミュージック復興期のシンガーソングライターの歌のテーマには、ウディ・ガスリー（1912–1967）やピート・シーガー（1919–2014）の場合のように、政治的抗議が含まれている。 [ 10 ]

ウィーバーズのシンガーソングライター、ピート・シーガーが1955年にバンジョーを演奏している

『ポピュラー音楽研究ジャーナル』によると、フォークリバイバルからポップミュージックの定着に至るまで、シンガーソングライターの役割には創造的アイデンティティのさまざまな側面が関わっている。

第一の美的層は、ソングライターが自身の作品を歌い、演奏し、歌詞に独自のスタイルを吹き込むことを促します。ソングライターは作品が完成した後も作品から独立しているわけではありません。むしろ、彼らは歌唱と演奏を通して歌詞に入り込み、それを活性化し、真正なものとみなします。第一層は必ずしも歌手がソングライターである必要はありませんが、第二の社会学的層は、歌手とソングライターの関係性（この場合、シンガーソングライターはスラッシュではなくハイフンで区切られることが多い）に焦点を合わせるだけでなく、アレンジ、ミキシング、プロデュース、コラボレーション、メディアマネジメントなど、歌唱や作詞作曲以外の社会学的な主体性も求めます。言い換えれば、シンガーソングライターは、スタイル上のペルソナの演奏、他者の声の集約、そしてその他の社会学的スキルの調整など、二層にわたる声の厚みを増すプロセスを経るのです。この厚みを増すプロセスは、単一の作者のイメージの下にある流動的で多様な異質な声を明らかにし、シンガーソングライターの作者の概念を複雑化させます。[ 11 ]

歴史

ハンク・ウィリアムズ、1951年

シンガーソングライターという概念は、世界中に様々な形で存在してきた古代吟遊詩人の口承にまで遡ることができます。詩は詠唱や歌として演奏され、時にはハープなどの楽器の伴奏が付けられました。印刷術が発明されると、歌はバラッド売りによって作られ、演奏されるようになりました。通常、これらは既存の曲調と歌詞をアレンジしたもので、常に進化を続けていました。これが民俗文化におけるシンガーソングライターの伝統へと発展しました。

ヨーロッパ全土に旅芸人が存在した。民俗学者アナトール・ル・ブラスは、 19世紀後半にブルターニュを旅しながら歌を書き、演奏し、印刷版を販売したバラード歌手ヤン・アル・ミヌーズについて詳細な記述を残している。[ 12 ]

大都市では公共の場で演奏して生計を立てることが可能であり、蓄音機の発明により、セオドア・ボトレル、ジョージ・M・コーハン、ハンク・ウィリアムズなどの初期のシンガーソングライターが有名人となり、ラジオによって彼らの大衆的認知度と人気はさらに高まりました。

1940年代から1960年代にかけて、アメリカのフォークミュージック復興に刺激を受け、伝統的なフォークミュージックに触発された若い演奏家や、アルマナック・シンガーズやウィーバーズなどのグループが、独自のオリジナル曲を作曲して演奏し、独自の編曲を作り始めました。[ 13 ]

21世紀初頭、デジタルオーディオワークステーションGarageBandは、多くの志望シンガーソングライターに作曲と録音に利用されてきました。[ 14 ] GarageBandを使用してプロとして音楽を作曲したシンガーソングライターには、エリカ・バドゥ（2008年のアルバムNew Amerykah Part One）[ 15 ]やビラル（2010年のアルバムAirtight's Revenge）[ 16 ]などがいます。

各国の伝統

北米、イギリス、アイルランド

ポール・サイモンのコンサート、2011年

北米における「シンガーソングライター」という用語は、ブルースやフォークミュージックのスタイルで作品を制作した歌手に由来する。20世紀初頭から中期にかけてのアメリカのシンガーソングライターには、リード・ベリー[ 17 ] 、ジミー・ロジャース[ 18 ]、ブラインド・レモン・ジェファーソン[ 19 ]、[Tボーン・ウォーカー]、[ 20 ] 、ブラインド・ウィリー・マクテル[ 21 ] 、ライトニン・ホプキンス[22] 、[ 23 ] 、サン・ハウス[ 24 ] 、ロバート・ジョンソンなどがいる。[ 24 ] [ 25 ] 1940年代から1950年代にかけて、ハンク・ウィリアムズのようなカントリー・シンガーソングライターが有名になり、[ 26 ]ウディ・ガスリーやピート・シーガーも有名になった。[ 27 ]また、ロニー・ギルバートやリー・ヘイズ、そしてウィーバーズの他のメンバーも、ますます幅広い聴衆に向けて、主に時事的な作品を演奏した。[ 28 ]これらの初期のシンガーソングライターは、今日のシンガーソングライターほど、音楽や歌詞の純粋な独創性にこだわらず、ためらうことなく他の曲から部分を引用したり、カバー曲を演奏したりした。時事的な歌（リード・ベリーの「ジム・クロウ・ブルース」やガスリーの「デポルティー（ロス・ガトスの飛行機事故）」など、その日の特定の問題についての歌）を書く伝統は、このグループのミュージシャンによって確立された。シーガーやガスリーのような歌手は労働組合の集会に出席し、労働者階級の生活や社会抗議に関する多くの歌を書いた。ジョシュ・ホワイト、シスコ・ヒューストン、マルヴィナ・レイノルズ、アール・ロビンソン、ユアン・マッコール、ジョン・ジェイコブ・ナイルズ、ドック・ワトソンなどのフォークシンガーも同様であり、ジョンソンやホプキンスのようなブルー​​ス歌手は個人的な人生経験について歌を書いた。社会問題に焦点を当てたことは、シンガーソングライターのジャンルに大きな影響を与えた。さらに1930年代から1950年代にかけて、ホーギー・カーマイケル、ビリー・ホリデイ、レイ・チャールズ、ハリー・ギブソン、ペギー・リー、そしてニーナ・シモン、そしてロックンロールのジャンルにおいても、ジェリー・リー・ルイス、バディ・ホリー、チャック・ベリー、ロイ・オービソン、サム・クック、リッチー・ヴァレンス、ポール・アンカといった影響力のあるシンガーソングライターが誕生しました。カントリーミュージックの分野では、ハンク・ウィリアムズ、パッツィー・クライン、タミー・ワイネット、ロレッタ・リン、ジョージ・ジョーンズ、マール・ハガード、ロジャー・ミラー、ビリー・エド・ウィーラーといったシンガーソングライターが1940年代から1960年代にかけて登場し、恋愛関係などのテーマについて感動的な曲を多く書きました。

ジョニ・ミッチェル、1983年
ウディ・ガスリー、1943年

英語圏の北米とイギリスでシンガーソングライターが初めて一般に認知されたのは1960年代から1970年代初頭で、ブルース、フォーク、カントリーに影響を受けたミュージシャンが次々と台頭し人気を博した。これらのシンガーソングライターには、ボブ・ディラン、ニール・ヤング、ジョン・レノン、ヴァン・モリソン、ウィリー・ネルソン、ポール・サイモン、レナード・コーエン、アルバート・ハモンド、ゴードン・ライトフット、ジョニ・ミッチェルなどがいた。キャロル・キング、タウンズ・ヴァン・ザント、ニール・ダイアモンドなど、主にソングライターとして活動していたアーティストも、パフォーマーとして作品を発表し始めた。これまでのカントリーやフォークミュージックのストーリーテリングのアプローチとは対照的に、これらのパフォーマーは非常に個人的な（多くの場合一人称）内省的な視点から曲を書いたのが一般的だった。 「告白的な」や「繊細な」という形容詞は、シンガーソングライターのスタイルを表現する際に（時には軽蔑的に）よく使われました。

ボブ・ディラン、1963年
2000年、地中海でUSSハリー・S・トルーマン号に乗って演奏するキャロル・キング

ロックバンドの時代、メンバーはソロ活動として厳密にはシンガーソングライターではありませんでした。しかし、多くのメンバーが他のバンドメンバーと共に曲を創作するシンガーソングライターでした。例としては、ポール・マッカートニー、ジョン・レノン、ジョージ・ハリスン、リンゴ・スター、ブライアン・ウィルソン、ミック・ジャガー、キース・リチャーズ、ジェリー・ガルシア、ボブ・ウィアー、エルトン・ジョン（バーニー・トーピンと共演）、ジャスティン・ヘイワード、ジョン・ロッジ、ロビー・ロバートソン、イアン・アンダーソン、フィル・コリンズ、ピーター・ガブリエル、ピーター・フランプトン、ドン・ヘンリー、グレン・フライ、カントリー・ジョー・マクドナルド、バリー・メルトンなどが挙げられます。エリック・クラプトンのように、後年シンガーソングライターとして成功を収めた 人も数多くいます。

ウディ・ガスリーとピート・シーガーが先駆けとなったアメリカのフォークミュージック復興から生まれたシーンは、1960年代初頭に一大ムーブメントに成長し、ジョーン・バエズとその弟子ボブ・ディランによって普及した。ディランはヒット曲「風に吹かれて」（1963年）で主流の聴衆に届き始め、 「プロテスト・ソング」をより広い聴衆に届けた。[ 29 ]相互に影響し合う兆しはあったものの、ロックとフォークは大部分が別々のジャンルのままであり、聴衆も異なることが多かった。[ 30 ]フォークとロックの要素を融合させようとする初期の試みは、アニマルズの「ハウス・オブ・ザ・ライジング・サン」（1964年）で顕著に見られた。これはロックンロールの楽器で録音されたフォークソングである。[ 31 ]

1960年代半ば、ボブ・ディランはフォークとロックの融合を先導し、1965年7月には、安っぽい都会のイメージに染まった革新的なロックサウンドのアルバム「ライク・ア・ローリング・ストーン」をリリース。同月後半には、ニューポート・フォーク・フェスティバルで衝撃的なパフォーマンスを披露しました。ディランは、シンガーソングライターという世界に、ある世代全体を巻き込みました。都会的な視点から詩を書き、ロックのリズムとエレクトリックなパワーで詩を強調するディランのフォークとロックの融合は、新進気鋭のシンガーソングライターたちに、両方の伝統の要素を用いて自分たちの物語を語る自由を与えました。1960年代半ばから後半にかけて、ニューヨークのアンダーグラウンドのアート／音楽シーンでは、バンドやシンガーソングライターが急増し始めました。 1967年にリリースされた『ザ・ヴェルヴェット・アンダーグラウンド＆ニコ』は、シンガーソングライターのルー・リードとドイツの歌手でコラボレーターのニコをフィーチャーしており、 2003年にローリングストーン誌で「史上最も予言的なロックアルバム」と評された。[ 32 ] [ 33 ]

60年代後半、女性シンガーソングライターの新波がポップスの枠を打ち破り、アン・セクストンやシルヴィア・プラスのような詩人の告白的なスタイルで、都会の風景を歌詞のキャンバスとして使った。これらの先駆的な女性たちは、ニューズウィーク誌の1969年7月の特集記事「少女たち：手放す：ジョニ・ミッチェルやロッティ・ゴールデン、ローラ・ニーロ、メラニー・ブラウン、そしてエリーズ・ワインバーグに共通するのは、彼女たちが書く個人的な歌であり、それは自己発見の旅のようで、鋭い観察力に満ち、詩の影響力は驚くべきものだ」に登場した。[ 34 ]ガーディアン紙で、作家のローラ・バートンは歌の主題の根本的な変化について述べている。彼女たちは政治、恋愛、都会の風景、ドラッグ、失望、そして旅回りのパフォーマーの生活と孤独について歌った。[ 35 ]ロッティ・ゴールデンは、アトランティックからのデビューアルバム『Motor-Cycle 』で、1960年代後半のカウンターカルチャーにおけるニューヨークのイースト・ヴィレッジでの生活を綴り、ジェンダーアイデンティティ（ザ・スペース・クイーンズの『Silky is Sad』）や過度の薬物使用（ゴナ・フェイの『Gonna Fay's』）といったテーマを取り上げている。1969年のニューズウィーク誌の記事に登場する女性たちは、現代女性シンガーソングライターの新時代を告げる存在となり、21世紀に至るまで多くの女性シンガーソングライターに影響を与えてきた。[ 35 ]詩人のウォーサン・シャイアは、ビヨンセの2016年のアルバム『Lemonade』のインスピレーションの源となっている。[ 36 ]

1970年代半ばから1980年代初めにかけて、シンガーソングライターの最初の波は、より一般的なポップスやソフトロックのフォーマットに大部分吸収されたが、シンガーソングライターの伝統を引き継ぐ新しいアーティスト（ビリー・ジョエル、スティーヴィー・ワンダー、ギルバート・オサリバン、ブルース・スプリングスティーン、トム・ペティ、ジャクソン・ブラウン、クリス・アイザック、ヴィクトリア・ウィリアムズ、ジョン・メレンキャンプ、ウォーレン・ジヴォンなど）も引き続き登場し、またピーター・ケース、ポール・コリンズ、ポール・ウェスターバーグなどロックやパンクロックのアーティストがソロ・シンガーソングライターとして活動するようになった。ケイト・ブッシュは、その独特なスタイルで常に際立った存在であり続けた。

1980年代後半、この用語は、最初のアルバムが予想外に売れたスザンヌ・ヴェガに始まり、トレイシー・チャップマン、メリッサ・エスリッジ、ナンシー・グリフィス、kd ラング、マライア・キャリー、シャナイア・トゥエイン、サラ・マクラクラン、ショーン・コルヴィン、シェリル・クロウ、リサ・ローブ、ジョーン・オズボーン、インディゴ・ガールズ、そして最初にイギリスで、次いで母国市場で成功を収めたトーリ・エイモスといった、主に女性アメリカ人アーティストのグループに適用された。1990年代初頭には、コートニー・ラブやPJハーヴェイなど、新しいスタイルの女性アーティストも登場し始めた。1990年代半ば後半、この用語は、カナダのアラニス・モリセットと彼女の画期的なアルバム『ジャグド・リトル・ピル』の成功により、再び復活した。

また1980年代と1990年代には、ボノ、ジ・エッジ、デイヴ・マシューズ、ジェフ・バックリィ、リチャード・バローン、ダンカン・シェイク、エリオット・スミスなどのアーティストが、シンガーソングライターの伝統を借用して、新しいアコースティックベースのロックスタイルを生み出した。2000年代には、ノラ・ジョーンズ、コナー・オバースト、スフィアン・スティーヴンス、デヴィッド・バザン、サウス・サン・ガブリエル、アイアン・アンド・ワイン、デヴィッド・グレイ、レイ・ラモンターニュ、メグ・ハッチンソン、ダーデン・スミス、ジョシュ・ラウス、スティーヴ・ミラー、ジョリー・ホランド、パトリック・ダフ、リチャード・バックナー、ジュエル、ジャック・サヴォレッティ、リチャード・シンデル、ジョン・ゴルカ、アンチェ・デュベコットなどのアーティストによる、主に印象派的な歌詞を伴う、より静かなスタイルが登場した。カート・コバーン、ノエル・ギャラガー、T・ボーン・バーネット、エディ・ヴェダー、ピート・ヨーンといったアーティストの中には、新たなジャンルに進出し始めた者もいた。また、精神状態を変化させる手段としてドラッグを用いた者もいた。例えば、ホーリー・サンズのエミール・エイモスは16歳から毎日ドラッグを摂取し、1,000曲以上を書き、インディーズレーベルとレコード契約を結んだ。[ 37 ]

1990年代後半には、プロ仕様のシステムを使ったレコーディングが個人でも手頃な価格で行えるようになりました。これにより、個人で音楽を録音・販売する機会が生まれました。こうしたアーティストは、独立系、多くの場合は自ら所有するレコードレーベル、あるいはレーベルを持たないレーベルからレコードをリリースするため、「インディーズ」と呼ばれます。さらに、インターネットの普及により、インディーズアーティストはより幅広い聴衆に音楽を届ける手段を手に入れました。

デヴィッド・クロスビー(バーズ、クロスビー、スティルス＆ナッシュのメンバー) は、メインストリームのロック界に進出したシンガーソングライターの一人です。この写真は 1976 年、スタンフォード大学フロスト アンフィシアターの舞台裏で撮影されたものです。
トレイシー・チャップマンは1980年代にアメリカ社会の社会問題について歌い始めました。
2010年にエレクトリックピアノを演奏するノラ・ジョーンズ。ジョーンズはラヴィ・シャンカールの娘である。
テイラー・スウィフトは現代のシンガーソングライターです（2015年撮影）。
マティ・ヒーリーは、インディー・アートポップバンド「ザ・1975」（2019年撮影）のフロントマンを務めるイギリスのシンガーソングライターです。

フランスの伝統、シャンソン

フランスの「シャンソン」は、中世以来の古い伝統に由来しています。フランス語のリズムに支えられています。1960年代から今日に至るまで、アングロアメリカン・ロック音楽とロックバンド時代の文化的影響を受けながらフランスで広まり始めた他のフランスの「ポップ」ミュージックやソフトロックとは区別されます。

フランスにおける最初の近代シンガーソングライターは、1938年にソロ活動を開始したシャルル・トレネでした。彼はシャンソンにジャズのリズムを取り入れた最初の人物です。第二次世界大戦後（1940年代半ばから1950年代）に新しい世代が創造性を開花させるまで、トレネは孤立した存在であり続けました。この時代には、レオ・フェレ、ジョルジュ・ブラッサンス、フェリックス・ルクレール（ケベック出身）、セルジュ・ゲンズブール、ジャック・ブレル（ベルギー出身）、アンリ・サルヴァドール（フランス領ギアナ出身）、シャルル・アズナヴール、バルバラといった、対照的で豊かな想像力を持つアーティストが登場しました。彼らのほとんどは、若い世代のフランス人アーティストから巨匠として認められており、特にフェレ（歌詞の豊かさ、メロディの天才性、社会問題に対する批評的な密度、作品全体の深遠さ）とゲンズブール（フランス語を主体としたリズムでポップミュージックやロックミュージックを明るく上品にアレンジした）が有名です。

1960 年代と 1970 年代の著名なシンガー ソングライターには、クロード ヌガロ、ジャン フェラ、ボビー ラポワント、フランソワーズアルディ、フレデリック メイ、ミッシェル ポルナレフ、ニノ フェレール、クリストフ、ベルナール ラヴィリエ、ヴェロニク サンソン、ジャック イジェランなどが含まれます。

イタリアの伝統、カンタウトーレ

ファブリツィオ・デ・アンドレ、1971年

Cantautore （カンタウトーレ）は、英語のシンガーソングライターに相当するイタリア語です。この言葉は、 cantante（歌手）とautore（作家） を組み合わせた造語です。

最初の国際的に有名なカンタウトーレは、 1958 年に大ベストセラーとなった「 Volare (Nel blu dipinto di blu)」という曲を書いたドメニコ・モドゥーニョでした。 50 年代後半にキャリアを始めた他の初期のカンタウトリには、エンツォ ヤンナッチ、ジーノ パオリ、ジョルジョ ガベル、ルイージ テンコ、ウンベルト ビンディがいます。

クラウディオ・バリオーニは、大衆受けと洗練されたテーマ構成を融合させた、物語的かつ概念的な作詞作曲のアプローチで 1970 年代に登場しました。

ファブリツィオ・デ・アンドレ、ルチョ・バッティスティ、フランチェスコ・グッチーニは1960年代にキャリアをスタートし、エドアルド・ベンナート、ルチョ・ダッラ、フランチェスコ・デ・グレゴリ、フランコ・バッティアート、リノ・ガエターノ、イヴァン・グラツィアーニ、イヴァーノ・フォッサッティ、アントネッロ・ヴェンディッティ、ピノ・ダニエーレ、ロベルト・ヴェッキオーニ、パオロ・コンテ、アンジェロ・ブランドゥアルディとエウジェニオ・フィナルディはいずれも 1970 年代に登場しました。彼らの曲は今日でも人気があり、疎外された人々（デ・アンドレ、グッチーニ、ダラ）や反抗的な人々（フィナルディ、デ・グレゴリ、ヴェンディッティ）、あるいは政治的背景を持つ人々（ヴェンディッティ、グッチーニ）の物語を歌っていることが多い。

ブランドゥアルディは中世とバロックの音楽様式に深く影響を受けており、歌詞は古代の寓話に着想を得ていることが多い。バッティアートは1970年代にプログレッシブロックと洗練された音楽のアーティストとしてキャリアをスタートし、1980年代にはポップ、エレクトロニック、ニューウェーブ、ワールドミュージックを融合させた独自のスタイルへと移行した。

ジェノヴァ市にゆかりのある歌い手（デ・アンドレ、パオリ、ビンディ、テンコなど）もジェノヴァ楽派の一員と呼ばれます。

ナポリ出身の歌い手、ピノ・ダニエーレは、R&B、フュージョン、ブルース、ポップ、ジャズ、タランテラなど、多様なジャンルを融合させ、独自のサウンドを生み出しました。歌詞はイタリア語、ナポリ語、英語と様々でした。同様に、パオロ・コンテもしばしば歌い手と呼ばれていましたが、ジャズの伝統により傾倒していました。

1980年代、ヴァスコ・ロッシはブルース風のロックとイタリアのメロディーを融合させた独自の音楽で名声を博しました。ファンからは「唯一のイタリア人ロックスター」というニックネームで呼ばれていました。 [ 38 ]

過去 25 年間、この伝統は主にサムエレ ベルサーニ、カパレッツァ、そしていわゆる「第 2 ローマ楽派」（マックス ガッツェ、ニッコロ ファビ、ダニエレ シルヴェストリ、シモーネ クリスティッキを含む）によって引き継がれてきました。

この単語は、スペイン語、ポルトガル語、カタロニア語のcantautor、フランス語のchantauteur、マルタ語のkantawtur、ルーマニア語のcantautor、スロベニア語のkantavtorなど、他の言語にも借用されています。

イベリア・ラテンアメリカの伝統

1960年代以降、1950年代のイタリアのカンタウトリ（ドメニコ・モドゥーニョのような）のスタイルに倣い、多くのラテンアメリカ諸国では、様々なポピュラースタイルの要素を取り入れたシンガーソングライターの伝統が生まれました。その最初の伝統は、1960年代半ばに発明された「ヌエバ・カンシオン」であり、チリ、ペルー、アルゼンチン、ボリビアなどのアンデス諸国で定着しました。

カエターノ・ヴェローゾ、2006

ほぼ同時期に、ブラジルのポピュラー音楽スタイルであるボサノヴァは、トロピカリズモと呼ばれる政治的な色合いを持つシンガーソングライターの伝統へと進化を遂げつつありました。ジルベルト・ジルとカエターノ・ヴェローゾという二人の演奏家は、トロピカリズモでの活動を通して、ブラジル全土で最も有名な人物の一人となりました。

第二次世界大戦後、イタリアでは非常に多作なシンガー・ソングライター（イタリア語ではカンタウトーレ）の伝統が発展し、当初はフランスのシャンソニエ楽派と結びつきましたが、最近では非常に多様に発展しました。通常、カンタウトーレという用語は歌詞に一貫した社会政治的内容を意味しますが、より包括的なシンガーソングライターの分類における注目に値する演奏家は、ドメニコ・モドゥーニョ、ルイージ・テンコ、ジーノ・パオリ、セルジオ・エンドリゴ、ファブリツィオ・デ・アンドレ、フランチェスコ・デ・グレゴリ、アントネッロ・ヴェンディッティ、ロベルト・ヴェッキオーニ、イヴァーノ・フォッサーティ、ルシオ・ダラ、フランチェスコ・グッチーニ、フランコ・バッティアート。

隣国のマルタでは、ウォルター・ミカレフ、マンウェル・ミフスッド、ヴィンス・ファブリが主なシンガーソングライターです。彼らは全員マルタ語で演奏します。

スペインとポルトガルにもシンガーソングライターの伝統があり、ラテンの要素を取り入れていると言われることもあります。カタルーニャは、ジョアン・マヌエル・セラートやリュイス・ラッハに代表されるノヴァ・カンソの伝統で知られています。ポルトガルのフォーク/プロテストの歌手兼ソングライターのホセ・アフォンソは、ノバ・カンサオンと呼ばれる現代化された、より社会意識の高い形式のファドを含む、ポルトガルの民俗文化の復活を主導しました。 1974 年のポルトガルのカーネーション革命の後、ノヴァ カンサンはより政治化され、カント リーブルとして知られるようになりました。もう一人の重要なスペインのシンガーソングライターは、ホアキン・サビナ、ホセ・ルイス・ペラレス、ルイス・エドゥアルド・オーテです。

1960年代後半から1970年代にかけて、シルビオ・ロドリゲスやパブロ・ミラネスといった社会的、政治的に意識の高いシンガーソングライターがキューバで登場し、ヌエバ・トロバと呼ばれるジャンルを生み出した。トロバというジャンルはラテンアメリカ全域に広範な影響を与えた。例えばメキシコでは、ユカタン半島のカンシオン・ユカテカやオアハカ州シエラ・フアレスのトロバ・セラーナは、どちらもトロバの地域的アレンジである。今日、グアテマラのリカルド・アルホナは、ラテンアメリカで最も商業的に成功したシンガーソングライターと言える。彼の作品における社会政治的関与は不均一であるが、アルホナのより積極的な作品は、彼をイタリアのカンタウトリの伝統に位置付けると考える者もいる。

1970 年代半ば、カント・ポピュラーと呼ばれるシンガーソングライターの伝統がウルグアイで生まれました。

トロピカリスモ、伝統的なサンバ、ボサノバの影響を受けて、MPB（Música popular brasileira）、つまりブラジルのポピュラー音楽は、シンガーソングライターを主体とした音楽になりました。長年、ソロ アーティストが、ジョビン風のロマンチックな皮肉や、チコ ブアルケ風の潜在的な反政府メッセージを掲げて、ブラジルのポピュラー音楽を席巻していました。ブラジルの軍事独裁政権の終焉後、ブラジルの音楽は、政治や社会に対する意識が低くなっていきました。検閲されたラウル セイシャスやユーモラスなスピリチュアリスト、ホルヘ ベンは、ファンク カリオカ、アシェ ミュージック、ブラジルのディスコに徐々に影を潜めました。しかし近年、社会意識の高いブラジルのシンガーソングライターの新人が登場し、1980 年代から続いてきたダンス ミュージック一色の勢いを打ち破り始めています（ブラジル音楽の「ブラジルのフォーク/フォーク ロック」のサブ記事を参照）。

ソビエト連邦とロシア

ソ連とロシアの吟遊詩人、ブラット・オクジャヴァ、1976年

1960年代以降、ソ連体制の外で歌を書いた歌手は「吟遊詩人」として知られるようになりました。伝統的に吟遊詩人の歌と呼ばれる最初の歌は1930年代後半から1940年代初頭に書かれたと考えられており、このジャンルの存在自体が、ソ連知識人のアマチュア活動、すなわち1950年代から1960年代にかけての大衆的なバックパッキング運動や学生歌運動に由来しています。多くの吟遊詩人は、ロシア製ギターを使った少人数のグループで歌を披露し、他の演奏家や歌手の伴奏が付くことはほとんどありませんでした。しかし、ピアノやアコーディオンを使う吟遊詩人も知られています。人気者になった吟遊詩人は、ささやかなコンサートを開きました。1950年代にキャリアをスタートさせた、全国的に有名な最初の吟遊詩人は、伝統的に「最初の5人」と呼ばれています。ミハイル・アンチャロフ、アレクサンドル・ゴロドニツキー、ノヴェッラ・マトヴェエワ、ブラート・オクジャワ、ユーリ・ヴィズボルです。 1960 年代には、ウラジーミル・ヴィソツキー、ヴィクトル・ベルコフスキー、ユーリー・キムなど多くの人物が加わりました。

1970年代には、クラシックな6弦ギターへの移行が起こり、現在ではロシア製ギターは吟遊詩人にとって珍しい楽器となっている。同時期にKSP（アマチュア歌曲ファンクラブ）運動が勃興し、吟遊詩人たちに教養の高い聴衆をもたらし、1980年代末まで彼らの主要なプロモーションの原動力となった。吟遊詩人たちは、楽曲の多くが政治的な性質を持っていたことや、ソ連の厳格に組織化された国家支援のショービジネス界における彼らの地位が曖昧であったことから、自分たちの楽曲を録音することをほとんど許可されなかった。その結果、吟遊詩人の曲は、特に政治的な性質の曲は、口伝えやコンサートで録音されたアマチュア録音（マグニティズダットと呼ばれることもある）のコピーを通じて、民間伝承として広まった。吟遊詩人の詩が他の詩と異なるのは、主に、語りではなくシンプルなギターのメロディーに合わせて歌われる点である。もう一つの違いは、この形式の詩は文体よりも意味に重点が置かれていることである。これはつまり、用いられる文体上の工夫が少なく、詩はしばしば物語の形をとるということである。吟遊詩人の詩を他の歌と区別する特徴は、音楽よりも歌詞がはるかに重要であるということである。コード進行はしばしば非常に単純で、吟遊詩人の歌から歌へと繰り返される傾向がある。一方、ソ連では、吟遊詩人を主に支持していたのは国家作曲家連合であり、吟遊詩人を主に嫌っていたのは国家作家連合であった。はるかに明白な違いは、このジャンルの商業的自由という性質である。歌は歌われるために書かれ、売るために書かれたのではない。他の旧ソ連諸国では、シンガーソングライターが主流であった同様のジャンルは、歌われる詩として知られている。

ブルガリア

ブルガリアでは、シンガーソングライターは「バード」、つまり「ギターの詩人」の名で人気を博しています。彼らの伝統は、伝統的な民俗的モチーフ、20世紀初頭の都市のフォークロア、そして現代的な影響が融合したものです。1960年代、70年代、そして80年代には、ブルガリアの共産主義政権はブルガリアの「バード」を容認し始め、通常はワンマンバンドによって演奏されるいわゆる「政治歌」を奨励しました。ブルガリアにおいて強い共産主義的意味を持つシンボルである「アレン・マク」（赤いケシ）という名称のもと、国民的なフェスティバルの伝統が確立されました。同時に、アンヘル・「ジェンデマ」・アンゲロフ、ヤヴォル・「ヤフカタ」・リロフ、ヴェリザル・「ヴァルデス」・ヴァンコフといった、共産党の公式路線に反対する著名なアンダーグラウンド・アーティストも存在しました。

1989年の共産主義崩壊後、シンガーソングライターの伝統は再び確立されました。現在、ブルガリアの「吟遊詩人」たちは、ハルマンリ市のポキ・フェスティバル（ギターと詩的な弦楽器を持つ詩人たち）、ロヴェチの吟遊詩人フェスティバル、ソフィアのシンガーソングライターの夕べなど、年間を通して数多くのフェスティバル（国内外）を楽しんでいます。ブルガリアの伝統における主要人物は、ディミタール・タラレジコフ、アンヘル・ジェンデマ・アンジェロフ、ヤヴォル・ヤヴカタ・リロフ、ヴェリザール・ヴァルデス・ヴァンコフ、ディミタール・ドブレフ、アンドロ・シュトゥーベル、ブラニミール・バニー・ストイコフ、ドロテア・タバコワ、ミハイル・ベルチェフ、アッセン・マスラルスキー、グリシャ・トリフォノフ、プラメン・スタブレフ、ウラジミール・レフコフ、マルガリータ・ドルメワ、マリア・バッチヴァロワ、プラメン・シヴォフ、クラシミール・パルヴァノフ。

ルーマニア

共産主義体制による孤立にもかかわらず、ルーマニアでは1960年代末からシンガーソングライターの伝統が栄え、ルーマニアの3つの主なスタイルである民族フォーク、アメリカンスタイルフォーク、リリカル（カルト）フォークを持つフォークミュージックの文脈に置かれました。これらの取り組みの多くは、必然的にイデオロギー的な色合いを帯びた一連の大衆文化イベントである「フラカラ週間」という形で枠組みが作られました。しかし、ボブ・ディラン、ジョーン・バエズなどウッドストック世代の西洋アーティストの流用、ゴスペル風音楽の公演、大きな国際問題（ポップカルチャー、指導者の説明責任、意外にも中立的な立場での冷戦中の緊張の高まりなど）への切り開きなど、大きな開拓活動を支援するというメリットもありました。全体的に、ルーマニアのフォークミュージックは一般的に、非同盟音楽と抗議音楽の中間に位置するアンダーグラウンド文化運動として特徴づけられるでしょう。

リーダーマッハー、ドイツの伝統

ラインハルト・メイ、2014年

1960年代から70年代にかけては、ヨーロッパのベンケルザング（ベンチ・シンギング）とモリタートの伝統に根ざしつつ、フランスのシャンソン界やアメリカのフォークミュージック復興からも直接的な影響を受けた、ドイツ語圏のシンガーソングライター一家、いわゆる「リーダーマッハー」（ソングライター）が台頭した。西ドイツからはハンネス・ヴァーダー、フランツ・ヨーゼフ・デゲンハルト、ラインハルト・マイ、コンスタンティン・ヴェッカー、東ドイツからはヴォルフ・ビアマン、オーストリアからはルートヴィヒ・ヒルシュ、ゲオルク・ダンツァーらが名を連ねている。内容やスタイルに関して言えば、リーダーマッハーの音楽は政治的なバラードから、観察眼のある物語やラブソングまで多岐にわたる。歌詞は、社会的不正義、軍国主義、消費主義、環境問題、ナチスドイツの過去の影響などのテーマを扱っており、テクノロジー懐疑主義や反体制的な見解を表現していることが多い。[ 39 ]

スウェーデン

1960年代半ば、スウェーデンでは「トルバドゥール」、つまりスウェーデン版シンガーソングライターのルネッサンスが到来しました。コルネリス・フリースウェイクとフレッド・オーカーストロムは、カール・マイケル・ベルマンやエバート・タウベといったアーティストによって特徴づけられた、シンプルなスタンザ詩や歌を演奏する特定の手法である「ヴィサ」の伝統と、現代的なバラード表現のアプローチを融合させ、特に大きな影響力を発揮しました。[ 40 ]

オランダ

エーデ・スタール（ヴァルフム）（1941年 - 1986年）は、オランダ北部フローニンゲン州出身のシンガーソングライターで、主にオランダ語のフローニンゲン方言で歌っていました。

参照

参考文献

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