バレエ
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ドガ作『バレエ教室』に登場するクラシックなベルチュチュ、1874年

バレエ（フランス語：[balɛ] ）は、15世紀のイタリア・ルネサンス期に誕生し、後にフランスとロシアでコンサートダンスへと発展したパフォーマンスダンスの一種です。以来、独自の語彙を持つ、広く普及した高度な技術を要するダンス形式となっています。バレエは世界的な影響力を持ち、他の多くのダンスジャンルや文化で使用される基礎的なテクニックを定義してきました。世界中の様々な流派が独自の文化を取り入れてきました。その結果、バレエは独自の進化を遂げてきました

バレエは、バレエ作品全体の振付と音楽から成り立つ統一作品です。バレエは、訓練を受けたバレエダンサーによって振付され、演じられます。伝統的なクラシックバレエは通常、クラシック音楽の伴奏で上演され、精巧な衣装と舞台装置が用いられますが、モダンバレエはシンプルな衣装で上演され、精巧な舞台装置や美術は使用されないことが多いです。

語源

バレエはフランス語で、イタリア語のballetto （ダンス）に由来します。ballo （ダンス）の縮小形であるballettoは、ラテン語のballo、ballare（踊る）に由来し、[ 1 ] [ 2 ]、さらにギリシャ語の「βαλλίζω」（ballizo）（踊る、飛び跳ねる）に由来します。[ 2 ] [ 3 ]この言葉は1630年頃にフランス語から英語に伝わりました

フランス語では、この単語はバレエのパフォーマンス、バレエ作品、そしておそらくダンスのジャンルそのものを指しますが、後者の意味にはdanse classice という表現もあり、こちらの方が曖昧さが少なく、このダンスの習得を指すときによく使用されます。

歴史

ルイ14世、夜のバレエ（1653年）のアポロ役

バレエは15世紀から16世紀のイタリア・ルネサンス宮廷で誕生しました。カトリーヌ・ド・メディシス王妃の影響下でフランスに伝わり、そこでさらに発展しました。[ 4 ]初期の宮廷バレエのダンサーは、ほとんどが貴族のアマチュアでした。装飾的な衣装は観客に印象を与えることを目的としましたが、パフォーマーの動きの自由を制限していました。[ 5 ]

バレエは三方から観客が見守る大きな部屋で上演されました。 1618年にはプロセニアム・アーチが導入され、観客と演者の間に距離が生まれ、観客はプロのダンサーたちの技巧をよりよく鑑賞できるようになりました。[ 6 ] [ 7 ]

フランス宮廷バレエは、ルイ14世の治世下で最盛期を迎えました。ルイは1661年、基準を定め、ダンス指導者を認定するために、アカデミー・ロワイヤル・ド・ダンス（王立舞踊アカデミー）を設立しました。 [ 8 ] 1672年、ルイ14世はジャン＝バティスト・リュリをアカデミー・ロワイヤル・ド・ミュージック（パリ・オペラ座）の監督に任命し、そこから最初のプロのバレエ団であるパリ・オペラ座バレエ団が誕生しました。[ 9 ]ピエール・ボーシャンはリュリのバレエマスターを務めました。彼らのパートナーシップはバレエの発展に劇的な影響を与え、5つの主要な足のポジションの考案者として高く評価されています。1681年には、アカデミーで長年の訓練を受けた最初の「バレリーナ」が舞台に登場しました。[ 5 ]

1830年以降、フランスではバレエが衰退し始めましたが、デンマーク、イタリア、ロシアでは発展を続けました。第一次世界大戦前夜、セルゲイ・ディアギレフ率いるバレエ・リュスがヨーロッパに到着したことで、バレエへの関心が再び高まり、近代化が始まりました。[ 10 ]

20世紀には、バレエは他のダンスのジャンルに幅広い影響を与えました。[ 11 ]また、20世紀には、バレエはクラシックバレエからモダンダンス の導入へと方向転換し、いくつかの国でモダニズム運動につながりました。[ 12 ]

20世紀の有名なダンサーには、 ミハイル・バリシニコフ、[ 13 ]エリク・ブルーン、[ 14 ]マリア・トール・チーフ、[ 15 ]ジーン・デヴェロー、[ 16 ]スザンヌ・ファレル、[ 17 ]マーゴット・フォンテイン、[ 13 ]ローゼラ・ハイタワー、[ 18 ]ゲルシー・カークランド、[ 13 ]ナタリア・マカロワ、[ 13 ]アーサー・ミッチェル、[ 19 ]ルドルフ・ヌレエフ、[ 13 ]アンナ・パブロワ、[ 13 ]マイヤ・プリセツカヤ、[ 20 ]ガリーナ・ウラノワ[ 13 ] などが います。

スタイル

マリー・サレ、クラシックバレエダンサー

スタイルのバリエーションとサブジャンルは、時代とともに進化してきました。初期の古典的なバリエーションは、主に地理的起源と関連付けられています。例としては、ロシアバレエ、フランスバレエ、イタリアバレエなどが挙げられます。後期のバリエーション、例えばコンテンポラリーバレエやネオクラシカルバレエなどは、クラシックバレエと非伝統的なテクニックや動きの両方を取り入れています。おそらく最も広く知られ、上演されているバレエのスタイルは、後期ロマン派バレエ（またはバレエ・ブラン）でしょう。[ 21 ]

クラシックバレエ

イワノフ／プティパ版『白鳥の湖』第2幕より「白鳥のワルツ」

クラシックバレエは、伝統的なバレエのテクニックと語彙に基づいています。[ 22 ]フランスバレエ、イタリアバレエ、イギリスバレエ、ロシアバレエなど、さまざまなスタイルがさまざまな国で生まれました。[ 23 ]クラシックバレエのスタイルのいくつかは、特定のトレーニングメソッドと関連しており、通常は考案者にちなんで名付けられています（以下を参照）。ロイヤルアカデミーオブダンスメソッドは、さまざまなバレエダンサーのグループによって設立されたバレエテクニックとトレーニングシステムです。彼らはそれぞれのダンスメソッド（イタリア、フランス、デンマーク、ロシア）を融合して、組織独自の新しいバレエスタイルを生み出し、国際的にはイギリススタイルバレエとして認識されています。[ 10 ]クラシックバレエ作品の例としては、白鳥の湖、眠れる森の美女、くるみ割り人形などがあります。[ 24 ]

ロマンティック・バレエ

1841年、ロマンティック・チュチュを着用した初代ジゼル役のカルロッタ・グリージ

ロマンティック・バレエは古典バレエの芸術運動であり、いくつかの作品が今日でも古典バレエのレパートリーに残っています。ロマンティック時代は、ポワントワークの出現、女性ダンサーの優位性、柔らかさと繊細なオーラを例証しようとする長く流れるようなチュチュによって特徴付けられました。[ 5 ]この運動は19世紀前半から中頃にかけて（ロマンティック時代）起こり、美的経験の源として激しい感情を強調するテーマが特徴的でした。多くのロマンティック・バレエの筋書きは、人間の心と感覚を奴隷にする精霊の女性（シルフ、ウィリ、ゴースト）を中心に展開しました。1827年のバレエ「ラ・シルフィード」が最初のバレエであると広く考えられており、1870年のバレエ「コッペリア」が最後のバレエと考えられています。[ 4 ]ロマンティック時代の有名なバレエダンサーには、マリー・タリオーニ、ファニー・エルスラー、ジュール・ペローなどがいます。ジュール・ペローは振付家としても知られており、特に『ジゼル』は最も広く称賛されているロマンティック・バレエとされています。[ 5 ]

新古典派バレエ

アレクサンドラ・ダニロワとセルジュ・リファール、『アポロン・ミュザジェット』、1928年

新古典主義バレエは通常抽象的で、明確な筋書きや衣装、舞台装置はない。音楽の選択は多様で、しばしば新古典主義の音楽も含まれる（例：ストラヴィンスキー、ルーセル）。『From Petita to Balanchine』の著者ティム・ショルは、1928年のジョージ・バランシンの『アポロ』を最初の新古典主義バレエとみなしている。 『アポロ』はセルゲイ・ディアギレフの抽象バレエへの応答として、形式への回帰を示した。バランシンはモダンダンスの振付師マーサ・グラハムと協力し、1959年にバランシンの『エピソード』に出演したポール・テイラーなどのモダンダンサーを自身のカンパニーに迎えた。[ 25 ]

バランシンは新古典派バレエの顔として広く認識されていますが、他にも重要な貢献をした人物がいました。フレデリック・アシュトンの『シンフォニック・ヴァリエーションズ』（1946年）は、バランシンにとって重要な作品です。セザール・フランクの同名の音楽に合わせて、純粋にダンス的な解釈で上演されています。[ 5 ]

もう一つの形態であるモダンバレエも、新古典主義から派生して出現した。この形態の革新者としては、グレン・テトリー、ロバート・ジョフリー、ジェラルド・アルピーノなどが挙げられます。モダンバレエと新古典主義を区別することは困難ですが、これらの振付師の作品は、バレエの繊細さから逸脱した、より運動的な要素を重視していました。身体表現はより大胆になり、雰囲気、主題、音楽はより強烈になりました。その一例として、ジョフリーの『アスタルテ』（1967年）が挙げられます。この作品は、ロックの音楽と性的なニュアンスを特徴とする振付でした。[ 10 ]

コンテンポラリー・バレエ

コンテンポラリーバレエにおける、モダンで非古典的な形式で演じられるバレエジャンプ

このバレエスタイルは裸足で踊られることが多い。[ 26 ]コンテンポラリーバレエにはパントマイムや演技が含まれる場合があり、通常は音楽（通常はオーケストラだが、ボーカルの場合もある）に合わせて踊られる。この形式を新古典派バレエやモダンバレエと区別するのは難しい場合がある。コンテンポラリーバレエはコンテンポラリーダンスにも近い。なぜなら、フロアワークや脚の内旋など、コンテンポラリーバレエの多くの概念は20世紀のモダンダンスのアイデアや革新に由来しているからである。主な違いは、コンテンポラリーバレエを踊るにはバレエテクニックが不可欠であるという点である。

ジョージ・バランシンはコンテンポラリー・バレエの先駆者とされています。初期のコンテンポラリー・バレエ振付家であるトゥイラ・サープは、 1976年にアメリカン・バレエ・シアターのために『Push Comes To Shove』を振付し、1986年には自身のカンパニーのために『In The Upper Room』を創作しました。どちらの作品も、トウシューズとクラシックバレエの訓練を受けたダンサーを用いて、明確に現代的な動きを融合させた点で革新的と評価されました。

今日では、多くの現代バレエ団と振付師が存在します。アロンゾ・キングと彼のカンパニー「LINES Ballet」、マシュー・ボーンと彼のカンパニー「New Adventures」、コンプレクションズ・コンテンポラリー・バレエ、ナチョ・ドゥアトと彼のカンパニー「Compañia Nacional de Danza」、ウィリアム・フォーサイスと「The Forsythe Company」、そしてネーデルラント・ダンス・シアターのイジー・キリアンなどが挙げられます。マリインスキー（キーロフ）バレエ団やパリ・オペラ座バレエ団といった伝統的に「クラシック」と称されるバレエ団も、現代作品を定期的に上演しています。

バレエという用語は、それに関連するあらゆる形式を含むように進化しました。バレエダンサーとして訓練を受ける人は、現在では新古典派、現代、そして現代美術の作品を踊ることが期待されています。バレエダンサーは、古典派では威厳と気品、新古典派では自由で叙情的な表現、現代および現代美術では控えめで荒々しく、あるいは平凡な表現が求められます。さらに、ヒップレットのように、古典バレエのテクニックと現代舞踊を融合させた現代舞踊もいくつかあり、ダンサーは西洋以外のダンススタイルの訓練を受ける必要があります。[ 27 ]

バレエ指導の技術的方法

バレエの指導や研究において、広く用いられ、国際的に認められている6つのメソッドがあります。フランス流、ワガノワ・メソッド、チェケッティ・メソッド、ブルノンヴィル・メソッド、ロイヤル・アカデミー・オブ・ダンス・メソッド（英国式）、バランシン・メソッド（米国式）です。[ 28 ] [ 29 ]他にも多くの流派があり、様々な国で様々なテクニックが存在します。

就学前の子供はバレエスタジオにとって大きな収入源となりますが、バレエの指導は一般的に幼児には適していません。[ 30 ]初期の指導では、踊るのではなく、静止して姿勢に集中することが求められます。そのため、多くのバレエ教室では、歴史的に8歳頃まで生徒を受け入れていません。子供たちには、創造的な動きと負担の少ないプレバレエのクラスが代替として推奨されています。[ 31 ] [ 32 ]

フランス式メソッド

フランス式メソッドは、すべてのバレエ訓練の基礎です。ルイ14世は1661年に王立舞踊アカデミーを設立し、どのような訓練方法に従うかにかかわらず、今日でもバレエ界で使用されている体系化されたテクニックの確立に貢献しました。フランス式メソッドは、 1980年代にルドルフ・ヌレエフによって特に活性化しました。彼の影響により、このスタイルへの評価が再燃し、バレエ全体に劇的な影響を与えました。[ 33 ] 実際、フランス式メソッドは現在、ヌレエフ式メソッドと呼ばれることもあります。フランス式メソッドは、技術的な正確さ、流動性と優雅さ、そして優雅ですっきりとしたラインが特徴です。このスタイルでは、パフォーマーが舞台上を軽やかに漂っているような印象を与えるために、素早いフットワークがよく用いられます[ 34 ]この技法の2つの重要な特徴は、ポール・ド・ブラとエポールマンの特定の踊り方であり、ロシア風の踊りよりも丸みを帯びているが、デンマーク風ほど丸みを帯びていない。[ 35 ]

ワガノワ・メソッド

アグリッピナ・ワガノワ『エスメラルダ』1910年

ワガノワ・メソッドは、ロシア・バレエから生まれた、アグリッピナ・ワガノワによって創始されたバレエ・トレーニングのスタイルである。ワガノワは1916年に舞踊界を引退した後、1921年にレニングラード舞踊学校で教師に転身した。彼女のトレーニング・メソッドは現在では国際的に認められており、著書『古典舞踊の基礎』（1934年）は古典的な参考書となっている。このメソッドは、フランスの古典様式、特にロマン派時代の要素とイタリア・メソッドの運動能力、そしてロシア・バレエのソウルフルな情熱が融合しているのが特徴である。[ 34 ]彼女は著書『ロシア古典舞踊の基礎原理』（1948年）で、きわめて正確な指導法を開発した。[ 36 ]これには、生徒のバレエ・キャリアにおいていつ技術的な要素を教えるか、どのくらいの時間それに焦点を当てるか、生徒のキャリアの各段階でどの程度の焦点を当てるべきかの概要が含まれている。これらの教本は、今日のバレエ指導において依然としてきわめて重要なものである。

このメソッドは、バレエを正しく演じるための筋力、柔軟性、持久力の発達に重点を置いています。彼女は、バレエを演じる際には腕と脚を同等に重視すべきだという考えを提唱しました。そうすることで、身体全体の調和とより豊かな表現力がもたらされるからです。[ 37 ]

チェケッティ・メソッド

エンリコ・チェケッティとアンナ・パブロワ

エンリコ・チェケッティ（1850～1928）によって開発されたこのメソッドは、クラシックバレエに関連する解剖学の理解を深く重視していることで国際的に知られています。このメソッドの目的は、生徒が教師の模倣に頼ることなく、バレエの演技に重要な特徴を身につけさせることです。このメソッドの重要な要素は、バランス、エレベーション、バルーン、バランス、そして強さの重視です。[ 38 ]

このメソッドは、美しく優雅なラインを作り出すために、身体のすべての部分が一体となって動くことを認識することの重要性を説いており、バレエを腕、脚、首、胴体をそれぞれ別々の部分として捉えることの危険性を警告しています。このメソッドは、8つのポール・ド・ブラを用いることでよく知られています。[ 34 ]

ブルノンヴィル方式

オーギュスト・ブルノンヴィル

ブルノンヴィル・メソッドは、オーギュスト・ブルノンヴィルによって考案されたデンマークのバレエメソッドです。ブルノンヴィルは、父アントワーヌ・ブルノンヴィルをはじめとするフランスの著名なバレエ教師のもとで訓練を受け、初期フランス・バレエ・メソッドの影響を強く受けました。このメソッドは、今日教えられている他のバレエメソッドとは異なる多くのスタイルを持っています。[ 39 ]重要な要素は、斜めのエポールマンの使用で、通常は上体が作業足の方へ向きます。このメソッドには、非常に基本的な腕の使い方、低いデヴェロッペ・ポジションからセコンドへのピルエット、そして動きの始めと終わりに5度目のブラ・アン・バスを使用することも組み込まれています。

ブルノンヴィル・メソッドは、美しいバロン（「計り知れない軽さの幻想」）を持つダンサーを生み出します。[ 40 ]

ロイヤル・アカデミー・オブ・ダンス・メソッド（RAD）

1938年、ブリスベンとトゥーンバで開催されたロイヤル・アカデミー・オブ・ダンシング（ロンドン）の試験に出場する少女たち

英国式バレエとも呼ばれるロイヤル・アカデミー・オブ・ダンス・メソッドは、1920年にジニー、カルサヴィナ、ベデルズ、E・エスピノサ、リチャードソンによって確立されました。このメソッドの目的は、英国全土でクラシックバレエの学術的なトレーニングを促進することです。このスタイルは米国にも広まり、今日でも広く利用されています。このメソッドのトレーニングを完了するには、生徒が通過しなければならない特定のグレードレベルがあります。[ 41 ] [ 42 ]この指導法の重要な原則は、基本的なバレエのテクニックはゆっくりとしたペースで教えなければならず、難易度の進行は他のメソッドよりもはるかに遅いことが多いということです。その背後にある考え方は、生徒が基本ステップを完璧にするために多大な努力を払えば、これらのステップで習得したテクニックによって、生徒はより難しいステップをはるかに容易に利用できるようになるというものです。[ 34 ]

バランシン・メソッド

ニューヨーク州立劇場で上演された『ドン・キホーテ』の一部を踊るスザンヌ・ファレルとジョージ・バランシン

ニューヨーク・シティ・バレエ団のジョージ・バランシンによって開発された。彼のメソッドは、ロシアでのダンサーとしての自身の訓練に大きく基づいている。このテクニックは、ルーティン全体を通しての極度のスピード、ラインの強調、そして深いプリエで知られている。このスタイルの最もよく知られた特徴の一つは、おそらく非正統的な体の位置である。[ 34 ]このスタイルのダンサーは、しばしば手だけでなく足も曲げ、バランスを崩した姿勢をとる。このメソッドを教えている主要なバレエスタジオには、マイアミ・シティ・バレエ団、バレエ・シカゴ・スタジオ・カンパニー、そしてニューヨークのスクール・オブ・アメリカン・バレエなどがある。 [ 43 ]

衣装

プリマバレリーナ、アンナ・パブロワ
アンナ・パブロワ（プリマバレリーナ）。初期のバレエ衣装の素材は重く、ダンサーの動きを妨げていました

バレエ衣装はバレエ界において重要な役割を果たします。多くの場合、衣装は作品の中で唯一現存するものであり、舞台の情景を生き生きと描き出す架空の絵画です。[ 44 ]

ルネサンスとバロック

バレエのルーツは、フランスとイタリアのルネサンス時代に遡ります。当時、宮廷衣装がバレエ衣装の始まりでした。バレエ衣装は15世紀初頭から存在していました。綿と絹を亜麻と混ぜて半透明のガーゼ[ 44 ]に織り上げ、精巧なバレエ衣装が作られました

17世紀

17世紀には、衣装をより華やかで目を引くものにするために、様々な種類の生地やデザインが使われました。この世紀には、宮廷服は依然として女性の衣装として残っていました。シルク、サテン、そして本物の金や宝石で刺繍された生地は、バレエ衣装に関連する華やかな装飾のレベルを高めました。[ 44 ]女性の衣装はまた、重い衣服と膝丈のスカートで構成されており、動きや身振りを表現することが困難でした

18世紀

18世紀の舞台衣装は、まだ宮廷衣装と非常に似ていましたが、フランスのダンサーでありバレエマスターでもあったジャン＝ジョルジュ・ノヴェール（1727～1810年）の影響で、時代とともに進化しました。彼のバレエの近代化の提案は、革命的な著書『ダンスとバレエに関する手紙』（1760年）に収められています。ノヴェールの著書は、舞台における重点を衣装からダンサーの身体的な動きや感情へと変化させました

ヨーロッパのバレエはパリ・オペラ座を中心としていました。[ 44 ]この時代、スカートは地面から数インチほど高くなっていました。花、フリル、リボン、レースなどが、この華やかで女性的なスタイルを強調し、シトロン、ピーチ、ピンク、ピスタチオといった柔らかなパステルトーンが色彩を支配していました。[ 44 ]

19世紀

オルガ・スペシーバ。 20世紀の白鳥の湖の衣装

19世紀初頭には、体にフィットする衣装、花冠、コサージュ、宝石が用いられ、ロマン主義の理想が女性の動きに反映されました。[ 44 ]

バレリーナの曲線美を強調するためにコルセットが使われるようになり、衣装はよりタイトになりました。宝石やキラキラ輝く衣装がさらに人気を博しました。

20世紀

1916年、フィンランド国立劇場で公演するマギー・グリペンバーグ（中央）
ジャンヌ・デヴェロー（1912年～2011年）はプリマバレリーナで、11歳で子役としてデビューし、その後40年間活躍しました。1935年には、ロイヤル・コマンド・パフォーマンスで国王ジョージ5世とメアリー王妃の前でパフォーマンスを披露しました。これほど名誉あるイベントに出演を依頼されたアメリカ人プリマバレリーナは、これ以前にはいませんでした。[ 45 ]

20世紀には、バレエの衣装はロシアバレエの影響下に戻りました。バレリーナのスカートは膝丈のチュチュへと変化し、後には精緻なポワントワークを披露するために着用されるようになりました。舞台衣装の色彩もより鮮やかになりました。デザイナーたちは、バレエダンサーが舞台で踊る際の視覚的な表現を演出するために、赤、オレンジ、黄色などの色を用いました。

バレエを職業として

プロのダンサーは一般的に給料が高くなく、一般的な労働者よりも収入が少ない。[ 46 ] 2020年現在、アメリカのダンサー（バレエやその他のダンスを含む）の平均時給は19ドルで、教師のほうがパフォーマーよりもいくらか給料が高い。[ 46 ]

雇用の見通しは明るくなく、就職競争は激しく、応募者数は求人数を大幅に上回っています。[ 46 ]ほとんどの仕事は私立のダンススクール で教えることです。[ 46 ]

振付師はダンサーよりも給料が高い。[ 46 ] ミュージシャンや歌手は、ダンサーや振付師よりも時給が高く、1時間あたり約30ドルである。しかし、ミュージシャンがフルタイムで働くことは珍しい。[ 47 ]

健康への影響

10代の女の子のバレエダンサーは、第一肋骨の疲労骨折を起こしやすい傾向があります。[ 48 ]後方足首インピンジメント症候群（PAIS）は、バレエダンサーなど、反復性足底屈曲を行う人に最も一般的に影響します。 [ 49 ]摂食障害は一般的であると考えられており、2014年のメタ分析では、研究ではバレエダンサーが一般の人々よりもいくつかの種類の摂食障害のリスクが高いことが示唆されています。[ 50 ]さらに、一部の研究者は、バレエの集中的なトレーニングにより腕の骨ミネラル密度が低下することを指摘しています。 [ 51 ]

批判

バレエの振付のほとんどは、比較的若いダンサーだけが踊れるように書かれています。[ 52 ] バレエの構造、つまり（通常は）男性の振付師や演出家が（主に）女性の身体を使って芸術的ビジョンを表現するという構造は、女性を傷つけると批判されてきました。[ 53 ]

関連項目

参考文献

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参考文献

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