ボイジャー探査機に搭載されて宇宙に打ち上げられたボイジャーのゴールデンレコードの溝付き面には、世界中の音楽が収録されている。

音楽は、形式、ハーモニー、メロディー、リズム、またはその他の表現内容の組み合わせを作成するための音の配置です。[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]音楽は、すべての人間社会に存在する文化的普遍性であると一般的に認められています。 [ 4 ]音楽の定義は、内容とアプローチが大きく異なります。[ 5 ]学者は、音楽が少数の特定の要素によって定義されることに同意していますが、これらの必要な要素が何であるかについてはコンセンサスがありません。[ 6 ]音楽は、人間の創造性を表現するための非常に用途の広い媒体として特徴付けられることがよくあります。[ 7 ]音楽の創作には多様な活動が関わっており、作曲、即興、演奏のカテゴリに分けられることがよくあります。[ 8 ]音楽は、人間の声を含む多種多様な楽器を使用して演奏できます。また、オルゴール、手回しオルガン、コンピュータ上の デジタル オーディオ ワークステーションソフトウェアなどを使用して機械的または電子的に間接的に演奏できるように作曲、配列、またはその他の方法で制作することもできます。

音楽はしばしば社交行事や宗教儀式において重要な役割を果たします。音楽制作の技術は、文化的伝統の一部として受け継がれることがよくあります。音楽は公私を問わず演奏され、フェスティバルや様々なアンサンブルのコンサートといったイベントで特に目立ちます。また、映画、テレビ番組、オペラ、ビデオゲーム のサウンドトラックなど、他のメディアの制作にも音楽が利用されています。

音楽を聴くことは、一般的な娯楽手段です。音楽を取り巻く文化は、学術研究、ジャーナリズム、哲学、心理学、そしてセラピーの分野にまで広がっています。音楽業界には、作詞家、演奏家、音響エンジニア、プロデューサー、ツアー企画者、楽器やアクセサリーの販売業者、楽譜やレコードの出版社などが含まれます。音楽の録音と再生を可能にする技術としては、歴史的に楽譜、マイク、蓄音機、テープレコーダーなどが挙げられ、デジタル音楽の再生にはMP3プレーヤー、CDプレーヤー、スマートフォンが一般的に利用されています。

語源と用語

ギリシャ神話では、9 人のミューズが芸術を含む多くの創造的な取り組みのインスピレーションの源となり、最終的には特に音楽と密接に結びつくようになりました。

現代英語のmusicという単語は1630 年代に使われるようになりました。[ 9 ]これは中英語のmusikeに由来し、中英語は古期フランス語のmusiqueに由来し、さらにラテン語のmūsica [ 10 ] [ 7 ] [ n 1 ] —最終的には古代ギリシャ語のmousiké technē ( μουσική τέχνη ) に由来し、「ミューズの芸術」を意味します。[ 10 ] [ n 2 ]ムーサは古代ギリシャ神話の9 人の神々で、芸術と科学を司っていました。[ 13 ] [ 14 ]彼女たちは最古の西洋作家であるホメーロスとヘシオドスの物語に登場し、[ 15 ]最終的に音楽と特に結び付けられるようになりました。[ 14 ]時が経つにつれて、ポリヒュムニアは他のムーサよりも音楽に関して重要な位置を占めるようになりました。[ 11 ]ラテン語のmusicaは、綴りと言語的調整によってスペイン語のmúsicaとフランス語のmusiqueの起源となったが、イタリア語のmusica、ドイツ語のMusik、オランダ語のmuziek、ノルウェー語のmusikk、ポーランド語のmuzyka 、ロシア語のmuzïkaなど、他のヨーロッパの用語はおそらく借用語であった。[ 14 ]

現代の西洋世界では、音楽を多様なジャンル、様式、伝統を記述する包括的な用語として定義するのが通例である。[ 16 ]これは世界的に当てはまらず、現代インドネシア語 ( musik ) やショナ語( musakazo ) などの言語では、西洋の範囲にぴったり当てはまる言葉がなかったため、この普遍的な概念を反映する言葉が近年採用されている。[ 14 ]東アジアで西洋が接触する前は、日本も中国も音楽を広い意味で包含する単一の言葉を持っていなかったが、文化的には、音楽をそのように見なすことが多かった。[ 17 ]中国語で音楽を意味する最も近い言葉である「yue 」は「 le 」 （喜び）と同じ文字を持ち、意味が狭まる前はあらゆる芸術を指していた。[ 17 ]アフリカは多様性に富んでいるため、はっきりと一般化することは難しいが、音楽学者のJH Kwabena Nketiaは、アフリカの音楽が一般的にダンスや話し言葉と切り離せないことが多いことを強調している。[ 18 ]コンゴ民主共和国のソンイェ族やナイジェリアのティブ族など、一部のアフリカ文化では「音楽」に対する概念が強く広範であるが、それぞれの母語にはそれに相当する言葉がない。[ 18 ]一般的に音楽と翻訳される他の言葉は、それぞれの文化でより具体的な意味を持つことが多い。ヒンディー語で音楽を意味するサンギータは、正確には芸術音楽を指す。[ 19 ]一方、アメリカ大陸の多くの先住民言語には、特に歌を指す音楽という言葉があるが、器楽音楽を指すものもある。[ 20 ]アラビア語のmusiqi はあらゆる音楽を指すことができるが、通常は器楽や韻律音楽に使用され、khandan は声楽や即興音楽を指す。[ 21 ]

歴史

起源と先史時代

ドイツのガイセンクレスターレで発見された骨製のフルート。紀元前 43,150年から39, 370年頃のものと推定される。[ 22 ]

音楽の起源はどこまで解明されるのかについてはしばしば議論があり、[ 23 ]それを説明しようとする競合する学説もある。[ 24 ]多くの学者は音楽の起源と言語の起源の関係を強調しているが、音楽が言語より前、後、あるいは同時のいずれに発達したかについては意見の相違がある。[ 25 ]同様の論争の原因は、音楽が自然淘汰の意図的な結果なのか、進化の過程で生じた副産物なのかという点にある。[ 25 ]最も初期の影響力のある学説は1871年にチャールズ・ダーウィンによって提唱され、音楽はおそらく求愛の鳴き声を介して性的選択の一形態として発生したと述べた。[ 26 ]ダーウィンの当初の見解は他の性的選択の方法との矛盾を理由に厳しく批判されてきたが、[ 27 ] 21世紀の多くの学者がこの学説を展開し推進してきた。[ 28 ]他の説としては、音楽は労働の組織化、遠距離通信の改善、神とのコミュニケーションの促進、コミュニティの結束の促進、捕食者を追い払う防御手段として生まれたという説がある。[ 29 ]

先史時代の音楽は、旧石器時代の考古学遺跡からの発見に基づいてのみ理論化できる。論争の的となっているディヴイェ・バーベのフルートは穴の開いたホラアナグマの大腿骨で、少なくとも4万年前のものであるが、これが本当に楽器なのか、それとも動物が作った物体なのかについてはかなりの議論がある。[ 30 ]楽器として広く認められている最も古い物品は、ドイツのシュヴァーベン・ジュラ地方、すなわちガイセンクレスターレ、ホーレ・フェルス、フォーゲルヘルトの各洞窟で発見された骨製フルートである。[ 31 ]オーリニャック期（後期旧石器時代）のもので、初期ヨーロッパの現生人類によって使用されたもので、3つの洞窟すべてから8つの例が発見され、4つは鳥の翼の骨で作られ、4つはマンモスの象牙で作られており、このうち3つはほぼ完全な状態である。[ 31 ]ガイセンクレスターレから発見された3本のフルートが最も古いもので、約 43,150～39, 370年前のものとされています。[ 22 ] [ n 3 ]

古代

音楽を演奏する古代エジプト人
音楽を演奏する人々を描いた古代エジプトの壁画。[ 32 ] [ 33 ] [ 34 ]

エジプトの楽器に関する最も古い物的・表現的証拠は先王朝時代に遡るが、古王国時代にはハープ、フルート、ダブルクラリネットが演奏されていたことがより確実に立証されている。[ 35 ]中王国時代には、打楽器である竪琴、リュートがオーケストラに加えられた。シンバル[ 36 ]は、今日のエジプトと同様に、音楽や舞踏の伴奏として頻繁に用いられた。伝統的なスーフィーのズィクル儀式を含むエジプトの民俗音楽は、古代エジプト音楽の特徴、リズム、楽器の多くを保存しており、現代音楽の中では古代エジプト音楽に最も近いジャンルである。[ 37 ] [ 38 ]

シリアの古代都市ウガリットの粘土板に刻まれた「フルリ人のニッカル賛歌」は、紀元前1400年頃に遡る現存する最古の記譜音楽作品である。[ 39 ] [ 40 ]

古代ギリシャでは、音楽は社会生活や文化生活の重要な部分を占め、実際、子供たちに教えられる主要な教科のひとつでもありました。音楽教育は個人の魂の発達にとって重要であると考えられていました。音楽家や歌手はギリシャ劇場で重要な役割を果たし、[ 41 ]音楽教育を受けた者は貴族であり、完璧なハーモニーを奏でていると見なされていました（プラトンの『国家』に記されているとおり）。男女混合の合唱団は、娯楽や祝賀、宗教儀式のために演奏されました。[ 42 ]楽器には、ダブルリードのアウロスや撥弦楽器のリラ（主にキタラと呼ばれる特殊な種類）がありました。音楽は教育の重要な部分であり、男の子は6歳から音楽を教えられました。ギリシャの音楽リテラシーは、音楽の大きな発展をもたらしました。ギリシャの音楽理論には、やがて西洋の宗教音楽やクラシック音楽の基礎となったギリシャの音楽旋法が含まれセイキロスの墓碑銘は、音楽記譜法を含む完全な音楽作品として現存する世界最古の例である。[ 43 ]音楽理論について書かれた現存する最古の著作は、アリストクセノスの『ハルモニカ・ストイケイア』である。[ 44 ]

アジア文化

アジア音楽は、アラビア、中央アジア、東アジア、南アジア、東南アジアの各記事で概説されている幅広い音楽文化を網羅しています。これらの伝統は、一部は古代にまで遡り、貿易、宗教、哲学交流を通じて歴史的なつながりを共有しながらも、独自の地域的な美学と演奏様式を保っています。[ 45 ]

インドのさまざまな地域で人気のさまざまな楽器を演奏する、地域の衣装を着たインドの女性たち

インド古典音楽は世界最古の音楽伝統の一つである。[ 46 ]インダス文明の彫刻には踊りや[ 47 ]七つの穴がある笛のような古い楽器が描かれている。モーティマー・ウィーラーによる発掘調査で、ハラッパーとモヘンジョ・ダロから弦楽器と太鼓が発見されている。[ 48 ]古代ヒンズー教の文献であるリグ・ヴェーダには現在のインド音楽の要素があり、韻律と詠唱様式を示す記譜法が用いられている。[ 49 ]インド古典音楽（マルガ）は単旋律で、ターラによってリズミカルに編成された単一のメロディーラインまたはラーガに基づいている。詩「チラパティカラム」には、既存の音階から主音を旋法で転換することで新しい音階がどのように形成されるかについての情報が提供されている。[ 50南部諸州で人気のカルナータカ音楽は、主に宗教的な趣があり、歌の大部分はヒンドゥー教の神々に捧げられています。愛やその他の社会問題を強調した歌もあります。

インドネシアはゴングチャイム発祥の地であり、インドネシア全土、特にジャワ島とバリ島にはさまざまなゴングチャイムがあります。

インドネシア音楽は、紀元前2～3世紀に青銅器時代の文化がインドネシア諸島に移住して以来形成されてきました。インドネシアの伝統音楽では、打楽器、特にクンダンとゴングが用いられます。ロテ島の弦楽器ササンド、スンダのアンクルン、複雑で洗練されたジャワとバリのガムランオーケストラなど、精巧で独特な楽器を開発した国もあります。インドネシアはゴングチャイム発祥の地です。ゴングチャイムとは、小型で高音のポットゴングのセットを総称する用語です。ゴングは通常、低い木枠に支えられた弦の上にボス（胴）が上になるように、音の順番に配置されます。インドネシア音楽で最も人気のある形式はガムランで、鉄琴、太鼓、ゴング、スパイクフィドル、竹製のスリン（フルートのような）を含む調律された打楽器のアンサンブルです。[ 51 ] [ 52 ]

中国古典音楽は、中国の伝統芸術、あるいは宮廷音楽であり、約3000年にわたる歴史を誇ります。独自の記譜法、調律、音高、楽器、そしてスタイルやジャンルを有しています。中国音楽は五音音階・全音階で、1オクターブ（5 + 7 = 12）の音階を持ち、ヨーロッパの影響を受けた音楽も同様です。[ 53 ]

西洋古典

古楽

カトリックミサ典礼書の楽譜、 1310年～1320年頃

中世音楽の時代（500年から1400年）は、カトリック教会の礼拝にモノフォニック（単一の旋律線）の聖歌が導入されたことから始まりました。音楽記譜法は古代ギリシャ文化で使われていましたが、中世に記譜法を初めて導入したのはカトリック教会であり、聖歌のメロディーを書き留めることで、カトリック帝国全域で宗教音楽に同じメロディーを使用できるようにしました。800年以前の書面の形で発見されている唯一のヨーロッパ中世レパートリーは、カトリック教会のモノフォニックな典礼聖歌であり、その中心的な伝統はグレゴリオ聖歌と呼ばれていました。これらの宗教音楽と教会音楽の伝統に加えて、世俗歌（非宗教的な歌）の活気ある伝統が存在していました。この時期の作曲家の例としては、レオナン、ペロタン、ギョーム・ド・マショー、ヴァルター・フォン・デア・フォーゲルヴァイデなどが挙げられます。[ 54 ] [ 55 ] [ 56 ] [ 57 ]

ルネサンス音楽（ 1400年～ 1600年頃）は、宮廷恋愛など、より世俗的なテーマに重点を置いていました。1450年頃、印刷機が発明され、印刷された楽譜ははるかに安価になり、大量生産が容易になりました（印刷機が発明される前は、記譜された楽譜はすべて手書きでした）。楽譜の入手しやすさが向上したことにより、音楽様式がより迅速かつ広い地域に広まりました。音楽家や歌手は、教会、宮廷、町のために働くことが多かったです。教会の聖歌隊は規模を拡大し、教会は音楽の重要なパトロンであり続けました。15世紀半ばまでに、作曲家は異なるメロディーラインが同時に織り交ぜられた豊かなポリフォニーの宗教音楽を書きました。この時代を代表する作曲家には、ギヨーム・デュ・フェイ、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ、トーマス・モーリー、オルランド・ディ・ラッソ、ジョスカン・デ・プレなどがいます。音楽活動が教会から貴族の宮廷へと移るにつれ、国王、女王、そして王子たちは最高の作曲家を求めて競い合うようになりました。多くの著名な作曲家はネーデルラント、ベルギー、フランスから来ており、彼らはフランドル派作曲家と呼ばれています。[ 58 ]彼らはヨーロッパ全土、特にイタリアで重要な地位を占めていました。音楽活動が活発だった他の国としては、ドイツ、イギリス、スペインなどが挙げられます。

共通実践期間

バロック
J.S.バッハ

バロック音楽の時代は1600年から1750年までで、ヨーロッパでバロック芸術様式が開花した時期と一致しています。バロック時代の始まりは最初のオペラの作曲によって特徴づけられます。ポリフォニック対位法音楽（別々の同時進行する旋律線を持つ音楽）はこの期間中、依然として重要でした。ドイツのバロック作曲家は、弦楽器、金管楽器、木管楽器を含む小編成のアンサンブル、および合唱団とパイプオルガン、ハープシコード、クラヴィコードなどの鍵盤楽器のために作曲しました。この時期に音楽の複雑さが増しました。いくつかの主要な音楽形式が作られ、そのうちのいくつかは後の時代にも存続し、さらなる発展を遂げました。これらには、フーガ、インヴェンション、ソナタ、協奏曲が含まれます。[ 59 ]後期バロック様式はポリフォニックに複雑で豊かに装飾されています。バロック時代の重要な作曲家には、ヨハン・セバスチャン・バッハ（無伴奏チェロ組曲）、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル（メサイア）、ゲオルク・フィリップ・テレマン、アントニオ・ヴィヴァルディ（四季）などがいます。

古典主義
ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトは、古典派時代の多作で影響力のある作曲家でした。

古典派音楽（1730年から1820年）は、古代ギリシャとローマの芸術と哲学の重要な要素と考えられていたもの、すなわちバランス、比例、規律ある表現の理想を模倣することを目的としていた。（注：古典派音楽は、5世紀から2000年代までの西洋芸術音楽を指す一般的な古典派音楽と混同してはならない。古典派音楽とは、いくつかの時代区分の一つとして古典派音楽を含む用語である。）古典派音楽は、それ以前のバロック音楽に比べて、より軽やかで明瞭、かつかなりシンプルなテクスチャを持っている。主なスタイルはホモフォニーであり、[ 60 ]主要なメロディーと従属的な和音伴奏部分が明確に区別される。古典派の器楽メロディーは、ほとんど声に近く歌いやすい傾向があった。新しいジャンルが開発され、現代のピアノの前身であるフォルテピアノが、バロック時代のハープシコードとパイプオルガンに取って代わり、主要な鍵盤楽器となりました（ただし、パイプオルガンはミサなどの宗教音楽では引き続き使用されました）。

器楽音楽が重視されました。バロック時代に確立された音楽形式、すなわちソナタ、協奏曲、交響曲の発展が、この音楽の中心となりました。その他の主要な音楽形式としては、三重奏曲、弦楽四重奏曲、セレナーデ、ディヴェルティメントなどが挙げられます。ソナタは最も重要かつ発展した形式です。バロック時代の作曲家もソナタを作曲しましたが、古典派のソナタは全く異なる様式です。弦楽四重奏曲から交響曲、協奏曲に至るまで、古典派時代の主要な器楽形式はすべて、ソナタの構造を基盤としていました。室内楽やオーケストラで使用される楽器は、より標準化されました。バロック時代の通奏低音グループ（チェンバロ、オルガン、リュートに加え、グループリーダーの裁量で選ばれた複数の低音楽器（例：ヴィオル、チェロ、テオルボ、セルパント）で構成されていた）に代わり、古典派の室内楽グループは特定の標準化された楽器を使用しました（例：弦楽四重奏は2つのヴァイオリン、ヴィオラ、チェロで演奏されます）。バロック音楽の特徴であった通奏低音鍵盤奏者やリュート奏者による即興的な和音演奏は、1750年から1800年の間に徐々に衰退しました。[ 61 ]

古典派時代に起こった最も重要な変化の一つは、公開コンサートの発展でした。貴族は依然としてコンサートや作曲のスポンサーとして重要な役割を果たしていましたが、作曲家は女王や王子に専属で雇われなくても生活できるようになりました。クラシック音楽の人気の高まりは、オーケストラの数と種類の増加につながりました。オーケストラコンサートの拡大は、大規模な公共演奏会場の建設を必要としました。交響曲、バレエの伴奏、そしてオペラやオラトリオといった声楽と器楽の混合ジャンルを含む交響曲がより人気を博しました。[ 62 ] [ 63 ] [ 64 ]

古典主義の最も有名な作曲家は、カール・フィリップ・エマヌエル・バッハ、クリストフ・ヴィリバルト・グルック、ヨハン・クリスティアン・バッハ、ヨーゼフ・ハイドン、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン、そしてフランツ・シューベルトです。ベートーヴェンとシューベルトは、ロマン主義へと移行し始めた古典主義時代後期の作曲家とも考えられています。

ロマン主義
19世紀の中流都市生活において、ピアノは社交の中心でした（モーリッツ・フォン・シュヴィント、1868年）。ピアノを弾いている男性は作曲家フランツ・シューベルトです。

19世紀のロマン派音楽（ 1820年頃～ 1900年）には、当時の文学や絵画のロマン派様式と共通する要素が多くありました。ロマン主義は芸術的、文学的、知的運動であり、感情と個人主義、そして過去と自然の賛美を重視したものでした。ロマン派音楽は、古典派時代の厳格な様式や形式を越えて、より情熱的で劇的な表現力豊かな作品や歌曲へと発展しました。ワーグナーやブラームスなどのロマン派の作曲家は、音楽において感情的な表現と力を高め、より深い真実や人間の感情を描写しようとしました。交響的交響詩によって、作曲家たちは器楽音楽を用いて物語を伝え、イメージや風景を呼び起こそうとしました。一部の作曲家は、民俗音楽に触発された愛国的な管弦楽で国家主義的な誇りを煽りました。音楽の感情的、表現的な性質が伝統よりも優先されるようになりました。[ 65 ]

ロマン派の作曲家たちは特異性を増し、音楽の文脈（文学など）、歴史（歴史上の人物や伝説）、あるいは自然そのものなど、様々な芸術形式を探求するシンクレティズムをさらに推し進めた。ロマンチックな愛や憧れは、この時期に作曲された多くの作品で広く見られるテーマであった。古典派時代の形式的構造が引き続き用いられた例（例えば、弦楽四重奏曲や交響曲で用いられるソナタ形式）もあったが、これらの形式は拡張され、変更された。多くの場合、既存のジャンル、形式、機能に対して新たなアプローチが模索された。また、新たな主題により適していると見なされる新たな形式も生み出された。作曲家たちはオペラやバレエ音楽の発展を続け、新たなスタイルやテーマを探求した。[ 41 ]

1800年以降、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンとフランツ・シューベルトによって発展した音楽は、より劇的で表現力豊かな様式を導入しました。ベートーヴェンの場合、有機的に発展した短いモチーフが、メロディーに取って代わり、最も重要な作曲単位となりました（交響曲第5番で用いられた特徴的な4音音型がその一例です）。ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー、アントニーン・ドヴォルザーク、グスタフ・マーラーといった後期ロマン派の作曲家たちは、劇的な緊張感を生み出すために、より珍しい和音や不協和音を用いました。彼らは複雑で、しばしばはるかに長い音楽作品を生み出しました。後期ロマン派の作曲家たちは、拡張和音や変和音といった、調性の劇的な半音階的変化を探求し、新しい音の「色彩」を生み出しました。19世紀後半にはオーケストラの規模が劇的に拡大し、産業革命によってより優れた楽器が開発され、より力強い音色が生み出されました。公開コンサートは裕福な都市社会において重要な役割を担うようになりました。また、オペレッタ、ミュージカル・コメディ、その他のミュージカルを含む劇場音楽の新たな多様性も生まれました。 [ 41 ]

20世紀と21世紀

ランドマンの2006年製Moodswingerは、第3ブリッジ倍音ツィターであり、実験的な楽器の例である。

19世紀には、新しい作品が大衆に知られるようになった主な方法は楽譜の販売であり、中流階級のアマチュア音楽愛好家は自宅でピアノやバイオリンなどの一般的な楽器で演奏していました。20世紀の音楽では、ラジオ放送などの新しい電気技術の発明と蓄音機レコードの大量市場での入手可能性により、リスナーが（ラジオやレコードプレーヤーで）聞く録音が新しい歌や曲を知る主な方法になりました。 [ 66 ]ラジオの人気が高まり、蓄音機が音楽の再生と配信に使われるようになったため、音楽を聴く機会が大幅に増加しました。ラジオやレコードプレーヤーを持っていれば、誰でも自宅のリビングルームでオペラ、交響曲、ビッグバンドの演奏を聴くことができました。19世紀の間、楽譜に重点が置かれていたため、新しい音楽にアクセスできるのは、楽譜が読めてピアノなどの楽器を所有している中流・上流階級の人々に限られていました。ラジオとレコードプレーヤーにより、オペラや交響曲のコンサートチケットを買う余裕のない低所得者層も、この音楽を聴くことができるようになりました。また、人々は、たとえ旅行する余裕がなくても、国内の様々な地域、あるいは世界の様々な地域の音楽を聴くことができました。これは、様々な音楽スタイルの普及に貢献しました。[ 67 ]

20世紀の芸術音楽の特徴は、新たなリズム、スタイル、サウンドの探求にあった。第一次世界大戦の惨禍は音楽を含む多くの芸術に影響を与え、作曲家たちはより暗く、より荒々しいサウンドを探求し始めた。ジャズやフォークミュージックといった伝統的な音楽スタイルは、作曲家たちによってクラシック音楽のアイデアの源として用いられた。イーゴリ・ストラヴィンスキー、アルノルド・シェーンベルク、ジョン・ケージは20世紀の芸術音楽に影響を与えた作曲家である。録音の発明と音楽編集能力は、アクースマティック[ 68 ]やミュジック・コンクレートといった電子作曲の流派を含む、クラシック音楽の新しいサブジャンルを生み出した。録音は、歌やバンドの録音を広く流通させることを可能にしたため、ポピュラー音楽のジャンルの発展に大きな影響を与えた。マルチトラック録音システムの導入は、バンドの演奏を録音する以上のことが可能になったため、ロック音楽に大きな影響を与えた。マルチトラックシステムを使用することで、バンドと音楽プロデューサーは楽器トラックとボーカルを何層にも重ねて録音することができ、ライブパフォーマンスでは不可能な新しいサウンドを作り出すことができる。[ 69 ] [ 70 ]

ジャズは20世紀を通じて進化を遂げ、重要な音楽ジャンルとなりました。そして、20世紀後半にはロックも同様の進化を遂げました。ジャズは、19世紀後半から20世紀初頭にかけて、アメリカ南部のアフリカ系アメリカ人コミュニティにおいて、アフリカとヨーロッパの音楽伝統の融合から生まれたアメリカの音楽芸術です。このスタイルの西アフリカ的血統は、ブルーノート、即興演奏、ポリリズム、シンコペーション、そしてスウィングノートの使用に顕著に表れています。[ 71 ]

Apple Music Rowのギターとアンプのセレクション

ロック音楽は、 1950年代にロックンロール、ロカビリー、ブルース、カントリーミュージックから発展したポピュラー音楽のジャンルです。[ 72 ]ロックのサウンドは、エレキギターまたはアコースティックギターを中心に展開されることが多く、リズムセクションによって叩かれる力強いバックビートが用いられます。ギターやキーボードに加え、サックスやブルース風のハーモニカがソロ楽器として用いられます。「最も純粋な形」では、「3つのコード、力強くしつこいバックビート、そしてキャッチーなメロディーを持つ」とされています。[ 73 ]ポピュラー音楽の伝統的なリズムセクションは、リズムギター、エレクトリックベース、ドラムです。バンドによっては、オルガンやピアノなどのキーボード楽器、または1970年代以降はアナログシンセサイザーを使用するものもあります。 1980年代には、ポップミュージシャンはDX-7シンセサイザーなどのデジタルシンセサイザー、 TR-808などの電子ドラムマシン、 TB-303などのシンセベースデバイス、またはシンセベースキーボードを使い始めました。1990年代には、ますます幅広いコンピュータ化されたハードウェア音楽デバイスや楽器、ソフトウェア（デジタルオーディオワークステーションなど）が使用されるようになりました。2020年代には、ソフトシンセやコンピュータ音楽アプリにより、ベッドルームプロデューサーが自宅でエレクトロニックダンスミュージックなどの種類の音楽を作成および録音し、サンプリングされたデジタル楽器を追加して録音をデジタルで編集することが可能になりました。1990年代には、ニューメタルなどのジャンルのバンドがバンドにDJを加え始めました。DJはDJミキサーを使用して録音された音楽を操作して音楽を作成します。[ 74 ] [ 75 ]

創造

構成

フランスのバロック音楽作曲家ミシェル・リシャール・ドラランド（1657-1726）がペンを手に持っている
2013年に電子キーボードとコンピューターを使って音楽を作曲する人々

「作曲」とは、歌曲、器楽作品、歌と楽器の両方を用いた作品、あるいは他の種類の音楽を創作する行為または実践を指します。西洋クラシック音楽を含む多くの文化において、作曲行為には楽譜（スコア）などの記譜法の作成も含まれ、作曲者自身、あるいは他の歌手や音楽家によって演奏されます。ポピュラー音楽や伝統音楽では、作曲行為（通常はソングライティングと呼ばれます）には、メロディー、歌詞、コード進行を記したリードシートと呼ばれる曲の基本的なアウトラインの作成が含まれる場合があります。クラシック音楽では、作曲家が自らオーケストレーションを行うのが一般的ですが、ミュージカルやポップミュージックでは、ソングライターがオーケストレーションを行うためにアレンジャーを雇うこともあります。場合によっては、ソングライターが記譜法を全く使用せず、頭の中で曲を作曲し、それを記憶から演奏または録音することもあります。ジャズやポピュラー音楽では、影響力のある演奏家による注目すべき録音は、クラシック音楽における楽譜と同等の重みを持つ。[ 76 ] [ 77 ]

クラシック音楽のように比較的正確に記譜されている音楽であっても、記譜法は音楽の要素の全てを正確に規定しているわけではないため、演奏者は多くの決定を下さなければなりません。作曲され記譜された音楽をどのように演奏するかを決定するプロセスは「解釈」と呼ばれます。同じ音楽作品であっても、演奏者によって解釈は大きく異なります。テンポの選択、演奏スタイル、歌唱スタイル、メロディーのフレージングなどがその例です。作曲家や作詞家が自身の楽曲を演奏する場合も、他人の楽曲を演奏する場合と同様に、自らの楽曲を解釈しているのです。特定の時間と場所における標準的な選択肢や技法は演奏実践と呼ばれますが、解釈は一般的に演奏者の個々の選択を意味します。[ 78 ]

楽曲では多くの場合、音楽記譜法が使用され、作者は 1 人ですが、常にそうであるとは限りません。音楽作品には複数の作曲家が関わる場合があり、これはポピュラー音楽でバンドが共同で曲を作成する場合や、ミュージカルで 1 人がメロディーを書き、2 人が歌詞を書き、3 人が曲をオーケストレーションする場合によく発生します。 ブルース などの一部の音楽スタイルでは、作曲家/ソングライターが新しい曲や作品を音楽記譜法で書き留めることなく作成、演奏、録音する場合があります。 楽曲は、歌手やミュージシャンがどのように音楽の音を作り出すべきかを説明または記譜する言葉、画像、またはコンピュータ プログラムで作曲されることもあります。例としては、グラフィック記譜法を使用する前衛音楽から、 「 Aus den sieben Tagen 」などのテキスト作品、楽曲のサウンドを選択するコンピュータ プログラムまで多岐にわたります。偶然性と偶然性を多用した音楽は偶然性音楽と呼ばれ、[ 79 ]ジョン・ケージ、モートン・フェルドマン、ヴィトルド・ルトスワフスキといった20世紀に活躍した現代作曲家と関連付けられています。偶然性に基づく音楽のよく知られた例としては、そよ風に揺れる ウィンドチャイムの音があります。

作曲の研究は伝統的に西洋クラシック音楽の手法と実践の調査が中心であったが、作曲の定義は広く、ポピュラー音楽や伝統音楽の歌曲や器楽作品の創作だけでなく、フリージャズ演奏者やエウェ族のドラマーなどのアフリカの打楽器奏者による即興作品も含まれる。

パフォーマンス

中国ナシ族の音楽家
数千年前に遡る楽器、ズルナとダヴルを演奏するアッシリア人

演奏は音楽の身体的な表現であり、歌が歌われたり、ピアノ曲、ギターのメロディー、交響曲、ドラムビート、その他の音楽パートが演奏されたりするときに行われます。クラシック音楽では、作品は作曲家によって記譜法で書かれ、作曲家がその構成と楽器編成に満足したら演奏されます。しかし、演奏されるにつれて、歌や曲の解釈は進化し、変化する可能性があります。クラシック音楽では、楽器演奏者、歌手、指揮者が曲のフレージングやテンポを徐々に変更することがあります。ポピュラー音楽や伝統音楽では、演奏者は歌や曲の形式をより自由に変更できます。そのため、ポピュラー音楽や伝統音楽のスタイルでは、バンドがカバー曲を演奏する場合でも、ギターソロを追加したり、イントロダクションを挿入したりするなどの変更を加えることができます。 [ 80 ]

演奏は、クラシック音楽、ジャズのビッグバンド、および多くのポピュラー音楽スタイルでは標準であるように、計画されてリハーサル（練習）される場合と、小規模なジャズやブルースのグループでは標準であるように、コード進行（コードの連続）に合わせて即興で演奏される場合があります。オーケストラ、コンサートバンド、合唱団のリハーサルは指揮者が指揮します。ロック、ブルース、ジャズバンドは通常、バンドリーダーが指揮します。リハーサルとは、演奏者が曲や楽曲を正しく歌ったり演奏したりできるようになるまで、また、複数のミュージシャンが参加する曲や楽曲の場合は、リズムやチューニングの観点から各パートがまとまるまで、構造化された繰り返し練習のことです。

多くの文化には、インド古典音楽や西洋芸術音楽の伝統のように、ソロ演奏（一人の歌手または楽器奏者が演奏する）の強い伝統があります。バリ島などの他の文化では、グループ演奏の強い伝統があります。すべての文化には両方の混合が含まれており、演奏は即興のソロ演奏から、現代​​クラシックコンサート、宗教行列、クラシック音楽祭、音楽コンクールなどの高度に計画され組織化された演奏まで多岐にわたります。室内楽は、各タイプの楽器を1つまたは数個だけ使用する小編成のアンサンブルのための音楽であり、大規模な交響曲よりも親密な作品と見なされることが多いです。[ 81 ]

即興

音楽の即興演奏は、多くの場合、既存の和声的枠組み、コード進行、またはリフに基づいて、即興的に音楽を作り出すことである。即興演奏者は、コードの音符、各コードに関連付けられた様々なスケール、そしてコードトーンやコードに関連付けられた典型的なスケールに含まれない半音階の装飾音やパッシングトーンを使用する。音楽の即興演奏は、準備をして行っても行わなくてもよい。即興演奏は、ブルース、ジャズ、ジャズフュージョンなどの音楽の主要部分であり、楽器演奏者がソロ、メロディーライン、伴奏パートを即興で演奏する。[ 82 ]

西洋芸術音楽の伝統において、即興演奏はバロック時代および古典派音楽において重要な技能でした。バロック時代には、演奏者は装飾音を即興で演奏し、通奏低音の鍵盤楽器奏者は数字付低音記譜法に基づいて和音のボイシングを即興で演奏しました。また、一流のソリストはプレリュードなどの楽曲を即興で演奏できることが期待されていました。古典派音楽の時代には、ソロ演奏者や歌手がコンサート中に ヴィルトゥオーゾ・カデンツァを即興で演奏しました。

しかし、20世紀から21世紀初頭にかけて、西洋芸術音楽の演奏が「一般的な慣習」として交響楽団、オペラハウス、バレエ団などで制度化されるにつれ、即興演奏の役割は縮小し、音楽はスコアやパート譜に記譜され、演奏家が演奏する形へと変化しました。同時に、20世紀および21世紀の芸術音楽作曲家の中には、創作活動に即興演奏を取り入れる者も増えてきました。インド古典音楽において、即興演奏は演奏の中核を成す要素であり、演奏の不可欠な基準となっています。

芸術とエンターテイメント

グランドピアノを弾くカティア・ブニアティシヴィリ

音楽は、美的喜び、宗教的または儀式的な目的、あるいは市場向けの娯楽製品など、様々な目的で作曲され、演奏されます。古典派やロマン派の時代など、音楽が楽譜でしか入手できなかった時代、音楽愛好家は好きな曲や歌の楽譜を購入し、自宅でピアノで演奏していました。蓄音機の登場により、楽譜ではなくポピュラーソングのレコードが、音楽愛好家がお気に入りの曲を楽しむ主な方法となりました。 1980年代の家庭用テープレコーダー、そして1990年代のデジタル音楽の登場により、音楽愛好家はお気に入りの曲のテープやプレイリストを作成し、ポータブルカセットプレーヤーやMP3プレーヤーに入れて持ち運ぶことができるようになりました。音楽愛好家の中には、お気に入りの曲のミックステープを作成する人もいます。これは「自画像、友情の表現、理想的なパーティーのための処方箋…そして、最も熱烈に愛するものだけで構成された環境」として機能するのです。[ 83 ]

アマチュア音楽家は、自分の楽しみのために音楽を作曲したり演奏したりして、他の場所で収入を得ることができます。プロの音楽家は、軍隊（マーチングバンド、コンサートバンド、ポピュラー音楽グループ）、宗教機関、交響楽団、放送会社や映画製作会社、音楽学校などの機関や組織に雇用されています。プロの音楽家は、フリーランサーやセッションミュージシャンとして働き、さまざまな環境で契約や仕事を求めています。アマチュア音楽家とプロの音楽家の間には多くのつながりがしばしばあります。初心者のアマチュア音楽家は、プロの音楽家からレッスンを受けます。地域社会では、上級のアマチュア音楽家が、地域のコンサートバンドや地域のオーケストラ など、さまざまなアンサンブルでプロの音楽家と演奏します。

ライブの観客の前で演奏される音楽と、スタジオで演奏され、録音されて音楽小売や放送システムを通じて配信される音楽は、しばしば区別されます。しかし、観客の前でのライブ演奏が録音され、配信されるケースも少なくありません。ライブコンサートの録音は、クラシック音楽だけでなく、ロックなどのポピュラー音楽でも人気があり、違法に録音されたライブコンサートは音楽愛好家に高く評価されています。ジャムバンドの世界では、スタジオ録音よりもライブでの即興ジャムセッションが好まれます。[ 84 ]

表記

楽譜は音楽を表記したものです。伝統的な「アデステ・フィデレス」を、混声合唱用の標準的な2段五線譜形式でホモリズム（すなわち賛美歌風）に編曲したものです。遊ぶⓘ

記譜法とは、一般的に音符やリズムを記号を用いて紙に書き記すことを意味します。音楽が記譜される際には、メロディーの音符など、音程やリズムが記譜されます。記譜法は、多くの場合、演奏方法の指示も提供します。例えば、ある曲の楽譜には「スロー・ブルース」や「ファスト・スウィング」などと記載されており、これはテンポとジャンルを示しています。記譜法を読むには、音楽理論、ハーモニー、そして特定の曲や楽曲のジャンルに関連する演奏方法を理解している必要があります。

記譜法は、音楽のスタイルや時代によって異なる。今日では、記譜された音楽は楽譜として作成されるが、コンピュータの楽譜作成プログラムを持っている人の場合はコンピュータ画面上の画像として作成される。古代には、音楽記譜法は石板や粘土板に記されていた。[ 40 ]記譜法に基づいて音楽を演奏するために、歌手や楽器奏者は記号に体現されたリズムとピッチの要素、および楽曲やジャンルに関連した演奏慣行を理解している必要がある。音楽の即興性が必要なジャンルでは、演奏者はコードの変更と曲の形式のみが書かれた楽譜に基づいて演奏することが多く、演奏者は音楽の構造、ハーモニー、およびジャズやカントリーミュージックなどの特定のジャンルのスタイルについて深い理解を持っていることが求められる。

西洋芸術音楽において、最も一般的な記譜法は、アンサンブル曲の全パートを記譜したスコアと、個々の演奏者または歌手のための記譜であるパー​​ト譜です。ポピュラー音楽、ジャズ、ブルースでは、メロディー、コード、歌詞（ボーカル曲の場合）、そして楽曲の構成を記譜したリードシートが標準的な記譜法です。ジャズではフェイクブックも使用され、リードシートまたはコードチャートのみで構成される場合があります。フェイクブックは、リズムセクションのメンバーがジャズの伴奏パートを即興で演奏することを可能にします。スコアとパート譜は、ポピュラー音楽やジャズ、特にジャズ「ビッグバンド」のような大規模なアンサンブルでも使用されます。ポピュラー音楽では、ギタリストやエレクトリックベース奏者は、ギターやベースの指板図を用いて楽器で演奏する音符の位置を示すタブ譜（しばしば「タブ」と略される）で記譜された楽譜を読むことがよくあります。タブ譜はバロック時代に弦楽器であるリュートの音楽を記譜するために使用されました。 [ 85 ]

口承と聴覚の伝統

伝統的なブルースやフォークミュージックなど、多くの音楽は楽譜に記されておらず、演奏者の記憶の中に保存されていました。歌は、あるミュージシャンや歌手から別のミュージシャンや歌手へと口頭で、あるいは「耳で」歌を学ぶ聴覚によって伝承されました。歌や楽曲の作曲者が不明な場合、その音楽はしばしば「伝統音楽」または「フォークソング」に分類されます。音楽の伝統によって、元の素材にどのように、どこに変更を加えるかという考え方が大きく異なり、非常に厳格なものから、即興や音楽の改変を要求するものまで様々です。文化の歴史や物語も、歌を通して耳で伝えられることがあります。[ 86 ]

要素

音楽には様々な基本要素、つまり要素があります。「要素」の定義によって、音程、拍、テンポ、リズム、メロディー、ハーモニー、テクスチャ、スタイル、声部の配置、音色、強弱、表現、アーティキュレーション、形式、構造などが含まれます。音楽の要素は、オーストラリア、イギリス、アメリカの音楽カリキュラムで特に重視されています。3カ国すべてのカリキュラムで、音程、強弱、音色、テクスチャが要素として挙げられていますが、その他の要素については、必ずしも普遍的な合意が得られていません。以下は、公式に定義されている3つの「音楽の要素」のリストです。

  • オーストラリア：ピッチ、音色、テクスチャ、ダイナミクスと表現、リズム、形式と構造。[ 87 ]
  • 英国：ピッチ、音色、テクスチャ、ダイナミクス、持続時間、テンポ、構造。[ 88 ]
  • アメリカ：ピッチ、音色、テクスチャ、ダイナミクス、リズム、形式、ハーモニー、スタイル/アーティキュレーション。[ 89 ]

英国のカリキュラムに関しては、2013年に「適切な記譜法」という用語が要素リストに追加され、リストのタイトルが「音楽の要素」から「音楽の相互に関連する側面」に変更されました。音楽の相互に関連する側面は、音高、持続時間、強弱、テンポ、音色、テクスチャ、構造、そして適切な記譜法として列挙されています。[ 90 ]

「音楽の要素」という表現は、様々な文脈で用いられます。最も一般的な2つの文脈は、「音楽の基本的要素」と「音楽の知覚的要素」と表現することで区別できます。[注 4 ]

ピッチ

ピッチとは、私たちが聞き取れる音の一側面であり、ある音楽の音、音符、またはトーンが他の音楽の音、音符、またはトーンよりも「高い」か「低い」かを反映します。ピッチの高低については、より一般的な意味で話すことができます。例えば、耳をつんざくような高いピッコロの音や口笛の音は、バスドラムの深い音よりも高く聞こえます。また、音楽のメロディー、ベースライン、コードに関連する正確な意味でピッチについて話すこともできます。正確なピッチは、ノイズと区別できるほど明瞭で安定した周波数を持つ音でのみ判断できます。例えば、ピアノで演奏された単音のピッチを聞き分けるのは、クラッシュシンバルを叩いたときのピッチを聞き分けるよりもはるかに簡単です。[ 95 ]

メロディー

伝統的な歌「ポップ・ゴーズ・ザ・イタチ」のメロディー遊ぶⓘ

メロディーは「チューン」とも呼ばれ、一連の音程（音符）が連続して（次々に）鳴らされるもので、多くの場合、上昇と下降のパターンを伴います。メロディーの音符は通常、音階や旋法などの音高体系を用いて作成されます。また、メロディーには、楽曲で使用されているコードの音符が含まれることもよくあります。シンプルなフォークソングや伝統曲のメロディーでは、その楽曲の主音または調に関連付けられた単一の音階の音符のみを使用する場合があります。例えば、ハ長調（ハ長調とも呼ばれる）のフォークソングには、ハ長調スケールの音符（ピアノの鍵盤では「白鍵」となるC、D、E、F、G、A、B、Cの各音符）のみを使ったメロディーが含まれることがある。一方、 1940年代のビバップ時代のジャズや、20世紀、21世紀の現代音楽では、多くの半音階（長調スケールの音符に加えて、ピアノの鍵盤では「白鍵」と「黒鍵」を含むすべての音符や、全音階（ハ長調の全音階にはC、D、E、F ＃、G ＃、A ＃の音符が含まれる）などの珍しいスケール）を使ったメロディーが使われることがある。ダブルベース、エレクトリックベース、チューバなどの低音楽器で演奏される低音の音楽ラインは、ベースラインと呼ばれる。[ 96 ]

調和

ギターでコード（多くの異なる音の組み合わせ）を演奏する演奏者

ハーモニーとは、音楽における音程の「垂直な」響きのことを指し、同時に演奏または歌われる複数の音程が和音を形成することを意味します。通常、これは音符が同時に演奏されることを意味しますが、和音の音符を囲むようにメロディーが次々に演奏されることでハーモニーが表現されることもあります。長短調（「キー」）のシステムを用いて書かれた音楽（1600年から1900年にかけて書かれたほとんどのクラシック音楽、そして西洋のポップス、ロック、伝統音楽のほとんどが含まれます）では、曲のキーによって、曲が一般的に解決する「ホームノート」または主音と、使用されている音階の特性（例えば、長調または短調）が決まります。シンプルなクラシック音楽や、多くのポップスや伝統音楽の楽曲は、すべての音楽が単一のキーで構成されているように書かれています。より複雑なクラシック音楽、ポップス、伝統音楽の楽曲や曲は、2つのキー（場合によっては3つ以上のキー）を持つ場合があります。ロマン派時代のクラシック音楽（1820年から1900年頃に作曲されたもの）には複数のキーが含まれることが多く[ 97 ]、特に1940年代のビバップ・ジャズでは、曲のキーまたは「ホーム・ノート」が4小節ごと、あるいは2小節ごとに変わることもある。[ 98 ]

リズム

リズムとは、時間の中で音と沈黙を配置することです。拍子は、小節または小節と呼ばれる規則的な拍のグループで時間を動かします。西洋のクラシック、ポピュラー、伝統音楽では、小節では多くの場合、2 つの音符 (例: 2/4 拍子)、3 つの音符 (例: 3/4 拍子、ワルツ拍子または 3/8 拍子とも呼ばれる)、または 4 つの音符 (例: 4/4 拍子) のセットでグループ化されます。歌や楽曲では多くの場合 (常にではありませんが) 各グループの最初の拍に重点が置かれているため、拍子は聞き取りやすくなっています。注目すべき例外として、西洋のポップスやロックの多くで使用されるバックビートがあります。バックビートでは、4 つの拍 (4/4 拍子または共通拍子と呼ばれる) で構成される小節を使用する歌では、2 拍目と 4 拍目にアクセントが付きます。これは通常、ドラマーが、大きくて独特の音を出す打楽器であるスネアドラムを演奏することで行われます。ポップやロックでは、曲のリズムパートはリズムセクションによって演奏されます。リズムセクションには、コードを演奏する楽器（エレキギター、アコースティックギター、ピアノ、その他の鍵盤楽器など）、ベース楽器（通常はエレキベースですが、ジャズやブルーグラスなどの一部のスタイルではダブルベース）、ドラムキット奏者が含まれます。[ 99 ]

テクスチャ

音楽のテクスチャとは、楽曲や歌曲の全体的な響きのことです。楽曲や歌曲のテクスチャは、メロディ、リズム、ハーモニーの素材が楽曲の中でどのように組み合わされているかによって決まり、楽曲全体の響きの性質を決定します。テクスチャは、密度（厚み）や最低音と最高音の間の音域（幅）といった相対的な観点から表現されることが多く、より具体的には声部（パート）の数やこれらの声部間の関係によって区別されます（一般的な種類については以下を参照）。例えば、厚みのあるテクスチャには、多くの楽器の「層」が含まれます。1つの層は弦楽器や金管楽器のセクションなどです。厚みは楽器の量や豊かさによって影響を受けます。[ 100 ]テクスチャは一般的に、音楽のパートやラインの数やそれらの関係によって表現されます。

多数の独立したパートを含む音楽（例：多くの絡み合った旋律線を持つ 100 のオーケストラ楽器を伴奏とする二重協奏曲）は、一般的に、パート数が少ない作品（例：チェロ 1 本を伴奏とするフルート独奏の旋律）よりも「厚みのある」または「密度の高い」テクスチャを持つと言われています。

音色

フェンダー・ストラトキャスター・ギターで演奏されたE9サスペンド・コードの最初の1秒のスペクトログラム。以下はE9サスペンド・コードの音声です。

音色は「色彩」や「音色」とも呼ばれ、声や楽器の音質を指します。[ 101 ]音色とは、同じ音程や音量であっても、特定の音楽の音を他の音と異なるものにするものです。例えば、440 HzのAの音は、オーボエ、ピアノ、バイオリン、エレキギターで演奏するとそれぞれ違って聞こえます。同じ楽器を異なる演奏者が同じ音を演奏したとしても、楽器のテクニック（例えば、アンブシュアの違い）、アクセサリーの種類（例えば、金管楽器奏者のマウスピース、オーボエとファゴット奏者のリード）、弦楽器奏者の弦の素材の違い（例えば、ガット弦とスチール弦）などにより、音色が異なる場合があります。2人の演奏者が同じ楽器で同じ音を（交互に）演奏した場合でも、楽器の演奏方法の違い（例えば、2人の弦楽器奏者が弓の持ち方を変えるなど）により、音色が異なる場合があります。

音色の知覚を決定づける音の物理的特性には、音符または楽音のスペクトル、エンベロープ、倍音などがあります。エレキギター、エレキベース、エレキピアノなど、20世紀に開発された電子楽器では、演奏者はイコライザーや楽器本体のトーンコントロールを調整したり、ディストーションペダルなどの電子エフェクトユニットを使用したりすることで音色を変えることができます。エレクトリックハモンドオルガンの音色は、ドローバーを調整することで制御されます。

表現

表現力とは、音楽において、主要なピッチを変えたり、メロディーや伴奏のリズムを大幅に変えたりせずに、音楽に変化を生み出す要素のことです。歌手や楽器奏者などの演奏者は、フレージング 、ビブラート（声、ギター、バイオリン、金管楽器、木管楽器などの一部の楽器）、ダイナミクス（楽曲全体またはその一部の音量）、テンポの変動（リタルダンドまたはアッチェレランド。それぞれテンポを遅くしたり速くしたりします）、終止部に休止やフェルマータを追加、音符のアーティキュレーションを変更する（音符をより顕著にしたりアクセントを付けたり、音符をよりレガート（滑らかにつなぐ）にしたり、音符を短くする）などの効果を追加することで、歌や作品に音楽的な表現を加えることができます。

表現は、音程（抑揚、ビブラート、スライドなど）、音量（強弱、アクセント、トレモロなど）、持続時間（テンポの変動、リズムの変化、レガートやスタッカートなどの音符の持続時間の変更など）、音色（例えば、声の音色を軽やかな声から響きのある声に変える）、そして時にはテクスチャ（例えば、ピアノ曲でベース音を倍にしてより豊かな効果を出すなど）の操作によって実現されます。したがって、表現とは「気分、精神、性格などを示す」ためにあらゆる要素を操作することと見なすことができます[ 102 ]。したがって、音楽の独自の知覚要素として含めることはできません[ 103 ]が、音楽の重要な基本要素と考えることはできます。

形状

クリスマスソング「ジングルベル」のコーラス（リフレイン）の楽譜ジングルベルのリフレインのベクター.midⓘ

音楽において、形式とは歌や楽曲の全体的な構造や計画を表すものであり[ 104 ]、また楽曲をセクションに分割したレイアウトを表すものである[ 105 ] 。20世紀初頭、ティン・パン・アレーの歌やブロードウェイ・ミュージカルの歌は、AABA 32小節形式であることが多く、Aセクションでは同じ8小節のメロディー（バリエーション付き）を繰り返し、Bセクションでは対照的なメロディーやハーモニーを8小節にわたって演奏した。1960年代以降、西洋のポップスやロックの歌は、バース・コーラス形式であることが多く、これはバースとコーラス（「リフレイン」）セクションの連続で構成され、ほとんどのバースでは新しい歌詞が、コーラスでは同じ歌詞が繰り返される。ポピュラー音楽では、しばしばストロフィック形式が使用され、時には12小節ブルースと組み合わせて使用​​される。[ 106 ]

『オックスフォード音楽事典』第10版で、パーシー・ショールズは音楽形式を「無制限の反復と無制限の変更という両極端の間の中庸を見つけるために考案された一連の戦略」と定義しています。[ 107 ]西洋音楽の一般的な形式の例としては、フーガ、インヴェンション、ソナタ・アレグロ、カノン、連旋法、主題と変奏、ロンドなどがあります。

ショールズは、ヨーロッパの古典音楽には、単純二部構成、単純三部構成、複合二部構成、ロンド、変奏曲付きアリア、フーガの6つの独立した形式しかないと述べています（ただし、音楽学者アルフレッド・マンは、フーガは主に作曲方法であり、時には特定の構造的慣習を採用することがあると強調しました。[ 108 ]）。

作品が容易にセクション単位に分割できない場合（詩、物語、プログラムから何らかの形式を借用している場合もある）、それは通奏低音（スルーコンポジション）と呼ばれます。これは、ファンタジア、プレリュード、ラプソディ、エチュード（またはスタディ）、交響詩、バガテル、即興曲などの作品によく見られます。 [ 109 ]チャールズ・カイル教授は、形式と形式の詳細を「セクション的、発展的、または変奏的」に分類しました。[ 110 ]

哲学

ジョヴァンニ・ボルディーニ作『赤い服の女』

音楽哲学は、音楽に関する根本的な問いを研究する学問であり、形而上学や美学における問いとも関連しています。以下のような問いが挙げられます。

古代ギリシャなどの古代において、音楽美学はリズムとハーモニーの構成の数学的、宇宙論的側面を探求した。18世紀には、焦点は音楽を聴く経験に移り、ひいては音楽の美しさと人間的な享楽（快楽と享楽）に関する問いへと移った。この哲学的転換の起源は、18世紀のアレクサンダー・ゴットリープ・バウムガルテン、次いでイマヌエル・カントにあるとされることもある。彼らの著作を通して、感覚的知覚を意味する古代の用語「美学」は、今日的な意味合いを帯びるようになった。2000年代には、哲学者たちは美と享楽以外の問題を強調する傾向にある。例えば、音楽の感情表現能力が前面に押し出された。[ 111 ]

20世紀にはピーター・キヴィ、ジェロルド・レビンソン、ロジャー・スクルートン、スティーブン・デイヴィスらが重要な貢献をした。しかし、音楽美学には多くの音楽家、音楽評論家、その他哲学者以外の人々も貢献してきた。19世紀には、音楽評論家で音楽学者のエドゥアルト・ハンスリックと作曲家のリヒャルト・ワーグナーの間で、音楽が意味を表現できるかどうかについて重要な論争が起こった。ハリー・パーチやカイル・ガンなどの音楽学者は微分音音楽や代替音階の使用を研究し、普及させようとした。ラ・モンテ・ヤング、リース・チャタム、グレン・ブランカといった現代の作曲家は、純正律と呼ばれる音階に大きな注目を払った。[ 112 ] [ 113 ] [ 114 ]

音楽は感情、知性、心理に影響を与える力を持つとよく考えられています。音楽は孤独を和らげたり、情熱を掻き立てたりすることもあります。プラトンは『国家』の中で、音楽は魂に直接影響を与えると示唆しています。そのため、理想的な体制においては、音楽は国家によって厳密に規制されるべきだと提唱しています（第7巻）。[ 115 ]古代中国において、孔子は音楽と儀式は相互に関連し、自然と調和していると信じていました。彼は、音楽は天地の調和であり、儀式は秩序によってもたらされるものであり、それらは社会において極めて重要な機能であると述べました。[ 116 ]

心理学

現代音楽心理学は、音楽的行動と音楽体験を解明し理解することを目指しています。[ 117 ]この分野とその下位分野における研究は主に経験的であり、人間の参加者の体系的な観察と相互作用によって収集されたデータの解釈に基づいて知識が発展する傾向があります。音楽心理学は、基本的な知覚と認知プロセスに焦点を当てているだけでなく、音楽演奏、作曲、教育、批評、セラピー、そして人間の適性、技能、知性、創造性、社会行動の研究など、多くの分野に実用的な関連性を持つ研究分野です。

神経科学

一次聴覚皮質は、優れたピッチ解像度に関連する主要な領域の 1 つです。

音楽認知神経科学は、音楽の根底にある認知プロセスに関与する脳メカニズムを科学的に研究する分野です。これらの行動には、音楽鑑賞、演奏、作曲、読書、執筆、そして付随的な活動が含まれます。また、音楽美学や音楽的感情の脳基盤にもますます関心が集まっています。この分野は、機能的磁気共鳴画像法（fMRI）、経頭蓋磁気刺激法（TMS）、磁気脳波測定法（MEG）、脳波測定法（ EEG ）、陽電子放出断層撮影法（PET）といった手法を用いた脳の直接観察に大きく依存していることが特徴です。

認知音楽学

認知音楽学は、音楽と認知の両方を理解することを目的として、音楽知識を計算的にモデル化することに関係する認知科学の一分野である。 [ 118 ]コンピュータモデルの使用は、理論を策定し検証するための厳密でインタラクティブな媒体を提供し、人工知能と認知科学に根ざしている。[ 119 ]

認知音楽学は、脳における言語と音楽の類似性といったテーマを研究します。研究には、ニューラルネットワークや進化プログラムといった生物学に着想を得た計算モデルが含まれることがよくあります。[ 120 ]この分野は、音楽知識がどのように表現され、保存され、知覚され、演奏され、生成されるかをモデル化しようとします。適切に構造化されたコンピュータ環境を用いることで、これらの認知現象の体系的な構造を研究することができます。[ 121 ]

心理音響学

心理音響学は、音知覚に関する科学的研究です。より具体的には、音（音声や音楽を含む）に関連する心理的および生理学的反応を研究する科学の一分野です。さらに、心理物理学の一分野として分類することもできます。

進化音楽学

進化音楽学は、「音楽の起源、動物の歌の問題、音楽進化の根底にある淘汰圧」、そして「音楽進化と人類進化」を研究対象としています。[ 122 ]進化論の観点から音楽の知覚と活動を理解しようとします。チャールズ・ダーウィンは、音楽が適応的優位性を持ち、祖語として機能した可能性があると推測しました。[ 123 ]この見解は、音楽進化に関するいくつかの競合する理論を生み出しました。[ 124 ] [ 125 ] [ 126 ]別の見解では、音楽は言語進化の副産物、つまり、適応機能を提供せずに感覚を満足させる一種の「聴覚チーズケーキ」であると考えられています。[ 127 ]この見解は、多くの音楽研究者によって直接反論されています。[ 128 ] [ 129 ] [ 130 ]

文化的な影響

個人の文化や民族性は、好み、感情的反応、音楽的記憶など、音楽認知に影響を与えます。音楽的嗜好は、幼少期から文化的に馴染みのある音楽的伝統に偏っており、成人が楽曲の感情を分類する際には、文化特有の特徴と普遍的な構造的特徴の両方に依存します。[ 131 ] [ 132 ]さらに、個人の音楽記憶能力は、文化的に馴染みのない音楽よりも、文化的に馴染みのある音楽の方が優れています。[ 133 ] [ 134 ]

知覚的

1930年代に心理音響学の研究が始まって以来、音楽の要素リストの多くは、演奏方法や研究方法を学ぶことよりも、音楽を聴く方法に関係するようになりました。C.E.シーショアは著書『音楽心理学』[ 135 ]の中で、4つの「音の心理的属性」を挙げています。それは「音高、音量、時間、音色」（3ページ）です。彼はこれらを「音楽の要素」とは呼ばず、「要素構成要素」（2ページ）と呼んでいます。しかしながら、これらの要素構成要素は、最も一般的な4つの音楽要素と正確に結びついています。「音高」と「音色」は完全に一致し、「音量」は強弱、「時間」はリズム、持続時間、テンポといった時間に基づく要素と結びついています。 「音楽の要素」という語句のこの用法は、ウェブスターの20世紀新辞典における要素の定義「既知の方法ではより単純な形に分割できない物質」[ 136 ]とより密接に関連しており、教育機関の要素リストも一般的にこの定義と一致しています。

「音楽の基本要素」リストの作成者は、個人的（または組織的）な優先順位に応じてリストの内容を変えることができますが、音楽の知覚要素は、意図した音楽効果を得るために独立して操作できる、確立された（または実証された）個別の要素のリストで構成されるべきです。現段階では、この分野にはまだ研究の余地があるように思われます。

音楽の要素を特定する少し異なる方法は、「音の要素」を音程、持続時間、音量、音色、音の質感、空間的位置として特定し、[ 137 ]次に「音楽の要素」を音、構造、芸術的意図として定義することです。[ 137 ]

社会学的な側面

宋代（960～1279年）の絵画「韓熙載夜会図」は、10世紀の家庭で開かれたパーティーで中国の音楽家たちが客をもてなす様子を描いている。

民族誌的研究は、音楽が参加型のコミュニティベースの活動であることを示している。[ 138 ] [ 139 ]音楽は、一人でいるときから大規模なコンサートに出席して音楽コミュニティを形成するまで、様々な社会的状況において個人によって体験される。これは個人の意志や偶然によるものと理解できるものではなく、共通の価値観を共有する商業的参加者と非商業的参加者の両方を含む。音楽の演奏は、文化や社会経済的環境によって異なる形態をとる。

ヨーロッパと北米では、「ハイカルチャー」と「ロウカルチャー」に分類される音楽の種類が明確に分かれていました。「ハイカルチャー」には、バロック、古典派、ロマン派、近代の交響曲、協奏曲、ソロ作品が含まれ、通常はコンサートホールや教会で、聴衆は静かに座って演奏する正式なコンサートで聴かれます。一方、ジャズ、ブルース、ソウル、カントリーといった音楽は、バー、ナイトクラブ、劇場などで演奏されることが多く、聴衆はそこでお酒を飲み、踊り、歓声を上げます。20世紀までは、「ハイ」と「ロウ」の音楽形式は、バーやダンスホールで聴かれるポピュラー音楽と「芸術音楽」を区別する有効な区分として受け入れられていました。デイヴィッド・ブラケットなどの音楽学者は、20世紀における「ハイカルチャーとロウカルチャーの文化的・美的境界線の再描画」を指摘しています。[ 140 ]そして、「業界や公共の言説が音楽のカテゴリーと人々のカテゴリーを結び付けると、ステレオタイプと実際のリスナーコミュニティが混同される傾向がある。」[ 140 ]ステレオタイプは、様々なタイプの音楽の演奏者や聴衆の 社会経済的地位、または社会階級に基づく場合があります。

作曲家が慣習を破る音楽様式を導入すると、学者やその他関係者から強い抵抗を受けることがあります。ベートーヴェン後期の弦楽四重奏曲、ストラヴィンスキーのバレエ音楽、セリアリズム、ビバップ、ヒップホップ、パンクロック、エレクトロニカなどは、初めて導入された際には物議を醸し、批判を浴びました。こうしたテーマは、音楽社会学（社会音楽学とも呼ばれる）で研究されます。音楽社会学は、社会学、メディア研究、音楽の各学部で研究され、民族音楽学と密接に関連しています。

女性の役割

19世紀の作曲家兼ピアニスト、クララ・シューマン

女性は歴史を通じて、作曲家、作詞家、楽器演奏家、歌手、指揮者、音楽学者、音楽教育者、音楽評論家/音楽ジャーナリスト、その他の音楽専門家として、音楽において重要な役割を果たしてきた。2010年代には、ポピュラー音楽やクラシック音楽の歌手や作詞家（多くはシンガーソングライター）のかなりの割合を女性が占めている一方で、女性のレコードプロデューサー、ロック評論家、ロック楽器奏者は少数である。中世から現代に至るまでクラシック音楽には多数の女性作曲家がいるにもかかわらず、一般的に演奏されるクラシック音楽のレパートリー、音楽史の教科書、音楽事典では女性作曲家が大幅に過小評価されている。例えば、Concise Oxford History of Musicでは、クララ・シューマンは言及されている数少ない女性作曲家の一人である。

クラシック音楽では、女性が器楽ソリストのかなりの割合を占めており、オーケストラでも女性の割合が増加しています。しかし、2015年にカナダの主要オーケストラの協奏曲ソリストに関する記事によると、モントリオール交響楽団のソリストの84%が男性でした。2012年には、トップクラスのウィーン・フィルハーモニー管弦楽団において、女性の割合はわずか6%でした。ロックやヘビーメタルなどのポピュラー音楽のジャンルでは、女性が器楽奏者として活躍することはあまりありませんが、著名な女性器楽奏者や女性だけのバンドは数多く存在します。特にエクストリームメタルでは、女性の割合が低い傾向にあります。[ 141 ] 1960年代のポップミュージック界では、「音楽業界のほとんどの側面と同様に、作詞作曲は男性が支配する分野でした。ラジオには多くの女性歌手がいましたが、女性は主に消費者として見られていました。歌うことは少女にとって許容される娯楽であることもありましたが、楽器を演奏したり、曲を書いたり、レコードをプロデュースしたりすることは決して行われていませんでした。」[ 142 ]若い女性は「自分たちを[音楽]を創造する人々として見るように社会化されていませんでした。」[ 142 ]

オーケストラの指揮、音楽批評／音楽ジャーナリズム、音楽制作、音響エンジニアリングの分野でも、女性は過小評価されています。19世紀には女性の作曲活動は奨励されず、女性の音楽学者もほとんどいませんでしたが、音楽教育には女性が関わり、「19世紀後半から20世紀にかけて、女性が[この分野]を独占するほどにまで至りました。」[ 143 ]

ロンドンのインディペンデント紙の音楽記者ジェシカ・デュッチェンによると、クラシック音楽界の女性音楽家は「才能よりも容姿で判断されることがあまりにも多く」、ステージ上や写真でセクシーに見えなければならないというプレッシャーに直面している。[ 144 ]デュッチェンは、「容姿で演奏することを拒否する女性音楽家もいるが、容姿で演奏する女性の方が物質的に成功する傾向がある」と述べている。[ 144 ]英国ラジオ3の編集者エドウィナ・ウォルステンクロフトによると、音楽業界では女性が演奏やエンターテイメントの分野で活躍することは以前から認められているが、オーケストラの指揮者など、権威ある地位に就くことは女性にとってはるかに少ないという。[ 145 ]ポピュラー音楽では、多くの女性歌手が歌をレコーディングしている一方で、録音プロセスを指揮・管理する音楽プロデューサーとしてオーディオコンソールの後ろで活動する女性は非常に少ない。 [ 146 ]最も多くレコーディングされたアーティストの一人は、ヒンディー語映画のプレイバックシンガーとして最もよく知られているインド人歌手、アシャ・ボスレーである。 [ 147 ]

メディアとテクノロジー

コンパクト・ディスク・デジタル・オーディオ（CD-DA）は、オーディオ音楽フォーマットに革命をもたらしました。CD-DAにより、テープを巻き戻すことなく、音楽を持ち運びながら再生することが可能になりました。CDは1988年にLPレコード、 1991年にはカセットテープの売上を上回りました。1999年までに、CDは音楽販売市場全体の87.9%を占めるようになりました。 [ 148 ]

20 世紀以降、ライブ音楽はラジオ、テレビ、インターネットで放送されるほか、CD プレーヤーや MP3 プレーヤーで録音して聴くこともできます。

20世紀初頭（1920年代後半）、トーキー映画が登場し、事前に録音された音楽トラックが使われるようになると、映画館のオーケストラ演奏家はますます失業するようになった。[ 149 ] 1920年代には、公開初日の劇場ではオーケストラ、ピアニスト、オルガン奏者による生演奏が一般的だった。 [ 150 ]トーキー映画の登場により、こうした生演奏はほぼ廃止された。アメリカ音楽家連盟（AFM）は、生演奏の演奏を機械演奏に置き換えることに抗議する新聞広告を掲載した。1929年にピッツバーグ・プレス紙に掲載された広告には、「缶詰音楽／大音量／知的・感情的反応を一切引き起こさないこと保証」と書かれた缶の画像が掲載されている。 [ 151 ]

ライブパフォーマンスでは、事前に録音された音を取り入れることもあります。たとえば、ディスクジョッキーはスクラッチにディスクレコードを使用し、20世紀の作品の中には、テープに事前に録音された音楽に合わせて演奏される楽器または声のソロがあるものがあります。一部のポップバンドは、録音されたバッキングトラックを使用しています。コンピュータや多くのキーボードは、MIDI（Musical Instrument Digital Interface ）音楽を作成し、演奏するようにプログラムできます。カラオケに参加することで、観客は演奏者になることもできます。カラオケは、よく知られた曲の無声バージョンを再生する機器を中心とした日本発祥のアクティビティです。ほとんどのカラオケ機器には、演奏されている曲の歌詞を表示するビデオスクリーンも付いており、演奏者は楽器のトラックに合わせて歌いながら歌詞を追うことができます。

2000年代の音楽制作では、電子キーボードとマルチモニターのセットアップを備えたデジタルオーディオワークステーション（DAW）が使用されていました。

インターネットの登場と高速ブロードバンドの普及は、音楽体験を一変させました。これは、ストリーミングビデオによる音楽録音へのアクセスが容易になり、消費者の音楽選択肢が大幅に増えたことが一因です。インターネットのもう一つの影響は、YouTubeやFacebookといったオンラインコミュニティやソーシャルメディアウェブサイトの出現です。これらのサイトは、新進気鋭の歌手やアマチュアバンドが楽曲のビデオを配信し、他のミュージシャンと交流し、聴衆の関心を集めることを容易にしています。プロのミュージシャンもYouTubeをプロモーション素材の無料公開手段として利用しています。例えば、YouTubeユーザーはMP3をダウンロードして聴くだけでなく、積極的に独自のMP3を作成しています。ドン・タプスコットとアンソニー・D・ウィリアムズは著書『ウィキノミクス』の中で、従来の消費者の役割から、コンテンツを作成し消費する「プロシューマー」と呼ばれる役割への移行が起こっていると述べています。音楽におけるこの変化の例として、ファンによるマッシュ、リミックス、ミュージックビデオの制作が挙げられます。 [ 152 ]

音楽ストリーミングサービスは音楽制作にさらなる変革をもたらしました。SpotifyやApple Musicなどのストリーミングプラットフォームは、音楽の消費と配信方法を仲介しています。これは、アーティストがリリースをどのようにマーケティングするか（例えば「限定版」など）、アルゴリズムによる提案、そして録音音楽への手頃な価格でのアクセスといった疑問を提起します。[ 153 ]

生成AIシステム（一般的には音楽生成におけるミュージックメタクリエーションとして知られています）は、音楽制作にますます利用されています。より中立的な用語は「音楽生成システム」（MGS）です。[ 154 ]

教育

非制度的

様々な年齢の生徒たちによる鈴木バイオリンリサイタル

北米やヨーロッパでは、幼稚園から高等教育まで一般教育に音楽を取り入れることが一般的です。音楽を演奏したり歌ったりすることで、集中力、数を数えること、聞くこと、協力することなどの基本的なスキルを教え、同時に言語理解を促進し、情報を思い出す能力を改善し、他の分野の学習にもより適した環境を作り出すと考えられています。[ 155 ]小学校では、子供たちはリコーダーなどの楽器の演奏を学んだり、小合唱団で歌ったり、西洋芸術音楽や伝統音楽の歴史について学んだりすることがよくあります。小学生の中には、ポピュラー音楽のスタイルを学ぶ子供もいます。宗教学校では、子供たちは賛美歌やその他の宗教音楽を歌います。中学校では（小学校ではほとんどないが）、生徒は合唱団（歌手のグループ）、マーチングバンド、コンサートバンド、ジャズバンド、オーケストラなど、いくつかの種類の音楽アンサンブルで演奏する機会があるかもしれません。学校システムによっては、楽器の演奏方法に関する音楽レッスンが提供される場合があります。生徒の中には、放課後に歌の先生や楽器の先生から個人レッスンを受ける人もいます。アマチュア音楽家は通常、基本的な音楽の基礎（例えば、音階やリズムの記譜法の学習）と、初級から中級レベルの歌唱や楽器演奏のテクニックを学びます。

大学レベルでは、ほとんどの芸術・人文科学プログラムの学生は、いくつかの音楽コースを受講することで単位を取得できます。これらのコースは通常、音楽史の概説コース、または音楽を聴いてさまざまな音楽様式について学ぶことに重点を置いた音楽鑑賞コースの形をとります。さらに、ほとんどの北米とヨーロッパの大学には、芸術・人文科学の学生が参加できる、合唱団、マーチングバンド、コンサートバンド、オーケストラなどの何らかの種類の音楽アンサンブルがあります。西洋芸術音楽の研究は、インドネシアのジョグジャカルタにあるインドネシア芸術大学や、韓国、日本、中国などのアジア諸国で提供されているクラシック音楽プログラムなど、北米とヨーロッパ以外でもますます一般的になっています。同時に、西洋の大学はカリキュラムを拡大し、アフリカやバリ島の音楽（ガムラン音楽など）などの非西洋文化の音楽を含めています。

機関

マンハッタン音楽院教授であり、プロのコントラバス奏者でもあるティモシー・コブ氏が、 2000年代後半にベースのレッスンを教えている様子。彼のベースには、低音Cのエクステンションと、エクステンションの音程を演奏するためのボタンが付いた金属製の「マシン」が取り付けられている。

プロのミュージシャン、歌手、作曲家、作詞家、音楽教師、音楽史教授、音響エンジニアなど音楽関連の専門職に就くことを目指す人は、大学や音楽院が提供する専門的な高等教育プログラムで学ぶ。音楽業界でのキャリアを目指す人材を育成する一部の教育機関では、幅広い職業のトレーニングを提供しており、米国のトップクラスの大学の多くでは、音楽演奏（歌唱や楽器演奏を含む）、音楽史、音楽理論、作曲、音楽教育（小学校や高校の音楽教師を目指す人向け）、場合によっては指揮の学位を提供している。一方、小規模な大学では、1つの職業（例：録音） のトレーニングのみを提供しているところもある。

大学や音楽院の音楽課程の大半は、学生のクラシック音楽の訓練に重点を置いているが、ジャズやポピュラー音楽のミュージシャンや作曲家としてのキャリアを目指すミュージシャンを養成する大学やカレッジもあり、米国の著名な例としては、マンハッタン音楽学校やバークリー音楽大学などがある。カナダでプロのジャズトレーニングを提供する2校は、マギル大学とハンバー大学である。ヘビーメタル、カントリーミュージック、ブルースなど、一部の音楽分野でのキャリアを目指す人は、学位やディプロマを取得してもプロになることは少ない。その代わりに、バンドで歌ったり演奏したりすること（アマチュアバンド、カバーバンド、トリビュートバンドから始めることが多い）、DVDやインターネットの録音を研究すること、非公式の指導や定期的な音楽レッスンを通じて、同じ音楽分野ですでに地位を確立しているプロフェッショナルと一緒に仕事をすることなどにより、自分の音楽スタイルについて学ぶのが一般的である。 2000年代以降、インターネットフォーラムやYouTubeのハウツー動画の人気が高まり、メタル、ブルースなどのジャンルの歌手やミュージシャンはスキルを向上させることができるようになりました。多くのポップ、ロック、カントリー歌手は、ボーカルコーチやボイストレーナーから非公式にトレーニングを受けています。[ 156 ] [ 157 ]

学術研究

音楽学

音楽学は、音楽の学問的研究であり、大学や音楽学校で学ばれます。19世紀の最も古い定義では、音楽学は体系音楽学、歴史音楽学、比較音楽学または民族音楽学の3つの分野に分けられていました。2010年代の学術研究では、音楽理論、音楽史、民族音楽学への分割に遭遇する可能性が高くなっています。音楽学の研究は、例えば心理音響学の分野における学際的な研究によって豊かになってきました。非西洋文化の音楽の研究、および音楽の文化研究は民族音楽学と呼ばれます。学生は、学士、修士、博士など、さまざまな種類の学位を通じて、音楽学、民族音楽学、音楽史、音楽理論の研究を進めることができます。[ 158 ] [ 159 ] [ 160 ]

音楽理論

音楽理論は、一般的には他の分野から離れて高度に専門的な方法で音楽を研究する学問である。より広義には音楽に関するあらゆる研究を指し、通常は何らかの形で作曲に関連し、数学、物理学、人類学を含むこともある。音楽理論の初級クラスで最も一般的に教えられるのは、慣習的音楽、すなわち調性音楽のスタイルで作曲するためのガイドラインである。慣習的音楽の理論であっても、他の形をとることがある。[ 161 ]音楽集合論は数学的集合論を音楽に適用したもので、最初は無調音楽に適用された。分析音楽理論とは対照的に、思弁的音楽理論は、一般的に作曲の準備として、例えば調律システムなどの音楽素材の分析と統合に専念する。[ 162 ]

ズーム音楽学

動物音楽学（ズーミュージコロジー）とは、人間以外の動物の音楽、あるいは人間以外の動物が発する音の音楽的側面を研究する学問です。ジョージ・ヘルツォーク（1941）が「動物は音楽を持っているのか？」と問いかけたように、フランソワ＝ベルナール・マッシュの『音楽、神話、自然、あるいはアリオンの王』 （1983）は、ニコラ・ルウェの『言語、音楽、詩』（1972）のパラダイム的セグメンテーション分析の手法を用いた「鳥類音楽学」の研究であり、鳥の歌が反復-変換原理に従って構成されていることを示しています。ジャン＝ジャック・ナティエ（1990）は、「たとえ音が人間由来でなくても、最終的には何が音楽的で何が音楽でないかを決めるのは人間である。音が単に作り出す人によってではなく、それを知覚する心によって組織化され概念化される（つまり音楽を形成する）のだと認めるならば、音楽は人間に特有のものである」と主張している。[ 163 ]

民族音楽学

1916年、スミソニアン協会で民族音楽学者フランシス・デンスモアがアメリカ民族学局のためにブラックフット族の酋長マウンテン・チーフの録音を行っていた。この写真では、マウンテン・チーフが録音を聞いている。

西洋では、音楽史の教えの多くは、西洋文明の芸術音楽、いわゆるクラシック音楽に関するものです。西洋の大学では、非西洋文化における音楽史（「ワールドミュージック」または「民族音楽学」の分野）も教えられています。これには、西ヨーロッパの影響を受けていないアジア諸国の記録に残る古典音楽の伝統や、様々な文化圏の民族音楽や土着音楽が含まれます。非西洋諸国におけるポピュラー音楽や民族音楽のスタイルは、文化や時代によって様々でした。文化によって、重視される楽器、技法、歌唱スタイル、そして音楽の用途は異なっていました。音楽は、娯楽、儀式、儀礼、宗教的目的、そして実用的・芸術的なコミュニケーションのために用いられてきました。また、文化大革命期の京劇のように、非西洋音楽はプロパガンダの目的にも用いられてきました。

非西洋音楽には数多くの音楽分類があり、その多くは音楽の定義をめぐる議論に巻き込まれています。中でも最も大きな分類の一つは、クラシック音楽（あるいは「芸術」音楽）とポピュラー音楽（あるいは商業音楽。非西洋のロック、カントリー、ポップミュージック関連のスタイルを含む）の区分です。これらの「二大」分類のいずれにも当てはまらないジャンルもあります（例えば、フォークミュージック、ワールドミュージック、ジャズ関連音楽など）。

世界の文化がよりグローバルな接触を持つようになると、それぞれの固有の音楽様式が他の様式と融合し、新しい様式が生まれることが多くなりました。例えば、アメリカのブルーグラス様式には、アングロ・アイリッシュ、スコットランド、アイルランド、ドイツ、アフリカの楽器および声楽の伝統の要素が含まれており、これらはアメリカの多民族の「るつぼ」社会で溶け合うことができました。ワールドミュージックの中には、非西洋固有の様式と西洋のポップミュージックの要素が混ざり合ったものもあります。音楽のジャンルは、実際の音楽と同じくらい、伝統や表現によって決まります。ジョージ・ガーシュインの「ラプソディ・イン・ブルー」のように、ジャズとクラシック音楽の両方に属する作品もあれば、ガーシュインの「ポーギーとベス」やレナード・バーンスタインの「ウエスト・サイド物語」は、オペラとブロードウェイ・ミュージカルの伝統の両方に属する作品もあります。非西洋音楽の多くの音楽祭には、ワールドミュージックなど、特定の音楽ジャンルのバンドや歌手が出演します。[ 164 ] [ 165 ]

例えば、インド音楽は最も古く、最も長く存続している音楽の一つであり、南アジアだけでなく、国際的にも（特に1960年代以降）広く聴かれ、演奏されています。インド音楽には、主にヒンドゥスターニー、カルナータカ、ドゥルパドの3つの古典音楽の形式があります。また、南インドで有名なタラヴァディヤのように、打楽器のみで演奏される音楽も数多くあります。

治療

「ブルース・イン・ザ・スクールズ」プログラムの音楽療法士が、海軍療法センターで米海軍の水兵とハーモニカを演奏している。

音楽療法は、訓練を受けたセラピストが音楽とそのあらゆる側面（身体的、感情的、精神的、社会的、美的、そしてスピリチュアル）を用いて、クライアントの健康の改善または維持を支援する対人関係のプロセスです。クライアントのニーズは、音楽を通して直接対処される場合もあれば、クライアントとセラピストの間に築かれる関係を通して対処される場合もあります。音楽療法は、精神疾患、医学的問題、身体障害、感覚障害、発達障害、薬物乱用問題、コミュニケーション障害、対人関係の問題、老化など、あらゆる年齢層やさまざまな症状の人に利用されています。また、学習能力の向上、自尊心の構築、ストレスの軽減、身体運動のサポート、その他多くの健康関連活動の促進にも利用されています。音楽療法士は、クライアントに歌ったり、楽器を演奏したり、曲を作ったり、その他の音楽活動を勧めることもあります。

10世紀の哲学者アル＝ファーラビーは、声楽が聴く人の感情や魂を刺激する方法について記述しました。[ 166 ]音楽は古くから人々の感情への対処に役立ってきました。17世紀には、学者ロバート・バートンの著書『憂鬱の解剖学』の中で、音楽と舞踏が精神疾患、特にメランコリーの治療に不可欠であると主張しました。[ 167 ]彼は音楽には「他の多くの病気を追い払う優れた力」があり、「絶望と憂鬱に対する最高の治療法」と呼びました。彼は古代、ロードス島のバイオリン奏者カヌスが音楽を使って「憂鬱な人を陽気にし、恋人をもっと夢中にさせ、宗教的な人をより敬虔にさせた」と指摘しています。[ 168 ] [ 169 ] [ 170 ]オスマン帝国では、精神疾患は音楽で治療されていました。[ 171 ] 2006年11月、マイケル・J・クロフォードと彼の同僚も音楽療法が統合失調症患者に効果があることを発見した。[ 172 ] [ 173 ]

参照

参考文献

注記

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出典

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