閉じた調和と開かれた調和

クローズドハーモニーとオープンハーモニーのハ長調トライアド

和音が狭い音域に配置され、通常、最高音と最低音の間隔が1オクターブ以内である場合、その和音はクローズハーモニー（クローズポジションまたはクローズストラクチャー [ 1 ] とも呼ばれる）である。対照的に、最高音と最低音の間隔が1オクターブを超える場合、その和音はオープンハーモニー（^{オープンポジションまたは}オープンストラクチャー [ 1 ] とも呼ばれる）である^{。より一般}的な用語であるスペーシングは、和音内の音符がどれだけ離れて発音されているかを表す。クローズハーモニーの三和音はスペーシングがコンパクトであるのに対し、オープンハーモニーの三和音はスペーシングが広い。

クローズド・ハーモニーまたはボイシングは、楽器編成とボーカル編成の両方を指します。弦楽四重奏やバッハのコラールのように、古典的なハーモニーの標準的な声部進行のルールに従う場合もあれば、三度や六度の旋律と並行して進行する場合もあります。

声楽

「ヤンキー・ドゥードゥル」^{[ 2 ]}の冒頭、ハーモニーの伴奏付き

シューベルトの「海上の静寂」D.216の冒頭は、倍音列に従って間隔を置いたオープンハーモニーの伴奏の例である^{[ 3 ]}

この歌唱スタイルの起源は、1800 年代のアメリカのハーモニーにあります。

初期のラジオカルテットはこの伝統を引き継いだ。ボズウェル・シスターズ（「ムード・インディゴ」、1933年）やハミルトン・シスターズ・アンド・フォーダイス（「フー？ユー・ザッツ・フー！」、1927年）といった女性ハーモニスト（後にスリー・エックス・シスターズとなる）は、1920年代にこのスタイルを演奏・録音し、1930年代には商業ラジオでこのスタイルを継承した。クローズハーモニーの歌唱は1940年代に特に人気を博し、ポップスやR&Bのグループがこの手法を頻繁に用いた。アンドリュース・シスターズも同様のスタイルをスウィング・ミュージックで活用した。

1950年代から60年代にかけての多くのゴスペルやソウルグループもこの技法を用いていました。通常は3パートまたは4パートのSSAAまたはTTBBハーモニーで、ベースまたはリードのどちらかがコールアンドレスポンス型のリードを担当します。この例としては、現在もレコーディングを続けているブラインド・ボーイズ・オブ・アラバマが挙げられます。ビートルズやサイモン＆ガーファンクルといったアーティストは、彼らのロールモデルであるエヴァリー・ブラザーズを彷彿とさせるクローズド・ハーモニーを用いていました。^{[ 4 ]}ルービン・ブラザーズは、カントリーミュージックのジャンルでクローズド・ハーモニーを用いたデュオでした。^{[ 5 ]}

バーバーショップ・ハーモニーは独特の和声構造を持っています。メロディーは第2テナー、つまり「リード」の声で、第1テナーが次のパート（通常は3度）を担い、バリトンとベースがサポートします。ベースラインはよりリズミカルで、和声進行のルート音をカバーする傾向があり、バーバーショップは通常アカペラで歌われるため、クラシック声楽よりも「サポート」と独立性を高めています。「スウィート・アデリーヌ」のようなパブリックドメインの楽曲や、比較的新しい楽曲も豊富です。全国規模の団体が、多くの地域で支部を設立し、この音楽を広めています。

第二次世界大戦後、アメリカではブルース、1930年代のゴスペルソング、そしてビッグバンドミュージックを基盤として、ソウルミュージックとゴスペルグループが隆盛を極めました。当初、白人の主流ラジオ局とそのターゲット層からは「レイスミュージック」と呼ばれていましたが、1950年代、60年代、70年代のロックンロールやリズム・アンド・ブルースの先駆けとなり、当時の多くのイギリスとアメリカのアーティストに影響を与えました。彼らはより伝統的なTTBBまたはSSAAと呼ばれる4パート構成を採用することが多かったものの、ソロやコールアンドレスポンスを多用し、アフリカ系アメリカ人教会に根ざしたスタイルを採っていました。これらのグループはアカペラで歌うこともあれば、特に大手レーベルのレコーディングでは、楽器によるバックコーラスを使用することもありました。ポップミュージックやドゥーワップは、このジャンルの商業化と言えるでしょう。

器楽

クロード・ドビュッシーやモーリス・ラヴェルといった印象派の作曲家は、作品の中で密接な和声を頻繁に用いており、和音が4音以上でハーモニーがより複雑になるため、7度、9度、11度といった他の音程も用いられることがある。ジャズにおいては、この影響はジョージ・ガーシュウィンやデューク・エリントンの作品に花開いた。^{[ 6 ]}

グレン・ミラーの「ムーンライト・セレナーデ」は、一貫した楽器の密接なハーモニーのよく知られた例である。この曲では、シングルリード管楽器（ソプラノクラリネット、アルトサックス、テナーサックス、バリトンサックス）をフルレンジで使用し、異なるセクションを1オクターブ内でハーモニーさせることで独特のサウンドを生み出している。ミラーはジョセフ・シリンガーにシリンガー技法を師事した[ ^{7 ] 。シリンガーはミラーの「ミラーサウンド」の創造に貢献したとされ、ミラー自身も彼の指導の下、後に}彼の代表曲となる「ムーンライト・セレナーデ」を作曲した^{[ 8 ] 。}

ブロックの調和

オルガン演奏において、ブロックハーモニーとは、右手でメロディーの下にクローズポジションコードを追加し、左手でメロディーを1オクターブ低く倍音化するのに対し、オープンハーモニーではコードの中央の音が1オクターブ低く演奏され、コードに「オープン」な空間が作られる。^{[ 9 ]}

参照

• ブロックコード
• オープンコード

参考文献

1. コストカ, ステファン;ペイン, ドロシー (2004). Tonal Harmony (第5版). ボストン: マグロウヒル. p.  74. ISBN 0072852607. OCLC  51613969 .
2. ポーター、スティーブン（1987年）『コラールのハーモナイゼーション』 9ページ。ISBN 0-935016-80-5。
3. ジョナス、オズワルド(1982).ハインリヒ・シェンカー理論入門(1934: Das Wesen des musikalischen Kunstwerks: Eine Einführung in Die Lehre Heinrich Schenkers )、p. 18. 翻訳者: ジョン・ロスゲブ。 ISBN 0-582-28227-6。
4. サイモン、ポール (2011年4月20日). 「100 Greatest Artists: 33. The Everly Brothers」 .ローリングストーン誌. 2014年1月19日閲覧。
5. Friskics-Warren, Bill (2011年1月26日). 「カントリー歌手チャーリー・ルーヴィン、83歳で死去」 .ニューヨーク・タイムズ. 2017年2月15日閲覧。
6. ハッセ、ジョン・エドワード（1995年）、カテゴリーを超えて：デューク・エリントンの生涯と天才、ニューヨーク：ダ・カーポ、ISBN 0-306-80614-2
7. 「忘れられた教祖ジョセフ・シリンジャー」Wayback Machineで2006年5月4日にアーカイブされた「シリンジャー音楽学校」。
8. 「ジョセフ・シリンガーとは誰か？」シリンガーシステム。
9. シャナフィー、エドワード、ノウルトン、ジョセフ (1990).『キーボード演奏のためのDIYハンドブック』、p. 220. ISBN 0-943748-00-3。