ナンシー・セルビン
ナンシー・セルビン
生まれる1943年（82～83歳）
ロサンゼルス、カリフォルニア州、アメリカ合衆国
教育カリフォルニア大学バークレー校
知られている陶芸、彫刻、インスタレーションアート
配偶者スティーブ・セルビン
受賞歴全米芸術基金、カリフォルニア芸術評議会
Webサイトセルビン・スタジオ
ナンシー・セルヴィン、「ラフ・ホワイト」、ミクストメディア、24インチ×22インチ×6インチ、2003年。

ナンシー・セルヴィン（1943年生まれ）はアメリカの彫刻家で、器の形を探求し、素材、最小限の形状、表現プロセスの相互作用のバランスをとった陶芸作品やタブローで知られています。[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]彼女は、カリフォルニア・クレイ・ムーブメントを継承し、表現、形状、機能を含む陶芸の伝統、そして既存の階層構造の外に媒体を置く芸術世界に挑戦し続けたベイエリアの陶芸家の「第二世代」の一人として1960年代後半に登場しました。[ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]彼女の作品はロサンゼルス郡立美術館（LACMA）[ 8 ]デンバー美術館[ 9 ]ダウム現代美術館[ 7 ]コーラー・アーツ・センター[ 10 ] で展示されており、LACMA[ 11 ] スミソニアン協会[ 12 ] カリフォルニア州オークランド美術館[ 13 ] クロッカー美術館[ 14 ]などのパブリックアートコレクションに収蔵されています。評論家のデイビッド・ロスは、「セルヴィンが陶芸家としてトップクラスの地位を築いたのは、厳格な自己省察の過程を経てのことである…彼女を特徴づけているのは、リアリズムと機能性を避けていることであり、これは陶芸家には必ずしも見られないレベルの知的関与を示している」と書いています。[ 15 ]作家でキュレーターのジョー・ローリアは、セルヴィンのタブローを「哀愁があり、様式的に統一された」作品であり、「写実と抽象、物体と主題、装飾と用途の関係についての力強いエッセイ」であると述べています。[ 5 ]セルヴィンはカリフォルニア州バークレー地域に住み、活動しています。[ 16 ]

人生とキャリア

セルヴィンはロサンゼルスで生まれ育った。[ 17 ]カリフォルニア大学リバーサイド校で絵画とデッサンを学び、1966年に夫が大学院時代に住んでいたアイオワ州でレッスンを受けたのをきっかけに陶芸に転向した。[ 18 ]西に戻った後、カリフォルニア大学バークレー校に入学したが、当時はカリフォルニア・クレイ運動やガラスとファイバー・アートの類似の運動の影響を受けた芸術的興奮の時代で、これらの運動では作品を「工芸」ではなく「芸術」として捉え直していた。[ 19 ] [ 20 ] [ 18 ]そこで彼女はピーター・ヴォルコスとロン・ネーグルに師事し、彫刻家としての訓練を受けた。彼らは自発性と即興性を奨励し、機能よりも色と形を優先することで伝統的な陶芸から逸脱した作品を生み出した。[ 21 ] [ 22 ] [ 23 ] 1969年に美術学士号、1970年に陶芸の修士号を取得した後、セルヴィンは初期の展覧会をサンフランシスコのクエイギャラリー[ 24 ]、ロサンゼルスのアンハルトギャラリー[ 1 ]、カリフォルニア工芸博物館[ 20 ]で開催し、コーラーアートセンター[ 10 ]やデンバー美術館[ 9 ]でのグループ展にも参加した。

1985年、セルヴィンは西バークレーに波形金属と廃材を使って倉庫のような1,500平方フィートのスタジオを建てた。[ 22 ]彼女はアメリカ各地で作品を発表し続け、リッチモンド・アート・センター（1995年）、チャールストン・ハイツ・アート・センター（1999年）、ダウム現代美術館（2004年）、[ 7 ]ボルチモア・クレイワークス（2008年）での特集展や、LACMA、[ 8 ]ド・サイセット美術館、[ 25 ]ルース・チャンドラー・ウィリアムソン・ギャラリー（スクリップス大学）、[ 17 ] [ 26 ]ソサエティ・フォー・コンテンポラリー・クラフトでの大規模なグループ展にも参加した。[ 27 ]セルビンはニューヨーク州立大学アルバニー校（1970–72年）や、2007年からはカリフォルニア芸術大学（CCA）など、いくつかの教育機関で陶芸を教えた。 [ 16 ] 2018年、CCAではセルビンの陶芸分野における専門的かつ個人的な貢献を称えるために、学部生向けの「ナンシー・セルビン賞」が設立された。[ 28 ]セルビンは統計学者でカリフォルニア大学バークレー校の生物統計学教授を退職したスティーブ・セルビンと結婚しており、娘のエリザベス・セルビン博士はジョンズ・ホプキンス大学で疫学の教授を務めている。[ 22 ] [ 29 ] [ 30 ]

仕事と受付

セルヴィンの作品には、家庭を題材にした親密な陶芸作品や静物画、より広範な複合メディアのタブロー、大規模な屋外インスタレーションなどがある。[ 15 ]作家たちは、彼女の作品の特徴として、抽象的でミニマルな形態が、構造だけでなく絵画や構成を探求する場となっていること、[ 21 ] [ 31 ]容器の形状を意図的に探求し、しばしばレリーフ彫刻のような簡素な配置にしていること、[ 7 ] [ 5 ] [ 32 ]アメリカン・セラミックスが「製品よりもプロセスを重視する原始的な考え方」と表現した、表面や素材に対する自由で触覚的な型破りなアプローチ、 [ 2 ] [ 22 ]機能性を否定し、実用的なものの歴史、家庭空間、日常の瞑想、時間の経過などのテーマに知的な関わりを持てるようにしていることを挙げている。[ 15 ] [ 4 ]セルヴィンの作品には、初期の日本の陶芸からカリフォルニア・クレイ運動の芸術家、抽象表現主義者（特に自発性、素材、表面と形態の境界の消滅に重点を置いたもの）、ウォーカー・エヴァンスの厳粛で日常生活を切り取った写真など、あまり目立たない情報源まで、多様な影響が見られます。[ 5 ] [ 22 ] [ 21 ]

ナンシー・セルヴィン作「キルトティーポット #1」、陶芸とミクストメディア、5.875インチ × 7.5インチ × 7.25インチ、1978年。スミソニアン・アメリカン・アート・ミュージアム所蔵。

初期の作品（1970年代と1980年代）

セルヴィンの初期の作品は、抽象、形態と機能、家庭内の儀式といったより複雑な美的・主題的概念を探求するためのフォーマットとして、親密なスケールで非機能的な家庭用品の形状に焦点を当てていた。[ 5 ]これらの自立型の手造りの器は、しばしば大きな取っ手、型破りな仕上げ、トロンプ・ルイユのディテールを特徴としていた。[ 20 ]「キルト・ティーポット」シリーズでは、粘土を崩して折り目をつけることで硬さを隠蔽し、パッチワークキルトのような形状のポットを制作した。仕上げにはエアブラシで陶器絵の具、釉薬、装飾用デカール、そして周囲の環境を描いた画像が用いられた。[ 20 ] [ 12 ] [ 33 ]ニューヨーク・タイムズ紙で「気まぐれな多色菓子」と評されたこれらのティーポットは、装飾において擬人化された性質だけでなく、文化的、社会的、そして女性的な意味合いも持ち合わせている。[ 34 ] [ 35 ]この頃、セルヴィンはリボンやレースを埋め込んだ手作りの紙の作品や、紙、テープ、段ボールを組み合わせて再現した粘土の壁の作品も制作していました。[ 20 ] [ 24 ] [ 9 ]

1980年代初頭、セルヴィンの作品は、独立したオブジェから離れ、西洋の静物画、広大な風景、アジアの工芸の伝統を連想させる配置へと、より形式的で絵画的な方向へと進化した。[ 1 ] [ 20 ] [ 2 ]彼女の「ティーボウル」シリーズ（1981-82年）は、形、面、線にこだわったシンプルな要素を控えめかつリズミカルに配置したものである。ずんぐりとした四角い陶器のティーボウルと細い色付きガラスの棒が、真珠のような光沢のある角度のついた漆塗りのトレイに置かれている。[ 1 ] [ 34 ] [ 29 ]表面が前面に出て、釉薬（意外にもボウルの内側に施されている）と漆の表面が互いに反響し（ボウルとトレイの形状も同様で、トレイは影のように機能することもあった）、マットな表面とエアブラシで吹き付けられたスプラッターの層が、釉薬の輝きとのコントラストを生み出し、釉薬は時折、ケーキのフロスティングのようにボウルの縁からにじみ出ていた。[ 20 ] [ 36 ]ロサンゼルス・タイムズの評論家スザンヌ・マッチニックは、セルヴィンの「詩的な感性と魅惑的な色使い」に注目し、それがこの作品を「むき出しの粘土の素朴な土っぽさと、木の上に塗られた漆の貴重な洗練さの間」で引き立てることを可能にしたと書いている。[ 1 ]

ナンシー・セルヴィン『静物：楽焼とスチール』、楽焼とスチール、46.5インチ×12.125インチ×15.25インチ、1997年。オークランド美術館所蔵。

静物画と構成画（1988年～）

1980年代後半、セルヴィンは建築や家庭空間を参照した最小限の文脈で、より大きな陶器のタブローを作り始めた。[ 22 ] [ 2 ] [ 3 ]この作品はより個人的で、時には物語を暗示するものであったが（ 『ラフ・ホワイト』の細部のように謎めいたテキストの導入により）、構成、色彩、表面、そしてプロセスに対する形式的な関心は依然として支配的であった。[ 2 ] [ 3 ] [ 37 ]構築物はしばしば、手作業で作られた、簡素化されたボトル、オイル缶、ボウル、本の形を並べた形をとり、三次元性よりもシルエットを強調した。それらの不規則で傾いた「姿勢」は、特に違いが認められるグループでは、擬人的な性質を呼び起こし、それらを親しみやすくも異質なものにした。[ 15 ] [ 38 ]セルヴィンはそれらを棚や二重サッシの木製窓、建築資材で作られた特注のテーブルの上に配置しました。彼女はこれらを同等のデザイン要素として扱いました。[ 3 ] [ 39 ] [ 40 ]

ナンシー・セルヴィン、「ラフ・ホワイト」、ミクストメディア、2003年（部分）。

セルヴィンは、形から離れた色彩を探求し、色と質感を融合させるために、全体に釉薬を塗るのではなく、下絵の具で形をゆるく塗った。[ 38 ] [ 18 ]結果として生まれた作品は、幅広い材質と表面のコントラスト（露出した生の粘土、マットな下絵の具の幽霊のような層、断片的な文字、飛び散った釉薬、スレート、金属、白亜質の乾式壁）と目に見えるプロセス（表現主義的な切り込みや筆遣い、継ぎ目、スクリーン印刷された画像、鉛筆のマーク、刻み込まれた線）を特徴としており、作品を個別化しながらも統一し、鑑賞者を引き込む。[ 38 ] [ 41 ] [ 31 ] [ 27 ]キュレーターのスザンヌ・バイザーマンは、このアプローチによってセルヴィンの作品、例えば「静物：楽焼と鋼」（1997年）は、ミニマルな形態と構成による思慮深い熟考と、素朴な表面とジェスチャー的な筆遣いを通して表現された自然な自発性の両方が表現されていると書いている。[ 31 ]セルヴィンは当初、光と影の効果を和らげる飽和色を用いて制作していたが、1990年代後半以降の彼女の作品はますます絵画的になり、より限定されたパレット、多くの場合、土っぽい黄色、白、クリーム色を採用した。[ 38 ] [ 5 ] [ 32 ]

評論家はセルヴィンの静物画を詩的で細心の注意を払って構成されていると評し、俳句やジョルジョ・モランディのボトル・ペインティングに例えている。[ 37 ] [ 39 ] [ 38 ]キュレーターのメアリー・デイビス・マクノートンはそれを「静かで控えめな作品であり、日常の物の中に視覚的な美しさを探すよう促してくれる」と評した。[ 21 ]他の人は完成と解体、進化と衰退の間での揺れ動きを指摘し、作られたものではなく考古学の遺跡から発掘された遺物のような、時代を超越した性質を示唆している。[ 7 ] [ 41 ] [ 25 ]セルヴィンが意識的に実用性を作品から剥ぎ取ったこと ― 栓の詰まったボトル、判読できないラベル、めくるページがない「本」、実用的ではないテーブル ― は、作品の重要な要素であり、実用性や形式的な関心を超えて、形態、機能、芸術、外観、幻想、現実についての比喩的で皮肉な探求へと作品を進めています。[ 3 ] [ 39 ] [ 40 ] [ 18 ]

ナンシー・セルヴィン作「ヘレンのトロフィー（フランケンサーラー）」、陶器、35インチ×25インチ×25インチ、2016年。クロッカー美術館蔵。

セルヴィンは、器の静物画に加えて、謎めいたイメージと断片的なテキストを組み合わせた、古代の楔形文字板を思い起こさせ、物語と抽象性を探る陶器の本のような作品を制作している。[ 42 ] [ 43 ] [ 44 ]また、批評家が光沢があり、傷や汚れや染みのある質感で、シンプルであると同時に記念碑的だと評する、紙にグアッシュで描いた大きな抽象的なドローイングも制作している。[ 15 ] [ 7 ] 2010年代後半、セルヴィンは、大きくて自立式の、手作りまたは板状のテラコッタの壺や壷を制作するようになり、時には女性抽象表現主義者を参照することもある。その例として、Trophy: Helen (Frankenthaler) (2016) がある。アーティスト兼ライターのジュリア・クーゼンズは、この作品を率直で、素朴な品質、シンプルな優雅さ、時間の本能的な記録としての使用による古色を想起させるものだと評した。[ 45 ]

インスタレーションとパブリックアート

セルヴィンは屋外のサイトスペシフィックなインスタレーションをいくつか制作している。「Looking Through Glass」（バークレー、1991年）は、10フィート×60フィートの委託作品で、8つの店舗の窓に金箔の縁取りが施されたジェスチャーペイントが施された公共作品で、それぞれに言葉が書かれていた。それら全体は「鑑賞者を通して芸術は外界に入る」と解釈されている。[ 46 ] [ 47 ]「Game Board IV」 （リッチモンド・アートセンター、1995年）では、セルヴィンは陶器の楽焼の玉と足、そして金箔を貼った丸太の部分を正方形のスレートタイルの床に配置し、システム、ゲーム、配置、形態、機能といった謎に迫った。[ 48 ] [ 49 ] 2003年、彼女はバークレー・シビック・アーツの委託を受け、屋外作品「In Berkeley」を制作した。この作品では、歩道の舗装材にバークレーの300年の歴史に関するメモや事実を刻み込んだ。[ 50 ]

コレクションと認識

セルヴィンの作品は、LACMA、[ 11 ]スミソニアン協会、[ 23 ]オークランド美術館、[ 13 ]アメリカ陶芸美術館（AMOCA）、アーカンソー芸術センター、 [ 51 ] クロッカー美術館、 [ 14 ]ダウム現代美術館、[ 52 ]エバーソン美術館、コーラー芸術センター、ミント博物館、ミルズ大学プリエトコレクション、 [ 53 ]ラシーン美術館、アイオワ大学スタンレー美術館など、多くの機関のパブリックアートコレクションに属しています。[ 16 ]彼女の作品は、American Studio Ceramics: Innovation and Identity, 1940 to 1979 (2015)、[ 54 ] Masters: Earthenware (2010)、[ 4 ] 20th Century Ceramics (2003)、[ 55 ] The Craft and Art of Clay (1992)、[ 56 ] The History of American Ceramics : 1607–Present (1988)、[ 36 ]など、いくつかの書籍に掲載されています。[ 57 ] [ 58 ]

セルヴィンは、カリフォルニア芸術評議会（2003年）と国立芸術基金（1988年、1980年）からフェローシップを授与され、アーバングラス一等賞（1998年）、ウエストウッドセラミック全国購入賞（1980年）、カリフォルニア職人賞（1978年）などの栄誉も受賞している。[ 59 ]また、スイスのジュネーブにある国際陶芸アカデミー（2015年）の会員でもある。[ 60 ]

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