宗教美術
聖母子像を描いたアヤソフィアの9世紀ビザンチンモザイク。聖像破壊後初期のモザイクの一つ。6世紀のオリジナルの金色の背景に配置されている。

宗教芸術は、宗教的イデオロギーと人間との関係を視覚的に表現したものです。聖なる芸術は、礼拝と宗教的実践を目的とするという点で、宗教芸術と直接関連しています。ある定義によれば、宗教に触発されていながら伝統的に神聖とはみなされない芸術作品は、宗教芸術という包括的な用語には含まれますが、聖なる芸術には含まれません。[ 1 ]

様々な宗教の芸術作品によく使われる用語には、礼拝所の主要画像を指す「カルト画像」 、より一般的な意味での「イコン」（東方正教会の画像に限定されない）、そして個人的な祈りや礼拝のための小さな画像を指す「信心画像」などがあります。画像は、1人または複数の人物のみを描いた「イコン画像」と、聖なる人物が登場するエピソードや物語の場面を描いた「物語画像」に分けられます。

偶像の使用は多くの宗教において論争の的となってきました。こうした反対​​は「アニコニズム（偶像崇拝）」と呼ばれ、偶像破壊とは、同じ宗教の信者による偶像の意図的な破壊を指します。

仏教美術

スリランカの仏像。

仏教美術は、紀元前6世紀から5世紀のゴータマ・シッダールタの歴史的生涯に続いてインド亜大陸で生まれ、その後アジアや世界中に広まり、他の文化との接触によって進化しました。

仏教美術は、仏法がそれぞれの国で広まり、適応し、進化するにつれ、信者たちとともに発展しました。そして、中央アジアを経て東アジアへと北進し、北方仏教美術を形成しました。

仏教美術は東の東南アジアまで伝わり、南方仏教美術を形成しました。

チベット仏教美術の例：金剛般若菩薩を描いたタンカ、1740年頃

インドでは仏教美術が栄え、ヒンドゥー美術の発展にも影響を与えましたが、10世紀頃、ヒンドゥー教と並んでイスラム教が活発に拡大したこともあり、仏教はインドでほぼ消滅しました。

チベット仏教美術

チベット仏教の芸術形態のほとんどは、金剛乗、すなわち仏教タントラの実践に関連しています。 チベット芸術にはタンカやマンダラが含まれ、仏陀や菩薩の描写が含まれることがよくあります。仏教芸術の創作は、通常、瞑想として、または瞑想の助けとなる物体の創作として行われます。その一例は、僧侶による砂曼荼羅の創作です。創作の前後には祈りが唱えられ、曼荼羅の形は、心を鍛えるために瞑想される仏陀の清らかな環境（宮殿）を表しています。作品に芸術家が署名することは、ほとんどありません。その他のチベット仏教芸術には、金剛杵やプルバなどの金属製の儀式用物品があります。

インドの仏教美術

西暦5世紀頃の仏教洞窟壁画の生命力を、他のどの場所よりも鮮やかに物語る場所が二つある。一つはインドのアジャンタ。1817年に発見されるまで長らく忘れ去られていた遺跡である。もう一つは、シルクロードにおける偉大なオアシスの中継地の一つであった敦煌である。…壁画は、仏陀の静かな信仰心を描いたものから、活気に満ちた賑やかな場面まで多岐にわたり、絵画よりもインドの彫刻でよく見られる、魅惑的な豊かな胸と細い腰を持つ女性像がしばしば描かれている。[ 2 ]

中国の仏教美術

キリスト教美術

キリスト教の聖芸術は、キリスト教の原理を具体的な形で説明し、補足し、描写する試みとして制作されますが、他の定義も可能です。それは、世界における様々な信仰とその姿をイメージ化することです。ほとんどのキリスト教団体は、ある程度まで芸術を利用している、あるいは利用してきましたが、一部の団体は宗教的イメージの特定の形態に強い反対を唱え、キリスト教内部にも大きな偶像破壊の時代がありました。

キリスト教美術の多くは、暗示的な表現、あるいは対象となる鑑賞者に馴染みのあるテーマを中心に構築されています。イエスの像やキリストの生涯を描いた物語の場面、特に十字架上のキリストの像が最も一般的な主題です。

旧約聖書の場面は、ほとんどのキリスト教宗派の美術作品に取り入れられています。幼子イエスを抱く聖母マリアや聖人の像は、プロテスタント美術ではローマ・カトリックや東方正教会に比べてはるかに稀です。

読み書きのできない人々のために、場面を決定的に識別するための精巧な図像体系が発達しました。例えば、聖アグネスは子羊、聖ペテロは鍵、聖パトリックはシャムロックを携えて描かれています。それぞれの聖人は、宗教芸術において属性や象徴を持ち、あるいはそれらと結び付けられています。

歴史

聖母子像。ローマ、4世紀初期のカタコンベの壁画。

初期キリスト教美術は、キリスト教発祥の頃のものが残っています。現存する最古のキリスト教絵画はメギドの遺跡で発見されたもので、西暦70年頃のものです。また、最古のキリスト教彫刻は石棺で発見されたもので、2世紀初頭のものです。コンスタンティヌス帝がキリスト教を採用するまで、キリスト教美術はスタイルや図像の多くをローマの一般大衆美術から受け継いでいましたが、この時点から、皇帝の支援を受けて建てられた壮大なキリスト教建築には、ローマのエリート層や公式の美術のキリスト教版が必要となり、その中でローマの教会のモザイクが最も顕著な現存例です。キリスト教美術はすぐにヨーロッパ中の教会の基盤となりました。ステンドグラスの窓には聖書の場面が描かれ、建物の内部に反映されることがよくあります。教会の壁画や祭壇画もまた、複雑で表現力豊かなキリスト教のイメージで満たされています。

ビザンチン帝国における初期キリスト教美術の発展期（ビザンチン美術を参照）には、ヘレニズム美術で確立されていた自然主義に代わり、より抽象的な美学が台頭した。この新しい様式はヒエラティック（聖職者主義）であり、物体や人物を正確に描写することよりも、宗教的な意味を伝えることを主な目的としていた。写実的な遠近法、比率、光、色彩は無視され、形態の幾何学的単純化、逆遠近法、そして人物や出来事を描写するための標準化された慣習が採用された。偶像の使用をめぐる論争、第二戒律の解釈、そしてビザンチンにおける聖像破壊の危機は、東方正教会における宗教的イメージの標準化へとつながった。

サンドロ・ボッティチェリ（1470年）が描いた天使と聖母マリアの絵画の例。ルネサンス期のフィレンツェでカトリック教会の依頼により制作された（ボストン、イザベラ・スチュワート・ガードナー美術館）。

ルネサンス期には記念碑的な世俗作品が増加しましたが、プロテスタント宗教改革までは、キリスト教美術は教会や聖職者、そして一般信徒のために大量に制作され続けました。この時期には、ミケランジェロ・ブオナローティがシスティーナ礼拝堂の絵画を描き、有名なピエタを彫刻し、ジャンロレンツォ・ベルニーニがサン・ピエトロ大聖堂の巨大な円柱を制作し、レオナルド・ダ・ヴィンチが「最後の晩餐」を描きました。宗教改革はキリスト教美術に大きな影響を与え、プロテスタント諸国における公共のキリスト教美術の制作は急速に事実上停止し、既存の美術作品のほとんどが破壊されました。

19世紀の西ヨーロッパでは、世俗的、非宗派的、普遍的な芸術観が生まれたため、世俗的な芸術家がキリスト教の主題を扱うこともあった（ブグロー、マネ）。歴史的規範にキリスト教徒の芸術家が含まれることは稀であった（ルオーやスタンリー・スペンサーなど）。しかし、エリック・ギル、マルク・シャガール、アンリ・マティス、ヤコブ・エプスタイン、エリザベス・フリンク、グラハム・サザーランドなど、多くの近代芸術家が教会のために有名な芸術作品を制作している。[ 3 ]フリッツ・フォン・ウーデはキリスト教の社会的解釈を通して、日常生活のありふれた場所にイエスを描くことで、宗教芸術への関心を復活させた。

印刷術の出現以来、敬虔な作品の複製の販売は、大衆キリスト教文化の主要な要素となってきました。19世紀には、ミハイ・ムンカーチのような風俗画家もこれに含まれていました。カラーリトグラフの発明は、聖カードの広範な流通をもたらしました。近代においては、トーマス・ブラックシアーやトーマス・キンケードといった現代の商業キリスト教画家に特化した会社が、美術界ではキッチュと広くみなされているにもかかわらず、大きな成功を収めています[ 4 ]。

儒教芸術

『斌国頌』は、孔子が編纂した詩集『頌書』に収録されている詩です。この画像は、13世紀の身元不明の画家が描いた巻物の一部で、田舎暮らしを描いた詩が語られています。

儒教美術は、中国の哲学者であり政治家でもある孔子にちなんで名付けられた儒教に影響を受けています。儒教美術は中国で生まれ、シルクロードを経由して西へ、南は中国南部、そして東南アジアへと広がり、東は中国北部を経由して日本や韓国へと広がりました。インドネシア国内では依然として強い影響力を保っていますが、西洋美術への儒教の影響は限定的です。中国のアートセンターでは儒教のテーマが好んで取り上げられていますが、道教や仏教を題材にしたり、影響を受けた作品の数と比べると、その数は少ないです。[ 5 ]

歴史

漢王朝以前、中国の芸術階層では音楽が最高の芸術形態とみなされ、書道、詩歌、絵画は下層階級の芸術形態および工芸として退けられました。しかしながら、孔子の時代にも詩歌は人気があり、音楽と共に賞賛され、高い地位にありました。孔子とその弟子たちによると、音楽は世界に調和をもたらし、それを反映することを目指しており、したがって、教育は詩歌と道徳的行動の基礎から始まり、音楽で終わるべきであるとされました。[ 6 ] [ 7 ]時が経つにつれ、中国の文字体系の発達は、社会的な地位の面で書道と視覚芸術の成長を促進しました。儒教の美学と価値観は、これらの視覚芸術形態の発展にさらに貢献し、山水画や書道作品は儒教の著作と教えを中心に据えるようになりました。[ 6 ]

ヒンドゥー教の芸術

インドの神々 (クリシュナ、ヴィシュヌ、ラクシュミ、シェシャ、シヴァ、パールヴァテ​​ィ、ナンディ、ラクシュミ、ガルーダ、ハヌマーン、ラーマ、シータ) と信者 (おそらくディワン ディナ ナート) の絵画、マンディ、1830 年頃

10億人の信者を擁するヒンドゥー教は、世界人口の約15%を占めています。ヒンドゥー教の文化は、芸術が生活の様々な側面に影響を与えています。ヒンドゥー教には64もの伝統芸術があり、古典音楽から宝飾品の応用や装飾に至るまで、多岐にわたります。宗教と文化はヒンドゥー教において不可分であり、神々やその輪廻転生、蓮の花、余分な手足といった象徴が繰り返し登場し、伝統芸術も多くの彫刻、絵画、音楽、舞踊に取り入れられています。

イスラム美術

イスラムの宗教芸術の見本：チュニジアのケルアンにある大モスクのミフラーブ（祈りの壁龕）の上部は、9世紀のラスター彩タイルと絡み合った植物のモチーフの絵画で装飾されています。

宗教美術における具象的な描写の禁忌と、アラビア文字の本来の装飾的な性質から、カリグラフィー装飾が用いられるようになりました。カリグラフィー装飾は通常、幾何学模様や植物形（アラベスク模様）の繰り返しで構成され、秩序と自然の理想を表現しています。これらは宗教建築、絨毯、手書き文書などに用いられました。[ 8 ]イスラム美術は、このバランスのとれた調和のとれた世界観を反映しています。イスラム美術は、物理的な形態よりも精神的な本質を重視しています。

イスラムの歴史を通して偶像崇拝への嫌悪感は存在してきましたが、これは明らかに現代のスンニ派の見解です。ペルシャの細密画や、イスラム教におけるムハンマドや天使の中世の描写は、現代のスンニ派の伝統に反する顕著な例です。また、シーア派のイスラム教徒は、敬意を表する限り、預言者を含む人物の描写に対してそれほど抵抗感を持っていません。

図の表現

イスラム教における生物の表現に対する抵抗は、究極的には、生物の創造は神のみに委ねられているという信念に由来する。そのため、像と像の創造者の役割は議論の的となっている。

人物描写に関する最も強い主張はハディース（預言者の伝承）に述べられており、画家たちは作品に「命を吹き込む」よう求められ、審判の日に罰を受けると脅されている。

16 世紀半ばのタブリーズ産ペルシャ絨毯、アルダビール絨毯には、イスラム教の楽園の象徴を反映した形の花の庭園が描かれています。

コーランはそれほど具体的ではないものの、偶像崇拝を非難し、アラビア語の「ムサウィール」（「形を作る者」または「芸術家」）を神の称号として用いている。こうした宗教的感情の結果として、絵画における人物像はしばしば様式化され、場合によっては具象芸術作品の破壊も起こった。偶像破壊はビザンチン時代に既に存在し、無偶像主義はユダヤ世界の特徴であったため、イスラム教における具象表現への異議はより広い文脈の中に位置づけられる。しかしながら、装飾としての人物像は大部分が大きな意味を持たず、それゆえにそれほど問題視されることはなかったのかもしれない。[ 9 ] イスラムの他の装飾形態と同様に、芸術家たちは基本的な人間や動物の姿を自由に改変し様式化し、多種多様な人物像に基づくデザインを生み出した。

アラベスク

アラベスクは、絡み合った植物や抽象的な曲線モチーフが複雑に絡み合った反復的な模様を特徴とする装飾芸術様式です。[ 10 ] イスラム世界で生まれたと考えられており、中東、ヨーロッパ、北アフリカに広まりました。イスラム美術において重要な役割を果たし、宗教的表現の一形態として用いられることが多かったです。「アラベスク」という用語は、イタリア語の「アラベスコ」に由来するフランス語で、「アラビア風の」という意味です。[ 11 ] アラベスク模様は、陶芸、建築、書道、織物など、様々な媒体に見られます。19世紀以降、アラベスク美術は西洋の美術やデザインに大きな影響を与え、多くのデザイナーや芸術家が作品に模様を取り入れてきました。

書道

カリグラフィーはイスラム美術において高く評価されている要素です。コーランはアラビア語で伝承され、アラビア文字には装飾的な形態を成す潜在能力が内在しています。装飾としてのカリグラフィーの使用は確かに美的魅力を有していましたが、しばしばその根底には魔除けの要素も含まれていました。ほとんどの芸術作品には判読可能な碑文が刻まれていましたが、すべてのイスラム教徒がそれを読めたわけではありません。しかし、カリグラフィーは装飾的な形態ではあるものの、基本的にはテキストを伝達する手段であることを常に念頭に置くべきです。[ 12 ] アラビア文字は、5世紀と6世紀の単純で原始的な初期の例から、7世紀のイスラム教の台頭後、急速に美しい芸術形式へと発展しました。カリグラフィー様式の主な2つの系統は、一般的にクーフィー体と呼ばれる乾式書体と、ナスキー体、トゥルース体、ナスタリク体などを含む柔らかな筆記体でした。[ 13 ]

幾何学

幾何学模様は、イスラム美術における3つの非図形的装飾のうちの1つを構成します。[ 14 ]単独で使用されるか、非図形的装飾や図形的表現と組み合わせて使用​​されるかにかかわらず、幾何学模様は主にその非図形的性質のために、イスラム美術と一般的に関連付けられています。[ 14 ]これらの抽象的なデザインは、記念碑的なイスラム建築の表面を飾るだけでなく、あらゆる種類の膨大な数のオブジェクトの主要な装飾要素として機能しています。[ 15 ]

幾何学的スタイルの種類

幾何学模様は、単独で使用されるか、人物描写や固定された装飾と組み合わせて使用​​されるかに関係なく、その象徴的な魅力のために、イスラム美術と頻繁に関連付けられています。[ 16 ]これらの抽象的な模様は、巨大なイスラム建築の表面を飾ることに加えて、あらゆる種類のさまざまなアイテムの主要な装飾要素として使用されています。[ 16 ]幾何学的な装飾はイスラム世界でピークに達した可能性がありますが、幾何学的な形状と精巧な模様の源は、イランのギリシャ人、ローマ人、ササン朝時代でした。[ 17 ]イスラムの芸術家は、古典時代の重要な要素を取り入れて、秩序と統一の活力を強調する新しい装飾形式を発明しました。イスラムの天文学者、数学者、科学者がこれらの形式に貢献し、それは彼らの芸術スタイルにとって重要でした。[ 17 ]

歴史とデザイン

幾何学的形状は、抽象性、繰り返されるモチーフ、対称性において、多くの植物デザインに見られるアラベスク模様に似ています。幾何学的デザインは、書道装飾と共存することがよくあります。[ 18 ]円と絡み合った円、正方形、または四辺形の多角形は、円に内接する正方形と三角形から生じる典型的な星型パターンです。[ 18 ]多辺形の多角形は、より複雑なパターンが構築される4つの基本的な形状、つまり「繰り返し単位」です。[ 18 ]ただし、さまざまなものに見られる複雑なデザインはさまざまなサイズと構成で提供されるため、カテゴリよりも含めるのに適しています。

イスラム美術では、円形の幾何学的形状は、一体性の根本的な象徴と、創造におけるすべての多様性の究極の道筋を示すために使用されています。[ 19 ]下の図が示すように、多くの古典的なイスラムの模様は、円を規則的なセクションに分割するところから儀式的な始まりを持っています。

4つの円を分割することで、 15世紀にイランのヤズドで作られた上記の模様が生まれました。 [ 20 ]そこから三角形の規則的な格子が作られ、その上にデザインが加えられます。複雑な模様が、上の画像で白い輪郭線として示されている基本デザインとどのように絡み合っているかをご覧ください。[ 20 ]

アルハンブラ宮殿の幾何学

14世紀のスペイン、アルハンブラ宮殿では、幾何学模様、生物形態学的なデザイン（アラベスク模様） 、そしてカリグラフィーが巧みに融合されています。 [ 20 ]イスラム美術は、これら3つの別個でありながら補完的な分野から構成されています。これらは3層の階層構造を成しており、幾何学模様が頂点に位置しています。[ 20 ]これは、上記の例のように、壁や床の下部に幾何学模様が頻繁に用いられていることからも明らかです。

使用されている装飾的特徴には、現在では別々の数学的グループに属すると認識されているさまざまな対称性が使用されていますが、パターンの繊細さと優雅さは、現代の数学的思考において比類のないものです。[ 21 ]イスラム教ではかつて幾何学的形状を使用するのが慣例でしたが、これらのデザインは建築作品です。[ 21 ] 8世紀以来、イスラム教徒の書家や幾何学模様のデザイナーは、モスク、城、写本を装飾してきました。[ 21 ]イスラムの幾何学的デザインは、神を称える方法として礼拝の場で最もよく使用されます。神の幾何学によって作られた壮大な構造物には、建物、庭園、床などがあります。[ 22 ]ブルーモスクの幾何学

これらの幾何学模様はイスラム文化とも関連しており、イスラム世界全体、そして千年にわたるイスラムの歴史を通して観察可能なパターンが存在します。[ 21 ]建築物の中には、上の写真にあるブルーモスクやグラナダのアルハンブラ宮殿のように、イスラム建築家が同じガイドラインに従っているものもあります。スペインのアルハンブラ宮殿やウズベキスタンのサマルカンドのモスクは、世界中で見られる幾何学模様の繰り返し芸術のほんの一例です。[ 23 ]

ジャイナ教の芸術

ジャイナ美術とは、ジャイナ教に関連する宗教芸術作品を指します。ジャイナ教はインドの一部の地域にしか広まっていませんでしたが、インドの美術と建築に大きな貢献をしてきました。[ 24 ]

マンダ教の芸術

天秤に立つアバトゥールを描いたマンダ教の写本。 『アバトゥールの巻物』より

マンダ教の美術は、ディワンと呼ばれる挿絵入りの写本巻物に見ることができます。マンダ教の巻物には通常、長々とした説明文が添えられており、キュビズムや先史時代の岩絵を彷彿とさせる抽象的な幾何学模様のウトラ（ウトラ）が描かれています。[ 25 ]

シーク教の芸術

シク教徒の芸術、文化、アイデンティティ、そして社会は、様々な地域や民族のシク教徒と融合し、「アグラハリ・シク教徒」、「ダクニ・シク教徒」、「アッサム・シク教徒」といったカテゴリーに分類されてきました。しかしながら、「政治的シク教徒」と形容できるニッチな文化現象も出現しています。アマルジート・カウル・ナンドラ[ 26 ]やアムリットとラビンドラ・カウル・シン（シン兄弟）[ 27 ]といったディアスポラ・シク教徒の芸術は、彼らのシク教の精神性と影響に部分的に影響を受けています。

シーク教のグルの画像

シク教は16世紀にグル・ナーナクによって創始されましたが、彼の死後200年以上経って初めて描かれました。10人のグルを描いた広く人気のある肖像画は、18世紀前半になってようやく登場しました。[ 28 ]グルの肖像画の最初のセットの一つは、シク教の第7代グルであるグル・ハル・ライの長男、ババ・ラム・ライの依頼により制作されました。[ 29 ]

シク教のグルの初期の肖像画のほとんどは、宮廷風のムガル様式で描かれていた。ムガル帝国の支配下で、当時のパンジャブの芸術家たちはムガル様式の絵画の訓練を受け、その結果、彼らの作品はムガル様式の芸術から強い影響を受けた。[ 29 ]シク教のグルの初期の肖像画とその要素、例えば衣装、ターバン、ポーズなどは、ムガル帝国の貴族や王子たちの姿に似ていた。グルの姿は、やはりムガル様式で書かれたデーヴァナーガリー文字、グルムキー文字、ペルシャ文字で特定されている。[ 29 ] 1750年頃の絵画では、6代目のシク教のグルが宮廷風のムガル様式の衣装と舞台装置で描かれている。[ 30 ]

グル・ナーナクの初期の像の一つは、簡素な衣服をまとい、手にロザリオを持つ敬虔で宗教的な人物として描かれており、彼の瞑想的な性質を象徴しています。初期の十人のグルは、グル・ナーナクの敬虔さと簡素さをモデルに像を描いています。6代目のグルでは、政治的抵抗と権力の要素が加えられ、当時のシク教徒の政治闘争が描かれ、変化が見られます。さらに、グル・ゴービンド・シンの像では、王族の衣装、貴重な宝石、優雅な靴、豪華なターバン、戦士のような剣など、壮麗さの要素が加えられています。  

グルはジャナムサキ（グルの聖人伝）にも広く描かれています。グル・ナーナクの生涯を描いた絵画や描写は数多くあり、特にB-40ジャナムサキには、幼い少年から十代の若者、青年、そして中年男性、そして最終的には老年の賢者へと成長する姿が描かれています。[ 31 ]これらの絵画には、シーク教の核となる価値観の多くに加え、彼の人生と宗教に影響を与えた政治的・文化的勢力も描かれています。

マハラジャ・ランジット・シン治世下のシク教美術と建築

マハラジャ・ランジット・シンの治世（1801-1839）は、シク教史において極めて重要な意味を持つ。彼は​​芸術と建築の偉大なパトロンであり、多くの壮麗な砦、宮殿、寺院、グルドワラ（寺院）、貴重な宝石、衣服、色鮮やかな絵画、貨幣の鋳造、そして豪華なテントや天蓋の建設を支援した。[ 32 ]中でも最も重要なのは、ハーフィズ・ムハンマド・ムルタニが建立した黄金の玉座と、グル・グラント・サーヒブのために宝石をちりばめた天蓋である。[ 32 ] [ 33 ]

ランジット・シンの最も顕著な貢献は、ハルマンディル・サーヒブの改修である。彼は改修のために熟練した建築家、芸術家、木彫り職人、その他の職人たちをアムリトサルに招いた。また、ハルマンディル・サーヒブの金メッキのために技術者も雇った。[ 32 ]ハルマンディル・サーヒブは現在、外装の大理石の壁とともにラピスラズリやオニキスなどの半貴石で装飾されている。壁にはアラベスク模様や万華鏡のようなデザインも施されている。内装は鏡や色とりどりのガラスで覆われ、上部は金メッキの銅板で覆われている。[ 32 ]ランジット・シンはハルマンディル・サーヒブ 以外にも、グル・グラント・サーヒブやグルやジャナムサキの生涯から壮大なイメージを描き、他の多くのグルドワラの装飾にも貢献した。[ 32 ]彼は寺院やモスクにも貢献し、中でも最も重要な作品の一つは、ヒンドゥー教のカーリー女神寺院の高価な銀の扉である。マハラジャ・ランジート・シンの治世下、ラホール、アムリトサル、ムルターン、シアルコート、シュリーナガル、パティアラといった都市が芸術の中心地として繁栄した。[ 32 ]

道教の芸術

道教芸術（ダオイストアートとも綴られる）は、道教の哲学と老子（ラオズとも綴られる）の物語に関連しており、「単純かつ誠実に、そして自然と調和して生きる」ことを推奨しています。[ 34 ]

宗教的象徴と図像

多くの宗教において、シンボルやアイコンは特定の信仰を表すために用いられます。これらの小さな芸術作品は宗教の要約であり、多くの人々が自らの信仰を暗示するために用いられてきました。例えば、キリスト教は十字架のアイコンで、イスラム教は星と三日月のイメージで象徴されています。「宗教的シンボル」も参照してください。

参照

参考文献

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  32. ^ a b c d e f Kaur Singh, Nikky-Guninder (2014).オックスフォード・ハンドブック・オブ・シク教研究. オックスフォード大学出版局. ISBN 9780191004117. 2023年3月20日閲覧。
  33. ^ Kaur Singh, Nikky-Guninder (2014). 『オックスフォード・ハンドブック・オブ・シク教研究』 . オックスフォード大学出版局. ISBN 9780191004117。
  34. ^アウグスティン・ビルギッタ「道教と道教芸術」『ハイルブルン美術史年表』所収。ニューヨーク：メトロポリタン美術館、2000年-。https ://www.metmuseum.org/toah/hd/daoi/hd_daoi.htm (2011年12月)

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