日本の陶器と磁器

本阿弥 光悦作『富士山』 白楽焼茶碗江戸時代（国宝）

野々村仁清作 藤花文茶壺江戸時代（国宝）

陶器と磁器（陶磁器、または焼きもの、陶芸）は、新石器時代にまで遡る日本最古の工芸および芸術形式の一つです。[1] 種類には、土器、陶器、石器、磁器、青白磁などがあります。日本は陶磁器生産において非常に長く成功した歴史を持っています。土器は縄文時代（紀元前10 , 500 ^{〜 300年}）にはすでに作られており、日本は世界最古の陶芸の伝統の一つとなっています。日本は、茶道の永続的な人気により、陶磁器がその芸術的伝統の中で持つ異常な評価によってさらに際立っています。安土桃山時代（1573〜1603年）には、日本中の窯で型破りなデザインの陶磁器が生産されました^{[ 2 ]}。江戸時代初期、九州の肥前有田地方で朝鮮から伝わった技法を用いて磁器の生産が始まりました。これらの磁器は、ヨーロッパを含む様々な市場に輸出された伊万里港にちなんで、 伊万里焼として知られるようになりました。 

日本の陶芸史には数多くの著名な陶芸家の名前が記録されており、その中には本阿弥光悦、仁清、尾形乾山、青木木米といった芸術家もいた。^{[ 3 ]}日本の穴窯も長年にわたって栄え、その影響は陶工たちの影響と重きを置いている。この芸術におけるもうひとつの重要な日本の要素は、磁器が人気になった後も、釉薬をかけない高温焼成の石器が人気を保ち続けたことである。^{[ 3 ]}西暦4世紀以来、日本の陶芸は中国や朝鮮風の陶器など、近隣の東アジア文明の芸術的感受性にしばしば影響を受けてきた。日本の陶芸家や陶工は、中国や朝鮮の原型を独自の日本的創作物へと変容・翻訳することで東アジアの芸術家からインスピレーションを得て、結果として日本独自の形となった。 17世紀半ばに日本が工業化を開始して以来、^{[ 4 ]}工場で生産される高品質の規格品はヨーロッパへの輸出品として人気を博しました。20世紀には、国産の陶磁器産業が根付き、台頭し始めました。日本の大手陶磁器メーカーには、ノリタケやTOTO株式会社などがあります。

日本の陶器は、二極化した美的伝統によって特徴づけられる。一方では、非常にシンプルで粗削りな陶器の伝統があり、ほとんどが土器で、落ち着いた土色のパレットを使用している。これは禅宗と関連があり、特に初期の偉大な陶工の多くは僧侶だった。また、多くの作品は日本の茶道にも関連があり、わび・さびの美的原則を体現している。最終的な装飾が部分的にランダムである楽焼のほとんどは、この伝統に属する。^{[ 5 ]}もう一方の伝統は、高度に仕上げられた明るい色の工場で作られた製品で、ほとんどが磁器で、複雑でバランスのとれた装飾が施されており、中国の磁器のスタイルを独特の方法で発展させている。^{[ 6 ]} 3番目の伝統は、シンプルだが完璧な形で施釉された石器で、これも中国と韓国の伝統の両方により密接に関連している。 16世紀には、当時生産されていた伝統的な実用的で素朴な陶器の多くのスタイルがそのシンプルさから賞賛されるようになり、その形状はコレクター市場向けに今日まで生産され続けています。^{[ 7 ]}

セラミックの種類

陶磁器の種類は5つのグループに分けられます。

• 素焼きの土器（素焼きの土器）：釉薬を一切使わずに高温で焼成したもので、自然で素朴な外観が特徴です。
• 釉薬陶器(施和的器生陶器または低火度前帝門湯): 鉛を媒体として 800 ～ 900 ℃ の比較的低温で焼成されるこの技術は、7 世紀に朝鮮半島から伝わりました。三彩（さんさい）も鉛釉を使用した技法の一種です。
• 焼き締め陶窓（やきしめとうき）：釉薬をかけずに高温で焼き上げた陶器。中世には花瓶や壺などの生活用品として用いられ、安土桃山時代にはその素朴な味わいから茶室の器として改良された。
• 施和陶器（せっわてつやく、または高火度和高華度）: 1250℃以上の高温で焼成されます。多くの場合、素地は純白ではなく、灰色や茶色をしています。磁器よりも柔らかい質感で、多少の吸水性があります。
• 磁器（じき）：シリカ含有量が高く不純物の少ない白色の陶磁器。高温で焼成して作られる硬質陶器。江戸時代初期に朝鮮半島から伝来し、九州肥前国有田で生産が始まった。 ^{[ 8 ]}

• 
  素焼きの土器
• 
  釉薬をかけた陶器
• 
  釉薬をかけていない石器
• 
  釉薬をかけた石器
• 
  磁器

船舶の種類

代表的な器の種類には以下のものがあります。

• 茶碗 ( ちゃわんちゃわん)
• 壷鍔（つば）
• 鉢八​​
• 茶入​​

器の開口部、縁、首、壁、内面、高台、表面の模様など、器のさまざまな部分には、すべて日本語で標準化された名前があります。

歴史

縄文時代

縄文土器火焔土器、火焔土器、紀元前3000 ～ 2000年頃 、出所は新潟県長岡市馬高とされる

新石器時代（紀元前 11千年紀 頃）には、最も古い軟質土器が作られました。

縄文時代前期、紀元前6千年紀には、縄文 土器の典型が出現しました。縄文土器は最盛期には華やかな様式を発達させ、後期には簡素化されました。粘土製の縄を巻き、直火で焼成することで作られました。

弥生時代

 紀元前4世紀から3世紀頃の弥生時代には、単純な文様、あるいは文様のないものを特徴とする別の様式の土器である弥生土器が登場しました。縄文土器、弥生土器、そして後の土師土器は、焼成工程は共通していましたが、デザイン様式は異なっていました。

古墳時代

埴輪武者古墳時代6世紀国宝

3世紀から4世紀にかけて 、穴窯（丘の中腹に屋根付きのトンネル窯）とろくろが登場し、朝鮮半島から九州にもたらされました。^{[ 9 ]}

穴窯は、1,200～1,300℃（2,190～2,370℉）以上の高温で焼成される石器、須恵器を生産することができました。焼成の酸素減少段階で植物材料を窯に入れる際に生じた事故で装飾されることもありました。その製造は5世紀に始まり、14世紀まで地方で続けられました。いくつかの地域的な違いが確認されているものの、須恵器は日本全国で驚くほど均一でした。しかし、須恵器の用途は時代とともに変化しました。古墳時代（西暦 300～710年）には主に葬祭用の器でしたが、奈良時代（710～794年）と平安時代（794～1185年）には上流階級の食卓用食器となり、最終的には実用品や仏壇の儀式用の器として使用されるようになりました。

現代の土師器や埴輪の副葬品は、弥生時代と同様の土器であった。

平安時代

白山古墳出土の渥美焼秋草文壺。平安時代、12世紀後半（国宝）

8世紀に中国の唐から三色の鉛釉の技法が日本に伝わったが、平安時代（800～1200年頃）の官窯では寺院向けに単純な緑色の鉛釉のみが生産されていた。

渥美焼や常滑焼と同じく、神居焼もこの時代に登場しました。

鎌倉時代

17世紀まで、主に農耕社会において、釉薬をかけない石器は重労働の日常品として人気を博していました。葬儀用の壺、貯蔵用の壺、そして様々な台所用鍋などが、生産の大半を占めていました。いくつかの窯は技術の向上に努め、「六古窯」と呼ばれ、信楽（信楽焼）、丹波、備前、常滑、越前、瀬戸の6窯が挙げられます。^{[ 10 ] [ 11 ]}

中でも尾張国（現在の愛知県）の瀬戸窯は釉薬を用いた焼き物を作る窯であった。伝承によると、加藤四郎左衛門景正（藤四郎とも）は中国で陶磁器の技法を学び、1223年に高温で焼成する釉薬をかけた陶器を瀬戸にもたらしたとされる。瀬戸窯は主に中国産の陶磁器を模倣し、灰褐色、鉄黒、長石白、銅緑など多様な釉薬を開発し、広く普及したため、「漢字・かな」は日本の焼き物の総称となった。また、瀬戸窯では素焼きの石器も生産されていた。 16世紀後半、多くの瀬戸の陶工が戦国時代を逃れ岐阜県美濃国へ移住し、黄瀬戸、志野、黒瀬戸、織部などの釉薬をかけた陶器を生産しました。

室町時代

花文水差し。左：青白焼、景徳鎮窯、南宋時代、13世紀、中国。右：瀬戸焼、南北朝時代、14世紀

1406年の史書によると、明の永楽帝（1360-1424）は室町時代の将軍足利義満（1358-1408）に宋の建焼茶碗10点を下賜した。中国の寺院を訪れた多くの日本人僧侶も、これらを持ち帰った。^{[ 12 ]}茶の湯で重宝されるようになると、中国からさらに多くの建焼が輸入され、珍重されるようになった。南宋時代のこれらの器5点は非常に高く評価され、政府によって日本の国宝（工芸品：その他）のリストに載った。その後、建焼は天目としてさらに発展して生産され、この時代の茶の湯で珍重された。

安土桃山時代

11世紀半ばから16世紀にかけて、日本は中国から青磁、白磁、染付陶器を大量に輸入しました。また、中国陶磁器に加え、朝鮮やベトナムの陶磁器も輸入しました。こうした中国陶磁器（天目）は、上流階級の人々が茶道で用いる洗練された品物とみなされていました。日本人は中国の窯に特注の陶磁器を発注することもよくありました。

高価な輸入品もルソン島から来ており、ルスン焼きまたは「ルソン焼」と呼ばれていました。また、ベトナム北部の安南からのアンナン焼きもそうでした。^{[ 13 ]}

戦国時代

井戸茶碗「喜左衛門」は、朝鮮から伝来した簡素な日用品で、日本では茶器として重宝された（国宝）。

16世紀後半に仏教が興隆すると、著名な茶人たちは作風を変え、洗練された中国磁器よりも、質素な朝鮮の茶碗や国産の陶磁器を好んだ。著名な茶人である千利休（1522-1591）は、日本固有の簡素で素朴な、しばしば不完全な陶器に目を向け、その「荒々しい自発性」を称賛した。これは日本の陶芸の発展にとって非常に重要な「決定的な転換」であった。^{[ 14 ]}樂家（陶器の名前ではなく、陶器の名前が樂家の名前である）は、褐色釉の陶器製茶碗を供給した。美濃、備前、信楽（信楽焼）、伊賀（信楽に類似）などの国内窯も茶道具を供給した。陶芸家であり芸術家でもある本阿弥光悦は、現在では傑作とされる茶碗を数多く制作した。

1592年の豊臣秀吉による朝鮮出兵の際、日本軍は朝鮮の陶工を奴隷として日本に連行しました。伝承によると、拉致された陶工の一人、李参平は有田近郊で磁器土の産地を発見し、日本で最初の磁器を生産しました。これらの陶工たちは、丘の斜面を駆け上がり、1,400℃（2,550℉）に達する高温の窯焼きを可能にする登り窯という改良された窯技術も持ち込みました。 ^{[ 15 ]}その後まもなく、薩摩、萩、唐津、高取、上野、有田の窯が築かれました。

江戸時代

古九谷五彩色絵花鳥文酒瓶、江戸時代、17世紀

鍋島焼 青絵鷺文三脚大皿 1690～1710年代頃（重要文化財）

1640年代、中国での反乱や明朝と満州族との戦争により多くの窯が被害を受け、1656年から1684年には清朝の新政府が港を閉鎖して貿易を停止した。中国から逃れてきた陶工たちは、洗練された磁器の技術とエナメル釉を有田窯に持ち込むことができた。1658年からは、オランダ東インド会社はヨーロッパで販売する青白磁を求めて日本に目を向けた（伊万里焼を参照）。当時、柿右衛門窯などの有田窯は、まだオランダ東インド会社に十分な品質の磁器を供給できなかったが、急速に生産能力を拡大した。1659年から1740年にかけて、有田窯はヨーロッパとアジアに膨大な量の磁器を輸出することができた。中国の窯は徐々に復興し、ヨーロッパ人が大変魅力的だと感じた鮮やかな色彩のエナメル製品を独自に開発しました。ファミーユ・ローズ、ファミーユ・ヴェールなどです。1720年頃からは、中国とヨーロッパの窯も低価格帯の市場で伊万里焼のエナメルスタイルを模倣し始め、1740年頃までに日本の磁器輸出の初期の時代はほぼ終焉を迎えました。^{[ 16 ]}有田窯は、いわゆる古九谷焼などの家庭用食器も生産していました。^{[ 17 ]}

磁器は中国にも輸出され、その多くは中国商人によって、日本国内での貿易が認められていなかった他のヨーロッパの「東インド会社」に転売されました。こうした品物の選択は主に中国人の嗜好に左右され、彼らは「伊万里」よりも柿右衛門を好んだため、初期のヨーロッパのコレクションにおいて、オランダのものとイギリス、フランス、ドイツなどの他の国々のものとの間に顕著な差異が見られることが示唆されています。^{[ 18 ]}伊万里は積出港であったため、輸出用と国内用の磁器の一部は「古伊万里」と呼ばれていました。ヨーロッパの慣習では、一般的に青白磁を「有田」、青、赤、金彩を「伊万里」と呼ぶのが一般的ですが、実際にはどちらも有田の同じ窯で作られることが多かったのです。 1759年、ベンガラと呼ばれる濃い赤色のエナメル顔料が工業的に利用可能になり、オレンジ色の1720年古伊万里様式の赤みがかった復活につながりました。

1675年、有田を治めていた地元の鍋島家は、日本の上流階級向けに最高品質のホーロー磁器を作るため、個人窯を築きました。この磁器は鍋島焼と呼ばれています。有田焼のほとんどが中国風の装飾を取り入れているのに対し、鍋島焼では主に伝統的な日本様式の装飾が用いられ、織物からヒントを得ることが多かったです。^{[ 19 ]}平戸焼は、もともと上流階級への政治的な贈り物として作られた別の種類の磁器で、非常に上質な白い素地に青磁で非常に精巧な絵付けが施され、絵付け師が雇われていました。これら2つの種類は、1740年代に輸出貿易が停滞した後に生産された最高級の磁器です。鍋島焼とは異なり、平戸は19世紀にも重要な輸出国となりました。

17世紀、当時の日本の首都であった京都では、中国南部の陶器に似た透明な鉛釉の陶器しか生産されていませんでした。その中でも、野々村仁清は不透明な上絵付けを発明し、寺院の保護を受けて多くの和風のデザインを洗練させました。弟子の尾形乾山は独特の工芸様式を発明し、京焼（京都の陶芸）を新たな高みへと導きました。彼らの作品は、後の京焼のモデルとなりました。奥田頴川によって京焼に磁器の素地が導入されましたが、上絵付けの陶器も依然として盛んでした。青木木米、仁阿弥道八（ともに奥田頴川の弟子）、そして永楽芳全は、京焼のレパートリーを拡大しました。

18世紀後半から19世紀初頭にかけて、日本各地で白磁の陶土が発見され、国内で取引されるようになり、陶工たちの移動がより自由になりました。地方の領主や商人たちは経済的な利益を目的に、亀山窯や砥部窯といった新しい窯を数多く築き、瀬戸窯などの古い窯も磁器窯として再興しました。これらの多くの窯は「新窯」と呼ばれ、有田焼を彷彿とさせる磁器を庶民に普及させました。

明治時代

初代宮川香山作 磁器の花瓶1905–1915

明治時代の国際的な開放の中で、日本の美術工芸品は新たな観客と影響力を獲得した。大名階級などの伝統的なパトロンは離反し、多くの職人は収入源を失った。政府は美術品輸出市場に積極的に関心を持ち、1873年のウィーン万国博覧会を皮切りに、次々と万国博覧会で日本の美術品を宣伝した。^{[ 20 ] [ 21 ]}皇室も美術工芸品に積極的な関心を示し、皇室技芸員を任命し、外国の要人への贈り物として作品（「献上品」）を製作した。^{[ 22 ]}国際的に宣伝された作品のほとんどは、陶芸を含む装飾美術であった。

薩摩焼は、もともと薩摩地方で作られ、釉薬や金箔で精巧に装飾された陶器に付けられた名称です。これらの陶器は西洋で高く評価されていました。西洋では日本独特の様式と見られていましたが、実際には輸入顔料や西洋の影響を大きく受けており、輸出を念頭に置いて作られていました。^{[ 23 ]}多くの都市の工房は、欧米からの需要を満たすためにこの様式の陶器を競って生産し、多くの場合、迅速かつ安価に生産しました。そのため、「薩摩焼」という言葉は、産地ではなく、純粋に輸出用に作られた低品質の陶器を指すようになりました。^{[ 24 ]}にもかかわらず、藪鳴山や真葛香山のような、最高の芸術水準を維持しながら輸出にも成功した作家がいました。彼らは国際展で数々の賞を受賞しました。^{[ 25 ]}鳴山は銅版を用いて精緻な模様を描き、それを何度も陶器に転写しました。時には一つの作品に千ものモチーフを描くこともありました。^{[ 26 ]}

明治時代初期には日本の磁器産業はすでに確立していたが、大量生産された磁器は優雅さで知られていなかった。^{[ 27 ]}この時代、技術革新と芸術的革新により、磁器は国際的に最も成功した日本の装飾芸術の一つとなった。^{[ 27 ]}この大きな要因は、薩摩焼で知られる真葛香山によるもので、彼は1880年代以降、伝統的な芸術的価値を守りながら、磁器の装飾に新しい技術的洗練度を導入した。^{[ 28 ]} 1890年代には、彼は各作品に複数の釉下彩色を組み合わせる装飾様式を開発した。^{[ 29} ] 彼は実験を続けたため、この10年間で釉下彩の技術的洗練度は高まった。^{[ 30 ] 1900年から1910年の10年間で、}西洋の影響を反映して、彼の作品の形と装飾に大きな変化が見られた。^{[ 28 ]}彼の作品は西洋における日本のデザインに対する認識に大きな影響を与えた。^{[ 31 ]}

大正時代

日本の陶芸は、英国の陶芸家バーナード・リーチ（1887-1979）に大きな影響を与え、「英国陶芸の父」と称されています。^{[ 32 ]}彼は大正時代の1909年から1920年まで日本に住み、日本の陶芸を西洋に紹介する第一人者となり、海外の多くの芸術家に影響を与えました。^{[ 33 ]}

昭和時代

十二代目今泉今右衛門（人間国宝）作、青磁の花瓶。首と台縁には赤と黄色の花と緑の葉が幾何学模様で飾られ、 1975年に昭和天皇と香淳皇后両陛下が初訪米された際に、ジェラルド・R・フォード大統領に贈られました。

無形文化財である小鹿田焼の粘土を準備するために使われた水すくい器または臼（からうす）。

昭和初期、1920年代後半から1930年代にかけて、民芸運動である民芸陶芸が発展しました。その創始者は柳宗悦（1889-1961）です。柳は、庶民が作った実用的な陶器、特に江戸・明治時代の質素で気取らない鍋や道具の静かな美しさに深く心を動かされました。これらの器は、都市化と機械化が進む日本社会で急速に姿を消しつつありました。彼は、急速に都市化する日本で消えつつあった江戸・明治時代の庶民が使っていた質素な鍋を救い出しました。陶芸家の浜田庄司（1894-1978）は、民芸運動の中心人物であり、益子町を益子焼の有名な産地として確立した人物です。この運動に影響を与えたもう一人の陶芸家には、河井寛次郎（1890–1966）と島岡達三（1919–2007）がいる。島岡は、現代の創造性と古代の美学を融合させた革新的な縄文象嵌技法で有名になり、 1996年に人間国宝の地位を取得した。彼らは、消滅の危機に瀕している日本の陶芸を保存するため、伝統的な釉薬技法を学び、民俗伝統と個人の精神的感受性を融合させ、美しさは最終的な形だけでなく、作る行為の中にも見出されるべきだと信じていた。両氏は、単なる職人としてではなく、日本の文化遺産を保存することに尽力する芸術家であり哲学者として、柳のビジョンを受け入れた。彼らの主要な目標は、日本の近代化に伴って消滅の危機に瀕していた伝統的な釉薬と焼成の技法を研究、保存、復活させることだった。彼らの努力は単なるノスタルジックなものではなく、手作りの日用品がその場所、目的、そして人間の触れ合いと深いつながりを持っているという信念に根ざしたものでした。

しかし、民藝運動にとって最も危機的かつ困難な時期の一つは、太平洋戦争（1941～1945年）でした。国の資源が戦争遂行に振り向けられたことで、職人の生産は著しく縮小されました。粘土、燃料、釉薬などの材料が不足し、芸術的な活動は実利的な要求に取って代わられました。陶芸工房は閉鎖されたり、用途変更されたりし、手作りの陶器の市場はほぼ崩壊しました。しかし、こうした困難にもかかわらず、民藝の理想は生き残りました。戦後、運動は、中心人物たちの揺るぎない献身と、彼らが得るようになった国際的な認知のおかげで、再び活気を取り戻しました。

平成から現在まで

多くの機関が文化財保護課の管轄下に入った^{[ 34 ]}。

神戸を見下ろす丹波の窯では、徳川時代に使われていた日用品を作り続けながら、現代的な形も加えていました。村の焼き物のほとんどは、実用目的で地元の陶工によって匿名で作られていました。地元のスタイルは、土着のものか輸入されたものかに関わらず、現在まで変わることなく受け継がれている傾向がありました。九州では、16世紀に韓国の陶工によって築かれた窯、例えば福岡の小石原窯やその分派である小鹿田焼などが、16世紀の韓国農民の焼き物を存続させました。沖縄では、村の焼き物の製造は何人かの代表的な陶工の下で続けられ、金城次郎は人間国宝（正式には重要無形文化財保持者）の称号を授かりました。

現代の陶工は、滋賀、伊賀、唐津、萩、備前で活動しています。備前の山本正雄（陶秀）^{[ 35 ]と萩の三輪休雪[ 36 ]}は人間国宝に指定されました。1989年までに、著名な窯の代表として、あるいは釉薬や装飾において卓越した技術を持つ陶工として、わずか6名しか人間国宝に指定されていませんでした。また、著名な古窯の陶器を保存するために、2つのグループが指定を受けました。

古都京都では、楽家が秀吉を喜ばせた粗野な茶碗を作り続けた。美濃では、陶工たちが織部の銅緑釉や志野の貴重な乳白色の釉など、桃山時代の瀬戸型茶陶の古典的な製法を再現し続けた。陶芸家たちは京都や東京の芸術大学で、人間国宝の藤本義道などの陶芸教師の下で伝統的な磁器とその装飾を再現する実験を行った。九州の有田周辺の古代の磁器窯は、鍋島藩の世襲磁器職人である十四代目酒井田柿右衛門と十三代目今泉今右衛門の系譜によってなお維持されており、両者とも無形文化財（柿右衛門と伊万里焼を参照）に指定されたグループの長であった。

イギリス人芸術家ルーシー・リー（1902-1995）は、日本の陶芸とバーナード・リーチの影響を受け、数々の展覧会で日本でも高く評価されました。イギリス人芸術家エドマンド・ドゥ・ワール（1964年生まれ）はリーチを師事し、数年間日本に滞在して民藝様式を学びました。^{[ 33 ]} カナダ人芸術家トーマス・ベザンソンも民藝様式の影響を受けています。 ^{[ 37 ]}

対照的に、1980年代末までに、多くの工房の陶芸家はもはや主要な窯や古窯では働かず、日本各地で古典的な陶芸品を作っていた。東京で注目すべき例は、滋賀県から粘土を持ち込み、東京近郊で陶芸をした辻晴明である。多くの芸術家が中国様式の装飾や釉薬、特に青緑色の青磁や水色の青白磁の復興に取り組んだ。日本で最も愛されている中国の釉薬の1つは、禅僧が中国南宋（12世紀から13世紀）から持ち帰った農民茶碗に塗られたチョコレートブラウンの天目釉である。日本のユーザーにとって、これらのチョコレートブラウンの陶器は禅の美的感覚である侘び（素朴な簡素さ）を体現するものであった。米国では、天目釉の使用例として、日本生まれの芸術家、宮村英明によるろくろ作品がある。

原材料

原材料は主に地元で入手できるものに基づいて選ばれます。日本には多くの基本的な鉱物が豊富に存在します。特に九州では、天然のカオリンの鉱床が存在することから、多くの粘土が産出されます。窯は伝統的に粘土の鉱床のある場所に築かれ、多くの陶芸家は今でも地元の粘土を使用し、その粘土に特に適した釉薬や装飾技法を発展させています。日本列島で見つかる原材料は、土器に適したものから、より難分解性のカオリンまで多岐にわたります。縄文時代から弥生時代にかけて、日本の陶工は可塑性の高い鉄を含む頁岩や沖積粘土に依存していました。縄文時代初期の作品には有機質材料が多く見られますが、それ以降は砂や砕石が主流となっています。

8 世紀と 9 世紀には中国の影響を受けて、奈良三彩や平安の灰釉陶器の製作者が白く耐火性のある粘土を探し求め、水篩によってその純度を高めたことで、 さらなる改良が行われました。

伝統的な成形方法

ろくろを操る陶工（1914年）

最古の作品は粘土を押し固めて形を作る方法で作られました。この方法は、轆轤の発明後も、蓮月焼などの製作に用いられました。縄文時代には、捲土器の技法が発達しました。その後、埴輪などのように、板状の粘土を練り、切り出す技法が発達しました。

コイルと投げ

小石原、恩田、丹波では、大型の椀や壺は、まず轆轤で大まかな捲土をし、次にろくろで形を整える「捲土とろくろ​​技法」と呼ばれる技法で作られます。準備工程は捲土と同じで、その後、粗い形に粘土を塗り、ろくろを回転させながら陶工の手によって形を整えます。この技法は、秀吉の朝鮮出兵後に日本にもたらされた朝鮮の技法に遡る360年前に遡ります。

ツール

一般的に成長の早い竹や木で作られるこれらの陶器成形用の道具は、自然な風合いが大変魅力的です。その多くは西洋でよく知られている道具の日本版ですが、中には日本独自の発明品もあります。

• 牛舌（ぎゅうべら）は、椀の底を圧縮し、側面を成形するために用いられる、ソリ状の長い竹の骨です。九州有田の伝統的な道具です。
• 丸骨手は、丸くて浅い貝殻のような形の竹の骨で、湾曲した椀の側面を形作るために使用されます。また、ろくろで作った椀の底を圧縮するのにも使用されます。
• 団子は木の骨に似ており、鍋の表面を形作り滑らかにするために使用される葉の形をした竹の骨です。
• タケベラは、竹をトリミングおよびモデリングするための「ナイフ」で、彫刻、濡れた鍋の洗浄、切断、およびスグラッフィート効果の作成に使用できるさまざまな形状があります。
• トンボ（蜻蛉）は、西洋のノギスに機能的に相当し、さらに機能が追加された竹製の道具です。竹ベラに吊るしたり、鍋の縁に載せたりして、ろくろで成形した型の直径と深さを測る繊細な道具です。
• 弓は、針金と竹で作られたトリミング用の箆で、溝付け用の道具としても使えます。不均一な縁や破れた縁をカットしたり、革のように硬い形状のファセット加工に使用されます。
• 鶴の首は、瓶や特定の花瓶など、首の細い部品の内部を成形するために使われる、S 字に曲がった日本の木製の丸棒です。
• カンナは鉄で作られた切断、彫刻、切込みの道具で、作品を整えたり、彫刻やスグラッフィートを施したり、余分な釉薬を削り取るのに使われます。
• 槌かきは、鉄でできた大きな輪状のリボン状の道具で、彫刻だけでなくトリミングにも使用できます。
• うまかきは、浅い皿やお皿の底など、平らで広い面を水平にするために使用する削り棒です。
• 櫛は厳密にはろくろの道具ではなく、壺の表面に少なくとも2本の装飾的な平行線を刻むために用いられます。最大の櫛には約20本の歯があります。
• 竹盆（たけぼん）もろいの道具ではなく、日本の釉薬を流し込む道具です。竹盆は、注ぎ口が付いた大容量の竹瓶で、そこから釉薬と粘土を一定の流れで注ぎ出すことができ、陶芸家はこれを使って「描く」ことができます。

商品

歴史を通じて、数百種類もの異なる陶磁器や様式が存在してきました。最も歴史があり、よく知られているものは政府から認定を受けています。詳しくは、日本の陶磁器遺産一覧をご覧ください。

名前	漢字	伝統的なサイト	注記	サンプル画像
上野焼	上野焼	福岡県田川郡福地町
会津本郷焼	会津本郷焼
赤膚焼	赤焼け
赤津焼	赤津焼
天草焼	天草陶磁器	熊本県天草市
有田焼	有田焼	佐賀県有田町	17世紀半ば以降、日本の輸出用磁器の主な産地となった。江戸時代初頭には朝鮮の陶工によって生産が開始された。多くの窯元が、伊万里焼や鍋島焼、そして初期の柿右衛門様式の装飾品のほとんどを含む、様々な様式の磁器を生産した。
旭焼	朝日焼
萬古焼	古萬焼	三重県	ほとんどはティーカップ、ティーポット、花瓶、酒器などです。19世紀に始まったと考えられています。
備前焼	備前焼	備前国	伊部焼とも呼ばれる。赤褐色の長時間焼成の石器で、6世紀に起源を持つと考えられている。中世において茶の湯に初めて用いられた実用陶器の一つであり、美術陶器の地位にまで昇格した。[ 38 ]
越前焼	越前焼
萩焼	萩焼	山口県萩市	比較的低温で燃焼するため脆く、中身の熱が早く伝わります。
波佐見焼	波佐見焼
伊賀焼	伊賀焼
石見焼	石見焼
出石焼	出石焼
唐津焼	唐津焼	佐賀県唐津市	西日本で最も多く生産されている陶器。16世紀に始まったと考えられています。
笠間焼	笠間焼
切込焼	切り込み焼	宮崎県、宮城県
清水焼	清水焼	京都清水	京焼のサブカテゴリー
小石原焼	小石原焼	福岡県	多くは茶碗、急須、花瓶、酒器などであり、民芸運動の結果として、実用品として日常の家庭で使われるようになった。16世紀に朝鮮の陶工によって創作された。
小曽部焼	古曽部焼
九谷焼	九谷焼	石川県
京焼	京焼	京都
益子焼	益子焼
三川内焼	三川内焼
美濃焼	美濃焼	美濃国	志野焼、織部焼、瀬戸黒焼、黄瀬戸焼を含みます。
無名異焼	無名異焼
大堀相馬焼	大堀相馬焼	福島県	この地域では大変人気のある馬（馬または駒）をモチーフにした文様が主流で、相馬駒焼と呼ばれることもあります。
小鹿田焼	小鹿田焼	恩多、大分	電気のない小さな村落で作られる伝統的な焼き物。18世紀に遡る様式で、シンプルながらも優雅な装飾が施されたスリップウェアが主流です。
大谷焼	大谷焼	徳島県鳴門市	大型の陶器
楽焼	楽焼		日本全国、そして今では世界中で実践されている技法と様式。一般的に、ろくろを使わずに手びねりで器を成形するため、シンプルでやや粗い形状になり、低温で焼成した後、自然冷却されます。近代では、窯の中に可燃性物質を入れることが一般的で、釉薬と予期せぬ反応を起こします。茶道で用いられる陶器の様式には、「一に楽、二に萩、三に唐津」という格言があります。
薩摩焼	薩摩焼	薩摩国	土器は、もともと 1600 年頃に韓国の陶工によって始められた簡素な器を作る地方産業でした。19 世紀からは、西洋への輸出のみを目的として、多くの地域で生産される高度に装飾された陶器のスタイルを指す用語になりました。
瀬戸焼	瀬戸焼	愛知県瀬戸市	日本で最も多く生産されている陶器。瀬戸焼（または瀬戸物）は、日本の陶器全体を指すこともあります。尾府井焼も含まれます。
信楽焼	信楽焼	滋賀県	日本最古の様式の一つ。狸焼きなどで有名。
志都呂焼	志戸呂焼
小代焼	小代焼	熊本県荒尾市
高取焼	高取焼
丹波焼	丹波立杭焼	兵庫県	立杭焼とも呼ばれる。日本最古の六種類の一つ。
砥部焼	砥部焼	愛媛県	ほとんどは青いコバルト色の絵付けが施された厚い磁器の食器です。
常滑焼	常滑焼	愛知県常滑市	ほとんどは花瓶、飯碗、茶碗などです。
壺屋焼	壺屋焼	那覇市壺屋	琉球陶器の一種。多くはコバルトブルーの絵付けが施された厚手の磁器製食器です。
膳所焼	膳所焼	大津（ 旧 膳所 藩 ）	ほとんどは青いコバルト色の絵付けが施された厚い磁器の食器です。

博物館とコレクション

日本には陶磁器だけを専門に扱う美術館が数多くあります。有名なものとしては、名古屋近郊の愛知県陶磁美術館、有田ポーセリンパーク、福岡東洋陶磁美術館、九州陶磁美術館、ノリタケの森、大阪市立東洋陶磁美術館、岡山県立備前焼美術館、大塚国際美術館などが挙げられます。九州国立博物館、京都国立博物館、奈良国立博物館、東京国立博物館、石川県立美術館などの公立美術館には、重要な陶磁器コレクションが収蔵されています。MOA美術館、三井記念美術館、静嘉堂文庫美術館、藤田美術館、和泉市久保惣記念美術館など、多くの私立美術館にも重要な収蔵品があります。龍光院、光鳳庵、相国寺など、日本各地の寺院にも数多くの重要な陶磁器が所蔵されていますが、一般公開されていません。

世界中のほとんどの陶芸美術館は日本の陶芸作品を所蔵しており、その多くは膨大なコレクションを誇っています。日本の現代陶芸作品は、しばしば非常に人気があり、高価です。伝統的な様式に加え、現代アートスタイルのアート作品や工房作品も国際市場向けに制作されています。

参照

• 日本の工芸品
• 日本の芸術
• 中国の陶磁器
• 韓国の陶器と磁器
• 金継ぎ
• 国宝一覧（工芸品：その他）
• トカナベ
• 日本の伝統工芸品一覧

参考文献

引用

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15. スミス、ハリス、クラーク、163
16. フォード＆インピー、126–127
17. このような磁器は九谷焼でも生産されていたと主張する者もいる。九谷焼を参照。貞雄・和田（2003年、p.238）では、有田窯の製品とされている。
18. フォード＆インピー、126
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参考文献

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• スミス、ローレンス、ハリス、ビクター、クラーク、ティモシー（1990年）『大英博物館所蔵 日本美術の傑作集』大英博物館出版。ISBN 0714114464。
• トゥルブナー、ヘンリー（1972）「日本の陶芸：歴史」、Ceramic Art of Japan、シアトル、米国：シアトル美術館、LCCN  74-189738
• ツネコ・S・サダオ、ステファニー・ワダ著『日本の芸術を発見する：歴史的概観』東京・ニューヨーク・ロンドン、講談社インターナショナル、2003年、ISBN 4-7700-2939-X
• フォード、バーバラ・ブレナン、インピー、オリバー・R. (1989). 「メトロポリタン美術館所蔵 ジェリー・コレクション所蔵 日本美術」メトロポリタン美術館 メットパブリケーションズ2016年9月17日閲覧。
• ウィリアム・ワトソン編 (1981). 『大日本博覧会：江戸時代の美術 1600–1868』ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ/ ワイデンフェルド＆ニコルソン.
• サンダース、ハーバート・ホン著『日本の陶芸の世界』講談社インターナショナル、1967年。
• シンプソン、ペニー著『日本の陶芸ハンドブック』ニューヨークおよびサンフランシスコ：講談社インターナショナル社、1979年。
• ターナー、ジェーン. 「日本：陶芸」.美術辞典：ヤンセンからケテルまで. 1996年. 240点以上.
• ヤップ、ジェニファー. 「ろくろ成形用具：日本の伝統的な粘土道具：説明と解説」. Pottery @ Suite101.com. 2007年4月30日. 2009年5月1日

さらに読む

• 村瀬 美恵子 (2000)夢の橋：メアリー・グリッグス・バーク日本美術コレクションニューヨーク：メトロポリタン美術館。ISBN 0870999419。
• 長竹武史（1979）。田中丸コレクションの日本陶磁器ニューヨーク：メトロポリタン美術館。
• シンプソン、ペニー著『日本の陶芸ハンドブック』ニューヨークおよびサンフランシスコ：講談社インターナショナル社、1979年。
• ターナー、ジェーン. 「日本：陶芸」.美術辞典：ヤンセンからケテルまで. 1996年. 240点以上.
• サンダース、ハーバート・ホン著『日本の陶芸の世界』講談社インターナショナル、1967年。
• ヤップ、ジェニファー. 「ろくろ成形用具：日本の伝統的な粘土道具：説明と解説」. Pottery @ Suite101.com. 2007年4月30日. 2009年5月1日
• 「織部の巨匠、滝口喜平次」 YouTube 2009年4月19日2016年9月17日閲覧。
• 境田柿右衛門（2019）。空の芸術東京：日本出版文化財団。

外部リンク

• 日本陶芸情報センター