漫画
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リトル・ニモ、1906年8月19日連載

コミックは画像​​でアイデアを表現する媒体であり、多くの場合、テキストやその他の視覚情報と組み合わされます。通常は、画像のコマの連続という形をとります。吹き出し、キャプション、擬音語などの文字装置は、会話、ナレーション、効果音、またはその他の情報を示します。理論家や歴史家の間でもコミックの定義についてのコンセンサスはなく、画像とテキストの組み合わせを重視する人もいれば、連続性やその他の画像関係を重視する人もいれば、大量複製や繰り返し登場するキャラクターの使用などの歴史的側面を重視する人もいます。漫画やその他のイラストレーションは、コミックにおける画像作成の最も一般的な手段です。フォトコミックは、写真画像を使用する形式です。一般的な形式には、コミック ストリップ、社説およびギャグ漫画、コミック本などがあります。20 世紀後半以降、グラフィック ノベルやコミック アルバムなどの製本された本が、ウェブコミックとともにますます一般的になっています。

漫画の歴史は、文化によって異なる道をたどってきた。学者たちは、その前史をラスコー洞窟壁画まで遡ると仮定している。20世紀半ばまでに、漫画は特に米国、西ヨーロッパ（特にフランスとベルギー）、日本で盛んになった。ヨーロッパの漫画の歴史は、ロドルフ・テプファーの1830年代の漫画連載に遡ることが多いが、ヴィルヘルム・ブッシュと彼のマックス・アンド・モーリッツも1865年以降世界的な影響を及ぼし、[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ] 、1930年代の漫画連載や『タンタンの冒険』などの書籍の成功を受けて人気を博した。アメリカの漫画は、新聞の漫画連載の出現により、20世紀初頭にマスメディアとして登場した。 1930年代には雑誌スタイルの漫画本が続き、 1938年にスーパーマンが登場した後はスーパーヒーローのジャンルが目立つようになりました。日本の漫画（マンガ）の歴史では、その起源は12世紀にまで遡るとされています。日本の漫画は、一般的に欧米の漫画の発展とは切り離されて考えられており、西洋の漫画は17世紀のイタリアで始まったと考えられています。[ 5 ]現代の日本の漫画は20世紀初頭に登場し、漫画雑誌や漫画本の生産量は、手塚治虫などの漫画家の人気により、第二次世界大戦後の時代（1945年～）に急速に増加しました。漫画は、その歴史の大部分において低俗な評判がありましたが、20世紀末に向けて、一般の人々や学者の間でより広く受け入れられ始めました。

英語の「コミックス」という用語は、媒体自体を指す場合は単数名詞として使用されます(例: 「コミックスは視覚芸術形式です。」)。ただし、作品をまとめて指す場合は複数形として使用されます (例: 「コミックスは人気の読み物です。」)。

起源と伝統

ヨーロッパ、アメリカ、日本の漫画の伝統はそれぞれ異なる道をたどってきた。[ 6 ]ヨーロッパでは、1827年という早い時期にスイス人のロドルフ・テッペファーが漫画の伝統の始まりとされ、アメリカ人はリチャード・F・アウトコールトが1890年代に新聞で連載した漫画『イエロー・キッド』に起源を持つとされているが、多くのアメリカ人がテッペファーの先例を認識するようになっている。ヴィルヘルム・ブッシュはルドルフ・ダークスと彼の漫画『カッツェンヤマー・キッズ』に直接影響を与えた。[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]日本には第二次世界大戦時代まで風刺漫画やコミックの長い歴史がある。19世紀初頭、浮世絵師の葛飾北斎が漫画と漫画を意味する日本語の「マンガ」という言葉を広めた。 [ 12 ] 1930年代、ハリー・A・チェスラーは漫画スタジオを設立し、最盛期には50社の出版社に40人のアーティストを擁するに至り、第二次世界大戦後の「漫画の黄金時代」における漫画の隆盛に貢献した。[ 13 ]戦後、手塚治虫が多作な作品を生み出したことで、日本の現代漫画は隆盛を極めた。[ 14 ] 20世紀末にかけて、これら3つの伝統は、ヨーロッパではコミックアルバム、日本では単行本、英語圏ではグラフィックノベルという、単行本形式の漫画へと収束していった。 [ 6 ]

これらの系譜以外にも、漫画理論家や歴史家は、フランスのラスコー洞窟壁画[ 15 ]（いくつかは時系列の画像の連続のように見える）、エジプトの象形文字、ローマのトラヤヌスの記念柱[ 16 ] 、 11世紀のノルマン人のバイユーのタペストリー[ 17 ]、1370年のボワ・プロタットの木版画、15世紀のアルス・モリエンディとブロック本、システィーナ礼拝堂にあるミケランジェロの「最後の審判」[ 16 ]、ウィリアム・ホガースの18世紀の連続版画[ 18 ]などに漫画の先例を見出している。[ 16 ] [ b ]

ノルマン人のイングランド征服に至る出来事を描いた非常に長い刺繍布。
理論家たちは、バイユーのタペストリーが漫画の先駆けであるかどうかについて議論している。

英語の漫画

「友好関係における怒りの対立」 -キャロライン事件（1840～1841年）をめぐる政治を風刺した版画
筆文字豚の家で。
ギュスターヴ・フェルベークによる漫画『The Upside Downs of Little Lady Lovekins and Old Man Muffaroo』には、反転可能な図とアンビグラムの文章が含まれています (1904 年 3 月)。

19世紀のイギリスでは、イラスト入りのユーモア雑誌が人気を博した。その最初のものは1825年に短命に終わった『グラスゴー・ルッキング・グラス』である。 [ 20 ]最も人気があったのは『パンチ』[ 21 ]で、そのユーモラスな風刺画から「カートゥーン」という言葉を普及させた。 [ 22 ]これらの雑誌の漫画は時折、連続して掲載された。[ 21 ]アリー・スローパーというキャラクターは、1884年に週刊誌で登場し始めたときに、最も初期の連載漫画に登場した。[ 23 ]

アメリカン・コミックは『パック』、『ジャッジ』、『ライフ』といった雑誌から発展した。『ニューヨーク・ワールド』、後の『ニューヨーク・アメリカン』のイラスト入りユーモア雑誌、特にアウトコールトの『ザ・イエロー・キッド』の成功が、新聞のコミック・ストリップの発展につながった。初期の日曜版のストリップはフルページ[ 24 ]で、カラーであることが多かった。1896年から1901年にかけて、漫画家たちは連続性、動き、吹き出しなどの実験を行った[ 25 ] 。一例として、 1903年から1905年にかけてコミック・シリーズ『オールド・マン・マファルーとリトル・レディ・ラブキンズの裏側』を執筆したギュスターヴ・フェルベークが挙げられる。これらのコミックは、6コマ漫画を読み、本をめくって読み続けることができるような形式で作られていた。彼は合計64のコミックを制作した。 2012年に、マーカス・イヴァルソンによって選ばれた漫画がリメイクされ、「In Uppåner med Lilla Lisen & Gamle Muppen」という本にまとめられました。（ISBN 978-91-7089-524-1）

5コマ漫画。
バド・フィッシャーの『マット・アンド・ジェフ』（1907年 - 1982年）は、最初の成功した日刊漫画（1907年）でした。

20世紀初頭には、より短い白黒の日刊漫画が登場し始め、1907年にバド・フィッシャーの『マット・アンド・ジェフ』が成功を収めた後、新聞で定着した。[ 26 ]イギリスでは、アマルガメイテッド・プレスがイラスト・チップスやコミック・カットなど、一連の画像の下に文章を載せた人気のスタイルを確立した。[ 27 ]最初はユーモア漫画が主流だったが、1920年代と1930年代には、冒険やドラマなどのジャンルの連続ストーリーの漫画も人気となった。[ 26 ]

1930年代にはコミックブックと呼ばれる薄い定期刊行物が登場し、最初は新聞の漫画を再掲載していたが、1930年代の終わりにはオリジナルのコンテンツが主流になり始めた。 [ 28 ] 1938年のアクションコミックスとその主人公スーパーマンの成功は、スーパーヒーローのジャンルが目立つコミックブックの黄金時代の幕開けとなった。[ 29 ]英国と連邦では、DCトムソンが創作したダンディ（1937年）とビーノ（1938年）がユーモアをベースにしたヒット作となり、1950年代までに合計200万部以上発行された。「デニス・ザ・メナス」 「デスパレート・ダン」「バッシュ・ストリート・キッズ」などの登場人物は、何世代にもわたって英国の子供たちに読まれてきた。[30 ] [ 31 ]

スーパーヒーローはアメリカの漫画の定番です(ワンダーワールド コミックス# 3、1939 年、表紙:ウィル アイズナーの『The Flame』)。

スーパーヒーロー漫画の人気は第二次世界大戦後の数年間で下降したが、[ 32 ]漫画の売上はロマンス、西部劇、犯罪、ホラー、ユーモアなどの他のジャンルが急増するにつれて増加し続けた。[ 33 ] 1950年代初頭に売上がピークに達した後、漫画の内容（特に犯罪とホラー）は保護者団体や政府機関の精査の対象となり、上院の公聴会で自己検閲機関であるコミックス・コード局の設立につながった。 [ 34 ]このコードはアメリカの漫画の成長を阻害し、20世紀の残りのほとんどの間アメリカ社会での漫画の地位を低く保ったと非難されている。[ 35 ]スーパーヒーローは1960年代初頭までに最も重要な漫画のジャンルとしての地位を再確立した。[ 36 ]アンダーグラウンドコミックスは、 1960年代後半から1970年代初頭にかけて、大人向けのカウンターカルチャー的な内容でコードと読者に挑戦しました。[ 37 ]アンダーグラウンドは、1980年代にオルタナティブコミック運動を生み出し、スーパーヒーロー以外のジャンルで成熟した、しばしば実験的な内容を生み出しました。[ 38 ]

アメリカにおけるコミックは、その大衆文化への根源から、低俗なイメージを持たれてきました。文化エリートたちは、時に大衆文化が文化や社会を脅かす存在と見なしていました。20世紀後半には、大衆文化がより広く受け入れられるようになり、ハイカルチャーとロウカルチャーの境界線は曖昧になり始めました。しかし、コミックは子供や文盲のための娯楽とみなされ、依然として偏見を持たれていました。[ 39 ]

グラフィックノベル（書籍並みの長さの漫画）は、ウィル・アイズナーが著書『神との契約』（1978年）でこの用語を広めてから注目を集め始めました。[ 40 ]この用語は、1980年代半ばに『マウス』『ウォッチメン』『ダークナイト・リターンズ』が商業的に成功したことで、一般に広く知られるようになりました。 [ 41 ] 21世紀には、グラフィックノベルは主流の書店[ 42 ]や図書館[ 43 ]で定着し、ウェブコミックも一般的になりました。[ 44 ]

フランス・ベルギーとヨーロッパの漫画

フランス語圏のスイス人ロドルフ・テプファーは1827年からコミック・ストリップを制作し、[ 16 ]その形式の背後にある理論を発表しました。[ 45 ]ヴィルヘルム・ブッシュは1865年に初めて『マックスとモーリッツ』を出版しました。 [ 46 ]漫画は19世紀から新聞や雑誌に広く掲載されました。[ 47 ] 1925年の『ジグとプース』の成功により、ヨーロッパの漫画で吹き出しの使用が普及し、その後はフランス・ベルギーの漫画が主流になりました。[ 48 ] 特徴的な明確な線のスタイルを持つ『タンタンの冒険』は[ 49 ] 1929年から新聞の漫画付録に連載され、[ 50 ]フランス・ベルギーの漫画の象徴となりました。[ 51 ]

ル・ジュルナル・ド・ミッキー（1934年創刊）[ 52 ]の成功に続き、 [ 53 ]スピルー（1938年創刊）やタンタン（1946年～1993年）といった漫画専門雑誌やフルカラーの漫画アルバムが、20世紀半ばの漫画の主要な出版媒体となった。[ 54 ]アメリカと同様に、当時の漫画は幼稚で文化や識字率への脅威と見なされていた。評論家は「どんなに真剣に分析しても漫画はどれも耐えられない」[ c ]そして「あらゆる芸術と文学の妨害行為」 [ 56 ]と評した。[ d ]

1960年代には、フランス語で「バンド・デシネ」（「漫画」）という用語が、この媒体を表すために広く使われるようになりました。 [ 57 ]漫画家たちは成人向けの漫画を作り始め、[ 58 ]漫画が芸術形式として一般大衆や学術的注目を集めるようになり、 「第九芸術」[ e ]という用語が生まれました。 [ 59 ]ルネ・ゴシニとアルベール・ユデルゾを含むグループは、アーティストに作品制作の自由を与えるために、1959年に雑誌『ピロテ』を創刊しました。ゴシニとユデルゾの『アステリックスの冒険』は同誌に掲載され、 [ 60 ]後にフランス語でベストセラーの漫画シリーズとなりました。[ 61 ] 1960年からは、風刺的でタブーを破る『切腹』が、1968年5月事件につながるカウンターカルチャー精神で検閲法を無視しました。[ 62 ]

検閲と編集部の干渉に対する不満から、ピロテの漫画家グループは1972年に成人向けの雑誌『レコー・デ・サヴァン』を創刊した。1970年代には、実験的なSF作品『メビウス』や『メタル・ユラン』などに見られるように、成人向けの実験的な漫画が隆盛を極め、主流の出版社も高級形式の成人向け漫画を出版するようになった。[ 63 ]

1980年代以降、主流の感性が再燃し、連載は減少しました。漫画雑誌の数が減少し、多くの漫画がアルバムとして直接出版されるようになったためです。[ 64 ] L'Association [ 65 ]のような小規模出版社も、作家主義的なクリエイターによる長編作品[ 66 ]を非伝統的な形式[ 67 ]で出版するようになりました。1990年代以降、合併により大手出版社は減少し、小規模出版社が増加しました。印刷市場の縮小傾向にもかかわらず、全体的な売上は成長を続けました。[ 68 ]

日本の漫画

北沢楽天は日本初の近代漫画を創作しました。 (田吾作と杢部の東京見物、[ f ] 1902)

日本の漫画やカートゥーン（マンガ）[ g ]の歴史は、12世紀から13世紀の鳥獣人物戯画、17世紀の鳥羽絵や黄表紙の絵本[72]、そして17世紀から20世紀にかけて人気を博した浮世絵などの木版画に見られる擬人化されたキャラクターにまで遡ります。黄表紙には、連続した画像、動線[ 73 ]、効果音[74]などの例が含まれています。

19世紀後半、西洋人駐在員向けの挿絵雑誌が日本に西洋風の風刺漫画を紹介した。西洋風と日本風の両方の新しい出版物が人気を博し、1890年代末にはアメリカ風の新聞付録漫画やアメリカのコミック・ストリップが日本でも登場し始めた。[ 75 ] [ 72 ] 1900年には時事新報に『時事漫画』が初掲載され、現代的な意味での「マンガ」という言葉が初めて使用された。[ 71 ]また、1902年には北沢楽天が日本初の近代コミック・ストリップを描き始めた。[ 76 ] 1930年代までに、コミック・ストリップは発行部数の多い月刊少女・少年誌に連載され、ハードカバーの単行本にまとめられた。[ 77 ]

日本における漫画の近代化は、第二次世界大戦後に始まり、多作な手塚治虫[ 78 ]と漫画『サザエさん』[ 79 ]の連載漫画の成功に後押しされた。その後数十年にわたって、ジャンルと読者層は多様化した。物語は通常、最初は数百ページにも及ぶ雑誌に連載され、12以上の物語が掲載されることもある。[ 80 ]後に単行本にまとめられる。[ 81 ] 20世紀から21世紀への変わり目には、日本の印刷物のほぼ4分の1が漫画であった。[ 82 ]翻訳版は海外市場で非常に人気を博し、場合によっては国内漫画の売上に匹敵するか、それを上回ることもあった。[ 83 ]

韓国の漫画

マンファ（만화）は韓国の漫画や印刷漫画を指し、国際的には韓国発の漫画を指すことが多い。マンファは日本のマンガや中国のマンファと文化的・言語的ルーツを共有しているが、韓国の歴史的、文化的、芸術的背景の影響を受けた独自のアイデンティティを築き上げてきた。現代のマンファは、モバイルデバイスでのスクロール用に設計されたデジタル形式の漫画であるウェブトゥーンの台頭もあって、世界的な人気を博している。この成功は、映画、ドラマ、テレビシリーズへの翻案にもつながっている。

マンガの概念は、20世紀初頭の日本統治時代に日本のマンガの影響を受けて生まれました。この時期に日本に定着したマンガの存在は、韓国の漫画の基本的なスタイルと形式を強く形作りました。朝鮮が独立へと移行するにつれ、マンガは独自のメディアへと進化し、近隣諸国の芸術的影響と韓国の伝統的な美学や物語表現のバランスを取りながら発展していきました。

アルゼンチンの漫画

1957年にHora Ceroに掲載されたThe Eternautの最初のページ

20世紀初頭には、地元の政治家や有名人の風刺画を掲載した政治ユーモア雑誌が数多く登場した。その中で最も有名なのはCaras y caretasで、現在も発行され続けている。[ 84 ]

1940年代から1950年代にかけて、アルゼンチンの漫画産業は、ダンテ・キンテルノによって創作されたパトルズ（パタゴニアの裕福なテウェルチェ族のカシケ）やイシドロ・カニョネス（ブエノスアイレスの軽薄な男）など、子供や若者向けの新しいキャラクターの登場により繁栄した。[ 85 ] [ 86 ]

1957年から1959年にかけて『エル・エテルナウタ』が出版された。これはアルゼンチンでより成熟した喜劇を生み出そうとした国際的に高く評価された試みであった。エクトル・ヘルマン・オステルヘルドとフランシスコ・ソラノ・ロペスによって創作されたこの作品は、ブエノスアイレスへのエイリアンの侵略と、それに触れた者を死に至らしめる有毒な降雪を描いたSF小説である。この作品は、ペロン主義者（オステルヘルド自身もペロン主義者であった）を迫害した1955年の独裁政権を象徴していると考えられている。オステルヘルドとその家族は、最終的に独裁政権によって行方不明となる。[ 87 ]

1960年代には、子供向け雑誌「アンテオヒト」が創刊され、マヌエル・ガルシア・フェレは、ヒヒトゥス（帽子のおかげで超能力を得た貧しく世間知らずの少年）やラルギルーチョ（彼の仲間）など、後に有名になる多くの登場人物の物語を掲載した。[ 88 ]

1960年代から1970年代にかけて、アルゼンチンで最も有名な漫画キャラクターの一つ、キノ作のマファルダが登場しました。マファルダはラテンアメリカ全土とヨーロッパで人気を博しました。マファルダは都市部の中流家庭を風刺した作品とみなされ、若者の進歩的な政治傾向を浮き彫りにしました。[ 89 ]

1970年代には、カロイによって創作されたクレメンテという漫画キャラクターが話題になった。腕も翼もなく、オリーブとマテ茶しか食べない架空の動物だった。1970年代はアルゼンチンにとって政治的混乱の時代であったにもかかわらず、クレメンテはペロン主義者であり、サッカーを好んでいた。[ 90 ]

フォームとフォーマット

コミック・ストリップは、一般的に短い複数コマで構成される漫画で、20世紀初頭以降、新聞で最も一般的に掲載されています。アメリカ合衆国では、日刊コミック・ストリップは通常1つの階層を占め、日曜コミックは複数の階層を占めています。20世紀初頭以降、日刊コミック・ストリップは一般的に白黒で印刷され、日曜コミックはカラーで印刷され、しばしば新聞の1ページ全体を占めています。[ 91 ]

専門漫画雑誌の形式は、文化によって大きく異なります。コミックブックは主にアメリカの形式で、薄い定期刊行物で[ 92 ]、通常はカラーで発行されます。[ 93 ]ヨーロッパと日本の漫画は、雑誌に連載されることが多く、ヨーロッパでは月刊または週刊誌[ 71 ]、日本では白黒で週刊または月刊誌[ 94 ]です。日本の漫画雑誌は通常、数百ページに及びます。[ 95 ]

世界のコミックの書籍フォーマットの比較。左のグループは日本のもので、単行本と小型の文庫本のフォーマットを示しています。中央のグループはフランス・ベルギーのコミックで、標準的なA4サイズのコミックアルバムフォーマットです。右のグループは英語圏のグラフィックノベルで、標準的なフォーマットはありません。

単行本形式のコミックは、文化によって形態が異なります。ヨーロッパのコミックアルバムは、 A4サイズで印刷されたカラー書籍が一般的で、他の多くの文化圏よりも大きなページサイズです。[ 96 ] [ 54 ]英語圏では、コミック集に由来するトレードペーパーバック形式も原作として選ばれています。また、製本されたコミックはグラフィックノベルと呼ばれ、様々な形式で入手可能です。「小説」という言葉（通常はフィクションと関連付けられる）を含んでいますが、「グラフィックノベル」はノンフィクションや短編作品集も指します。[ 97 ]日本のコミックは、雑誌連載に続いて単行本と呼ばれる単行本にまとめられています。[ 98 ]

ギャグ漫画や風刺漫画は通常、1コマで構成され、キャプションや吹き出しが添えられることが多い。順序性を重視する漫画の定義では、ギャグ漫画、風刺漫画、その他の1コマ漫画は通常除外されるが、言葉と絵の組み合わせを重視する定義には含まれる場合がある。[ 99 ]ギャグ漫画は18世紀から19世紀にかけてヨーロッパで出版されたブロードシート漫画で初めて普及し始め、「カートゥーン」 [ h ]という用語が初めて使われたのは1843年のイギリスのユーモア雑誌『パンチ』である。[ 22 ]

ウェブコミックはインターネット上で公開される漫画で、1980年代に初めて出版されました。潜在的に多くの読者にリーチすることができ、新しい読者は過去の連載のアーカイブにアクセスできる場合が多いです。[ 100 ]ウェブコミックは無限のキャンバスを利用できるため、印刷された漫画のページのサイズや寸法に制約されません。[ 101 ]

ストーリーボード[ 102 ]や無言小説を漫画と考える人もいます[ 103 ] 。映画スタジオ、特にアニメーションスタジオでは、映画のシーンのガイドとして画像シーケンスを使用することがよくあります。これらのストーリーボードは最終製品として意図されたものではなく、一般の人が目にすることはほとんどありません[ 102 ] 。無言小説は、キャプションのない画像シーケンスを用いて物語を伝える書籍です[ 104 ] 。

漫画研究

「コミックは、時には四つ足で、時には二つ足で、時には空を飛び、時には空を飛ばない…媒体そのものと同じくらい複雑な比喩を用いると、コミックを定義することは、謎に包まれたゴルディアスの結び目の謎を解くことを意味します…」

文学や映画の定義の問題と同様に、[ 105 ]漫画という媒体の定義についても合意が得られておらず[ 106 ]、定義や説明の試みは数多くの例外に陥っている[ 107 ] 。テッファー[ 108 ] 、 RCハーヴェイ、ウィル・アイズナー[ 109 ]、デイヴィッド・キャリアー[ 110 ] 、アラン・レイ[ 106 ] 、ローレンス・グローブなどの理論家はテキストと画像の組み合わせを強調しているが[ 111 ]、パントマイム漫画の歴史を通して顕著な例がある [ 107 ] 。ティエリー・グロンスティーン[ 111 ]やスコット・マクラウドなどの批評家は、画像のシーケンスの優位性を強調している。[ 112 ] 20世紀も終わりに近づくにつれ、異なる文化圏が互いの漫画の伝統を発見し、忘れ去られた初期の漫画形式の再発見や新たな形式の台頭により、漫画の定義はより複雑な作業となった。[ 113 ]

ヨーロッパのコミック研究は、1840年代にテプファーが自身の作品理論を展開したことに始まり、コマの遷移と視覚と言語の融合を強調した。1970年代までそれ以上の進展はなかった。[ 114 ]その後、ピエール・フレノー＝ドゥリュエルはコミック研究に記号論的アプローチを取り、テキストと画像の関係、ページレベルの画像の関係、そして画像の不連続性、あるいは後にスコット・マクラウドが「閉鎖性」と名付けた要素を分析した。 [ 115 ] 1987年、アンリ・ヴァンリエはコミックページを意味単位として「マルチカドル」または「マルチフレーム」という用語を導入した。 [ 116 ] 1990年代までに、ブノワ・ペータースやティエリー・グルンスティーンといった理論家たちは、アーティストの詩的な創造的選択に注目するようになった。[ 115 ]ティエリー・スモルデレンとハリー・モーガンは、コミックの定義について相対主義的な見解をとっている。コミックは歴史を通じて様々な、しかし同等に有効な形態をとってきたメディアである。モーガンはコミックを「描かれた文学」（ les littératures dessinées）のサブセットとみなしている。[ 113 ]フランスの理論は、マクラウドなどのアメリカの理論がコマからコマへの遷移に焦点を当てるのとは対照的に、ページそのものに特別な注意を払うようになった。[ 116 ] 2000年代半ば、ニール・コーンは認知科学のツールを用いてコミックがどのように理解されているかを分析し始め、理論の枠を超えて実際の心理学や神経科学の実験を用いて分析を進めた。この研究では、連続した画像とページレイアウトは、パネル間の遷移やレイアウトの種類のカテゴリ区別を超えた、別々のルールに縛られた「文法」を使用して理解され、脳が漫画を理解するのは、言語や音楽などの他の領域を理解するのと似ていると主張しています。[ 117 ]

マンガの歴史物語は、第二次世界大戦後の最近の歴史に焦点を当てるか、あるいは12世紀から13世紀の鳥獣人物戯画や19世紀初頭の『北斎漫画』のように、過去に深く根ざした歴史を明らかにしようとする試みに重点を置く傾向がある。[ 118 ]日本のマンガに関する最初の歴史的概説は、 1924年の細木原誠己の『日本漫画史』[ i ]である。 [ 119 ]戦後初期の日本の批評は、1986年に呉智英の『近代マンガ大全』[ j ]が出版されるまで、主に左翼的な政治的性質のものであり、この本は政治性を軽視し、マンガの構造や「文法」といった形式的な側面を重視した。マンガ研究の分野は急速に発展し、1990年代にはマンガ研究に関する多くの書籍が出版された。[ 120 ]マンガの形式理論は「マンガ表現理論」の発展に焦点を当てており、[ k ]ページ上の画像構造における空間関係を重視し、時間の流れが基本的な構成要素である映画や文学と区別しています。[ 121 ]日本の大学ではコミック研究の授業が急増しており、2001年にはマンガ研究を促進するために日本マンガ学会( ja ) [ l ]が設立されました。[ 122 ] 1983年にフレデリック・L・ショットが『マンガ！マンガ！日本コミックの世界』を出版したことをきっかけに、 「マンガ」という言葉が日本国外でも「日本のコミック」や「日本風コミック」という意味で使われるようになりました。[ 123 ]

眼鏡をかけた禿げ頭の老人。
テーブルの後ろに座ってカメラの方を向いている中年男性。
ウィル・アイズナー（左）とスコット・マクラウド（右）は、コミックに関して影響力があり物議を醸す定義を提唱している。

コールトン・ウォーは『ザ・コミックス』（1947年）で、初めて包括的なアメリカン・コミックスの歴史を記述しようと試みた。 [ 124 ]ウィル・アイズナーの『コミックス・アンド・シーケンシャル・アート』（1985年）とスコット・マクラウドの『アンダーグラウンド・コミックス』（1993年）は、コミック研究を形式化しようとした初期の英語の試みであった。デイヴィッド・キャリアーの『コミックス美学』（2000年）は、哲学的観点からコミックを初めて本格的に扱った本である。[ 125 ]アメリカにおけるコミックの定義の試みとしては、アイズナー、マクラウド、ハーヴェイのものがある。アイズナーは、彼が「シーケンシャル・アート」と呼ぶものを「物語を語ったり、アイデアをドラマ化するために絵や画像と言葉を配置すること」と説明した。[ 126 ]スコット・マクラウドはコミックを「情報を伝え、あるいは鑑賞者に美的反応を引き起こすことを意図して、意図的に並べられた絵画やその他の画像」と定義した。 [ 127 ]これはコミックを歴史的・文化的背景から切り離した、厳格に形式的な定義である。[ 128 ] R.C.ハーヴェイはコミックを「絵画的な物語または説明であり、言葉（多くの場合、吹き出し内の画像領域に文字で記入される）が通常、画像の意味に貢献し、またその逆もまた同様である」と定義した。[ 129 ]それぞれの定義には批判者もいる。ハーヴェイはマクラウドの定義が単コマ漫画を除外していると見なし、[ 130 ]マクラウドが言語的要素を軽視していることに異議を唱え、「コミックの本質的な特徴は言語的内容の組み込みである」と主張した。[ 116 ]アーロン・メスキンはマクラウドの理論を、美術史におけるコミックの地位を正当化するための人為的な試みだと考えた。[ 109 ]

コミックに関する異文化研究は、異なる言語における「コミック」という言葉の意味と範囲の大きな違いによって複雑化している。[ 131 ]フランス語でコミックを意味するバンド・デシネ（「描かれたストリップ」）は、描かれた画像の並置を定義要素として強調しており、[ 132 ]写真コミックさえも除外することを意味する場合がある。[ 133 ]日本語では、 「マンガ」という用語は、あらゆる形態のコミック、漫画、 [ 134 ]、似顔絵を指すために使用される。 [ 131 ]

用語

「 comics 」は不可算名詞として使われる場合、漫画媒体を指すため単数形となる。「comics is a medium」（漫画は媒体である）ではなく「comics are a medium」（漫画は媒体である）と表現する。「comic」が可算名詞として使われる場合、それは媒体のインスタンスを指す。例えば、個々の漫画や漫画本などである。「トムの漫画は地下室にある。」 [ 135 ]

パネルは、一連のアクションを含む個々の画像であり、[ 136 ]多くの場合、境界線で囲まれています。[ 137 ]物語の主要な瞬間は、カプセル化と呼ばれるプロセスによってパネルに分解されます。[ 138 ]読者は、背景知識とパネルの関係を理解し​​、パネルを頭の中でイベントに組み合わせることで、閉鎖のプロセスを通じて断片を組み立てます。[ 139 ]パネルのサイズ、形状、配置はそれぞれ、物語のタイミングとペースに影響を与えます。[ 140 ]パネルの内容は非同期である場合があり、同じ画像に描かれたイベントが必ずしも同時に発生するとは限りません。[ 141 ]

漫画のコマ。左上には黄色の背景で「突然、通りは怒った人々でいっぱいになった！」というキャプションが書かれている。メインコマでは、擬人化されたキャラクターたちが歩道に群がっている。道路の左側、縁石の脇に立つ猿が「おやおや！こんなにたくさんの人がどこから来たんだ？」と言っている。中央の歩道で右向きに立っている太った男性が警察官に「おい！居間から時計が消えたぞ！」と言っている。右下近くにいる女性が、右下隅にいる男性に「ネックレス！テーブルから消えた！」と言っている。
キャプション（黄色の枠）はナレーターの声です。登場人物のセリフは吹き出しで表示されます。吹き出しの末尾は話者を示しています。

漫画では、吹き出し、キャプション、効果音などを通してテキストが頻繁に取り入れられています。吹き出しは会話（思考吹き出しの場合は思考）を示し、その尾はそれぞれの話者を指しています。[ 142 ]キャプションはナレーターに声を与えたり、登場人物の会話や考えを伝えたり、[ 143 ]場所や時間を示したりすることができます。[ 144 ]吹き出し自体は漫画と強く結びついており、画像に吹き出しを追加するだけで漫画になります。[ 145 ]効果音は擬音語を用いて、音声以外の音をテキストで模倣します。[ 146 ]

漫画制作において最も頻繁に用いられる技法は、伝統的にはインク（特に墨）とつけペンまたは筆を用いていましたが、[ 147 ]ミクストメディアやデジタル技術も一般的になっています。動線[ 148 ]や抽象的なシンボルといった漫画技法もしばしば用いられます。[ 149 ]

漫画は一人の作者によって制作されることが多いが、その制作作業は複数の専門家に分担されることも多い。作家とアーティストが別々になっている場合もあり、アーティストはキャラクターや背景など作品の一部に特化している。これは日本ではよくあることだ。[ 150 ]特にアメリカのスーパーヒーロー漫画では、[ 151 ]鉛筆でアートワークのレイアウトを行うペンシラー、[ 152 ]インクでアートワークを仕上げるインカー、[ 153 ]カラリスト、 [ 154 ]キャプションや吹き出しを追加するレタラーに美術が分担されることがある。 [ 155 ]

語源

英語の「コミックス」という用語は、初期のアメリカの新聞連載漫画で主流だったユーモラスな（あるいは「コミック」）作品に由来していますが、この用語はユーモラスではない作品にも一般的に使われるようになりました。アンダーグラウンド・コミックス運動によって造られた「comix」という別の綴りは、こうした曖昧さを補うために使われることがあります。[ 156 ]「コミックブック」という用語も同様に混乱を招く歴史を持っています。なぜなら、コミックブックはほとんどの場合ユーモラスではなく、通常の書籍ではなく定期刊行物だからです。[ 157 ]英語では、異なる文化圏のコミックを、その言語で使われている用語で呼ぶのが一般的です。例えば、日本のコミックは「マンガ」、フランス語圏のフランス・ベルギー・コミックは「バンド・デシネ」です。[ 158 ]

多くの文化では、コミックを表す言葉が英語から借用されており、ロシア語（комикс、komiks）[ 159 ]やドイツ語（Comic ） [ 160 ]もその一つである。同様に、中国語のmanhua [ 161 ]や韓国語のmanhwa [ 162 ]は、日本語のmangaという漢字に由来している。[ 163 ]

参照

リストも参照

注記

  1. ^戦車本(単行本; 「独立して出版された本」に近い翻訳)
  2. ^デイヴィッド・クンツルは、これらやその他のプロトコミックの膨大なコレクションを『 The Early Comic Strip』（1973年）と『The History of the Comic Strip』（1990年）にまとめている。 [ 19 ]
  3. ^フランス語:「... 真剣に分析しなさい。」  – ジャクリーン＆ラウル・デュボア『ラ・プレス・アンファンティーヌ・フランセーズ』（ミドール、1957年） [ 55 ]
  4. ^フランス語:「C'est le sabotage de tout art et de toute littérature」。  – ジャン・ド・トリニョン、『 Histoires de la littérature enfantine de ma Mère l'Oye au Roi Babar』（アシェット、1950年） [ 55 ]
  5. ^フランス語: neuvième art
  6. ^田吾作と杢兵衛の東京観光(日本語:田吾作と杢兵衛の東京見物、ヘボン:田吾作と杢兵衛の東京見物)
  7. ^「マンガ」（日本語：漫画）には様々な解釈があり、その中には「気まぐれな絵」、「評判の悪い絵」、 「[ 69 ]無責任な絵」、 「 [ 70 ]嘲笑的な絵」、「突然のひらめきから描かれたスケッチ」などがあります。 [ 71 ]
  8. ^「漫画」：イタリア語の「 cartone」から来ており、「カード」を意味し、漫画が描かれる厚紙を指していた。 [ 22 ]
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