視覚芸術教育
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視覚芸術教育は、目に見える芸術、すなわちデッサン、絵画、彫刻、版画、そして宝飾品、陶芸、織物、織物などのデザイン、そして商業グラフィックや家庭用家具といったより実用的な分野に応用されたデザインを基盤とした学習分野です。現代的なテーマとしては、写真、ビデオ、映画、デザイン、コンピュータアートなどが挙げられます。芸術教育は、生徒による芸術の創作、芸術の批評や鑑賞の習得、あるいはその両方に焦点を当てる場合があります。
アプローチ
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芸術は、デッサン、絵画、彫刻、インスタレーション、そしてマークメイキングを通して教えられることが多い。デッサンとは、観察された現象を再現するために適切なマークを見て解釈し、発見することを含む経験的な活動であると考えられている。西洋では、ヘレニズム時代以来、デッサン指導は正式な教育の一部となってきた。[ 1 ]東アジアでは、非専門家の芸術家のための芸術教育は、典型的には筆遣いに重点が置かれていた。中国周王朝では、書道は君子の六芸の一つに数えられ、中国帝政では書道と中国絵画は学者・官僚の四芸の一つに数えられていた。[ 2 ]
美術教育における代替的なアプローチとして、芸術作品の解釈と創作の両方において想像力を重視するものがあります。多くの教育者は生徒に「なぜアーティストはこのような選択をしたと思いますか？」と尋ね、生徒が答えた後、作品の背景を説明し、再度質問します。これは、単に美しい絵を見せるのではなく、作品の背後にあるより深い意味を考えさせるためです。美術教育は、実験や意図的な遊び、そして芸術を概念的なメッセージや個人的な経験と結びつけることでもあります。[ 3 ]生徒が作品と感情を結びつけることで、作品がアーティストや題材とどのように結びついているのかをより深く理解し、批判的思考力を養うことができます。視覚文化や、生徒が芸術を通して社会問題や個人的な問題を探求する課題ベースのアプローチといった代替的なアプローチも、今日の美術教育に影響を与えています。[ 4 ]
美術教育の著名なカリキュラムモデルには以下のものがあります。
- カナダのいくつかの州では、「創造的・生産的、文化的・歴史的、批判的・応答的」の要素に分かれた6つのモデルがある[ 5 ]
- 分野別美術教育（DBAE）は、1980年代から1990年代にかけてアメリカで人気を博し、技術、美術批評、美術史といった特定のスキルに焦点を当てていました。ゲッティ芸術教育研究所（Getty Education Institute for the Arts）の強力な支援を受けていましたが、1998年に同研究所からの資金提供が停止された後、DBAEは衰退しました。 [ 6 ]
- 芸術的行動のための指導（TAB）は、1970年代にアメリカのマサチューセッツ州で始まった選択ベースのモデルです。[ 7 ] TABは、生徒がアーティストであり、個々の芸術的興味に基づいて指導されるべきであると示唆しています。教室文化が直接指導を好む傾向から、生徒中心の探究型学習へと移行するにつれて、TABベースのカリキュラムモデルの人気が高まっています。[ 8 ]
さらに、特にリベラルアーツの伝統に基づく高等教育では、芸術は直接的な関与というよりも美的批評の対象として「芸術鑑賞」として教えられることが多い。 [ 9 ]
いくつかの研究では、強力な美術教育プログラムは、美術活動が脳の右半球を鍛え、思考を左右非対称にするため、他の学業分野でも生徒の成績が向上することが実証されている。[ 10 ]また、ベティ・エドワーズの「Drawing on the Right Side of the Brain」も参照のこと。
美術教育は正式な教育機関に限られません。プロのアーティストの中には、自身のスタジオで個人指導やセミプライベート指導を行う人もいます。これは、生徒がプロのアーティストから学びながら、その制作を手伝うという徒弟制度の形をとることもあります。こうした教育スタイルの一つに、ピカソ、ブラック、その他多くの芸術家を教えたギュスターヴ・モローに代表されるアトリエ・メソッドがあります。 [ 11 ]
見習い
歴史的にヨーロッパでは、芸術はアトリエ方式[ 12 ]で教えられており、芸術家は徒弟を受け入れ、石工や金細工師などの職人ギルドとほぼ同じ方法で技術を習得しました。自由時間には、正式な訓練は芸術工房で行われましたが、多くの場合、自宅や屋外で一人で行われました。芸術家はこれらのアトリエで師匠への徒弟制度を通じて技術を習得し、この関係はギルドの法令によって管理されていました。13世紀後半のフィレンツェの契約書には、師匠は徒弟に衣服と食事を提供することが期待され、徒弟はそれに見合う忠実な使用人であることが求められました。徒弟は教育の初期段階で師匠に報酬を支払うことが多く、徒弟期間が実りあるものであれば、学生はその後の訓練で報酬を受け取ることになりました。北欧の工房でも同様の条件が採用されていました。[ 13 ]
当初、このシステムではデッサンを学ぶことが最優先事項でした。ミケランジェロは若い画家に、1年間デッサンだけに集中し、その後6年間は絵の具を研ぎ澄まし、パネルの準備や金箔の使用に取り組み、その間デッサンの研究を続けることを勧めました。フレスコ画とテンペラ画を習得するには、さらに6年間が必要でした。[ 14 ]
歴史的に、デザインは美術よりもある程度優先されており、 18世紀にはヨーロッパ各地でデザイン学校が設立されました。初期ヨーロッパ美術に見られるこうした技術と価値観は、初期アメリカの植民者を含む後世の人々にインスピレーションを与えました。
教室内での文化盗用
文化盗用を行う人は、非常に美的価値のある作品を生み出す能力を持っています。[ 15 ]装飾や創作プロセスの模倣など、異なる文化の芸術的特性を利用することで、異なる文化の工芸品への理解と鑑賞を深めることができます。この手法は、アフリカやネイティブアメリカンの仮面制作プロジェクトにおいて高く評価されています。生徒たちは、異なる文化の慣習を尊重しながら、技術を模倣し、新しい材料の使用や制作方法を探求します。[ 16 ]
国別
アルゼンチン
ラテンアメリカの芸術発展の主導国であるこの国は、1875 年に画家のエドゥアルド シャッフィーノ、エドゥアルド シヴォリ、その他の芸術家によって設立された国立芸術刺激協会 (Sociedad Nacional para Estímulo de las Artes) を創設しました。 1905 年に、彼らのギルドは国立美術アカデミー (Academia Nacional de Bellas Artes) として再認定され、その後 1923 年に画家で学者のエルネスト デ ラ カルコバの主導により、国民上級美術学校 (Escuela Superior Nacional de Bellas Artes) の名でブエノスアイレス大学の学部となりました。現在、この国の主要な芸術教育機関はUNA 国立芸術大学です。[ 17 ]
オーストラリア
オーストラリアの大学では、視覚芸術／ファインアートの学科やコースを大学内に持つ大学は、美術学校に併設されているスタジオベースの教育モデルから、より理論と実践を融合させた教育モデルへと移行しています。西オーストラリア大学は、理論重視の修士号から、理論重視のBA（芸術学士）へと移行しました。
文脈とメディアの要素を統合したスタジオベースの教育イニシアチブは、2007年以来オーストラリア学習教育評議会（ALTC）によって支援されている 全国スタジオ教育プロジェクト[ 18 ]の一環として実施されています。
エジプト
エジプトで最初の近代美術学校は、1908年にカイロ美術大学として開校しました。[ 19 ]これらの初期の美術学校では、主に西洋の美的伝統が教えられていました。そのため、独立後、エジプトと中東の伝統を美術と美術鑑賞の授業に取り入れようとする動きがありました。[ 20 ]しかし、その進展は遅く、カイロ美術大学の学生は1999年まで非ヨーロッパ美術史を専攻することができませんでした。[ 20 ]
フランス
最初のアカデミーであるアカデミー・ロワイヤル・デ・絵画・彫刻は1648 年に設立されました。
現在では、視覚芸術教育を含む芸術教育は、第2サイクル[ 21 ] （6歳）から学校教育の必須部分となり、中等学校（コレージュ）の終了まで続きます。
一部の学校では、通常の初等教育または前期中等教育と並行して高度な芸術教育を提供する芸術特化クラス（classes à horaires aménagés）が設けられています。高等学校では、デザインと応用芸術の科学技術に関するバカロレア・テクノロジク（STD2A、旧F12）の 取得が可能です。
高等教育では、専門の学校が、いくつかの芸術ディプロム・デ・メティエ・ダート（DMA、芸術専門職の学士号）を伴う国家芸術・デザイン・デザインディプロム（DN MADE、芸術およびデザイン専門職の国家ディプロマ）を提案し、その後、アップリケ高等ディプロム（DSAA、応用芸術の修士号）を取得します。
イタリア
イタリアでは13世紀初頭に美術学校が設立され、1200年頃にテオファネスというギリシャの画家によってヴェネツィアに絵画学校が設立されたのが始まりです。 [ 22 ]
オランダ
オランダ美術教師協会（Nederlandse Vereniging voor Tekenonderwijs）は1880年に設立され、1884年に月刊誌の発行を開始しました。[ 23 ] 20世紀後半以降、オランダ社会の多様化に伴い、オランダの美術と美術教育はますます多文化的になっています。[ 24 ]
イギリス
正式な美術教育は19世紀初頭にイギリスで誕生しましたが、その動機の一つはフランスのデザインの質に匹敵したいという願望でした。[ 25 ]最初に採用されたモデルはドイツの商業学校のものでした。[ 25 ]アルバート王子はイギリスにおける美術学校の設立に特に影響を与えました。[ 26 ]
現在、英国では公立学校や有料学校を除き、美術のカリキュラムは政府の国家カリキュラムによって規定されている。 [ 27 ]チャールズ皇太子はアカデミックなデッサン教育を維持するために ホクストンにプリンス・デッサン・スクールを設立した。
アクセスアート
AccessArtは、英国の芸術慈善団体および会員組織であり、英国全土で「視覚芸術教育の発展」を促進するために活動しています。[ 28 ] [ 29 ] AccessArtは、英国におけるデジタル視覚芸術リソースの大手プロバイダーであり、[ 30 ] 22,000以上の学校が有料会員であり、[ 31 ] AccessArtの教育教材を授業に使用しています。[ 32 ]
1999年に王立芸術大学卒業生のポーラ・ブリッグスとシーラ・チェッカレッリによって設立され、2004年に慈善団体として登録されました。[ 33 ] [ 34 ]プロジェクトには以下が含まれます。
インスパイア：子どもの芸術の祭典、フィッツウィリアム美術館、ケンブリッジ。[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ] [ 38 ] [2019年12月-2020年3月]
「フィッツウィリアム美術館の250年の歴史の中で、小学生の作品の初めての展覧会は、AccessArtとの提携により企画されました。」[ 39 ] [ 40 ] [ 41 ]「Inspireプロジェクトは、地域の美術館が教師の研修と開発の拠点となり、芸術とデザイン教育に関する実践コミュニティの発展を支援する方法を示しています。」[ 42 ]
アメリカ合衆国
アメリカにおける美術鑑賞の研究は、19世紀後半の現代アーティスト運動に始まり、1920年代末には衰退し始めました。絵画研究は美術教育カリキュラムの重要な部分を占めていました。教室における美的感覚への関心は、学校、家庭、そして地域社会を美しくすることへの人々の関心を高め、「日常生活における芸術」として知られていました。これは、子供に文化を伝え、親を変えるという理念でした。[ 43 ]絵画研究運動は、スタジオワークを通して美術鑑賞を学ぶという新しい考え方がアメリカで普及したことにより、1920年代末に衰退しました。
アメリカの教育哲学者であり学校改革者でもあるジョン・デューイは、 19 世紀後半から 20 世紀初頭にかけて、アメリカにおける美術教育へのアクセス拡大に影響を与えました。
第二次世界大戦以降、芸術家の養成は小学校へと移行し、現代美術はますます学術的かつ知的な分野となってきました。第二次世界大戦以前は、芸術家は大学の学位を通常必要としませんでした。それ以降、プロの芸術家になるためには美術学士号、次いで美術修士号の取得が推奨されるようになりました。これは、1944年に復員兵援護法が可決され、第二次世界大戦の退役軍人が次々と学校に通い、美術学校もその流れに乗ったことが要因です。大学の美術学部は急速に拡大しました。かつてはアート・スチューデンツ・リーグ、ブラック・マウンテン・カレッジ、グリニッチ・ビレッジのハンス・ホフマン美術学校などのボヘミアン風の工芸中心の学校で学んでいたアメリカ人芸術家たちが、大学に入学し始めました。 60年代までには、ニューヨーク市のスクール・オブ・ビジュアル・アーツ、プラット・インスティテュート、クーパー・ユニオン、そしてカンザスシティ美術大学、サンフランシスコ美術大学、シカゴ美術館付属美術大学、ボストン美術館付属美術大学、プリンストン大学、イェール大学など全米各地の美術学校が、最初の美術アカデミーの一つとなった。[ 44 ]この傾向はアメリカから世界中に広がった。
高校における美術の授業受講者数は、1960年代後半から1970年代初頭にかけてピークを迎えました。落ちこぼれゼロ法（NCLB）（芸術を「日常生活」の一部として維持するものの、この分野に関する報告や評価データの提出は義務付けていない）により、アメリカの公立学校における芸術教育はさらに衰退しました。米国教育省は現在、芸術カリキュラムの開発において芸術の専門知識を持つ組織を支援するため、「芸術教育モデル開発・普及」助成金を交付しています。2010年以降、全米の公立高校の25%がすべての芸術プログラムを廃止すると推定されています。KadenzeやedXといった様々な「ed- tech 」企業は、オンライン芸術教育を通じてこの減少を緩和しようと試みています。[ 45 ]
芸術教育を推進する全国組織としては、Americans for the Arts [ 46 ]（Art. Ask For More. [ 47 ]を含む）や、全国芸術教育啓発キャンペーン、芸術教育促進協会、芸術教育パートナーシップなどがある。[ 48 ]
美術教育者の専門団体としては、実践者向けの雑誌「Art Education」と研究雑誌「Studies in Art Education」を発行する全米美術教育協会[ 49 ]、USSEA（米国美術教育協会）とInSEA（国際美術教育協会[ 50 ]）などがある。
視覚芸術を通じた教育は、生徒が幼い頃から、アメリカ合衆国の社会構造において重視されている民主主義の基盤となるプロセスを理解し、実践する上で、重要かつ効果的な影響力を持っています。[ 51 ] 2008年、全国教育進歩調査（NAEP）は、美術と音楽の分野において、8年生7,900人を対象に調査を行いました。その結果、女子生徒は音楽と視覚芸術の両方において、男子生徒よりも高い成績を収めていることが明らかになりました。[ 52 ]
2009年に全米美術教育協会（National Art Education Association）のローウェンフェルド講演奨学金を受賞したオリビア・グード氏は、美術教育が、知識と自己認識を備えた、そして世界を意識する市民を育成する上で、様々な形で役立つと語りました。彼女は次のように述べています。
芸術教育を通して、生徒たちは他者の意味創造を理解する能力を高めます。質の高い芸術教育を通して、若者は複数の仕事を他の人よりもはるかに容易に習得する能力を身につけます。最も重要なのは、芸術との関わりを通して、若者は複雑さを苛立たしい不確実性としてではなく、喜びと可能性として捉えることを学ぶということです。自己認識の向上は、他者への認識の向上へと繋がります… [ 51 ]
美術教育に関する著作を持つミシェル・マーダー・カムヒ[ 53 ]は、アメリカをはじめとする世界各国における美術教育の最近の動向を強く批判している。彼女は、主要な美術館で展示されている現代美術の多くを、芸術ではない政治的なジェスチャーとして一蹴している。[ 54 ]著書『Who Says That's Art? 』の第8章「美術教育の再考」では、この分野における2つの動向に焦点を当て、「美術にあまり興味がない人でさえ、思慮深い市民が懸念すべき」と考えている。例えば、ウォール・ストリート・ジャーナルに掲載された彼女の意見記事は、ジュディ・ワーセインの「ブリンコ」を批判した。 「ブリンコ」は、ワーセインが不法移民に特別なスニーカーを配るという「パフォーマンスアート」作品で、全米美術協会（NAEA）の会議セッションで著名な美術教育者が研究対象として推奨していたものだった。[ 55 ]
特別支援教育
美術教育は、特別支援が必要な児童生徒のための特別支援教育制度改革が行われる以前から、特別支援教育と統合されていました。美術に関しては、アートセラピストが特別支援が必要な生徒との連携にしばしば活用されています。しかし、一部のアートセラピストは生徒を教室から引き離し、数学、英語、理科などの他の学業で遅れをとらせてしまうことがあります。そのため、アートセラピーは長期的な改善が期待できない生徒、短期的なスキル発達を期待する生徒、あるいは総合的な能力の向上を目指す生徒のために用意されています。[ 56 ]
特別支援教育のジーン・ロカーソンと美術教育のアメリア・ジョーンズは、「美術室は学習障害を学習の資産に変えることができる場所だ」と書いています。特別支援を必要とする生徒たちは、しばしば殻を破り、創作活動に熱中します。美術は、特別支援教育の教師が生徒たちに、彼ら自身も気づいていないかもしれない基礎を教える手段でもあります。[ 57 ]
芸術と特別支援教育は密接に関連していることを証明する研究が進行中です。実験では、どの教室でも、特に特別支援教育の教室では、芸術が生徒の学習意欲と熱意を高め、場合によっては他の教科の学習を促進することが証明され続けています。[ 58 ]
理論と学問の現在の動向
美術教育の領域は、より広範な視覚文化と大衆文化を含むように広がりつつあります。現在の学術動向では、ポストモダンおよび視覚文化のアプローチを美術教育に取り入れ、[ 59 ] [ 60 ]グローバリズムが画像の制作と解釈に与える影響を検討し[ 61 ]創造性の問題に新たな関心が集まっています。[ 62 ] NAEAでは、学習、コミュニティ、アドボカシー、研究、知識の問題に研究と出版が重点的に行われています。[ 63 ] 2016年以来、美術教育研究所（AERI）は、美術教育分野における主要な知的および実践的問題に取り組む批判的、体系的、経験的、理論的な研究と学問を支援するシンポジウムを毎年開催しています。 AERIは、視覚芸術における、または視覚芸術を通じた教育と学習に関する探究を向上させるために、芸術、人文科学、社会科学から得られた幅広い厳密な研究慣行と方法論を推進することを目指しています。[ 64 ]
視覚芸術教育の重要な役割
美術教育は、創造性を育み、学力を向上させ、社会性と情緒の発達を促す上で重要な役割を果たします。数学、理科、国語といった科目に取って代わられがちではありますが、美術教育は、バランスの取れた教育と生活に不可欠なスキルの育成に不可欠な恩恵をもたらします。
創造性と批判的思考力：美術教育の重要な利点の一つは、創造性と批判的思考力を養うことができることです。芸術教育パートナーシップ（Arts Education Partnership）の報告書によると、美術プログラムに参加した生徒は、創造的な問題解決能力と批判的思考力において高い能力を示しています。[ 65 ]これらのスキルは応用性が高く、今日の労働力、特にデザイン、エンジニアリング、テクノロジーなどの分野で高い需要があります。美術は生徒に既成概念にとらわれない思考を促し、一つの問題に対して複数の解決策を模索させ、現実世界で必要とされる認知的柔軟性を強化します。
学業成績：美術教育は学業成績の向上に大きく貢献します。Catterallらによる研究では、美術教育に参加する生徒は、参加しない生徒に比べて標準テストの得点が高い傾向にあることが分かりました。[ 66 ]これらの生徒は、読解力、数学的成績、そして全体的な学業成績において優れた成績を示しました。美術教育と学業成績のこの関連性は、美術を選択科目として扱うのではなく、学校のカリキュラムに組み込む必要性を強調しています。
数学と科学の理解：美術教育は、生徒が数学や科学などの主要科目で優れた成績を収めるのに役立ちます。研究によると、芸術を通じた学習はSTEM科目の理解と記憶を深めることが示されています。「Studio Thinking: The Real Benefits of Visual Arts Education」に掲載された研究では、視覚芸術活動は生徒が空間的推論と幾何学の概念を理解するのに役立つことがわかりました。[ 67 ]この空間的推論は、数学の原理と科学的視覚化を理解するために重要です。別の研究では、理科の授業に芸術を取り入れることで、小学生の記憶の定着率と概念理解が向上したことが実証されました。[ 68 ]実践的な芸術プロジェクトを通じて、生徒は抽象的な科学的アイデアを視覚化し、複雑なトピックをより身近なものにすることができます。
社会性と情緒の発達：美術教育は社会性と情緒の発達を支援します。共同プロジェクトや個々の表現を通して、生徒たちはコミュニケーション能力、共感力、そしてチームワークを学びます。全米芸術基金（National Endowment for the Arts）は、美術活動に参加するリスクの高い生徒は、アイデンティティと自信を育む可能性が高くなると報告しています。[ 69 ]また、彼らは在学期間が長く、ネガティブな行動に走る可能性も低くなります。美術制作における創造的なプロセスは、生徒が感情を表現し、ストレスに対処し、回復力を養うのに役立ちます。
微細運動能力と器用さ：美術教育は、特に低学年の生徒の微細運動能力の発達に役立ちます。絵を描く、絵画を描く、彫刻をするなどの活動は、正確さと手と目の協調性を必要とし、書く、タイピングするなどの作業に不可欠な微細運動制御に貢献します。研究では、これらの微細運動能力は器用さを必要とする職業で価値があることが示唆されています。例えば、『外科教育ジャーナル』に掲載された研究では、芸術活動に参加した医学生は、外科手術のシミュレーションにおいて優れた手先の器用さと正確さを示したことがわかりました。[ 70 ]同様に、『ケンブリッジ専門知識と専門家のパフォーマンスハンドブック』の研究では、美術の授業などで見られるような微細運動活動を意図的に練習することで、外科、歯科、その他の精密さを必要とする職業に不可欠なスキルが向上することが指摘されています。[ 71 ]
芸術教育によって向上するキャリア：芸術教育は、法執行機関、軍隊、法医学の分野でのキャリアに不可欠なスキルを向上させます。描画、スケッチ、視覚的詳細の分析を通して磨かれた観察スキルは、状況認識力と細部への注意力を大幅に向上させることができます。例えば、芸術関連スキルの訓練を受けた法執行官は、容疑者の特定、犯罪現場の分析、視覚情報の正確な想起に優れています。[ 72 ]軍隊では、視覚分析と創造的な問題解決スキルは、地図の読み取り、戦略立案、航空偵察画像の解釈などのタスクに不可欠です。『天才の閃き：世界で最も創造的な人々の13の思考ツール』の研究によると、科学者や軍事戦略家を含む多くの成功した専門家は、幼少期の芸術体験が観察力と問題解決スキルの向上につながったと考えています。[ 73 ]
参照
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外部リンク
