パスカル・デュサパン

パスカル・デュサパン
2020年のデュサパン
生まれる	（1955年5月29日）1955年5月29日 ナンシー、フランス
教育	パリ大学
職業	作曲家

パスカル・ジョルジュ・デュサパン（1955年5月29日生まれ）はフランスの作曲家です。彼の音楽は、微分音、緊張感、そしてエネルギーに特徴づけられています。

ヤニス・クセナキスとフランコ・ドナトーニの弟子であり、ヴァレーズの崇拝者でもあったデュサパンは、1970年代にパリ第1大学とパリ第8大学で学んだ。彼の音楽は「ロマン主義的な制約」に満ちている。 ^{[ 1 ]}ピアニストであったにもかかわらず、1997年までピアノのための作曲を拒否していた。彼のメロディーは、純粋に器楽作品であっても 、声のような響きを持っている。 ^{[ 2 ]}

デュサパンはソロ、室内楽、管弦楽、声楽、合唱作品、そしていくつかのオペラを作曲し、数々の賞を受賞しています。^{[ 3 ]}

教育と影響

ナンシー生まれのデュサパンは、 1970年代初頭にパリ第1大学とパリ第8大学で音楽学、造形芸術、芸術科学を学んだ。エドガー・ヴァレーズの『アルカナ』（1927年）を聴いてある種の「衝撃」を受け^{[ 4 ]} 、また1972年にヤニス・クセナキスのマルチメディア・パフォーマンス『クリュニーのポリトープ』を鑑賞した際にも同様の衝撃を受けたが、同時にこの作曲家に対して「une proximité plus grande」（「より大きな親近感」）を感じた^{[ 5 ]} 。クセナキスの音楽に惹かれたデュサパンは、パリのソルボンヌ大学で作曲家に師事し、1974年から1978年まで在籍した。クセナキスの授業には、美学や科学などの科目が含まれていた。^{[ 6 ]}デュサパンは1976年にヴァンセンヌ大学（パリ第8大学）に招かれていた イタリアの作曲家フランコ・ドナトーニにも師事した。

これらの作曲家たちとの研鑽は、デュサパンの作曲研究、特に音響ミサの理解の基礎を築きましたが、同時に彼は独自の音楽言語を確立しました。I・ストイノヴァによれば、「ヴァレーズ、クセナキス、ドナトーニといった作曲家に愛着を持ちながらも、デュサパンは完全に孤独でした。なぜなら、彼は自らの遺産だけでなく、師たちとの間にある距離、すなわち美的秩序と感性における創造的な距離、音における存在の仕方をも意識していたからです」^{[ 7 ]} 。彼はこれらの作曲家から様式や思想を吸収し、それを自身の音楽的ニーズに合わせて変容させていったのです。

ヴァレーズやクセナキスといった音響ミサを扱った作曲家の影響を受けているほかにも、デュサパンの音楽はジャズなど他の音楽的伝統の影響も示している。実際、彼はかつてジャズピアニストだったが、1997年までは自身の作品にピアノを入れることを拒否していた。^{[ 8 ]} 1980年代後半の作品『Aks』（1987年）に始まり、1990年代にかけて、デュサパンはフランスの民謡を自身の音楽言語に取り入れた。『Aks』は、人民芸術伝統博物館友の会の委嘱により作曲されたもので、デュサパンは冒頭から民謡を引用しているが、曲の残りの部分は民謡とは独立して作られている。^{[ 9 ]} 1990年代のデュサパンの作品では、ドローンの頻繁な使用や限定された旋法の使用を通して、民謡の影響がさらに表れているが、ほとんどの場合、明らかな調性中心はない。^{[ 10 ]}その他のインスピレーションの源としては、グラフィックアートや詩などが挙げられる。^{[ 11 ]}

音楽スタイル

計装

デュサパンが他の同時代作曲家と一線を画す点の一つは、特定の楽器を選択し、他の楽器を拒絶していることである。クセナキスとさえ異なり、彼は音楽において電子機器やテクノロジーの使用を避けている。 ^{[ 12 ]}同様に、彼はティンパニ以外の打楽器を作品から排除している。最近まで、デュサパンはオルガン^{[ 10 ]}とジャズピアノ^{[ 13 ]}を演奏しているにもかかわらず、鍵盤楽器の使用も拒否していた。デュサパンがこれらの楽器を拒否した理由として、ストイノヴァは「ピアノの音階と静的な音色、そして打楽器のノイジーで均一なテクスチャは、デュサパンによって、彼のダイナミックな旋律主義の真髄を定義づけていると思われる微分音的視点に、難なく取り入れられている」と示唆している。^{[ 14 ]}しかし、ストイノヴァがこの論文を執筆したのは、デュサパンがピアノ、ヴァイオリンまたはクラリネット、チェロのためのトリオ・ロンバッハ（1997年）を完成させる4年前のことである。このピアノ三重奏曲は、デュサパンがピアノを組み込んだ最初の作品であり、 ^{[ 13 ]}ピアノ独奏のための作品であるセプト・エチュード（1999–2001年） は2001年になってようやく完成させた。

微分音

デュサパンの音楽は微分音律によっても特徴づけられており、これはしばしば微分グリッサンドと微分音程（半音未満の音程）の統合によって実現されている。^{[ 15 ]}デュサパンは微分音程と等音程の両方を旋律線に組み合わせることで、聴き手は次に何が起こるか全く予測できない。それでもなお、デュサパンは微分音律の使い方を極めて自然に感じさせる。ストイノヴァが説明するように、「ヴィオラのための『インサイド』（1980年）、チェロのための『インチーザ』（1982年）といった器楽作品、そしてその他多くの作品において、微分音程と微分グリッサンドは、極めてしなやかな旋律進行における完全に「自然な」要素によって、異なるものとして完全に統合されている」。^{[ 15 ]}聴き手は既に等音程によるオクターブの均一な分割に慣れ親しんでいる。デュサパンは単に、より伝統的でない数でオクターブを分割しているだけなのである。

音楽形式

デュサパンは、ほとんどのヨーロッパ音楽に見られる階層的で二元的な形式を否定しているが、彼の音楽は偶然性に富んでいるわけでもない。デュサパンは、ヨーロッパの「階層的」な形式を、変奏という観点から考えること、つまり特定のパートが常に他のパートよりも重要になるものとして特徴づけている。[ ^{16 ]デュサパン}はこのように作曲するのではなく、小節ごとに作曲し、そこに辿り着いた時に次に何が起こるかを決めているように見える。^{[ 17 ]}このプロセスは、偶然性音楽の偶然性的な側面をわずかに示唆しているが、デュサパンの音楽は非常に精密に作曲されているため、真の偶然性はあり得ない。ストイノヴァは、「デュサパンの音楽に関して、偶然性の乱れを統合または同化させることによって、作曲システムにおける自己組織化と複雑性の原理を見ることができる」と述べている。^{[ 18 ]}言い換えれば、デュサパンは音楽を自由に展開させ、しばしば偶然性の表現を想起させながらも、すべてを記譜し、音楽のコントロールを維持している。彼は音楽における繰り返しを避け、安定性と冗長性を拒否しており、これも彼の音楽のもう一つの特徴である。^{[ 19 ]}

緊張、エネルギー、そして動き

デュサパンの音楽において最も顕著で独特な要素は、おそらく、その内在する緊張感、エネルギー、そして躍動感であろう。実際、ジュリアン・アンダーソンはデュサパンに関する論文の中で、「包み込むような緊張感」と「爆発的な飛翔」をデュサパンの初期音楽の両極端として挙げ、これらの表現様式こそが作曲家の音楽を非常に個性的なものにしていると主張している。^{[ 20 ]}ストイノヴァもまた、デュサパンの初期作品に存在するエネルギーを強調し、極端な音域、フラッタータンギング、トリル、微分音程、グリッサンド、多重音、急速なアーティキュレーション、劇的な強弱、そして継続的な呼吸法の使用を高く評価している。 ^{[ 21 ]}これらの独特な特徴が、デュサパンの音楽を演奏者に信じられないほど強烈で要求の厳しいものにしている。実際、その激しさは、デュサパンが意図的に「ミュージック・キャプティブ」（1980）のような作品を短い演奏時間（この場合は3分）にしているほどで、演奏が終わる頃には演奏者も聴衆も完全に疲れ果ててしまうからです。^{[ 21 ]}

後期の特徴

上で論じた特徴の多くは、デュサパンの初期の作品、とりわけ1980年代の作品に顕著である。次の10年に入ると、デュサパンの作品はますます和声的にも旋律的にも簡素なものへと向かっていった。^{[ 22 ]}ポール・グリフィスは、1990年代のデュサパンの作品はそれ以前の作品よりも和声的に構想されており、ドローンや旋法の使用など、より多くの民俗的伝統を取り入れていると指摘している。さらにグリフィスは、デュサパンは21世紀に入っても音楽を簡素化し続け、依然として全音階主義を避けているものの、2つの音符の間を振動させたり、小さなパターンを絶えず変化させたりといった技法を用いており、それらの技法は以前の作品よりも反復を多く含んでいると述べている。^{[ 10 ]}

アクロッシュノートとのコラボレーション

^{デュサパンの音楽の楽器編成は、}利用可能な演奏者に基づいていることが多く、1980年代から1990年代にかけては、歌手兼クラリネット奏者によって設立されたストラスブールを拠点とする新音楽グループであるアンサンブル・アクロッシュ・ノートのために頻繁に作曲した。^{[23]イアン・ペイス}は、グループのクラリネット奏者アルマン・アングスターの影響が^、この時期のデュサパンの音楽の多くでクラリネットが目立つ理由である可能性があると提唱している。^{[ 24 ]}グリフィスもまた、デュサパンが最初のオペラ「ロミオとジュリエット」（1985–89年）完成後に書いた一連の短い作品におけるクラリネットの重要な役割を指摘している。^{[ 10 ]}特定の器楽奏者（この場合はクラリネット奏者のアングスター）のために作曲するデュサパンの傾向は、作曲家の実際的で写実的な側面を明らかにしている。

注目すべき作品

ミュージーク捕虜(1980) およびミュージーク逃亡者(1980)

デュサパンが同年に作曲した初期の作品2曲、「囚われの音楽」（1980年）と「逃亡する音楽」（1980年）は、どちらも不安定で、いかなる反復も避けようとしているという点で、共に研究対象となり得る。しかし同時に、両作品は全く異なる方法でこの目的を達成している。「囚われの音楽」は9つの管楽器（ピッコロ、オーボエ、ソプラノサックス、バスクラリネット、コントラバスクラリネット、コントラファゴット、2本のトランペット、バストロンボーン）のために書かれており、演奏時間はわずか3分である。ストイノヴァが示唆するように、演奏者への緊張感と高い要求のために、これ以上長く演奏することは不可能だったのだ。^{[ 21 ]}ストイノヴァはさらに、この作品が内部的に自己破壊していると表現し、「この作品の音楽的アイデア、つまりトレモロのテクスチャ、上昇する半音階、激しいクレッシェンド、膨張する細部の塊などは、互いに破壊し合い、より正確に言えば、消滅させている」と書いている。^{[ 25 ]}デュサパンはこのように多くの音楽的アイデアを一つにまとめており、ペースはこの概念をフリージャズに関連付けている。^{[ 24 ]}結果として生じる音楽は非常に不安定で、3分以上の演奏時間に耐えることはできない。この作品は1981年7月にフランスのラ・ロシェルで初演された。

一方、「逃亡音楽」は音楽的な「断裂」によってその不安定さを実現している。 ^{[ 18 ]}弦楽三重奏のために書かれたこの曲は、伝統的な表現と変奏の過程を避け、統一感や連続性から逸脱している。デュサパンは、一つのアイデアを提示した後、突然の沈黙、あるいは新たな音楽進行の導入によって急激に方向転換することで、この効果を実現している。^{[ 25 ]} 1980年6月にフランスのエクス＝アン＝プロヴァンスで初演された「逃亡音楽」は、ピューギンによれば「フランスでは事実上レパートリーとなっている」という。^{[ 26 ]}アルディッティ弦楽四重奏団によるこの曲の録音はSpotifyで聴くことができる。^{[ 27 ]}

ラ・リヴィエール(1979) とラヴァン(1980–81)

「ラ・リヴィエール」（1979年）と「ラ・アヴェン」（1980～81年）は、自然をテーマにした2つの管弦楽曲で、ジュリアン・アンダーソンによれば「デュサパンの作風のより熱狂的で激しい側面」を際立たせている。^{[ 20 ]}両作品とも水の特性に焦点を当て、音楽を通して水の流動性と力強さを象徴している。前者はチェロ独奏で始まり、水がそうであるように、オーケストラ全体を「浸透」し「吸収」する。^{[ 28 ]}実際、デュサパンはこの曲で「速度の変化、流れの力強さの動き」を実現しようとした。^{[ 28 ]}一方、 「ラヴェン」は、水がゆっくりと滴り落ち、石に空洞を開けるイメージを捉えている。フルートと管弦楽のための協奏曲であるこの作品は、フルートがオーケストラの音にかき消されてかろうじて聞こえる程度で始まるが、徐々にオーケストラの音色をかき消していき、作品の主役となる。^{[ 12 ]}つまり、フルートは滴る水を、オーケストラは石を象徴している。フルートは10分間休むことなく演奏を続け、常にオーケストラに押し付け合いながら、最終的には勝利を収める。^{[ 28 ]}両作品とも、フランスのメスで初演された。『ラ・リヴィエール』は1979年11月、『ラ・アヴェン』は1983年11月である。

ニオベ・オ・ル・ロシェ・ド・シピル(1982)

ニオベまたはシピルの石（1982年）は、12の混声合唱、ソプラノ独奏（ニオベ）、そして8つの楽器（オーボエ兼イングリッシュホルン、クラリネット2本（2本目の兼バスクラリネット）、ファゴット2本（2本目の兼コントラファゴット）、トランペット、テナートロンボーン2本）のための38分の作品で、マルティーヌ・イルゼンスキによる新ラテン語テキストが付けられている。イルゼンスキのテキストはラテン文学作品の断片から引用されており、必ずしもギリシア神話ニオベの年代順に沿っているわけではない。^{[ 29 ]}デュサパン自身は、この作品をオペラやミュージカルではなく「舞台化されたオラトリオ」と分類しており、ここでも繰り返しや連続性を避け、自由なテクスチャのつながりを試みている。^{[ 30 ]}ソプラノ独唱は混声合唱団の12の声部と対峙する。混声合唱団は作品全体を通して様々な役割を果たし、時にはニオベの声の音色を拡張し、時にはテキストに合わせて動く。^{[ 29 ]}アンダーソンはデュサパンに関する記事の中で、合唱の微分音和音や作品最後のソプラノのモノラルラインなど、このオラトリオで使用されている多様な発声技法とテクスチャについても強調している。 ^{[ 22 ]}非線形のテキストと多重のテクスチャ層を通して、「ニオベまたはシピルの石」はデュサパンの初期の室内楽曲と同様の不連続性を保っている。この作品は1984年6月16日にパリで初演された。

ロメオとジ​​ュリエット(1985–88)

イアン・ペイスによれば、デュサパンの最初のオペラ『ロミオとジュリエット』（1985-88年）は、作曲家のキャリアにおける「決定的な作品」である。なぜなら、この作品で初めて、デュサパンは物語のアイデアを演劇の領域に「適切に」融合させたからである。^{[ 31 ]}ピューギンは、デュサパンのオペラをニオベの「より実りある」スタイルへの回帰とみなし、デュサパンの声楽曲『ミミ』（1986-87年）、『イル・リ・コ』（1987年）、『アナコリュート』（1987年）を、特にフランス語の設定に関して、最初のオペラ創作のための習作として挙げている。^{[ 12 ]}一方、アンダーソンは、デュサパンのオペラには、初期の作品に比べて叙情性が多く見られると指摘している。^{[ 22 ]} 3人の作曲家は皆、このオペラがデュサパンの作曲家としての経歴の中で注目すべき点であることに同意しているようだ。

オリヴィエ・カディオが書いた台本は9つのナンバーに分かれており、最初の4曲は革命前の出来事、最後の4曲は革命後の出来事、そして中心となる5曲目は革命そのものを扱っている。^{[ 31 ]}この中心楽章は、オーケストラのみで演奏される唯一の楽章である。このオペラはロミオとジュリエットだけでなく、革命前に登場し「二人の人格の拡大」を象徴するかのような、二人の分身であるロミオ2とジュリエット2にも焦点を当てている。^{[ 31 ]}また、このオペラには、出来事についてコメントする合唱団と、仲介役としてロミオとジュリエットに革命の概念を教える四重奏団も登場する。^{[ 31 ]}最後に、ロミオとジュリエットに歌を教えるビルという人物が登場する。彼自身は8曲目までセリフを言わず、ついに歌い出す。^{[ 31 ]}作品の後半では、登場人物たちが本物のオペラを創作する可能性について議論するが、「オペラ、物語、そして言語そのものの不可能性」に気づき、音楽は微分音と断片化に崩壊する。^{[ 31 ]}このオペラは1989年6月10日にフランスのモンペリエで初演された。

オーケストラのための7つのソロ（1992–2009）

彼の次の主要プロジェクトは、1992年から2009年にかけて作曲された大規模な管弦楽サイクル「オーケストラのための7つのソロ」であった。これは独立して演奏できる7つの作品から構成されているが、当初から全体として構想されていた。^{[ 32 ] [ 33 ]}

作曲家自身の言葉によれば：

1990年代初頭、私はオーケストラ作品に付き物である10分から20分程度の演奏時間から脱却したいと考えていました。長編交響曲の依頼が来なかったため、じっくりと時を待つことにしました。7つの独立したエピソードが内側から再生し、新たな可能性を育み、残された隙間から増殖していく、拡張された複雑な形式を夢見ていました… ^{[ 32 ]}

このサイクルではオーケストラを大きなソロ楽器として扱っており^{[ 32 ] [ 34 ]}、デュサパンが伝統的な交響曲の考え方に最も近いものとなっている。^{[ 32 ]}

現在のプロジェクト

2016年5月、アリサ・ワイラースタインとシカゴ交響楽団は、デュサパンの2番目のチェロ協奏曲『アウトスケープ』を初演し、批評家から好評を博した。^{[ 35 ] [ 36 ]}同年、デュサパンはCERNの芸術プログラムの枠組みでジュネーブに招待された。^{[ 37 ]}

彼の最新オペラ『マクベス アンダーワールド』は、2019年9月にブリュッセルのモネ劇場で初演されました。

作品一覧

ソロインストゥルメンタル

• インサイド、ヴィオラのための（1980）
• インチーサ（チェロのための）（1982）
• クラリネットのための「もしも」（1984）
• アイテム、チェロのための（1985）
• 伊藤 バスクラリネットのための（1985）
• Ici、フルートのための（1986）
• ヴァイオリンのための「イティ」（1987）
• トロンボーンのための（1987）
• フルートのための「I Pesci」（1989）
• イン・エ・アウト（コントラバスのための）（1989）
• チェロのための「インヴェス」（1991）
• イプソ（クラリネットのための）（1994）
• チェロのための「イマー」（1996）
• ヴィオラ部門（2000年）
• ピアノのための9月の練習曲 (1999–2001)
• チェロのための「イマーゴ」（2001）
• レイ・マンザレクのオルガンのための記憶、オマージュ暗号とモノモーダル (2008)
• バスクラリネットのための「イクトゥス」（2008–2009）
• In Vivo 独奏ヴァイオリンのための (2015)

チャンバー

• 弦楽三重奏のための「逃亡音楽」（1980）
• トロワ・インスタント2クラリネットと3チェロのための (1980)
• 弦楽四重奏曲第1番（1982–1996）
• ポコ・ア・ポコ（1986）
• スライ、トロンボーン四重奏のための（1987）
• クラリネットとコントラバスのための「ラップス」（1988）
• Neuf Musiques pour «Le Fusil de chasse»、クラリネット、トロンボーン、チェロのための (1989)
• 弦楽四重奏曲第2番「タイムゾーン」（1989年）
• アタッカ、2本のトランペットとティンパニを注ぐ (1991)
• 金管五重奏のための「スタンツェ」（1991）
• オヒメ、ヴァイオリンとヴィオラのための、ベスティ・ジョラスへのオマージュ（1992）
• 弦楽四重奏曲第3番（1993）
• クラリネットとチェロのための「オヘ」（1996）
• 弦楽四重奏曲第4番（1997）
• トリオ・ロンバッハ（ピアノ、ヴァイオリンまたはクラリネットとチェロのための、1997年）
• 弦楽四重奏曲第5番（2004–2005）
• 弦楽四重奏曲第6番（2009年）、オーケストラ付き
• 弦楽四重奏曲第7番（2009）
• マイクログラム、弦楽三重奏のための7つの小品（2011）
• ところで、クラリネットとピアノのための（2014）
• スラックライン、チェロとピアノのための（2015）
• ヴァイオリンとピアノのための「フォルマ・フルエンス」 (2018)

オーケストラとアンサンブル

• 沈黙の思い出（1976年）
• ル・バル（1978）
• ティメ（1978）
• ラ・リヴィエール、オーケストラのための (1979)
• 9つの管楽器のための「Musique captive」（1980）
• トレ・スカリーニ、オーケストラのための (1981–1982)
• フィスト（1982）
• ホップ（1983–1984）
• ラ・カンバセーション（1984）
• フローベールを注ぐトレーズ小品 (1985)
• アッサイ（管弦楽版、1985年）
• ハロ（1987）
• コーダ（1992）
• オーケストラのための7つのソロ（1992–2009）
  • ゴ、オーケストラのためのソロ第1番（1992年）
  • エクステンソ、オーケストラのためのソロ第2番 (1993–1994)
  • アペックス、オーケストラのためのソロ第3番（1995）
  • クラム、オーケストラのためのソロ第4番（1997–1998）
  • エクシオ、オーケストラのためのソロ第 5 番 (2002)
  • レベルソ、オーケストラのための独奏第6番 (2005–2006)
  • アンカット、オーケストラのためのソロ第7番（2009）
• 弦楽オーケストラのための「Khôra」（1993）
• ループ、2つのチェロ四重奏曲（1996）
• カスキャンド（1997）
• ペレラ組曲（管弦楽版、2004年）
• ロングアイランドの朝（2010）

コンチェルタンテ

• フルート
  • ラヴェン、フルート協奏曲 (1980–1981)
  • ガリム、フルートと弦楽オーケストラのための「レクイエス・プレナ・オブレクテーションイス」 (1998)
• チェロ
  • チェロ協奏曲（1996）
  • アウトスケープ、チェロ協奏曲（2016）
• バイオリン
  • クワッド、『ジル・ドゥルーズの追悼』、ヴァイオリンと15人の音楽家のための（1996）
  • アウフガング、ヴァイオリン協奏曲 (2011–2012)
• ピアノ
  • ア・キア、ピアノ協奏曲 (2002)
  • ジェツト・ゲナウ！ピアノと6つの楽器のための協奏曲 (2012)
• 他の
  • アリア、クラリネット協奏曲（1991）
  • ワット、トロンボーン協奏曲（1994）
  • Swim-Two-Birdsにて、ヴァイオリンとチェロのための二重協奏曲（2017）
  • オルガンとオーケストラのための「Waves」（2019）

ボーカル

• イギトゥール（1977）
• ルーメン（1977）
• 2つのソプラノと3つのヴァイオリンのための「男のためのリアン」 (1978)
• 心響（ソプラノとピッコロフルートのための）（1981）
• ニオベ・オ・ル・ロシェ・ド・シパイル (1982)
• 神に捧ぐ、ソプラノとクラリネット（またはソプラノサックス）のための（1985）
• 2人の女性の声とアンサンブルのための「ミミ」（1986–1987）
• アクス（1987）
• レッド・ロック、『ロメオとジ​​ュリエット』より (1987)
• アナコルテ（1987）
• O.のための、2つの女性声楽と2つのクラリネットのための（1988）
• ソプラノとバスクラリネットのための「So Full of Shapes is Fancy」（1990）
• コモエディア（1993）
• カント（ソプラノ、クラリネット、チェロのための）（1994）
• トゥー・ウォーキング、二人の女性の声のための5つの小品（1994）
• ドナ・アイス（1998）
• モモ（2002）
• オ・ベリオ、ソプラノと13の楽器のための（2006）
• おおメンシュ！ (Inventaire raisonné de quelques Passions Nietzschéennes)、バリトンとピアノのための (2008–2009)
• ベケットの『ボーンズ』ソプラノ、クラリネット、ピアノのための（2013）
• Wenn du dem Wind... (3 scènes de l'opéra Penthesilea) メゾソプラノとオーケストラのための (2014)
• 女性声楽とピアノのための『Wolken』 （2014）

オペラ

• ロメオとジ​​ュリエット(1985–1988)
• メデアマテリアル（1990–1991）
• 『ラ・メランコリア』（1991年）
• 歌われるために（1992–1993）
• Perelà, uomo di fumo (2001)
• フォースタス、最後の夜（2003–2004）
• パッション（2009）
• ペンテシレイア（2015）
• マクベス アンダーワールド（2019）
• イル・ビアッジョ（2022）

合唱

• セミノ（1985）
• イル・リ・コ（1987）
• グラナム・シナピス（1992–1997）
• 混声合唱のための「ウンブラエ・モルティス」（1997）
• ディスピュータティオ（児童合唱、混声合唱、弦楽オーケストラ、打楽器、グラスハーモニカのための、2014年）

認識

デュサパンは以下の賞を受賞しています。

• 1979 – エルヴェ・デュガルダン賞 (SACEM)
• 1981～83年 ローマのヴィラ・メディチ奨学生
• 1993–94 – リヨン国立管弦楽団の作曲家として活躍
• 1993 – アカデミー・デ・ボザール賞
• 1993 – 批評総合賞 (批評家協会賞)
• 1994年 – SACEM交響音楽賞
• 1995年 - フランス文化省よりフランス国立音楽大賞を授与される
• 1998年 - リヨン国立管弦楽団が録音したCDにより1998年にヴィクトワール・ド・ラ・ミュージック賞を受賞、2002年には「年間最優秀作曲家」に選出。
• 2007年 –ダン・デイヴィッド賞（ズビン・メータと共同受賞）

2019年、ガーディアン紙の記者たちは『パッション』（2008年）を2000年以降の芸術音楽の中で14番目に優れた作品にランク付けし、ティム・アシュリーは「この楽譜はモンテヴェルディやフランスのバロック音楽に微妙に言及しているが、それが作り出す音の世界はデュサパン独自のものであり、緊張感があり、静かに魅惑的で、厳粛な美しさがある」と書いている。^{[ 38 ]}

参考文献

注記

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16. ストイノヴァ「熱狂的な音楽」、187。
17. ストイノヴァ著『熱狂的な音楽』188ページにあるデュサパンの作曲過程に関する引用を参照。
18. ストイノヴァ「熱狂的な音楽」、188。
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出典

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• アンダーソン、ジュリアン「デュサパン、パスカル」ブライアン・モートンとパメラ・コリンズ編『現代作曲家』250-52頁。シカゴ：セント・ジェームズ・プレス、1992年。
• カゼ、アントワーヌ (2006)。「リリズム」。Silages Critiques (8): 159–171 . doi : 10.4000/sillagescritiques.593。2013 年9 月 20 日に取得。
• カゼ、アントワーヌ。「『パ・ド・ドゥ』：デュサパンが歌う／歌われるシュタイン」ミシェル・デルヴィルとクリスティーヌ・パグヌール編『サウンド・アズ・センス：現代アメリカ詩と／音楽の中で』所収、141-53ページ。新比較詩学11。ブリュッセル、ベルギー：欧州大学出版局 – ピーター・ラング、2003年。
• コーエン＝レヴィナス、ダニエル。 「最も音楽的な作曲家。」 『Causeries sur la musique: Entretiens avec des複合体』、ダニエル・コーエン＝レヴィナス編、203–50。パリ：『リティネレール』、1999年。
• グラボッツ、マルタ. 「現代オペラにおけるイニシアーションの原型と静的時間性：フランソワ＝ベルナール・マーシュ、パスカル・デュサパン、グアルティエロ・ダッツィの作品」マイケル・L・クラインとニコラス・レイランド編『 1900年以降の音楽と物語』101-24ページ。ブルーミントン、インディアナ州：インディアナ大学出版局、2013年。
• ストイアノヴァ、I.「パスカル・デュサパン：熱狂的な音楽」コンテンポラリー・ミュージック・レビュー8、第1号（1993年）：183-96。

外部リンク

• 作曲家の出版社デュラン・サラベール・エシヒのデュサパンのページ
• classicalsource.com のコンサートと CD のレビュー
• 略歴、アンサンブル・ソスペソ
• 生ける作曲家プロジェクトによる経歴と作品リスト
• 2007年ダン・デイビッド賞受賞者
• 「パスカル・デュサパン」（略歴、作品、リソース）（フランス語と英語）。IRCAM。