スタジオシステム

スタジオシステムとは、映画の製作と配給を少数の大規模映画スタジオが独占する映画製作方式である。この方式は、ハリウッド黄金時代初期の1927年（トーキー映画の導入）から1948年（スタジオシステムの衰退の始まり）にかけてのハリウッド映画スタジオを指すのに最もよく用いられる。この時代、スタジオは主に自社の映画製作ロットでクリエイティブスタッフと長期契約を結び、垂直統合、すなわち配給会社と興行会社の所有または実質的な支配によって興行を支配し、ブロックブッキングなどの操作的なブッキング手法によって映画の追加販売を保証していた。

ハリウッドの黄金時代には、8 つの会社が主要なスタジオを構成し、ハリウッドのスタジオ システムを広めました。この 8 つの会社のうち 5 つは、オリジナルのビッグ ファイブとして知られる完全に統合された複合企業であり、製作スタジオ、配給部門、大規模な映画館チェーンを所有し、出演者や映画製作者と契約していました。メトロ ゴールドウィン メイヤー(米国最大の映画館チェーンの所有者であるロウズ インコーポレイテッドが所有)、パラマウント ピクチャーズ、ワーナー ブラザース、20 世紀フォックス、およびRKO ラジオ ピクチャーズ(これら 5 つのうち最後の会社で、1928 年に設立されました) です。またこの頃、リトル スリーの主要マイナーのうち 2 つ (コロンビア ピクチャーズとユニバーサル ピクチャーズ) も同様に組織されていましたが、小規模な映画館のサーキットしかありませんでした。3 つ目 (ユナイテッド アーティスツ) は少数の映画館を所有し、支配パートナーシップ グループのメンバーが所有する 2 つの製作施設にアクセスできましたが、主に後援配給会社として機能し、独立系プロダクションに資金を提供し、その映画を公開しました。

ウォルト・ディズニー・カンパニーは1923年に設立されましたが、当初はアニメーションスタジオであり、独自の映画館を所有していなかったため、大手スタジオと肩を並べる存在とはみなされていませんでした。ディズニーは1940年代に実写映画にも進出し、1986年には新たな「ビッグ6」の一つに数えられるまでに成長しました。皮肉なことに、これらのスタジオの中で、1940年代に設立され、現在まで同じ会社として継続して運営されているのはディズニーだけです。パラマウントやワーナー・ブラザースのように、21世紀まで存続したスタジオでさえ、幾度かの合併や再編を経験しています。

1948年、最高裁判所は独占禁止法に基づきスタジオシステムを争点とし、制作と配給・上映の分離を求める判決を下しました。この判決は、スタジオシステムの終焉を早めるものでした。テレビ局が視聴者獲得を競い合い、大手制作スタジオと映画館チェーンの運営上の最後の繋がりが断たれた1954年までに、スタジオシステムの歴史的時代は幕を閉じました。

音とビッグファイブ

1927年と1928年は、ハリウッド黄金時代の幕開けであり、アメリカ映画界におけるスタジオシステムの支配を確立するための最終段階と一般的に考えられています。1927年の『ジャズ・シンガー』は、長編映画史上初の「トーキー」（実際、ほとんどのシーンは生録音ではありませんでした）として成功を収め、当時中規模スタジオだったワーナー・ブラザースに大きな弾みをつけました。翌年には、映画業界全体にトーキーが導入され、ワー​​ナー・ブラザースはさらに2本のヒット作を生み出しました。『歌うフール』、『ジャズ・シンガー』のさらに収益性の高い続編、『ニューヨークの灯』です。同様に重要なのは、オフスクリーンにおける数々の展開です。潤沢な収益を得たワーナー・ブラザースは、1928年9月に広大なスタンリー映画館チェーンを買収しました。1か月後、同社はファースト・ナショナル・プロダクションズの経営権を取得しました。ファースト・ナショナルは、少し前まではワーナー・ブラザースよりも知名度が高かった会社です。ファースト・ナショナルの買収により、135エーカー（55ヘクタール）のスタジオとバックロットだけでなく、さらに大規模な映画館群も取得しました。

黄金時代のハリウッド複合企業「ビッグ5」の最後を飾る企業、RKOピクチャーズは1928年に登場した。デビッド・サーノフ率いるラジオ・コーポレーション・オブ・アメリカ（RCA ）は、親会社ゼネラル・エレクトリックが所有する映画音響特許（新たに商標登録されたRCAフォトフォン）を活用する方法を模索していた。大手映画製作会社がこぞってウェスタン・エレクトリックとその技術の独占契約を結ぶ準備をしていたため、RCAも自ら映画事業に参入した。1月、ゼネラル・エレクトリックは、後の大統領ジョン・F・ケネディの父、ジョセフ・P・ケネディが所有する配給会社兼小規模製作会社のフィルム・ブッキング・オフィス・オブ・アメリカ（FBO）の株式を相当取得した。10月、一連の株式譲渡により、RCAはFBOとキース・アルビー・オーフィウム映画館チェーンの経営権を獲得し、これらを1つの企業に合併してラジオ・キース・オーフィウム・コーポレーションを設立し、サーノフが取締役会長を務めた。 RKO とワーナー・ブラザース (間もなくワーナー・ブラザース・ファースト・ナショナルとなる) がフォックス、パラマウント、ロウズ/MGM に加わり、 30 年間存続するビッグ 5 が誕生しました。

RKO は例外だったが、西海岸のスタジオのトップ、いわゆる「映画界の大物」たちは、ほとんどが何年もその地位にいた。MGMのルイス・B・メイヤー、ワーナー・ブラザースのジャック・L・ワーナー、パラマウントのアドルフ・ズーカー、ウィリアム・フォックスとダリル・F・ザナック(1935 年から 20 世紀フォックス)、ユニバーサルのカール・レムリ、コロンビアの ハリー・コーンなどである。

メジャーリーグの支配と最初の衰退

ビッグファイブの収益性（市場シェアと密接に関連）の順位は、黄金時代にはほぼ一定していた。MGMは1931年から1941年まで11年連続で第1位だった。初期のトーキー時代（1928年から1930年）に最も収益性の高いスタジオだったパラマウントは、その後の10年間の大部分で衰退し、MGMの支配期間の大半でフォックスは第2位だった。パラマウントは1940年に着実に上昇し始め、2年後についにMGMを上回った。それ以降、1949年の再編まで、ビッグファイブの中で再び最も経済的に成功したスタジオだった。MGM以外のすべての会社が赤字を出し、RKOが競合他社よりもいくらか損失が少なかった1932年を除いて、RKOは黄金時代の毎年、最下位から2番目、または（通常は）最下位であり、ワーナーも概ね最後尾に並んでいた。小規模なメジャーレーベルであるリトルスリーの中では、ユナイテッド・アーティスツが確実に後方を守り、コロンビアは1930年代に最も強く、ユニバーサルは1940年代の大半で先頭を走った。[ 1 ]

ハリウッドの成功は大恐慌時代に高まったが、それは映画が観客の個人的な困難からの逃避に役立ったためかもしれない。フランクリン・デラノ・ルーズベルト大統領はシャーリー・テンプルについて、「この恐慌のどの時期よりも国民の精神が落ち込んでいる時に、アメリカ人がたった15セントで映画館に行き、赤ん坊の笑顔を見て悩みを忘れられるというのは素晴らしいことだ」と述べた。[ 2 ]スタジオは毎年最大70本の映画を公開した。[ 3 ] 1939年までに、米国には15,000の映画館があり、これは銀行の数を上回った。人口1人あたりの映画館数は1980年代半ばの2倍だった。映画産業は事務機器産業よりも規模が大きかった。収益では14位に過ぎなかったが、役員が受け取る利益の割合では2位であった。ビング・クロスビーやクローデット・コルベールなどのトップスターは年間40万ドル以上（現在の価値で904万2105ドル[ 4 ]）の報酬を得ていました。[ 5 ]

システムの終焉とRKOの死

スタジオシステムを支える手法の一つに、ブロックブッキング、つまり複数の映画を一つのユニットとして劇場に販売するシステムがありました。1940年代の大半は5本の映画を一つのユニットとして販売するのが標準的なやり方でしたが、このユニットには特に優れた映画が1本だけ含まれ、残りは質の低いA予算映画やB級映画が混在していました。[ 6 ]ライフ誌が1957年にスタジオシステムを回顧した記事の中で、「それは良い娯楽でも芸術でもなく、制作された映画のほとんどは凡庸でしたが、同時に利益も一様に上がっていました…100万ドルの凡庸さこそがハリウッドのまさに屋台骨でした」と記しています。[ 7 ]

1948年5月4日、パラマウント事件として知られる連邦反トラスト訴訟（ビッグファイブ全体に対する訴訟）において、米国最高裁判所はブロックブッキングを明確に違法とした。最高裁判所は、複合企業が実際に反トラスト法に違反していると判断し、その欠陥をどのように是正すべきかについて最終判断を控えたが、事件は、離婚（興行権と製作・配給事業の完全な分離）が解決策であると示唆する文言とともに、差し戻された。しかし、ビッグファイブは、既に得意としてきたように、何年も訴訟を長引かせ続けるという決意で一致しているように見えた。結局のところ、パラマウント訴訟は元々1938年7月20日に提起されていたのである。

しかし、長らくコングロマリットの中で最も財政的に不安定だったRKOでは、水面下では、この判決がスタジオに有利に働く展開と見られるようになった。判決が言い渡された同じ月に、億万長者のハワード・ヒューズが同社の経営権を取得した。RKOはビッグ5の中で所有する映画館数が最も少なかったため、ヒューズは、離婚ドミノ効果を起こすことで、自社のスタジオを競合他社とより対等な立場に立たせることができると判断した。ヒューズは、連邦政府に対し、映画事業の分割を義務付ける同意判決を締結する意思を示した。この合意に基づき、ヒューズはスタジオをRKOピクチャーズ・コーポレーションとRKOシアターズ・コーポレーションの2つの事業体に分割し、特定の期日までにどちらかの株式を売却することを約束した。ヒューズの離婚への譲歩の決断は、ビッグ5の他の企業の弁護士が主張した、そのような分割は実現不可能であるという主張を完全に覆すものとなった。

今日では多くの人が5月の判決を指摘するが、実際には、1948年11月8日に署名されたヒューズと連邦政府との合意こそが、ハリウッド黄金時代の終焉を告げる真の契機となった。パラマウントはすぐに屈服し、翌年2月に同様の同意判決を締結した。長年にわたり分離独立に抵抗してきたパラマウントは、大手映画スタジオの中で最初に、予定より早く分割を決定し、1949年12月31日に売却を完了した。この時、アメリカ合衆国には19,000の映画館があった。[ 8 ]

ヒューズと連邦当局との協定、そしてその後すぐに続いた他のスタジオとの協定により、スタジオシステムはその後5年間存続した。新たな状況に適応し、最も速やかに成功を収めた大手スタジオは、最も小規模なユナイテッド・アーティスツだった。1951年に就任した新経営陣の下、ピックフォード＝フェアバンクスの制作施設とのリース契約を解消することで諸経費を削減し、独立系プロデューサーとの新たな関係（今では直接投資を伴うことが多い）を構築した。これは、ハリウッドがその後ますます模倣することになるビジネスモデルであった。30年間業界を組織してきたスタジオシステムは、最後の抵抗勢力であったロウズがMGMとの業務上の関係をすべて断絶した1954年についに終焉を迎えた。

ヒューズの策略はスタジオシステムの打破にはつながったものの、RKOにはほとんど役立たなかった。彼の破壊的なリーダーシップと、業界全体に影響を及ぼしていたテレビへの視聴者流出が相まって、スタジオは大きな打撃を受け、それはハリウッドの観察者にも明らかだった。1952年、ヒューズがRKO株から撤退しようとしたとき、彼は映画経験のないいかがわしいディーラーが率いるシカゴを拠点とするシンジケートに頼らざるを得なかった。この取引は失敗に終わり、1953年にRKO映画館チェーンが命令により最終的に売却されたとき、ヒューズが再び経営に復帰した。同年、 10年の歴史を持つ小規模な放送部門を拡大していたゼネラル・タイヤ・アンド・ラバー社が、RKOの映画ライブラリを番組制作に利用できないかとヒューズに打診した。1954年12月、ヒューズはRKOピクチャーズのほぼ完全な所有権を取得し、翌年夏にはゼネラル・タイヤ社にスタジオ全体の売却を完了させた。

新しいオーナーたちは、大切にしていたライブラリーのテレビ放映権を飲料会社の子会社であるC&Cテレビに売却することで、すぐに資金の一部を取り戻した。(RKOは、ゼネラル・タイヤが買収した数少ないテレビ局の放映権を保持した。) この契約により、C&Cが地方局に送る前に、映画からRKOのアイデンティティが取り除かれ、地球とラジオ塔を描いた有名なオープニングロゴや、スタジオの他のトレードマークも削除された。

ハリウッドに戻ると、RKOの新しいオーナーたちは映画製作事業でほとんど成功を収めておらず、1957年までにゼネラル・タイヤ社は製作を中止し、RKOの主要設備をルシル・ボールとデジ・アーナズの製作会社であるデシル社に売却した。ユナイテッド・アーティスツ社と同様に、RKOもスタジオを持たなくなった。UAとは異なり、古い映画をほとんど所有しておらず、新作の製作で利益を上げることもなかった。1959年、RKOは映画事業から完全に撤退した。

ヨーロッパとアジアでは

スタジオシステムは主にアメリカの現象として認識されていますが、他の国の映画製作会社もハリウッドのビッグファイブと同様の方法で完全な統合を達成し、維持していた時期がありました。歴史家ジェームズ・チャップマンは次のように述べています。

英国では、完全な垂直統合を実現した企業はわずか2社（ランク・オーガニゼーションとアソシエイテッド・ブリティッシュ・ピクチャー・コーポレーション）しかない。ある程度の垂直統合が実現した他の国としては、1920年代のドイツ（ユニヴァーサム・フィルム・アクティエンゲゼルシャフト、またはUfa）、1930年代のフランス（ゴーモン＝フランコ＝フィルム＝オーバールとパテ＝ナタン）、そして日本（日活、松竹、東宝）が挙げられる。香港では、ショウ・ブラザーズが1950年代から60年代にかけて武侠映画にスタジオシステムを採用した。インドは、自国市場とアジア系移民市場の両方で優位に立っており、米国映画産業の唯一の強力なライバルと言えるが、対照的に、いかなる程度の垂直統合も達成していない。[ 9 ]

例えば、1929年には日本の映画館の約75%が、当時の二大スタジオである日活か松竹の傘下でした。[ 10 ]

システム後

私たちは、個人ではなく企業と取引するようになりました。

— コロンビア映画のハリー・コーン、1957年[ 7 ]

星駆動システム

1950年代、ハリウッドは3つの大きな課題に直面しました。パラマウント事件によるスタジオシステムの終焉、テレビの新たな人気、そして消費者支出の増加による観客への多様な娯楽の選択肢の創出です。興行成績の成功と失敗の規模は共に拡大し、以前の時代であれば興行収入をあげていたであろう映画が「危険な中間層」を形成しました。1957年、ある映画監督は「今日、絶対的な失敗は100万ドルの凡庸な作品を作ることだ。そんな作品を作ると、投資額だけでなく、財産まで失う可能性がある」と述べました。この年までに、ハリウッドの長編映画製作本数は年間約300本にまで減少しました。これは1920年代の約700本を大きく下回る数字です。[ 7 ] 20世紀フォックスのトップであるダリル・F・ザナックは、1956年から1962年までスタジオとは直接関わっていなかった。[ 11 ]また、1951年にMGMから解雇されたルイス・B・メイヤーは1957年に亡くなった。[ 12 ] 翌年に亡くなったコロンビアのハリー・コーンは、 [ 13 ]スタジオの1957年度年次報告書で投資家に次のように伝えている。

私たちは、これらの才能ある人材（スター、監督、プロデューサー、脚本家）をめぐる熾烈な競争市場に身を置いています。今日の税制では、私たちが取引している人々への給与よりも、キャピタルゲインを得る機会の方が魅力的ではありません。そのため、私たちは個人ではなく法人と取引することになります。また、かつてのような保証された給与ではなく、映画の利益の一定割合で取引せざるを得なくなっています。これはトップスターの間で特に顕著です。[ 7 ]

スタジオシステムの終焉後、ほとんどの俳優はフリーランスになった。 [ 14 ]資金提供者は失敗のリスクを減らすため、プロジェクトにスター俳優、監督、脚本家をますます要求した。1957年までにハリウッドの総収入の40～50%を占める海外市場の重要性の高まりも、スターの名前が興行収入の魅力として重要になった。新たな力を得た「無償で働く」こと、つまり給料の代わりに利益の一定割合を受け取ることは、スターのステータスシンボルとなった。トップ俳優は最低限の保証付きで利益の50%、つまり総収入の10%を期待できた。例えばケーリー・グラントは『泥棒を捕まえろ』 （1955年）で総収入の10%から70万ドル以上（2024年の640万ドルに相当）を受け取ったが、監督兼プロデューサーのアルフレッド・ヒッチコックは5万ドル未満しか受け取らなかった。極端な例として、パラマウントはマーロン・ブランドに『片目のジャック』 （1961年）の利益の75%を支払うと約束した。（ハリウッドの会計基準により、スタジオは利益分配前の収益の大部分を依然として受け取っていたため、総収入の10%よりも利益の50%を優先した。）この高額な報酬は、 MCAのルー・ワッサーマンのようなタレントエージェントの権力を増大させ、彼の事務所は後に「フォート・ノックス」というニックネームで呼ばれるようになった。[ 7 ]

1957年までに、アメリカの長編映画の50%は独立系プロデューサーによって制作されていた。グレゴリー・ペックやフランク・シナトラといったトップ俳優たちは、他社に依頼するだけでなく、自ら製作会社を設立し、脚本を購入した。ジョージ・スティーブンス、ビリー・ワイルダー、ウィリアム・ワイラーといったトップ独立系監督たちも、スター俳優の起用が功を奏し、報酬が増加した。スタジオは、自ら映画を製作するのではなく、独立系プロデューサーに資金や設備を提供するようになり、ユナイテッド・アーティスツのように配給に注力するようになった。テレビがハリウッドにダメージを与えていた一方で、デシルなどのテレビ製作会社や映画スタジオのテレビ部門は、使われていなかった設備を活用することで業界を救った。[ 7 ]

シンジケーション、テレビ、不況、そして複合企業ハリウッド

1960年代初頭、大手スタジオはシンジケーション用に古い映画を再発行し始め、テレビ番組の需要を満たすために主にテレビ映画やB級映画の製作に転換した。 [ 15 ]：17 映画業界は、巨額予算の失敗もあって深刻な不況に見舞われたが、すぐに『ゴッドファーザー』（1972年）や『エクソシスト』（1973年）などの映画で芸術的に回復した。

スティーヴン・スピルバーグの『ジョーズ』（1975年）[ 16 ] [ 17 ]とジョージ・ルーカスの『スター・ウォーズ』 （1977年）は現代のブロックバスター映画の原型となった。[ 15 ] :19 『ジョーズ』以前は、ほとんどの映画がまずいくつかの主要都市で公開され、その後、それらの市場での反応に基づいて「二次市場」である全国に広がっていった。このシステムは「プラットフォーム化」と呼ばれていた。[ 17 ]『ジョーズ』は代わりに全国で直ちに同時公開され、70万ドルのテレビ広告予算（ネットワークテレビで予告編が公開された初めてのケース）と広範囲な宣伝用商品によって支えられた。[ 17 ]ルーカス監督の『スター・ウォーズ』の続編、『帝国の逆襲』 『ジェダイの帰還』 、スピルバーグ監督の『レイダース/失われたアーク《聖櫃》』『E.T.』の立て続けの成功、そしてホームビデオとケーブルテレビの発達により、数百もの劇場で映画が公開されることが当たり前になった。一方、『天国の門』（1980年）は予算が制御不能で興行収入も低迷したため、翌年ユナイテッド・アーティスツはMGMに売却された。

1990年から1995年にかけて、ニューハリウッドはより複合的なハリウッドへと変貌を遂げ、あっという間に世界のエンターテインメント産業全体を支配するようになった。[ 15 ] : 25–26 今日、垂直統合型の黄金時代の大手5社のうち2社（パラマウントとワーナー・ブラザース）は、大小さまざまなユニバーサルやソニー・ピクチャーズ（コロンビアとトライスターの合併で誕生）とともに、ハリウッドの大手スタジオ企業として存続している。これら3社は、いずれも、より大規模なメディア複合企業に買収・合併された様々な企業に引き継がれた。さらに、1986年には、ウォルト・ディズニー・スタジオがMGMに代わって大手として台頭し、「ビッグ6」を維持していたが、2019年初頭に20世紀フォックスを買収して再び「ビッグ5」となった。ディズニーを除いて、今日のビッグ ファイブの主要スタジオのうち他の 4 社 (パラマウント、ソニー ピクチャーズ、ユニバーサル、ワーナー ブラザース) は、基本的に古典的なビッグ ファイブ (当時のパラマウントとワーナー ブラザースに加えて 20 世紀フォックス、MGM、RKO) ではなく、昔のユナイテッド アーティスツのモデルに基づいています。つまり、実際の制作会社ではなく、主に後援配給会社 (および物理的なスタジオのリース会社) です。

1996年、タイム・ワーナーはターナー・ブロードキャスティング・システムを買収し、かつて独立系だったニュー・ライン・シネマを買収した。2008年、ニュー・ラインはワーナー・ブラザースに合併され、現在も子会社として存在している。今日のビッグ・ファイブはそれぞれ、パラマウント・ヴァンテージなどの準独立系の「アートハウス」部門を管理している。ミラマックス・フィルムズ（元々は独立系スタジオだった）は2010年までディズニーの所有だった。また、ほとんどの企業は、文字通り低予算のため、あるいは精神的にB級映画と呼ばれるジャンル映画に焦点を当てた部門を持っている（ソニーのスクリーン・ジェムズがその一例）。いわゆるインディーズ部門であるユニバーサルのフォーカス・フィーチャーズは、その主要ブランドでアートハウス映画を公開している。フォーカスとディズニーのアートハウス部門であるサーチライト・ピクチャーズはどちらもミニメジャーと呼べるほどの規模がある。ライオンズゲートと前述のMGM（ 2022年にAmazonが買収）の2つの大手独立系企業もミニメジャーとみなされる。彼らは、昔の「メジャー・マイナー」の現代版（ちょうど 1930 年代と 1940 年代のコロンビアとユニバーサルのような、ただしライオンズゲートが彼らの市場シェアの約半分を占めている）と、サミュエル・ゴールドウィン社やデヴィッド・O・セルズニックの会社など、黄金時代を代表する独立系製作会社との中間に位置している。

独立時代と第二の衰退の始まり

2010年代半ば、大手スタジオは、より幅広い世界中の観客にアピールする映画の製作へと方向転換した。成功した作品は、2019年に全世界で27億9,900万ドルの売り上げを記録した『アベンジャーズ/エンドゲーム』のように大きな収益を生み出した。しかし、製作費とマーケティング費の大幅な上昇によって財務リスクが大幅に高まり、 『インディ・ジョーンズ/ダイアル・オブ・デスティニー』などの製作費が3億ドルを超える作品は、ディズニーに推定1億4,300万ドルの損失をもたらした。観客が映画館から離れ始め、これが第二次衰退の一因となった。この新たな衰退によって、独立系映画会社がアカデミー作品賞で大手スタジオの映画を凌ぐ映画を製作する機会が開かれた。映画芸術科学アカデミー（毎年アカデミー賞を授与）は通常、フランチャイズ映画ではなく芸術的・科学的価値のある映画に作品賞を授与する。近年では、『スポットライト』（Open Road、2015年）、『ムーンライト』（A24、2016年）、『パラサイト半地下の家族』 （CJ / Neon、2019年）、『CODA』（Apple TV+、2021年）といったインディーズ映画が数々の賞を受賞したことが、他の大手スタジオ映画の興行収入に顕著な影響を与えている。インディーズ映画が継続的に称賛されていることは、成功は映画のフォーマット（3D、ストリーミング独占、IMAXなどの大型フォーマット）に依存しないことを意味している。カンヌ映画祭の最近の結果や、これらの賞を受賞するアメリカ映画が少ないことも、インディーズ映画の優位性に影響を与えている可能性がある。

COVID -19危機により観客が映画館からNetflix、Hulu、Apple TV+などのストリーミングサービスに切り替え始めたため、さらなる減少につながった。

参照

参考文献

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出典

出版

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