ニューハリウッド

ニューハリウッド
ボニーとクライド（1967年）は、ニューハリウッドを象徴する映画の一つである。
活動年数1960年代半ばから1980年代初頭[ 1 ]
位置アメリカ合衆国
影響
影響を受けた

ニューハリウッド、ハリウッド・ルネサンス、あるいはアメリカン・ニューウェーブは、 1960年代半ばから1980年代初頭にかけてアメリカ映画史において台頭したムーブメントであり、 [ 1 ]新世代の映画製作者が台頭した時期である。彼らは、制作される映画の種類、制作とマーケティング、そして大手スタジオの映画製作へのアプローチに影響を与えた。[ 7 ]ニューハリウッド映画では、スタジオではなく映画監督が重要な作家的役割を担った。[ 8 ]

「ニュー・ハリウッド」の定義は、論者によって様々であり、ある者はそれを一つの運動と定義し、またある者は一つの時代と定義する。この時代の範囲も、その統一性と同様に議論の対象となっている。トーマス・シャッツのような論者は、ニュー・ハリウッドは複数の異なる運動から成り立っていると主張する。この運動期に制作された映画は、その物語がしばしば古典的な規範から逸脱しているという点で、様式的に特徴づけられる。スタジオ・システムの崩壊とテレビの台頭により、映画の商業的成功は減少した。[ 8 ]

ニューハリウッド初期の成功した映画には『ボニーとクライド』[ 9 ] 、『卒業』[ 10 ] [ 11 ]、『イージー・ライダー』[ 12 ]などがあるが、興行的に失敗しこの時代の終わりを告げた映画には『ニューヨーク、ニューヨーク』、『聖なる夜』、『天国の門』、 『みんな笑った』、『ワン・フロム・ザ・ハート』などがある。[ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]

これは、トム・ブロコウが司会を務めた1990年のNBCニュース特別番組のタイトルでもある。この番組では、1980年代から1990年代初頭にかけてのハリウッド映画界の「新しい」様子が描かれ、大作映画、中予算の個人映画、小規模な独立系映画などが制作されていた。[ 21 ] [ 22 ]

歴史

背景

実際、『ワイルド・エンジェル』はニュー・ハリウッドにとって大ヒットでした。ロジャー・コーマン、ピーター・フォンダ、ナンシー・シナトラが出演したニュー・ハリウッド風の映画でしたが、オールド・ハリウッドとは完全に対照的で、非常にハードエッジで暴力的で、オールド・ハリウッド映画とは全く異なるものでした。私は特に意識していませんでした。その翌年には『ボニーとクライド』が公開されました。『シャドウズ』は60年代初頭に公開されていましたから、あれはまさにオフ・ハリウッド運動の最初の兆候でした。[ 23 ] ―ピーター・ボグダノヴィッチ

パラマウント事件（映画スタジオによる劇場チェーンの一括予約と所有を終わらせた）[ 16 ] [ 24 ]とテレビの出現[ 25 ]（ゴア・ヴィダル、ロッド・サーリング、ジョン・フランケンハイマー、アーサー・ペン、パディ・チャイエフスキー、シドニー・ルメットが若い頃に働いていた）[ 35 ]によって、伝統的なスタジオシステム[ 36 ] [ 37 ]と映画製作コード（またはヘイズ・コード）の両方が著しく弱体化したため、ハリウッドのスタジオは当初、収益性を維持するためにスペクタクルを利用した。テクニカラーははるかに広範囲に使用を開発し、ワイドスクリーンのプロセスとシネマスコープ、ステレオサウンド、 3Dなどのその他の技術の改善が、減少する観客を維持し、テレビに対抗するために発明された。しかし、これらは一般に利益を増やすことには役に立たなかった。[ 38 ] 1957年までに、『ライフ』誌は1950年代をハリウッドにとって「最悪の10年」と評した。ある報道機関はそれを「ニュー・ハリウッド」と呼んだ。[ 39 ]

1950年代から1960年代初頭にかけて、ハリウッドはミュージカル、歴史大作、そして大型スクリーン、ワイドフレーム、そして改善された音響の恩恵を受けたその他の映画が主流でした。しかし、観客動員数は減少し続け、1960年代半ばには深刻な低水準に達しました。『ドクター・ドリトル』[ 40 ] 、『トラ・トラ・トラ！』[ 41 ]、ジュリー・アンドリュース主演の『スター！』など、数々の高額な失敗作は、 『メリー・ポピンズ』、『ドクトル・ジバゴ』、『サウンド・オブ・ミュージック』の成功を再現しようとして失敗し、スタジオに大きな負担をかけました。[ 42 ] [ 43 ] [ 44 ]イギリスとアメリカのマスコミは、映画監督のアルフレッド・ヒッチコックとハワード・ホークスを「軽薄なエンターテイナーでしかない」と切り捨て、より立派な「アメリカの芸術映画の手本」であるスタンリー・クレイマーの『ニュルンベルク裁判』を賞賛した。[ 3 ]アメリカのアンダーグラウンド映画は、ジョン・カサヴェテス（ 1959年の『影』）とシャーリー・クラーク（ 1961年の『コネクション』）のデビュー作でさえ、通常は「周縁的で偏狭」であると見なされていた。[ 45 ]両者はエスクァイア誌の映画評論家ドワイト・マクドナルドによって賞賛されていた（ジョナス・メカスの1963年の『樹上の銃』のような他のアンダーグラウンド映画には敵対的であったにもかかわらず）。[ 3 ]

1960年代半ばから後半にかけてベビーブーマー世代が成人を迎え始めた頃、「オールド・ハリウッド」は急速に赤字に陥り、映画スタジオは大きく変化した観客層にどう対応すべきか途方に暮れていました。この時期の市場の変化は、 1960年代半ばの高校卒の中年層から、より若く裕福な大学卒の観客層へと変化しました。1970年代半ばには、映画ファンの76%が30歳未満で、そのうち64%が大学に進学していました。[ 46 ]ヨーロッパの芸術系・商業系映画（特にイタリア舞曲、ヌーヴェル・ヴァーグ、マカロニ・ウエスタン）や日本映画[ 47 ]がアメリカで大きな反響を呼んでいた。巨大な不満を抱えた若者の市場は、ミケランジェロ・アントニオーニの『欲望』のような、間接的な物語構成と女性の全裸シーンを特徴とする映画に、関連性と芸術的意味を見出しているようだった。[ 48 ] [ 49 ]

この経済不況の時期と、高額な映画の失敗による損失の後、スタジオは絶望感に襲われ、革新とリスクテイクに転じ、若い監督やプロデューサーによるコントロールが強化されました。[ 50 ]そのため、ヨーロッパの「芸術映画」に親しみを抱く観客を獲得するため、スタジオは多くの若い映画製作者を雇用し、スタジオのコントロールを比較的少なくして映画製作を許可しました。[ 51 ]俳優のジャック・ニコルソン、デニス・ホッパー（カーティス・ハリントン監督の1961年の超常現象スリラー映画『ナイト・タイド』で主演を務め、コーマンのアメリカン・インターナショナル・ピクチャーズが配給した）[ 52 ] [ 53 ]、映画監督のピーター・ボグダノヴィッチなどは、「B級映画の帝王」ロジャー・コーマンに師事した。[ 54 ] [ 4 ] [ 55 ] [ 56 ]一方、有名な撮影監督のヴィルモス・ジグモンドなどは、1962年のアーチ・ホール・ジュニア主演映画『ワイルド・ギター』 [ 57 ]や1963年のホラー・ミュージカル映画『ゾンビごっこ』で知られるレイ・デニス・ステックラーなど、あまり知られていないB級映画監督のもとで働いた。[ 58 ]これに加えて、1965年のフリードマン対メリーランド州裁判によるヘイズ・コードの崩壊[ 59 ] [ 60 ]と、1968年の新しい評価システム[ 61 ] [ 62 ]（市場の細分化の進行を反映して）が、ニュー・ハリウッドの舞台を整えた。[ 63 ]

ボニーとクライドと卒業

ニューハリウッド世代を象徴する映画の一つが『ボニーとクライド』（1967年）である。[ 9 ]ウォーレン・ベイティが製作・主演し、アーサー・ペンが監督を務めた本作は、生々しい暴力とユーモア、そして華やかで不満を抱えた若者というテーマが融合し、観客を魅了した。最終的に、アカデミー賞で助演女優賞（エステル・パーソンズ）[ 64 ]と撮影賞[ 65 ]を受賞した。[ 66 ]

ワーナー・ブラザースのCEO、ジャック・L・ワーナーは1967年夏、『ボニーとクライド』のラフカットを初めて見たとき、ひどく嫌悪した。ワーナー・ブラザースの配給担当幹部もこの意見に同意し、控えめなプレミア上映と限定公開を行った。ニューヨーク・タイムズ紙の中流階級の映画評論家、ボズレー・クラウザーがこの映画を痛烈に批評したことで、彼らの戦略は正当であったことが証明された。「これは安っぽい、露骨なスラップスティック・コメディだ」と彼は書いた。「卑劣で愚かな二人組の恐ろしい略奪行為を、まるでジャズ時代のカットアップ・コメディ『モダン・ミリー』のように楽しく陽気なものとして描いている…」タイム誌やニューズウィーク誌を含む他の批評も同様に否定的だった。[ 67 ]

暴力描写と道徳観の曖昧さ、そして衝撃的な結末は批評家の間で意見が分かれた。ある否定的な批評の後、タイム誌は映画のファンから手紙を受け取った。ジャーナリストのピーター・ビスキンドによると、批評家ポーリン・ケイルがこの映画を肯定的に批評した（1967年10月、ニューヨーカー誌）影響で、他の批評家もそれに倣い、映画を再評価することになった（特にニューズウィーク誌とタイム誌）。[ 68 ]ケイルは映画の登場人物の無邪気さ、そしてその無邪気さと映画の暴力との対比が持つ芸術的価値に注目した。「ある意味では、サディズムの不在、つまりサディズムのない暴力こそが、ボニーとクライドで観客を動揺させるのだ。この無邪気さから生まれる残忍さは、卑劣な殺人者の計算された残忍さよりもはるかに衝撃的である。」ケールはまた、映画の暴力的なクライマックスに対する観客の反応と、アメリカ映画に対する期待の変化を反映して、犯罪者集団の純真さと無邪気さに共感する可能性についても言及した。[ 69 ]

1967年12月のタイム誌の表紙記事は、アメリカン・ニューウェーブ映画とその革新性を称賛した。ステファン・カンファーによるこの影響力のある記事は、『ボニーとクライド』がジャンルの境界を曖昧にし、プロットや動機といった重要な側面を軽視していることで「ニューシネマ」を体現していると主張し、「構想と演出の両面において、『ボニーとクライド』は画期的な作品であり、新しいスタイル、新しいトレンドを示唆する作品だ」と評した。[ 49 ]ビスキンドは、この批評家による批評家の反応と方針転換によって再公開が可能になり、商業的な成功を収め、ニューハリウッドへの移行を反映したと述べている。[ 70 ]この映画の影響は、アメリカン・ニューウェーブの残りの部分、そしてそれに必要な条件を理解する上で重要である。

同年には、若者の反抗を描いた時代を決定づけるヒット作『卒業』も公開された。アン・バンクロフトとダスティン・ホフマンが主演し、人気フォークデュオのサイモン＆ガーファンクルがサウンドトラックを担当し[ 71 ] [ 72 ] [ 73 ] 、マイク・ニコルズが監督を務めた（この作品で唯一のアカデミー監督賞を受賞した）。ベンジャミンという若者が大学を卒業し、両親の伝統的な価値観と偽善的な社会を拒否し、「プラスチック」の世界で将来を築く物語である。[ 74 ] [ 75 ]

これらの初期の成功は、スタジオが革新的な若手映画製作者たちにほぼ完全な支配権を委ねる道を切り開いた。1970年代半ばには、『ペーパー・ムーン』、『ドッグ・デイ・アフタヌーン』 、『チャイナタウン』 、『タクシードライバー』といった、特異で驚くほど独創的な映画が批評的にも商業的にも大成功を収めた。ニュー・ハリウッドのメンバーによるこうした成功は、スタジオと最終的には観客に対して、彼らそれぞれがますます過酷な要求を突きつけることにつながった。

特徴

ボニーとクライド（1967年）
ナイト・オブ・ザ・リビングデッド（1968年）
2001年宇宙の旅（1968年）

スタジオ側から見れば、ハリウッドの新世代の映画製作者たちは何よりも若かったため、失いかけていた若い観客層にリーチすることができた。俳優、脚本家、監督からなるこの集団は、マスコミから「ニュー・ハリウッド」と呼ばれ、トッド・バーリナーがこの時代の特異な物語の手法について書いているように、プロデューサー主導のハリウッドのシステムを一時的に変革した。[ 76 ]

ベルリナー氏によれば、1970年代はハリウッドがトーキー映画への移行以来、最も重大な形式的変革を遂げた時期であり、スタジオ時代の物語表現様式と現代のハリウッドを隔てる決定的な時代である。新しいハリウッド映画は、他のどの時代やムーブメントの映画よりも、古典的な物語の規範から大きく逸脱している。その物語表現や様式上の工夫は、本来は単純な物語展開を逸脱させる危険性がある。ベルリナー氏は、1970年代のハリウッド映画に特徴的な物語戦略は、以下の5つの原則によって規定されていると主張する。

  • 70 年代の映画には、映画の明白かつ本質的な物語の目的に反するストーリー情報と文体上の装置を物語上の偶発的な方法で統合するという倒錯した傾向が見られます。
  • 1970 年代のハリウッドの映画製作者たちは、自分たちの映画製作の実践を、古典的なハリウッドとヨーロッパやアジアの芸術映画の実践の中間に位置づけることが多かった。
  • 70 年代の映画は、典型的なハリウッド映画よりも観客に不確実で不快な反応を引き起こします。
  • 70 年代の物語は、特にクライマックスやエピローグにおいて、従来のハリウッド映画が未解決の結末をまとめるのに忙しくする中、異例なほど未解決の部分に重点を置きます。
  • 70年代の映画は物語の直線性と勢いを妨げ、サスペンスと興奮を生み出す可能性を台無しにしました。[ 77 ]

70年代の映画は、第二波フェミニズムの時代の女性のアイデンティティ、欠点のある男性キャラクターを特徴とする男性の危機、暗い結末と悲観的な主題[ 84 ]、女性のアイデンティティの物語における感情的なリアリズム[ 85 ] 、権威ある機関やその他のアメリカ生活の側面に対する否定的な態度[ 86 ] [ 87 ] 、ベトナム戦争やリチャード・ニクソン大統領のウォーターゲート事件などの緊迫した紛争で揺れ動くアメリカの冷酷な描写も扱っていた。[ 88 ] [ 89 ] [ 90 ]ホッパーのアシッドウエスタン[ 91 ]ラストムービーやブライアン・デ・パルマのミュージカル「ファントム・オブ・パラダイス」などの一部のニューハリウッド作品は、より風変わりな特徴を持っており、甘やかされたストーリーやジャンルの慣習をめまいがするほど無視していた。[ 92 ]

トーマス・シャッツは、ハリウッド黄金時代とのもう一つの違いを指摘する。それは登場人物とプロットの関係性に関するものだ。彼は、古典的なハリウッド映画（そして『ゴッドファーザー』のような初期のニューハリウッド映画）におけるプロットは、「中心人物の衝動、欲望、動機、そして目標に応じて、より有機的に形成される傾向があった」と主張する。しかし、1970年代半ば以降、「登場人物がプロットの機能となった」という傾向が見られるようになったと指摘する。[ 93 ]

スタジオシステムが全盛期だった時代、映画はほぼ例外なく孤立したスタジオのセットで制作されていました。映画の内容は映画製作コードによって制限されており、黄金時代の映画製作者たちはその規則の抜け穴を見つけていましたが、映画を通してタブーな内容を議論することは事実上阻止されていました。「ニューリアリズム」への移行は、アメリカ映画協会（MPAA）の映画レーティングシステムが導入され、ロケ撮影がより現実的になったことで可能になりました。ニューヨーク市は、その荒々しく汚れた雰囲気から、この新しい世代の映画製作者たちにとってお気に入りの場所でした。[ 94 ] [ 95 ] [ 96 ] [ 97 ] [ 98 ]

映画技術の飛躍的進歩（ 1972年発売のパナビジョン・パナフレックス、1976年発売のステディカムなど）により、ニュー・ハリウッドの映画製作者たちは比較的容易に35mmカメラで屋外撮影ができるようになった。ロケ撮影の方が安価だった（セットを組む必要がない）ため、ニュー・ハリウッドの映画製作者たちは急速にロケ撮影を好むようになり、特に1950年代から60年代初頭にかけてテレビに対抗するために作られた古典的なハリウッドのミュージカルやスペクタクルのほとんどが様式化されたアプローチと比べると、より自然な映画製作のアプローチが生まれた。D・A・ペネベーカー、エミール・デ・アントニオ、メイスルズ兄弟、フレデリック・ワイズマンらによるドキュメンタリー映画も、この時代の映画製作者たちに影響を与えた。[ 99 ] [ 100 ]

しかし、編集においては、ニュー・ハリウッドの映画製作者たちは、古典的なハリウッドの監督たちの多くよりも自由にリアリズムに固執し、ヨーロッパの芸術映画や、D・W・グリフィス、ヒッチコックといった古典的なハリウッドの監督に影響を受けた手法で、連続性だけでなく芸術的な目的で編集を用いることが多かった。型破りな編集を用いた映画としては、『イージー・ライダー』におけるジャンプ・カットの使用（実験的なコラージュ映画作家ブルース・コナーの作品に影響を受けた）[ 101 ] [ 102 ] [ 103 ]があり、映画のクライマックスを予告する目的であったほか、より繊細な使用例としては、『ボニーとクライド』における挫折感、 『卒業』における主人公の主観性、 『2001年宇宙の旅』の有名なマッチ・カットにおける時間の経過を表現するためなどが挙げられる。[ 104 ] [ 105 ]緻密な音響設計もこの時代には一般的であった。[ 106 ]

また、実験的・構造的な映画製作者のアーサー・リップセット[ 107 ] 、スタン・ブラッケージ[ 3 ] 、 ブルース・ベイリー[ 108 ] 、ジョーダン・ベルソン[ 109 ]、[ 110 ] 、ジョン・ホイットニー[ 110 ] 、スコット・バートレット[ 111 ] 、マヤ・デレン[ 45 ] 、アンディ・ウォーホル[ 99 ] 、マイケル・スノー、ケネス・アンガー[ 3 ]の作品も影響を与え、音楽と映像を組み合わせ、ジョージ・ルーカス、フランシス・フォード・コッポラ、マーティン・スコセッシが影響を受けたと述べています。[ 112 ] [ 45 ]コッポラ、ルーカス、スコセッシ、スティーヴン・スピルバーグ、ジョン・ミリアス、ポール・シュレイダーなど、ニューハリウッド世代の監督や脚本家（いずれもUSC、UCLA、NYU、AFI [ 113 ]で教育を受けた）は、冗談めかして「映画ガキ」や「ヤングタークス」と呼ばれることもあった。[ 115 ]

製作コードの廃止により、ニューハリウッド映画は反体制的な政治テーマ、ロックミュージックの使用、そしてスタジオが「カウンターカルチャー」とみなした性的自由を特徴とすることができるようになった。[ 116 ] 1960年代の若者運動は、ボニーとクライドやクール・ハンド・ルークといったアンチヒーローをポップカルチャーのアイドルへと変貌させ、『ライフ』誌は『イージー・ライダー』の登場人物を「1960年代後半のカウンターカルチャーの中心となる根本的な神話の一部」と呼んだ。[ 117 ]『イージー・ライダー』は、スタジオが若者市場へのアプローチ方法にも影響を与えた。[ 117 ]『真夜中のカーボーイ』は「X指定」にもかかわらず成功を収めたが、これは当時の物議を醸すテーマへの関心の高さを示すものであり、同時にレーティングシステムの脆弱性と観客の細分化を浮き彫りにした。[ 118 ]

運動の定義に関する解釈

ピーター・ビスキンドにとって、ニューウェーブは『ボニーとクライド』で予兆があり、 『イージー・ライダー』で本格的に始まったとされた。ビスキンドの著書『イージー・ライダーズ、レイジング・ブルズ』では、ニューハリウッド運動は新世代の監督による独立系制作や革新的な作品への大きな転換を示したが、『ジョーズ』や『スター・ウォーズ』の商業的成功により、スタジオがブロックバスター、広告、制作管理の重要性に気づき、この転換は逆転し始めたと論じている（ただし、『ゴッドファーザー』の成功がブロックバスター現象の先駆けだと言われている）。[ 119 ] [ 120 ]

1968年の著作で、批評家ポーリン・ケイルは『卒業』の重要性は、芸術的な側面ではなく、新しい若い観客層との関係における社会的意義とマスメディアの役割にあると主張した。ケイルは、『卒業』に共感する大学生は、前10年間のドラマの登場人物に共感する観客とそれほど変わらないと主張した。[ 121 ]また、彼女はこの時代の映画を「1850年代のアメリカ文学の複雑で苦い開花」に例えた。[ 122 ]

映画監督のクエンティン・タランティーノは、2022年に出版した著書『シネマ・スペキュレーション』の中で次のように述べています。[ 14 ]

「一般の映画ファンは、現代のアメリカ映画に飽き始めていた。暗さ、ドラッグの使用、センセーショナルな暴力、セックス、そして性暴力。しかしそれ以上に、彼らはあらゆるものに対する皮肉にうんざりしていた…すべてがつまらないのか？すべてが退屈なのか？すべての映画が問題を抱えた男を描いているのか？」

1980年、映画史家で学者のロバート・P・コルカーは著書『孤独の映画：ペン、キューブリック、コッポラ、スコセッシ、アルトマン』でニューハリウッドの映画監督たちと彼らの映画が1960年代と70年代のアメリカ社会にどのような影響を与えたかを考察した。[ 123 ]コルカーは「彼らの映画は挑戦と冒険に満ちているにもかかわらず、世界が無力であり、変化と変化を生み出すことができないことを物語っている」と述べている。[ 124 ]

ジョン・ベルトンは、1970年代半ばには観客層がさらに若く保守的になり（50%が12～20歳）、主流の映画が政治的に破壊的なテーマをあまり好まなくなったことを指摘している。[ 125 ]トーマス・シャッツも同様で、1970年代半ばから後半にかけて、アート映画運動が業界の大きな力として衰退し、1974～75年の『ナッシュビルとチャイナタウン』でピークを迎えたと見ている。[ 126 ]

ジェフ・キングは、この時代をアメリカ映画界における過渡期と捉え、様々な力が結集して映画製作の自由度が高まった時期としているが、同時にこの時代に関する研究は作家主導のインディーズ時代とブロックバスター時代という2つのバージョンに集中する傾向があると指摘している。[ 127 ] [ 128 ]トッド・バーリナーは、70年代の映画は、通常、古典的なハリウッド映画の特徴である効率性と調和に抵抗し、ハリウッドの古典的なモデルの限界を試していると言う。[ 129 ]

作家で映画評論家のチャールズ・テイラー（「お近くの劇場またはドライブインで水曜日公開」）によると、「1970年代はアメリカ映画における3番目の、そして今のところ最後の偉大な時代である」と述べています。[ 130 ]作家で映画評論家のデイヴィッド・トムソンも同様の意見で、この時代を「映画が重要だった10年」と呼んでいます。[ 122 ]

ビデオエッセイストのリー・シンガーは、この賞賛される時代は、それほど尊敬されないジャンル映画よりも、「自家製の作家によって作られた」（ラスト・ショー、ゴッドファーザー、チャイナタウン、ナッシュビル、ネットワーク、タクシードライバー）壮大なドラマと深刻な国家の現状演説を尊重したと書いている。[ 131 ]

一方、作家のA・D・ジェイムソン（『あなたの信仰心の欠如は不快だ』）は、 『スター・ウォーズ』はニュー・ハリウッドの最高傑作であり、尊敬を集める「真面目で洗練された成人向け映画」の特徴を実際に体現していると主張し、しばしば語られる「アメリカ映画の最後の偉大な10年」という批評的な物語に疑問を投げかけている。[ 132 ] [ 133 ]

作家のジュリー・A・ターノックは著書『プラスティック・リアリティ』の中で、 『スター・ウォーズ』と『未知との遭遇』が成功した理由として、両作品が、権威への不信感、未来に対する悲観的・宿命論、反英雄的な無目的さを強調した当時の「悲観的な」映画とは対照的に、困難な時代に希望に満ちた楽観主義を提示したことが共通して挙げられると述べています。[ 134 ]

ネイサン・ラビンは、2015年にBoston.comで映画公開40周年を記念する記事を執筆し、一般通念では『ジョーズ』は風変わりなニューハリウッドを殺した映画とされているにもかかわらず、今日の視点から見るとそうは感じられない、と反論した。[ 135 ]

オーストリア映画博物館は2013年に「本当の80年代」と題したプログラムを開催し、「キング・オブ・コメディ」、「ブロウ・アウト」、「アメリカン・ジゴロ」などのハリウッドの新作映画を特集したが、同博物館は次のように述べている。[ 136 ]

あらゆる災厄は1980年代に端を発する。レーガン大統領の新自由主義政策に沿って映画産業が再編された過渡期の10年間、80年代はニュー・ハリウッドの最後の残滓を消し去り、同時に今日のハイコンセプトの荒廃の礎を築いた。これは、あまりにもお馴染みの衰退物語である。回顧展『ザ・リアル・エイティーズ』は、映画史におけるこの常套句に疑問を投げかけ、ハリウッド映画の主流に同調する。スティーヴン・スピルバーグやジョージ・ルーカスの夢の工場と密接に関連しながらも、当時の政治的・美的要請とは相容れない80年代の映画のリアリズムが、再発見されるのを待っている。

Roger Ebert.comに寄稿したダニエル・ジョヨーは、クライテリオン・コレクションが2024年に公開する1983年のトム・クルーズ主演の名作『危険な情事』について、同様の懸念を表明している。[ 137 ]

ハリウッドの歴史について、長年信じられてきた考え方がある。 1980年に『ヘブンズ・ゲート』がユナイテッド・アーティスツを破綻寸前に追い込んだ頃から、『セックスと嘘とビデオテープ』が90年代のインディーズブームの火付け役となった頃まで、スタジオの幹部たちは芸術的な野心を持つ映画を病的なまでに嫌っていた、というものだ。これには少なくともある程度の真実があり、ピーター・ビスキンドの1998年の著書『イージー・ライダーズ、レイジング・ブルズ』のような影響力の大きい著作は、そうした真実の核心を掘り起こし、70年代と90年代のハリウッドを神話化している。一方、80年代は依然として創造性の不毛地帯として片付けられ続けている。

グラントランドのライターであるスティーヴン・ハイデンは、ムービー・ブラッツをクラシック・ロックの「映画版」と呼び、スピルバーグをビートルズ、スコセッシをヴェルヴェット・アンダーグラウンド、コッポラをボブ・ディラン、ルーカスをピンク・フロイド、ロバート・アルトマンをニール・ヤング、ブライアン・デ・パルマをレッド・ツェッペリン、ボグダノヴィッチをビーチ・ボーイズ、ハル・アシュビーをキンクスと点呼した。[ 82 ]

ポール・トーマス・アンダーソン監督の1997年の映画『ブギーナイツ』は、成人映画産業の「黄金時代」 を描いた作品であり、この時代の終焉を寓話的に描いた作品と見ることができる。[ 138 ]

批判

ロサンゼルス・タイムズ紙の記事で映画評論家のマノーラ・ダージスは、ニュー・ハリウッドを1970年代の映画製作における「平穏な時代」と評し、「革命というよりは、反逆的な誇大宣伝を伴う、いつものビジネス」だったと述べている[ 139 ] 。彼女はまた、ニューヨーク・タイムズ紙の記事で、この時代の熱狂的な支持者たちは、この時代は「アメリカ映画が成長した時代（少なくとも、露出度の高い女優が主演した時代）、監督がやりたいことをやった時代（少なくとも、ブランドに変貌した時代）、創造性が支配した時代（少なくとも、スタジオの資金で、とはいえ、華々しく暴れ回った時代）」だと主張していると指摘している[ 140 ] 。

モリー・ハスケルは著書『畏敬からレイプへ：映画における女性の扱い』の中で、この時代の映画は「次々と明らかになる啓示によって、ストリッパーのように、ぎこちなく、舞台から急いで降りようとする初心者のように進歩した」と述べている。[ 141 ]

この時代は、過度の退廃と撮影現場での事故でも悪名高かった（地獄の黙示録の場合も同様で、その騒動の制作はエレノア・コッポラによって記録され、これが1991年のドキュメンタリー『Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse 』となった）。[ 147 ]この時代のホラー映画（『ローズマリーの赤ちゃん』、『エクソシスト』、『トワイライトゾーン』、『ポルターガイスト』、『オーメン』など）の舞台裏で起きた事件も、ドキュメンタリーシリーズ『Cursed Films』の題材になった。[ 153 ]ジョン・ランディスと共に『トワイライトゾーン』を共同監督・共同製作したスピルバーグですら、 3人の俳優の死をもたらした致命的なヘリコプター事故に対するランディスの対応に嫌悪感を抱き、友情に終止符を打ち、ニュー・ハリウッドの終焉を公に訴えた。[ 154 ]（デ・パルマとフリードキンは墜落事故について同様の感情を抱いていた。[ 155 ]）報道陣から事故について質問されたとき、彼は次のように述べた。[ 156 ]

命をかけてまで撮影する価値のある映画などありません。過度な要求をするプロデューサーや監督に対して、これまで以上に多くの人が立ち上がるようになっていると思います。何かが安全でないと感じたら、俳優やスタッフ全員が「カット！」と叫ぶ権利と責任があります。

ターナー・クラシック・ムービーズのジョン・マレーは著書『80年代を振り返る』[ 157 ]の中で、この時代に深刻化していた問題は、監督のエゴが、ほとんど誰も共有しない手の込んだ映画の夢（例えば、チミノの『天国の門』）に何百万ドルも費やしていたことだと指摘した。[ 158 ]

ゴールデンラズベリー賞（通称ラジー賞）は、この時代の終わり頃に創設され、フリードキンの『クルージング』やシミノの『天国の門』といった作品、そしてこの賞の創設に貢献した2つのメガミュージカル『ザナドゥ』と『キャント・ストップ・ザ・ミュージック』を不名誉なものとした。後者は最終的にゴールデンラズベリー賞の最低作品賞の初受賞者となった。[ 159 ] [ 160 ]

遺産

ニューハリウッドの映画は、クエンティン・タランティーノ、エドガー・ライト、ポール・トーマス・アンダーソン、ノア・バームバックなどの将来の主流[ 132 ]および独立系映画製作者に影響を与えた。[ 161 ] [ 82 ] [ 131 ]トッド・フィリップスの2019年のDCコミックス映画化作品『ジョーカー』は、映画の時代設定に加えて、マーティン・スコセッシの古典的な『タクシードライバー』と『キング・オブ・コメディ』からインスピレーションを得ており、[ 162 ]一方アレクサンダー・ペインの2023年の映画『ホールドオーバーズ』はアシュビーの作品からインスピレーションを得ている。[ 163 ]タランティーノの2019年のアカデミー賞受賞作品『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・ハリウッド』は、黄金時代の終わりを嘆きながら、この時代の始まりを告げた。[ 164 ]ゴッドファーザー PART3 ;テキサスヴィル; 1990年に公開された『ゴッドファーザー PART2』と『二人のジェイク』は、それぞれ3本のニューハリウッドの古典作品『ゴッドファーザー PART2』、『ラスト・ショー』、『チャイナタウン』の「続編」として数えられる。（続編はそれぞれフランシス・フォード・コッポラ、ピーター・ボグダノヴィッチ、ジャック・ニコルソンが監督し、ニコルソンはポランスキーの1974年のネオノワールで主演を務め、 『二人のジェイク』でもその役を再演している。[ 165 ] [ 166 ]

こうした映画はイタリアのポリツィオッテスキ映画[ 167 ] [ 168 ]や、10年後のフランスのシネマ・デュ・ルック運動[ 169 ]にも影響を与えた。1983年のイギリスのビデオ映画『サファー・リトル・チルドレン』の物語は、ブライアン・デ・パルマの『キャリー』やジョン・カーペンターの『ハロウィン』に部分的に影響を受けている。[ 170 ]

アメリカン・エキセントリック・シネマはこの時代の影響を受けていると指摘されている。どちらの伝統も、実存主義と人間同士の交流の必要性という共通のテーマと物語を持っている。ニュー・ハリウッドは、 1960年代半ばから1980年代初頭のアメリカン・ドリームという文脈の中で、人間性と社会のより暗い側面に焦点を当てている。そのテーマは社会文化的問題を反映しており、世代を超えてアメリカン・ドリームを追求することの潜在的な無意味さを中心に据えていた。これに対し、アメリカン・エキセントリック・シネマには明確な文脈がなく、登場人物は非常に個性的で、彼らの関心事もそれぞれの性格に非常に特有なものとなっている。[ 171 ]

ニューアメリカンシネマはパロディが豊富である。例えばピーター・ジャクソン監督の1989年のマペット風刺映画『ミート・ザ・フィーブルズ』（『ディア・ハンター』のロシアンルーレットのパロディ）、[ 172 ]アーニー・フォッセリアス監督の『ハードウェア・ウォーズ』（1978年）[ 173 ]と『ポークリプス・ナウ』（1980年）[ 174 ]ジム・リアドン監督の1986年のカルト的学生アニメ映画『チャーリー・ブラウンの首をとってくれ』（『タクシードライバー』『ワイルドバンチ』 『アルフレド・ガルシアの首をとってくれ』のパロディ）、[ 175 ]カナダ人ビデオアーティストのトッド・グラハム監督の1987年のカルト的ファン映画『プーの黙示録』はディズニーの『くまのプーさん』とコッポラの『地獄の黙示録』を奇妙にコメディ風にマッシュアップした作品である。[ 176 ] [ 177 ] [ 178 ]

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参考文献

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