リアリズム（芸術）

エイリフ・ペーターセン『夏の夜』（1886年）

芸術において、リアリズムとは一般に、不自然さ、誇張、思弁的または超自然的な要素なしに、主題を忠実に表現しようとする試みである。この用語はしばしば自然主義と互換的に用いられるが、これらの用語は必ずしも同義ではない。西洋美術における視覚表現に関する考え方としての自然主義は、対象をできるだけ歪みなく描写することを目指し、ルネサンス期のヨーロッパにおける線遠近法やイリュージョニズムの発展と結びついている。[ 1 ]リアリズムは、自然主義的な表現と、以前のアカデミックな美術の理想化からの脱却を前提としているが、 1848 年のフランス革命の余波を受けてフランスで始まった特定の美術史運動を指すことが多い。ギュスターヴ・クールベのような芸術家が日常的なもの、醜いもの、または卑劣なものを活用したように、リアリズムは庶民への新たな関心と左派政治の台頭によって動機づけられた。[ 2 ]写実主義の画家たちは、18世紀後半にフランス文学と芸術を支配するようになった ロマン主義を拒絶した。

19 世紀のヨーロッパでは、「自然主義」または「自然主義学派」は、リアリズムから分離したサブムーブメントを表す用語として、いくぶん人為的に作られたものでした。このサブムーブメントは、政治や社会問題を避けることで親から区別しようと試み (完全には成功しなかったものの)、当時生物学が一般に知られていた自然史の研究者としての「自然主義者」の意味を利用して、準科学的な基盤を主張することを好みました。

ヴェリズモのオペラスタイル、文学リアリズム、演劇リアリズム、イタリアのネオリアリズム映画など、他の芸術にもリアリズムを呼び起こすさまざまな運動がありました。

視覚芸術

形容詞として用いられる「写実的な」（通常は視覚的な外観に関連する）は、主題にこだわる「写実主義的」な芸術とは区別されます。同様に、「イリュージョニスト的な」という用語は、構図における視覚的な外観の正確な描写を指す際に用いられることがあります。[ 3 ] [ 4 ]絵画において、自然主義とは、場面や物体の外観を芸術において正確かつ詳細に、そして正確に表現することです。これはミメーシス（模倣）やイリュージョニズム（錯覚主義）とも呼ばれ、15世紀のロベルト・カンピン、ヤン・ファン・エイク、その他の画家による初期フランドル絵画において、ヨーロッパ絵画において特に顕著になりました。19世紀の写実主義芸術運動の画家、例えばギュスターヴ・クールベなどは、視覚的な外観を非常に正確かつ丁寧に描写することで特に有名ではありませんでした。クールベの時代には、それはむしろアカデミック絵画の特徴であり、アカデミック絵画では、不自然で人工的な場面や、想像上の歴史的場面を非常に巧みに、そして注意深く描くことが多かったのです。

理想化への抵抗

フランシスコ・ゴヤ作『スペイン国王カルロス4世とその家族』1800～1801年

写実主義、あるいは主題の非理想化バージョンを描くスタイルとしての自然主義は、典型的または日常的なものを扱うことにこだわらず、あらゆる種類の主題を描く際に用いることができる。古典芸術は一般的に理想主義的であるにもかかわらず、これにも古典的な先例があり、ルネサンスやバロックにおいてそのような扱いを擁護する際に役立った。アロペケのデメトリウスは紀元前4世紀の彫刻家で、その作品（現在はすべて失われている）は理想的な美よりも写実主義を好んだと言われており、古代ローマ共和国では、初期の皇帝はギリシャ理想主義を好んだものの、政治家は肖像画において真実の描写を好んだ。ゴヤのスペイン王家の肖像画は、重要人物の正直で媚びへつらうことのない描写を表している。

キリスト教美術において繰り返し現れた傾向の一つは「リアリズム」であり、宗教的人物、とりわけキリストの受難における肉体的な苦しみと人間性を強調した。これは宗教文学の流行に倣い、中世後期に発展した。特に、一部の彩色木彫作品は、キリストが傷と血にまみれた姿を描くというグロテスクな表現へと傾倒し、鑑賞者にキリストが彼らのために受けた苦しみについて瞑想させる意図が込められていた。これらは特にドイツと中央ヨーロッパで見られた。ルネサンス期に衰退した後、同様の作品がバロック期、特にスペイン彫刻において再び現れた。

ルネサンス理論家たちは、自然観察から芸術を描くことと、典型的には古典的モデルや他の芸術家の作品に見られるような理想化された形態から芸術を描くこととの間の正しいバランスについて、数世紀にわたって続く論争を引き起こした。自然の重要性を認める者もいたが、多くの人は美しいものだけを含むように様々な程度に自然を理想化すべきだと信じていた。レオナルド・ダ・ヴィンチは純粋な自然研究を擁護し、人体やその他のものの形態の個々の多様性をすべて描写しようとした人物の一人だった。[ 5 ]レオン・バッティスタ・アルベルティは初期の理想主義者で、典型的なものを強調した。[ 6 ]ミケランジェロなどは最も美しいものを選ぶことを支持したが、その理由から肖像画を描くことを拒否した。[ 7 ]

アンリ・ビバ、マタン・ア・ヴィルヌーヴ、 c. 1905～ 1906年

17世紀にも論争は続いた。イタリアでは、カラッチ派の相対的な「古典観念論」と、カラヴァッジスティ（カラヴァッジョの弟子）の「自然主義的」作風との対比が焦点となった。カラヴァッジスティは、当時のイタリアの都市の裏通りを舞台にしたような宗教画を描き、「自然主義者」を自らの称号とした。カラヴァッジョの早すぎる死から数十年後、彼の作風を支持していなかったベッローリは、「自然主義者（ナチュラリスト）の名を冠する者たち」と述べている。[ 8 ]

19世紀、自然主義はヨーロッパ美術において広義の運動として発展したが、写実主義の芸術家たちを動機づけた政治的基盤を欠いていた。この用語の創始者はフランスの美術評論家ジュール＝アントワーヌ・カスタニャリで、1863年に次のように宣言した。「自然主義派は、芸術とはあらゆる段階とあらゆるレベルにおける生命の表現であり、その唯一の目的は自然を最大限に力強く、強烈に表現することである、つまり科学と調和した真実である」[ 9 ] 。エミール・ゾラは小説の中で、同様の科学的強調を込めてこの用語を採用した。多くの自然主義絵画は印象派と同様の幅広い主題を扱っていたが、より緻密で伝統的な筆致を用いていた[ 9 ] 。

この用語は数十年にわたり「様々な種類のリアリズムに対して無差別に使用され続け」、印象派やその後のモダニズム運動の枠外にあり、アカデミックな芸術でもない芸術を包括する用語としてしばしば用いられた。フランスのバルビゾン派の後期、そして多くの国から学生が集まったデュッセルドルフ派、そして20世紀のアメリカの地域主義も「自然主義」と呼ばれることが多いが、この用語はイギリスの絵画ではほとんど使われていない。近年の美術史家の中には、クールベあるいは印象派がそのレッテルを貼るべきだと主張する者もいる。[ 9 ]

イリュージョニズム

レイトン卿による1853年から1855年にかけてのチマブーエの『聖母マリア』は、絵画におけるイリュージョニズムの長い伝統の終焉を告げるものですが、同時期のクールベの作品のような意味での写実主義ではありません

芸術において、物の視覚的外観をより正確に表現するための発展には長い歴史がある。これには、人間や動物の解剖学的構造の正確な描写、遠近法や距離感、光や色の細かな効果などの要素が含まれる。ヨーロッパの後期旧石器時代の美術では、驚くほどリアルな動物の描写が達成された。古代エジプト美術では、様式化と理想化の両方を含む慣習が発達した。古代ギリシャ美術は、解剖学的構造の表現において大きな進歩を遂げたと一般的に認識されている。偉大なギリシャの画家による板壁や壁画のオリジナル作品は現存していないが、文学的な記述や派生作品（主にモザイク画のギリシャ・ローマ時代の作品）の現存する集合体から、絵画においてイリュージョニズムが高く評価されていたことがわかる。紀元前5世紀にゼウクシスが描いた、ブドウをついばむ鳥の有名な物語は、伝説である可能性が高い。

ローマ絵画は、形、光、色の正確さに加え、遠くの物体を近くのものより小さく表現したり、部屋の屋根や壁などの規則的な幾何学的形状を遠近法で表現したりするという、非科学的だが効果的な知識を示している。こうした錯覚効果の進歩は、決して理想主義の拒絶を意味するものではなかった。ギリシャの神々や英雄の彫像は、理想的で美しい形状を正確に表現しようと試みているが、有名な醜悪なソクラテスの頭部など、他の作品は、こうした理想的な美の基準を満たしていないことが許されていた。ローマの肖像画は、ギリシャの影響をあまり受けていない場合、写実主義と呼ばれる、被写体の忠実な描写により力を入れている。

キリストの洗礼の下部、「Gの手」（ヤン・ファン・エイク？）、トリノ・ミラノ時祷書。1425年頃の幻想的な作品で、空には聖霊の鳩が描かれている。

後期古代の美術は、表現力を求めるあまり、イリュージョニズムを拒絶したことで有名だが、キリスト教が上流階級の美術に影響を及ぼし始めた頃には、この変化はすでにかなり進行していた。西洋では、中世後期からルネサンス初期にかけて、古典的なイリュージョニズムの水準に再び達するようになった。この水準は、まず15世紀初頭のネーデルラントで、そして1470年代頃のイタリアでは、幾層もの絵の具と釉薬を用いて、非常に繊細で精密な光の効果を描くことのできた新しい油絵技法の発達によって高められた。遠近法を表現する科学的手法は15世紀初頭のイタリアで開発され、古典美術の影響を受けて解剖学の正確さが再発見されるとともに、徐々にヨーロッパ中に広まった。古典時代と同様、観念論が標準であり続けた。

絵画における風景の正確な描写は、初期フランドル／初期北方ルネサンスやイタリア・ルネサンス絵画においても発展を遂げ、17世紀オランダ黄金時代絵画において極めて高度な水準に達しました。この絵画では、様々な気象条件や自然光の加減を描写する非常に繊細な技法が用いられました。初期フランドル絵画のもう一つの発展として、1600年代のヨーロッパの肖像画の題材は、顔立ちを滑らかにしたり、不自然なポーズをとらせたりすることで、しばしば理想化されました。静物画やその他の作品における静物画の要素は、幻想的な絵画の発展に重要な役割を果たしましたが、フランドルの花の絵画の伝統においては、四季折々の花が用いられたため、長らく「リアリズム」を欠いていました。これは、個々の素描から構図を組み立てる習慣からか、あるいは意図的な慣習からか、典型的には四季折々の花が用いられたためです。花瓶に盛られた大きな花束は、17世紀の習慣としては異例で、花は一輪ずつ飾られていました。

日常的な主題の描写

サイモン・ベニング作「月毎の労働」の木版画、ミニチュア、1550年頃

芸術における日常的な題材の描写にも長い歴史がありますが、それらはしばしば構図の端に押し込められたり、小さなスケールで描かれたりしていました。これは、芸術作品が高価で、特定の宗教的、政治的、あるいは個人的な理由で依頼されることが多く、そのような場面に割くことのできるスペースや労力が比較的少なかったことにも一因があります。中世の彩飾写本の余白に描かれた滑稽な絵には、日常生活の小さな場面が描かれることがあり、遠近法の発達により、屋外を舞台にした多くの場面で大きな背景領域が生まれました。中世および初期ルネサンス美術では、慣習的に、非宗教的な人物像が当時の衣装を着て描かれることが一般的でした。

初期フランドル絵画では、裕福なフランドル商人のように社会的地位の低い人々にも肖像画が描かれるようになり、その中には、ヤン・ファン・エイクの『アルノルフィーニ夫妻の肖像』（1434年）や、より頻繁に宗教画に描かれたロベルト・カンピンとその工房による『メロデの祭壇画』（1427年頃）のように、愛情を込めて描かれた物でいっぱいの中流階級の室内の非常に詳細な描写が含まれている。しかし、これらの物が少なくとも大部分を占めているのは、複雑な意味と象徴の層を持ち、それ自体のためのリアリズムへのこだわりを弱めてしまうためである。後期中世美術における月毎の労働周期は、時祷書に多くの例が残っているが、季節を通してさまざまな作業に従事する農民に焦点を当てており、多くの場合は豊かな風景を背景にしており、風景画の発展と労働者階級の日常の描写の両方において重要であった。

アンニーバレ・カラッチ『肉屋』 1580年代初頭

16世紀には、特に食品市場や厨房で働く人々を描いた大作が流行しました。多くの作品で、食品は労働者と同様に重要な位置を占めていました。オランダでは、ピーテル・アールツェンとその甥のヨアヒム・ビューケラーがマニエリスム様式を中心とする作品を制作しました。イタリアでは、1580年代に若きアンニーバレ・カラッチが未完成な作風で作品を制作し、バルトロメオ・パッセロッティは両者の中間的な作風でした。ピーテル・ブリューゲル（父）は、農民の生活を描いた大パノラマ絵画の先駆者でした。こうした場面は、17世紀にヨーロッパ全土で現れた風俗画における労働場面人気の前兆となり、オランダ黄金時代の絵画では、こうした場面のいくつかの異なるサブジャンルが生まれ、イタリアではバンボッチャンティ（ただし、ほとんどが低地諸国出身）やスペインではボデゴネスというジャンルが生まれ、フセペ・デ・リベーラやベラスケスによって歴史画に理想化されていない農民が登場した。フランスのル・ナン兄弟や、アドリアン・ブラウウェル、ダヴィッド・テニエル（父）とダヴィッド・テニエル（子）など多くのフランドル派の画家たちは農民を描いたが、町民を描いたものは稀だった。18世紀には、働く人々を描いた小品絵画が依然として人気があり、ほとんどがオランダの伝統にならい、女性を題材としていた。

庶民を描いた芸術作品、特に版画作品の多くは滑稽で道徳的な側面を帯びていたが、題材となった人々の貧困そのものが道徳的メッセージの一部となることは比較的稀であったようだ。19世紀半ば以降、貧困層の生活の困難さが強調されるようになった。この傾向は、ヨーロッパの多くの地域で農村から都市への大規模な人口移動が起こった時期と重なっていたにもかかわらず、画家たちは依然として貧しい農村の人々を描く傾向があった。印象派やそれに近い画家たちは、混雑した街路の風景、特にパリを描いた作品を好んで描いた。

中世の写本装飾画家は技術の描写を依頼されることが多かったが、ルネサンス以降もそうした図像は本の挿絵や版画で引き続き描かれる。ただし海洋画は例外で、初期産業革命まで美術の世界ではほぼ姿を消した。海洋画は、ジョセフ・ライト・オブ・ダービーやフィリップ・ジェームズ・ド・ラウザーバーグなど少数の画家によって描かれた。こうした題材はおそらくあまり売れず、鉄道の風景画を除けば、19世紀後半まで絵画には産業が目立って描かれなかった。19世紀後半になると、産業家や産業都市の機関から依頼されることが多くなり、作品は大規模になり、ときには準英雄的な扱いを受けるようになった。

20 世紀初頭の運動であるアメリカのリアリズムは、この意味でリアリズムを使用する多くの現代の運動の 1 つです。

写実主義運動

写実主義運動は、19世紀半ばにロマン主義と歴史画への反動として始まりました。写実主義の画家たちは、「現実の」生活を描写することを好み、一般労働者や、日常の環境で現実の活動に従事する普通の人々を作品の題材としました。その主な代表者は、ギュスターヴ・クールベ、ジャン＝フランソワ・ミレー、オノレ・ドーミエ、ジャン＝バティスト＝カミーユ・コローです。[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ]メトロポリタン美術館ヨーロッパ絵画部門の元ロス・フィノッキオによると、写実主義の画家たちは、エミール・ゾラ、オノレ・ド・バルザック、ギュスターヴ・フローベールといった同時代の自然主義文学と一致するように、現代の日常生活の存在を描写するために、飾り立てていない細部を用いました。[ 13 ]

フランスのリアリズム運動は、他の西欧諸国にも、やや遅れて発展した類似の運動が存在した。特に、1860年代に結成され、1871年から展覧会を開催したロシアの移動派（放浪者）には、イリヤ・レーピン、ヴァシリー・ペロフ、イヴァン・シーシキンといった多くのリアリストが参加し、ロシア美術に大きな影響を与えた。イギリスでは、フーベルト・フォン・ヘルコマーやルーク・フィルデスといった芸術家が、社会問題を扱ったリアリズム絵画で大きな成功を収めた。

文学

広く「現実の忠実な表現」と定義される[ 14 ]文学運動としてのリアリズムは、「客観的現実」に基づいています。主に中流階級または下流階級の社会における日常の活動や生活を、ロマンチックな理想化や脚色なしに描くことに焦点を当てています。[ 15 ]コルネリエ・クヴァスによれば、「現実の写実的な具象化と再具象化は、自然科学、心理学、社会科学という3つの法則の原則に違反することなく、私たちの通常の現実概念に類似した論理的構成を形成します。」[ 16 ]これは、装飾や解釈なしに、そして「世俗的、経験的な規則に従って」、三人称の客観的現実に存在すると考えられる主題を描写しようとする一般的な試みと見なすことができます[ 17 ]したがって、このアプローチは、そのような現実は人類の概念体系、言語的慣習、信念から存在論的に独立しており、したがって芸術家はそれを知ることができ、芸術家はこの「現実」を忠実に表現できるという信念を本質的に含意している。イアン・ワットが述べているように、近代リアリズムは「真実は感覚を通して個人によって発見できるという立場から始まる」ため、「デカルトとロックに起源を持ち、18世紀半ばにトーマス・リードによって初めて完全な定式化を受けた」 [ 18 ] 。

先行するロマン主義時代も産業革命の価値観に対する反動であったが、リアリズムはロマン主義への反動であり、そのため「伝統的ブルジョアリアリズム」とも軽蔑的に呼ばれることが多い。[ 19 ]ヴィクトリア朝文学の作家の中にはリアリズム作品を制作した者もいた。[ 20 ] 「ブルジョアリアリズム」の硬直性、慣習、その他の限界は、後にモダニズムと呼ばれる反動を引き起こした。1900年頃から、モダニズム文学の原動力は19世紀のブルジョア社会秩序と世界観への批判となり、反合理主義、反リアリスト、反ブルジョア主義の綱領によって対抗された。[ 19 ] [ 21 ] [ 22 ]

劇場

モスクワ芸術座での公演中に撮影された、チェーホフの戯曲『ワーニャ伯父さん』の感動的なシーン。この画像は、劇の第四幕における感情的なクライマックスを反映しています。
1922年、モスクワ芸術劇場で上演された『ワーニャ伯父さん』の公演中に撮影された写真

演劇リアリズムは、産業革命と科学の時代の派生として、19世紀のヨーロッパ演劇に初めて現れたと言われています。 [ 23 ] [ 24 ]また、写真の発明をリアリズム演劇の基礎として具体的に挙げる人もいます。[ 25 ] [ 26 ]一方、リアリズムと演劇の関係は、現実に近い物理世界の提示などの演劇形式の原則によって示されるように、はるかに古いものであると考える人もいます。[ 27 ]

演劇におけるリアリズムの功績は、日常生活における社会的・心理的問題に人々の注意を向けさせたことにある。リアリズムの劇作において、人々は自分よりも大きな力の犠牲者として、急速に加速する世界に立ち向かう個人として浮かび上がる。[ 28 ]これらの先駆的な劇作家たちは、登場人物を平凡で無力で、苦境に対する答えを見つけられない人物として描く。この種の芸術は、私たちが人間の目で見るものを表現する。例えば、アントン・チェーホフは、カメラワークを用いて、変化のない人生の断片を再現した。[ 29 ]トーマス・ポスルウェイトなどの学者は、19世紀から20世紀にかけて、メロドラマ的要素がリアリズム的形式に存在し、またその逆もあることから、メロドラマ的要素がリアリズム的形式に存在したことで、メロドラマ的要素がリアリズム的形式に存在したことが数多くあると指摘した。[ 30 ]

アメリカ合衆国では、演劇におけるリアリズムはフィクションにおけるリアリズムより約20年先行しており、演劇史家は1870年代後半から1880年代初頭にかけてリアリズムへの最初の推進力が生まれたと特定している。[ 31 ]その発展は、リアリズムの代弁者であり、その美的原理の表現者として機能したウィリアム・ディーン・ハウエルズとヘンリー・ジェイムズにも起因している。[ 31 ]

演劇に対するリアリズム的なアプローチは、第二次世界大戦後、ニヒリズムと不条理へと崩壊した。 [ 23 ]

映画

イタリアのネオリアリズムは、第二次世界大戦後のイタリアで発展した、リアリズムの要素を取り入れた映画運動でした。著名なネオリアリストには、ヴィットリオ・デ・シーカ、ルキノ・ヴィスコンティ、ロベルト・ロッセリーニなどがいます。リアリズム映画は一般的に社会問題に焦点を当てています。[ 32 ]映画には、シームレスリアリズムと美的リアリズムの2種類のリアリズムがあります。シームレスリアリズムは、物語構造と映画技術を用いて「リアリティ効果」を生み出し、その信憑性を維持しようとします。[ 32 ] 1930年代にフランスの映画製作者によって初めて提唱され、 1950年代にアンドレ・バザンによって推進された美的リアリズムは、「映画はそれが示しているものを意味するように固定することはできない」ということを認めています。なぜなら、複数のリアリズムがあるからです。そのため、これらの映画製作者は、ロケ撮影、自然光、そして非プロの俳優を用いることで、観客が「好みの解釈」に操作されるのではなく、映画に基づいて独自の選択を行えるようにしています[ 32 ]ジークフリート・クラカウアーは、リアリズムが映画の最も重要な機能であると主張したことでも有名である。[ 33 ]

美学的リアリズムの映画製作者は、ロングショット、ディープフォーカス、目線90度のショットを用いて、視聴者の視覚操作を最小限に抑えます。[ 32 ]第二次世界大戦後のイタリアのネオリアリズムの映画製作者は、1960年代に登場したフランスとイタリアの既存のリアリズム映画の手法を取り入れ、それを用いて政治的志向の映画を制作しました。フランスの映画製作者は、1960年代にジャン・ルーシュのシネマ・ヴェリテやドキュメンタリー映画など、政治的志向のリアリズム映画をいくつか制作しました。 [ 32 ]一方、1950年代と1960年代には、イギリス、フランス、ドイツの新しい映画製作の波が「日常生活の断片」映画（例えば、イギリスのキッチンシンクドラマ）を制作しました。 [ 32 ]

オペラ

ヴェリズモは、ピエトロ・マスカーニ、ルッジェロ・レオンカヴァッロ、ウンベルト・ジョルダーノ、フランチェスコ・チレア、ジャコモ・プッチーニといったイタリアの作曲家たちと関連する、ポスト・ロマン派のオペラの伝統です。彼らは、エミール・ゾラ、ギュスターヴ・フローベール、ヘンリック・イプセンといった19世紀後半の著名な作家たちの自然主義をオペラに取り入れようとしました。この新しいスタイルは、荒々しく欠点のある下層階級の主人公を主人公とした、現実に即したドラマを提示しましたが[ 34 ]、現実の出来事を誇張した描写だと評する者もいました。[ 35 ]ジュゼッペ・ヴェルディの『ルイザ・ミラー』と『椿姫』がヴェリズモの最初の兆しであるとする説もあるが、 [ 36 ] 1890年にマスカーニの『カヴァレリア・ルスティカーナ』が初演されたことで始まり、1900年代初頭にピークを迎えたと主張する者もいる。[ 37 ]その後にレオンカヴァッロの『道化師』が続き、不貞、復讐、暴力といったテーマを扱った。[ 34 ]

ヴェリズモはイギリスにも伝わり、その先駆者としてヴィクトリア朝時代の劇作家W・S・ギルバートと作曲家アーサー・サリヴァン（1842-1900）の共同劇団が挙げられます。[ 35 ]特に、彼らの戯曲『アイオランテ』は、幻想的な要素を含んでいたにもかかわらず、貴族社会を写実的に描いた作品とされています。

参照

注釈

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  5. ^ブラント、30～32ページ、およびレオナルドに関する短い章全体
  6. ^ブラント、14～20
  7. ^ブラント、59～64
  8. ^「Quelle che si gloriamo del nome de Naturalisti」、Raben で引用、134、注 31
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  37. ^「ヴェリズモ」、スタンリー・サディ編『新グローブ音楽・音楽家辞典』 、ロンドン：マクミラン/ニューヨーク：グローブ、1980年、第19巻、670ページ、 ISBN 1-56159-174-2

参考文献

参考文献

  • ウィリアム・ブキャナン（1982年）『リアリストの伝統』、センクラスタス第8号、1982年春、17～20ページ、ISSN 0264-0856 
  • ダールハウス、カール（1985年）『19世紀音楽におけるリアリズム』メアリー・ウィットオール訳。ケンブリッジ大学出版局、ロンドン、ニューヨーク、ニューロシェル、メルボルン、シドニー。ISBN 978-0-521-26115-9。ISBN 978-0-521-27841-6（ペーパーバック）
  • ダールハウス、カール（1989年）『19世紀の音楽』J・ブラッドフォード・ロビンソン訳。バークレー、ロサンゼルス、ロンドン：カリフォルニア大学出版局。ISBN 978-0-520-07644-0。
  • フリッシュ、ウォルター（2005年）『ドイツ・モダニズム：音楽と芸術』バークレー、ロサンゼルス、ロンドン：カリフォルニア大学出版局。ISBN 978-0-520-25148-9。
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