ニューエイジミュージック
ニューエイジ
文体の起源
文化的起源1960年代から1970年代初頭、ヨーロッパとアメリカ合衆国
派生形ポストノイズサイケデリア[ 1 ]
サブジャンル
フュージョンジャンル
ケルトフュージョン
その他のトピック

ニューエイジは、芸術的なインスピレーション、リラクゼーション、そして楽観主義を生み出すことを目的とした音楽ジャンルです。ヨガ、マッサージ、瞑想[ 2 ]、ストレスマネジメント[ 3 ] 、読書[4]などに用いられ、トランス状態ではなくエクスタシー状態をもたらすこと[5 ]、家庭やその他の環境に安らぎの雰囲気を作り出すことなどが挙げられます。ニューエイジは環境保護主義やニューエイジ・スピリチュアリティと関連付けられることもありますが[ 2 ]、[ 6 ]、ニューエイジ・スピリチュアリティのアーティストのほとんどは「ニューエイジ・スピリチュアリティ」とは全く関係がなく、中にはこの用語を否定する人もい ます。

ニューエイジ・ミュージックには、フルート、ピアノ、アコースティック・ギター、非西洋のアコースティック楽器などのアコースティック楽器を用いたアコースティックな形式と、持続的なシンセ・パッドやシーケンサーをベースとした長い連打を多用した電子的な形式の両方が含まれる。ニューエイジ・アーティストは、これらのアプローチを組み合わせてエレクトロアコースティック・ミュージックを創作することが多い。このジャンルでは当初、ボーカル・アレンジは珍しかったが、進化するにつれてボーカルがより一般的になり、特にネイティブ・アメリカン、サンスクリット、チベットの影響を受けたチャントや、ケルトの伝説などの神話に基づいた歌詞をフィーチャーしたものが多く見られるようになった。[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]

ニューエイジ・ミュージックの明確な定義は存在しない。しかし、グラミー賞の審査委員会による同カテゴリーでは、その意図に基づいて判断されることが多い。[ 8 ] 1987年のビルボード誌の記事では、「ニューエイジ・ミュージックは、定義のない音楽の中で、これまで一般大衆の意識に訴えた音楽の中で、最も驚くべき成功を収めた音楽かもしれない」と評されている。[ 11 ] 多くの人は、ニューエイジ・ミュージックを音楽カテゴリーというよりも、マーケティングのための包括的な用語[ 12 ]であり、 [ 9 ] [ 13 ] [ 14 ]、複雑な文化的潮流の一部であると考えている。[ 15 ]

ニューエイジ・ミュージックは、様々なジャンルの幅広いアーティストの影響を受けています。トニー・スコットの『Music for Zen Meditation』（1964年）は、最初のニューエイジ・レコーディングと考えられています。[ 14 ] [ 16 ]ポール・ホーン（1968年の『Inside』以降）は、重要な先駆者の一人でした。[ 17 ]アーヴ・タイベルの『Environments』シリーズ（1969-1979年）は、自然のサウンドスケープ、ティンティナブレーション、そして「オーム」チャントを特徴としており、公開された最初の心理音響レコーディングの一部でした。[ 18 ]スティーブン・ハルパーンの1975年の『Spectrum Suite』は、ニューエイジ・ミュージック運動の始まりとなった重要な作品でした。[ 19 ]

意味

ニューエイジ音楽は、ストレス軽減、マインドフルネス、瞑想に治療効果があります。

ニューエイジミュージックは、創作に使われる楽器やジャンルよりも、その用途や生み出す効果や感情によって定義される。[ 11 ]アコースティック、エレクトロニック、またはその両方の混合である場合がある。ニューエイジアーティストは、ピアノ、アコースティックギター、フルート、ハープから電子楽器、シタール、タブラ、タンブーラなどの東洋楽器に至るまで、クラシック音楽の楽器を使ったソロまたはアンサンブルの演奏者もいる。また、ニューエイジミュージックの分野は、アンビエント、クラシック、ジャズ、エレクトロニカ、ワールドミュージック、チルアウト、ポップス、スペースミュージックなどとかなり重複している。[ 13 ] [ 14 ] [ 20 ]

ニューエイジのジャンルに典型的に関連付けられる 2 つの定義は次のとおりです。

  • ニューエイジミュージックは、アンビエントサウンドを伴う音楽であり、瞑想やリラクゼーションを助ける、あるいは代替療法、ヨガの実践、誘導瞑想、チャクラオーディティングなどのさまざまな代替スピリチュアル実践を助け、可能にすることを明確な目的としています。この定義の提唱者は、ほとんどの場合、これらの目的のために明確に音楽を作っているミュージシャンです。[ 21 ]瞑想に役立つためには、音楽は瞑想者の邪魔になるような突然の大きな和音や即興演奏がなく、反復的なダイナミクスとテクスチャを持っている必要があります。[ 11 ] [ 10 ]それは概念的にミニマリストであり、このジャンルのミュージシャンはボーカリストというよりは楽器奏者がほとんどです。[ 22 ]ニューエイジミュージックではサブリミナルメッセージも使用されており、楽器とともに動物（クジラ、オオカミ、ワシなど）や自然（滝、海の波、雨）の音を使用することも人気があります。フルート奏者のディーン・エヴェンソンは、平和な音楽と自然の音を組み合わせた最初の音楽家の一人で、マッサージやヨガで人気となるジャンルを築き上げました。[ 23 ]ヒーリングや瞑想専用のニューエイジミュージックを制作する他の著名なアーティストには、アーヴ・タイベル、ポール・ホーン、ドイター、スティーブン・ハルパーン、ポール・ウィンター、ローレンス・ボール、カルネシュ、クリシュナ・ダス、デーヴァ・プレマル、バガヴァン・ダス、スナタム・カウルなどがいます。[ 24 ] [ 12 ]
  • レコード店のニューエイジコーナーで見つかる音楽。[ 21 ]これは主に実用性に基づく定義である。小売業者は、音楽スタイルの細分化よりも、むしろそのスタイルのファンに興味を持っているため、「ニューエイジ」と分類される音楽の幅広さを考慮すると、この定義はむしろ現実的なものである。この定義に当てはまる音楽は、通常、他のより一般的な定義に簡単には分類できないが、ほぼあらゆるジャンルの音楽を含む可能性がある。これは音楽カテゴリーというよりは、マーケティングスローガンに近い。[ 11 ]

議論と批判

日本の著名なニューエイジミュージックアーティスト、喜多郎

ハーツ・オブ・スペースの創設者スティーブン・ヒルは、 「多くのアーティストがニューエイジの思想や生き方に非常に誠実かつ完全にコミットしている」と考えている。[ 25 ]喜多郎のような作曲家の中には、音楽を精神的な成長の一部であると同時に、価値観を表現し、文化を形作るものと考えている者もいる。 [ 26 ]ダグラス・グルーティスは、キリスト教の観点から、「ニューエイジ」とラベル付けされたすべての音楽を拒否することは、タブー視に陥ることになると述べている。なぜなら、ほとんどの音楽はニューエイジ音楽の「進歩的」側面に属しており、作曲家が必ずしもニューエイジの世界観を持っているとは限らないからだ。[ 26 ]

しかし、「ニューエイジ・ミュージック」はレコードの売り上げを伸ばすための単なる通称に過ぎないとしばしば指摘されている。[ 26 ] J・ゴードン・メルトンは、これは特定の音楽ジャンルを指すのではなく、セラピーやその他のニューエイジ目的で使用される音楽を指すと主張した。[ 27 ]ケイ・ガードナーは、「ニューエイジ」というラベルは、いわゆるニューエイジ・ミュージックの商業的意図を偽ったものだとみなし、「ニューエイジ・ミュージックの多くは粗悪品だ」と述べ、レコードの売り上げを狙って、自宅スタジオを持つ人は皆、コオロギや海や川の音を入れて売り上げを保証していると述べた。[ 28 ]ニューエイジ活動に関連したアンビエント・ムード・ミュージックとして始まったものが、ジャズ、フォーク、ロック、エスニック、クラシック、エレクトロニカなど、様々なスタイルの音楽の集合体を指す言葉になった。前者は、音楽的および理論的に著しく異なる動きをしていた。[ 8 ] [ 29 ] [ 10 ] [ 14 ]

エンヤは、世界的ヒットとなった「オリノコ・フロウ」で、ニューエイジをアメリカで主流に押し上げた功績を認められている[ 30 ]。

包括的な用語では、マイク・オールドフィールドの1973年のプログレッシブ・ロック・アルバム「チューブラーベルズ」が、ニューエイジというジャンルの説明で言及された最初のアルバムの1つであると考える人もいます。[ 31 ]また、ギリシャの作曲家ヴァンゲリスの音楽や、一般的な現代のジャズロックフュージョンがニューエイジ音楽の進歩的な側面の好例であると考える人もいます。[ 23 ] [ 32 ]その他のアーティストには、ジャン＝ミシェル・ジャール（彼の電子音楽の探求は用語より古いですが）、アンドレアス・フォレンヴァイダー、ジョージ・ウィンストン、マーク・アイシャム、マイケル・ヘッジス、シャドウファックス、マンハイム・スチームローラー、喜多郎、ヤニー、エンヤ、クラナド、エラ、タンジェリン・ドリーム、エニグマが含まれます。[ 12 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 33

しかし、多くのミュージシャンや作曲家は、自分たちの音楽を「ニューエイジ」とレッテル付けすることに抵抗を示している。 1987年にグラミー賞の最優秀ニューエイジ・アルバム賞が創設された際、初代受賞者のアンドレアス・フォレンヴァイダーは「自分の音楽にレッテルを貼るつもりはない…時代を超越したものに名前を付けるのは馬鹿げている」と述べた。WHYY-FMの音楽監督であり、ニューエイジ番組の司会者でもあるピーター・ブライアントは、「私はその言葉が好きではない…ニューエイジには否定的な意味合いがある…私が接する音楽関係者にとって、『ニューエイジ』はほとんど侮辱的なものだ」と述べ、「中身も形も面白みもない、非常に空虚で夢想的な、退屈な音楽」を指し、この言葉が「定着した」と述べている[ 13 ] 。

「『聴覚の壁紙』『ビルケンシュトック愛好家のための音楽』『ヤッピーのエレベーター・ミュージック』などと呼ばれてきた。タイトルは、ホリスティックで温水浴の世界を想起させる。『エトーシャ ― 乾いた水の国のプライベート・ミュージック』『空中境界』『ニルヴァーナ・ロード』など。作曲家にはロック・アヴァンギャルドの著名なミュージシャンも含まれるが、瞑想的な美学が特徴であり、その目標はしばしば創造的な匿名性にある。フォーク、ジャズ、クラシック音楽の影響をゆったりと融合させたこの音楽は、おおまかに言ってニューエイジ・ミュージックと呼ばれている。」[ 34 ] ―マイケル・ウォルシュ、タイム誌（1986年）

ハロルド・バッドは「ニューエイジという言葉を聞くと、ついリボルバーを取り出すんだ… 僕は、ただバックグラウンドで鳴らされるだけの音楽を作っているとは思っていない。空虚だと心の底から分かっているものに、うっかり関連付けられるのは恥ずかしいことだ」と語っている。ヴァンゲリスは、このスタイルを「才能のない人々に非常に退屈な音楽を作る機会を与えてしまった」ものだと考えている。[ 35 ]ヤニーは「観客をリラックスさせたいのではなく、音楽に引き込み、興味を持ってもらいたい」と述べ、[ 17 ]「ニューエイジは、僕がやっている音楽よりも控えめでリラックスした音楽を意味する。僕の音楽は非常にリズミカルで、非常にエネルギッシュで、非常に民族的なものにさえなり得る」と述べている。[ 14 ]デヴィッド・ヴァン・ティーゲム、ジョージ・ウィンストン、喜多郎もニューエイジ・アーティストというレッテルを拒否している。[ 10 ] [ 17 ] [ 36 ]デビッド・ランツは、「人々がニューエイジという言葉を嫌う主な理由は、それが音楽用語ではない唯一の音楽カテゴリーだからだということがようやく分かった」と述べた。[ 14 ]アンドレアス・フォレンヴァイダーは、「ニューエイジというカテゴリーが実際にカテゴリーになる前から、世界中で何百万枚ものレコードを販売してきた」と述べ、「店舗は分類の問題を抱えている」という懸念を共有した。[ 20 ]

「ニューエイジとは、音楽的な定義というよりも、精神的な定義です。一部のミュージシャンは、ニューエイジ音楽と結びつくことから始めました。今では、彼らはあらゆる人々をニューエイジ音楽に巻き込んでいます。しかし、この特定の音楽と結びつくのは愚かなことです。」[ 20 ]ヤニーによるニューエイジ音楽の定義（1992年）

プライベート・ミュージックの社長、ロン・ゴールドスタインもこの見解に同意し、「ウィンダム・ヒルはニューエイジの中心地でした。その連想から、ニューエイジは西海岸のものと認識されるようになりました」と説明した。しかし、ウィンダム・ヒルのマネージング・ディレクター、サム・サザーランドは、レーベルの創設者であるウィリアム・アッカーマンとアン・ロビンソンでさえ「慣用句や一般的な用語の使用を一切避けていました。常に少し不自然な印象を与えるからです」と述べ、単に不適切であるという理由で、その用語の使用に意図的に抗議することをやめたと主張した。ゴールドスタインとサザーランドは共に、このタグは商品の販売を促進し、ニューエイジ・ミュージックは1987年以降数年のうちにポップミュージック全体に吸収されると結論付けた。[ 13 ]

ニューヨーク・タイムズの音楽評論家ジョン・パレレスは、「ニューエイジ・ミュージック」はよりソフトな形で他のスタイルを吸収したが、それらの明確に定義されたスタイルにはニューエイジというカテゴリーは必要ない、また「ニューエイジ・ミュージック」はマーケティング上のニッチ、つまりステータスアクセサリーとして都会の「超消費者」向けの「フォーミュラショー」になることを狙っているため、他の音楽と似ていると指摘した。また、アンデス、アジア、アフリカの伝統音楽の影響は「コスモポリタニズム」の感覚を呼び起こし、アルバムのアートワークとサウンドの自然は「手つかずの風景とのつながり」を呼び起こすとも述べた。

代替用語

この包括的なジャンルの境界は明確に定義されていませんが、音楽小売店では、異なるジャンルに属していてもアーティストを「ニューエイジ」カテゴリに含めます。また、これらのアーティスト自身も、自分の音楽スタイルに別の名前を使用しています。

ケイ・ガードナーは、ニューエイジ・ミュージックの原型を「ヒーリング・ミュージック」または「女性のスピリチュアリティ」と呼んだ。[ 37 ] ニューエイジ・ミュージックの先駆者とされるポール・ウィンターもこの用語を否定し、「アース・ミュージック」という表現を好んだ。 [ 20 ]

「インストゥルメンタル・ミュージック」または「コンテンポラリー・インストゥルメンタル」という用語には、ソロ・ピアニストのデイヴィッド・ランツのように電子楽器を使用しないアーティストも含まれる。[ 38 ]同様に、ヤニー[ 39 ]やブラッドリー・ジョセフ[ 40 ]といったピアニストもこの用語を使用しているが、彼らはキーボードを用いてオーケストラのテクスチャを楽曲に取り入れている。ヤニーは、この音楽ジャンルを同名のスピリチュアル・ムーブメントと区別している。[ 41 ] 「コンテンポラリー・インストゥルメンタル・ミュージック」という用語もアンドレアス・フォレンヴァイダーによって提唱され、「アダルト・オルタナティブ」という用語もゲイリー・L・チャペルによって提唱された。これはビルボード誌がニューエイジ・ミュージックやワールド・ミュージックのアルバム・チャートに用いた用語である。 [ 20 ]

歴史

このコンセプトは、プロのミュージシャンがニューエイジ運動に関与したことから生まれました。当初、音楽業界は関心を示しませんでしたが、ミュージシャンと関連スタッフはそれぞれ小規模な独立系レコーディング会社を設立しました。書店、ギフトショップ、健康食品店、ブティックといった一風変わった販売店やダイレクトメールを通じて、かなりの売上を記録しました。[ 26 ] [ 10 ]巨大な市場の需要を受け、大手レコード会社は1980年代にニューエイジ音楽のプロモーションを開始しました。[ 13 ] [ 42 ]

ニューエイジ・ミュージックは、様々なジャンルの幅広いアーティストの影響を受けています。例えば、フォーク楽器奏者のジョン・フェイヒーやレオ・コッケ、ミニマリストのテリー・ライリー、スティーブ・ライヒ、ラ・モンテ・ヤング、フィリップ・グラス、ピンク・フロイドなどのプログレッシブ・ロック・アーティスト、アンビエントの先駆者ブライアン・イーノ、シンセサイザー奏者のクラウス・シュルツ、ジャズ・アーティストのキース・ジャレット、ウェザー・リポート、マハヴィシュヌ・オーケストラ、ポール・ホーン（1968年の『インサイド』以降）、ポール・ウィンター（1960年代半ばのポール・ウィンター・コンソート以降）、パット・メセニーなどです。[ 43 ] [ 29 ] [ 10 ] [ 17 ] [ 44 ] [ 45 ] [ 46 ]

トニー・スコットの『禅瞑想のための音楽』（1964年）は、ニューエイジ音楽の最初の録音とされることもあるが[ 47 ]、当初は主にカリフォルニアで人気があり、1980年代まで全国的に販売されることはなかった。[ 23 ]ラジニーシの信者の間では、別の瞑想音楽の流派が生まれた。ドイターは、アコースティック楽器と電子楽器を海の音と融合させた『D』（1971年）と『Aum』 （1972年）を録音した。 [ 23 ]ケイ・ガードナーの歌『ルナムーズ』（1974年）と最初の録音『ムーンサークルズ』（1975年）は、音楽、セクシュアリティ、そしてウィッカの精神性を融合させたもので、「ニューエイジ音楽になる前のニューエイジ音楽」であった。彼女の『虹の道』（1984年）は、当時のハルパーンのヒーリング音楽理論と女性の精神性を取り入れており、彼女は最も人気のあるニューエイジ宗教音楽アーティストの一人となった。[ 48 ]スタイラス・マガジンのマイク・オームは、ベルリン・スクールの多くの重要な音楽家がニューエイジの普及に貢献したと書いている。[ 49 ]

ポール・ウィンターの『ミサ・ガイア/アース・マス』（1982年）は、「大地、空、海の神聖さを称えるニューエイジのエコロジカル意識の傑作」と評されています。[ 50 ]東海岸における彼の作品は、ニューエイジのスピリチュアリティを音楽的に表現した最も重要なものの一つと考えられています。[ 50 ]西海岸では、音楽家たちはヒーリングと瞑想のための音楽により力を入れました。初期の作品の中で最も注目すべきは、スティーブン・ハルパーンの『スペクトラム・スイート』（1975年）で、その音楽的目的は「体の特定の部位に共鳴し…心身を静める」とされ、タイトルは「音階の7つの音と虹の7つの色、つまり私たちの体にある7つのエーテルエネルギー源（チャクラ）に関連づけられています」とされています。1970年代、彼の音楽作品と理論書『チューニング・ザ・ヒューマン・インストゥルメント』（1979年）は、アメリカにおける現代的な音楽ヒーリングの実践の先駆けとなりました。[ 51 ]

1976年、レコードレーベルのウィンダム・ヒル・レコードが300ドルの初期投資で設立され、10年後には年間2,600万ドル以上の収益を上げるようになった。その後、ニューエイジという呼称を受け入れたり拒否したりする多くのレコードレーベルが設立された。例えば、ナラダ・プロダクションズ、プライベート・ミュージック、ミュージック・ウェスト、ライフスタイル、オーディオン、ソニック・アトモスフィアズ、リビング・ミュージック、テラ（ヴァンガード・レコード）、ノーバス・レコード（主にジャズを録音）、FM（CBSマスターワークス）、シネマ（キャピトル・レコード）などである。[ 10 ]

アメリカ沿岸部の両極端の地域には、ジョージ・ウィンストンやR・カルロス・ナカイといった、ニューエイジ・アーティストの中でも特に成功を収めたアーティストが数多く存在します。ウィンストンのミリオンセラーとなったアルバム『December』（1982年、ウィンダム・ヒル・レコードより発売）は、絶大な人気を博しました。[ 10 ]ナカイの作品の大部分は、1983年のデビューアルバム『Changes』を含め、北米のネイティブ・アメリカン・スタイルの即興曲で構成されています。1990年代には、彼の音楽はニューエイジ・スピリチュアリティのアンセムとして広く知られるようになりました。[ 52 ]

1981年、カリフォルニア州マウンテンビューのタワーレコードは「ニューエイジ」コーナーを新設した。[ 53 ] 1985年までに、独立系レコード店やチェーン店はニューエイジのコーナーを増設し、大手レコード会社もポール・ウィンターのリビング・ミュージックなど既存のニューエイジ・レーベルの買収や、ゲフィン・レコードと契約した日本のエレクトロニック・ミュージック作曲家喜多郎やアメリカのクロスオーバー・ジャズ・ミュージシャン、パット・メセニーといったいわゆる「ニューエイジ」アーティストとの契約を通じて、このジャンルに興味を示し始めた。[ 53 ]翌年初頭までに、ほとんどの大手レコード会社はニューエイジ・アーティストを受け入れた。[ 54 ] 1980年代後半、このアンブレラ・ジャンルはラジオ放送も盛んに行われ、最も急速に成長したジャンルとなった。録音コストが低いことから、魅力的なビジネスと見なされていた。[ 10 ]

スティーブン・ヒルは1973年にニューエイジ・ラジオ番組「ハーツ・オブ・スペース」を創刊した。 1983年、この番組はNPRによって全国230の系列局に配信され、[ 55 ]、1年後にはレコードレーベル「ハーツ・オブ・スペース・レコード」を設立した。1987年バレンタインデーに、かつてロサンゼルスにあったロック・ラジオ局KMETは、コールサインをKTWVに変更し、ニューエイジ・ミュージック専門局に転換し、 「ザ・ウェーブ」としてブランド化された。[ 10 ] [ 55 ]ザ・ウェーブのニューエイジ時代、経営陣は局員に対し、ザ・ウェーブを「ラジオ局」ではなく「ムード・サービス」と呼ぶように指示した。DJは曲名をアナウンスするのをやめ、リスナーは途切れることのないムードを保つため、フリーダイヤル1-800に電話をかけて、現在流れている曲を確認できるようにした。ニュース・ブレイクも名称が変更され、「ウェーブ・ブレイク」と呼ばれるようになった。[ 55 ]その他のニューエイジ専門ラジオ番組には、フォレストのミュージカル・スターストリームやジョン・ディリベルトのエコーズなどがある。ほとんどの大手ケーブルテレビネットワークには、ミュージック・チョイスの「サウンドスケープ」チャンネルのようなニューエイジチャンネルを含め、映像なしで音楽を流すチャンネルがある。衛星ラジオ会社であるシリウス・サテライト・ラジオとXMサテライト・ラジオはそれぞれ、ニューエイジ音楽を流す独自のチャンネルを持っていた。シリウス・スパ（シリウスXM）（73）、XM・オーディオ・ビジョンズ（77）。2008年11月にこの2社が合併してシリウスXMになったとき、スパの名称は音楽チャンネルに引き継がれ、オーディオ・ビジョンの音楽ライブラリの大部分が使用された。

1987年2月8日の新聞記事

1987年には、最優秀ニューエイジ・アルバムに対するグラミー賞が導入され、[ 13 ] 1988年にはビルボードのニューエイジ・ウィークリー・チャートが導入された。[ 8 ] 1989年には、スザンヌ・ドーセがロサンゼルスで初の国際ニューエイジ・ミュージック・カンファレンスをプロデュースし開催した。[ 8 ] 1989年末までに、150を超える小規模独立系レコードレーベルがニューエイジ・ミュージックをリリースし、ニューエイジやアダルト・オルタナティブの番組が米国の何百もの商業ラジオ局や大学ラジオ局で放送され、40を超えるディストリビューターが通信販売カタログを通じてニューエイジ・ミュージックを販売していた。[ 56 ]

1990年代には、日本でもニューエイジ系の音楽を扱う小規模レーベルが数多く登場したが、こうしたインストゥルメンタル音楽では「リラクシング」や「ヒーリング」といった言葉の方が一般的だった。エニグマの「Sadeness (Part I)」は国際的なヒットとなり、イギリスを含む24カ国で1位、アメリカのビルボードホット100で5位を獲得し、全世界で500万枚以上の売り上げを記録した。[ 57 ]当時、オランダにはヨーロッパを代表するニューエイジレーベルであるOreadeとNarada Mediaの2社があった。Oreadeは1997年の最新トレンドは「天使のような」音楽であるとし、Narada Mediaは、このジャンルはワールドミュージック（ケルト、アイルランド、アフリカの影響を受けた音楽）へと発展していくと予測した。[ 58 ] 1995年には喜多郎、スザンヌ・シアニ、パトリック・オハーンなどの「新世代」作曲家が、プロモーション不足、売上減少、創作の自由度の制限などの理由でメジャーレーベルからインディーズレーベルに移籍した。[ 59 ]

2001年、ウィンダム・ヒルは25周年を迎え、ナラダとハイヤー・オクターブ・ミュージックはワールドミュージックや民族テクノミュージックへの進出を続け、ハーツ・オブ・スペース・レコードはヴァレー・エンターテインメントに買収された。エンヤの「オンリー・タイム」はビルボード・ホット100チャートで10位、アルバム「ア・デイ・ウィズアウト・レイン」はビルボード200で2位を記録し、エンヤはその年のニューエイジ・アーティストのナンバーワンとなった。[ 60 ]

参照

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