芸術写真
アルフレッド・スティーグリッツの写真『操舵室』（1907年）は芸術的モダニズムの初期の作品であり、多くの歴史家によって史上最も重要な写真であると考えられている。[ 1 ] スティーグリッツは美術館のコレクションに美術写真を取り入れたことで有名である。

芸術写真とは、写真家が芸術家としてのビジョンに沿って創作され、写真を創造的な表現の媒体として用いる写真です。芸術写真の目的は、アイデア、メッセージ、あるいは感情を表現することです。これは、特定の主題や出来事をドキュメンタリー風に視覚的に記録し、写真家の主観的な意図ではなく客観的な現実を文字通り表現するフォトジャーナリズムなどの具象写真や、製品やサービスの宣伝を主な目的とする商業写真とは対照的です。

歴史

ヌードの描写は、美術写真における主要なテーマの一つです。ヤーン・キュナップによる1988年のヌード・コンポジション19

1940年代までの発明

ある写真史家は、「『ファインアート』写真、あるいは構図写真の最も初期の提唱者は、 1851年に主の祈りを描いたダゲレオタイプを展示したジョン・エドウィン・メイオールである」と主張しました。 [ 2 ]ファインアート写真 の成功の試みは、ジュリア・マーガレット・キャメロン、チャールズ・ラトウィッジ・ドジソン、オスカー・ギュスターヴ・レイランダーなど、ビクトリア朝時代の実践者たちにまで遡ることができます。アメリカでは、アルフレッド・スティーグリッツとエドワード・スティーケンが写真を美術にすることに尽力し、特にスティーグリッツは写真を美術館のコレクションに導入したことで有名です

1960年頃まで、英国では写真は美術として認められていませんでした。当時、写真美術協会（Photographic Fine Art Association）を設立したSD・ジョウハルは次のように述べています。「現在、写真は工芸品以上のものとして認識されていません。アメリカ合衆国では、一部の公的機関において写真は美術として公然と認められています。ギャラリーや展覧会では美術として展示されています。しかし、英国ではこれに匹敵する認識はありません。ロンドン・サロンでは絵画写真が展示されますが、一般的には美術として理解されていません。作品が美的価値を示しているかどうかに関わらず、『絵画写真』という非常に曖昧な用語で呼ばれています。工芸品ではなく美術として認められるためには、写真家自身が自分の作品とその尊厳、そして美的価値に自信を持っていなければなりません。」

1970年代後半までは、ヌード、肖像画、自然風景（アンセル・アダムスに代表される）といったジャンルが主流でした。1970年代と80年代にブレイクした「スター」アーティスト、例えばサリー・マン、ロバート・メイプルソープ、ロバート・ファーバー、シンディ・シャーマンなどは、新鮮な視点で捉えながらも、依然としてこれらのジャンルに大きく依存していました。また、スナップショット的な美的アプローチを模索したアーティストもいました。

ヨーゼフ・H・ノイマン：ケモグラム・グスタフI 1976

1970年代半ば、ヨーゼフ・H・ノイマンはケモグラム[ 3 ]を開発しました。これは写真現像と印画紙へのペイントの両方から生まれたものです。コンピュータの普及と画像処理ソフトウェアの使用以前は、ケモグラムの作成プロセスは、元の画像を拡大処理した後に修正する、初期のアナログポストプロダクション形式と見なすことができます。デジタルポストプロダクションの作品とは異なり、ケモグラムはそれぞれが唯一無二の作品です。[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]

アパーチャー財団やニューヨーク近代美術館（MoMA）といったアメリカの団体は、写真を美術の最前線に維持するために多大な貢献をしてきました。MoMAが1940年に写真部門を設立し、ボーモント・ニューホールを初代キュレーターに任命したことは、写真が芸術としての地位を確立したことを組織的に証明した事例としてしばしば挙げられます。[ 8 ]

1950年代から現在まで

アンドレアス・グルスキー、上海、2000年、プレキシガラスにマウントされたCプリント、119 x 81インチ

今では、写真に既成概念にとらわれず、巧みに演出と照明を施す傾向が見られます。グレゴリー・クルードソンやジェフ・ウォールといった写真家は、演出された写真の質の高さで知られています。さらに、デジタル写真における新たな技術トレンドは、フルスペクトル写真に新たな方向性をもたらしました。紫外線、可視光線、赤外線にわたるフィルターの慎重な選択が、新たな芸術的ビジョンを生み出すのです。

ヴァシーリー・リャブチェンコ、静物画（ 1970年代）

1980年頃から印刷技術が進歩し、高精細な印刷で限定版として複製された写真家のアートプリントは、コレクターの間で強い関心を集めるようになりました。これは、写真集は一般的に制作価値が高く、発行部数が少なく、市場が限られているため再版されることがほとんどないからです。個人写真家による写真集のコレクター市場は急速に発展しています。

『アートマーケットトレンド2004』によれば、2004年には7,000枚の写真がオークションで売却され、写真の価格は1994年から2004年にかけて年間平均7.6 %上昇した。 [ 9 ]約80%は米国で売却されたが、オークションでの売上高は個人売買全体のほんの一部に過ぎない。現在では、最も人気のある芸術写真家が、厳密に限定されたエディションで高品質のアーカイブプリントを制作する活気のあるコレクター市場が存在する。オンラインの芸術品小売業者が絵画のプリントと一緒に高級写真作品を一般大衆に販売しようとする試みは、結果がまちまちで、好調な売上を上げているのは、アンセル・アダムスなどの伝統的な大物写真家の作品のみである。

操作、フィルタリング、解像度の変更といった「デジタル化の流れ」に加え、一部の美術家は意図的に「自然主義」を追求しており、その中には「自然光」も含まれる。ゲルハルト・リヒターの作品のように、写真画像に油絵の具で上塗りを施したり、画像自体を超えた政治的・歴史的な意味合いを持たせたりした作品もある。「写真投影絵画」の存在は、伝統的に絶対的であった絵画と写真の境界線を曖昧にしている。

額装とプリントサイズ

1950 年代半ばまでは、ギャラリーでの展示で写真を額装するのは、俗悪で気取った行為と広く考えられていました。プリントは通常、ブロックボードやベニヤ板に単に貼り付けるか、暗室で白い縁取りを施してから展示ボードの角にピンで留めるだけでした。こうすることで、ガラスの反射でプリントが見えにくくなることなく展示できました。スタイケンの有名な「The Family of Man」展は額装されておらず、写真はパネルに貼り付けられていました。1966 年という遅い時期にも、ビル ブラントの MoMA での展示は額装されておらず、シンプルなプリントが薄いベニヤ板に貼り付けられていました。1950 年代半ばから 2000 年頃までは、ほとんどのギャラリーでの展示でプリントはガラスの背後に展示されていました。2000 年頃からは、現代のギャラリー プリントを再び板に収め、ガラスを使用しないで展示するという顕著な動きが見られます。また、20 世紀を通じて、プリントのサイズは顕著に大きくなりました。

政治

アンセル・アダムス『ティトン山脈とスネーク川』（1942年）

芸術写真は、主にアーティストのビジョンを表現するために制作されますが、副産物として、特定の理念の推進においても重要な役割を果たしてきました。ヨセミテとイエローストーンにおけるアンセル・アダムスの作品はその好例です。アダムスは20世紀で最も広く知られる芸術写真家の一人であり、自然保護の熱心な推進者でもありました。彼は主に写真を芸術として捉えることに焦点を当てていましたが、彼の作品の中には、シエラネバダ山脈の美しさに対する人々の意識を高め、その保護に対する政治的支持を高めるのに貢献したものもあります。

このような写真は、裸体に関するものであるため、検閲法や表現の自由の領域にも影響を及ぼしている。

他のジャンルとの重複

芸術写真は他の多くのジャンルの写真と重複することがありますが、ファッション写真やフォトジャーナリズムとの重複には特に注目する価値があります。

1996年には、特にファッションの分野で「商業的なイラストレーション写真と芸術写真の境界線が近年曖昧になってきている」と述べられました。[ 10 ]芸術写真とファッション写真の重なりの証拠としては、講演、[ 11 ]展覧会、[ 12 ] [ 13 ] [ 14 ]アート・バーゼル・マイアミビーチなどの見本市、[ 15 ]書籍などがあります。[ 10 ] [ 16 ]

フォトジャーナリズムと芸術写真が重なり始めたのは、「1960年代後半から1970年代にかけて、報道写真家が芸術写真や絵画と連携を始めた」頃でした。[ 17 ] 1974年には国際写真センターが開設され、「人道的フォトジャーナリズム」と「芸術写真」の両方に重点が置かれました。[ 17 ] 1987年までに、「雑誌や新聞の依頼で撮影された写真が、額装されて美術館やギャラリーの壁に定期的に展示されるようになりました」。[ 18 ]

スナップチャットなどのスマートフォンアプリは、芸術的な写真撮影に使用されることもあります。[ 19 ]

他分野のアーティストの姿勢

マーティン・ヴォレル『白樺』（2021年）

芸術家や作家の反応は、写真が芸術として認識されるようになる上で大きな役割を果たしてきました。著名な画家たちは、写真という媒体への関心を表明しています。

私はずっと写真に興味を持っていました。絵画よりも写真のほうがずっと多く見てきました。なぜなら、写真のリアリティは現実そのものよりも強いからです。

— フランシス・ベーコン

著名な作家たちも同様に、写真の芸術的可能性について次のように述べています。

…カパは、カメラが必ずしも冷酷な機械装置である必要はないということを、疑いの余地なく証明したように私には思えます。ペンのように、カメラの良し悪しは、それを使う人の良し悪しに左右されます。カメラは、心と魂の延長となり得るのです…

— ジョン・スタインベック

定義一覧

以下は、関連用語「芸術写真」、「芸術写真」、「ファインアート写真」の定義一覧です

参考書の中で

参考書に記載されている定義には以下のものがあります

  • 「芸術写真」：「芸術として行われる写真、つまり、アーティストの知覚や感情を表現し、それを他の人と共有するために行われる写真」[ 20 ]
  • 「芸術写真」：「商業的な依頼に応じて制作される写真ではなく、販売または展示のために制作された写真」[ 21 ]
  • 「ファインアート写真」：「写真家の創造的ビジョンを実現するための画像の制作。…アート写真と同義」[ 22 ]
  • 「芸術写真」の定義は「曖昧」であるが、「写真家が芸術写真と言う場合、American Photo、Popular Photography、Printなどの雑誌や、サロンや展覧会で見られる写真を念頭に置いている。芸術写真（または芸術的な写真）は売れるものである。」[ 23 ]
  • 「芸術写真」：「頻繁に使用されるが、やや曖昧な用語である。その根底にある考え方は、写真の制作者が被写体を単に写実的に表現する以上のものを目指し、個人的な印象を伝えようとしたということである。」[ 24 ]
  • 「ファインアート写真」：「装飾写真」または「フォトデコレーション」とも呼ばれ、これは「壁の芸術として使用できる大きな写真を販売する」ことを意味します。[ 23 ]

学術論文において

学術論文で見られる定義には以下のものがあります

  • 1961年、S・D・ジュハールは写真芸術協会を設立し、会長を務めました。同協会が定義した「ファインアート」とは、「人の心と想像力を自由に、しかし巧みに働かせ、写真という手法を用いて、感情を呼び起こす画像を創造すること」でした。[ 25 ]
  • 1974年にクリストファーソンが行った2つの研究では、「芸術写真家」を「特に『芸術』として写真を制作し配布する人々」と定義しました。[ 26 ] [ 27 ]
  • シュワルツによる1986年の民族誌的・歴史的研究では、「ファインアート写真」を直接定義していませんが、「カメラクラブ写真」と比較しています。[ 28 ] この研究では、ファインアート写真は絵画などの「他のメディアと結びついている」、「独自の歴史と伝統に呼応している」（「先人たちの業績と同じものを志向する」のではなく）、「独自の語彙を持っている」、「アイデアを伝える」（例えば、「形式への関心が主題への関心を上回る」）、「革新的である」、「個人的な」、「ライフスタイルである」、「商業の世界に参加している」ことが示されています。[ 28 ]

ワールドワイドウェブ上

ワールド ワイド ウェブ上で見つかる定義には次のようなものがあります。

  • アメリカ議会図書館の件名標目では、「芸術写真」を「芸術の写真」として、「芸術写真」（すなわち「芸術的な写真」）を「美学理論を含む美術としての写真」として使用している。[ 29 ]
  • Art & Architecture Thesaurusによると、「ファインアート写真」（推奨用語）または「アート写真」あるいは「アーティスティック写真」とは、「1890年頃から20世紀初頭にかけてイギリスとアメリカ合衆国で起こった、様々な美的アプローチを推進した運動である。歴史的には、科学的、商業的、あるいはジャーナリズム的な意図とは区別して、美的意図を持つあらゆる写真に適用されることもある。この意味では「写真」を使用する」とされている。[ 30 ]
  • 写真家の静的なウェブページにおける「ファインアート写真」の定義は、「カメラで制作されるファインアートのサブセット」[ 31 ]から「アーティストの死後も残る素材や技術を用いた限定複製写真」 [ 32 ]まで様々である。
  • 限定複製の概念に関して、フランスの法制度では、芸術写真が美術作品とみなされるかどうかについて非常に明確な法的定義が存在します。税法では、「アーティストが撮影し、アーティスト自身またはアーティストの管理下でプリントされ、署名と番号が付けられ、サイズや台紙を含め最大30部までが美術作品とみなされる」と規定されています。[ 33 ]

女性による

女性は、特に20世紀後半から21世紀初頭にかけて、芸術写真の発展と進化において重要な役割を果たしてきました。彼女たちの作品はしばしば従来の美学に挑戦し、深く個人的、象徴的、そして時にシュールな物語を提示しています。女性芸術写真家は、写真、パフォーマンス、インスタレーション、彫刻の境界を曖昧にし、写真という媒体を用いてアイデンティティ、記憶、そして女性の身体を探求しています。

著名な人物としては、概念的な自画像で女性らしさの固定観念や映画の比喩を解体するシンディ・シャーマンや、幽玄な白黒画像で消失、脆さ、自我といったテーマを扱ったフランチェスカ・ウッドマンなどがいます。

サリー・マンは、物議を醸しながらも詩的な子供時代の描写や南部ゴシックのイメージで知られ、個人的な歴史と生と死という普遍的なテーマを融合させています。

最近では、ヴィヴィアン・サッセンやザネレ・ムホリなどのアーティストが、人種、セクシュアリティ、アイデンティティを反映した鮮やかで政治的に関与する視覚言語を美術写真に取り入れています。

これらのアーティストは、芸術写真の定義を拡大し、フェミニストアートと世界の現代視覚文化の両方に多大な貢献をしました。

関連項目

参考文献

注記

  1. ^ウィンターズ、ダン (2014). 『見ることへの道』ニューライダーズ. pp.  563– 564. ISBN 978-0-13-315420-7。
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  3. ^ラモス・モリーナ 2018年、293～297ページ
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  19. ^ 「父が死ぬのを見ている間：Snapchatでの写真展が記憶と感情の消失を探る | ファインアート写真、コミッション、ニューヨークの指導チュートリアル スティーブ・ジョビンコ」 stevegiovinco.com 2015年10月28日. 2017年1月10日閲覧。
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  28. ^ a bシュワルツ、ドナ「カメラクラブと芸術写真：エリートコードの社会的構築」アーバンライフ誌第15巻第2号（1986年7月）、165～195ページに掲載。
  29. ^米国議会図書館.典拠標目検索. 2008年8月6日閲覧。
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出典

  • ラモス・モリーナ、アントニオ・ルイス (2018). La magia de la química fotográfica: El quimigrama. Conceptos, técnicas y procedimientos del quimigrama en la expresión artística (doctoral thesis) (スペイン語). グラナダ大学

さらに詳しい参考文献

  • スーザン・ブライト著『アート写真の今』ニューヨーク：アパーチャー、2005年、ISBN 1-931788-91-X
  • フォッデ、マルコ. Fotografia digitale: Fine art . 第1版. ミラノ: Apogeo La Feltrinelli, 2012. ISBN 978-88-503-1397-6
  • ペレス、マイケル・R.編『フォーカル写真百科事典：デジタルイメージング、理論と応用、歴史、科学』第4版。アムステルダム＆ボストン：エルゼビア／フォーカル・プレス、2007年。ISBN 978-0-240-80740-9
  • ローゼンブラム、ナオミ.世界写真史. 第4版. ニューヨーク：アビービル・プレス, 2007. ISBN 978-0-7892-0937-5
  • トンプソン、ジェリー・L. 『真実と写真：見るということと写真を撮るということについての覚書』シカゴ：アイヴァン・R・ディー、2003年。ISBN 1-56663-539-X
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