サウンド映画

1908年、ゴーモンのトーキー映画を宣伝するポスター。大ホール用に設計されたクロノメガフォンは、圧縮空気を用いて録音された音を増幅した。^{[ 1 ]}

トーキー映画は、無声映画とは対照的に、同期した音声、または映像と技術的に結合された音声を伴う映画である。投影された音声付き映画の最初の公開上映は1900年にパリで行われたが、トーキー映画が商業的に実用的になるまでには数十年を要した。初期のサウンド・オン・ディスク・システムでは信頼性の高い同期を実現することが難しく、増幅と録音品質も不十分であった。サウンド・オン・フィルムの革新により、1923年にこの技術を用いた短編映画の最初の商業上映が実現した。サウンド・オン・フィルム技術が実用的になる前は、映画のサウンドトラックはオルガンやピアノで生演奏されるのが一般的だった。

トーキー映画の商業化は1920年代半ばから後半にかけて本格的に進められた。当初は、同期したセリフを含むトーキー映画（トーキー映画またはトーキー）は短編映画に限られていた。録音された音声を含む最初期の長編映画は、音楽と効果音のみで構成されていた。トーキーとして初めて上映された長編映画（ただし、音声シーンは限られていた）は、1927年10月6日に公開された『ジャズ・シンガー』である。 ^{[ 2 ]}この映画は大ヒットとなり、当時、ディスク録音技術の主要ブランドであったヴァイタフォンで制作された。しかし、すぐにフィルム録音がトーキー映画の標準となる。

1930年代初頭までに、トーキーは世界的な現象となっていた。アメリカ合衆国では、トーキーはハリウッドが世界で最も影響力のある文化・商業の中心地の一つとしての地位を確固たるものにするのに貢献した（「アメリカ合衆国の映画」参照）。ヨーロッパ（そして、それほどではないが他の地域でも）では、この新しい展開は多くの映画製作者や批評家から疑念の目で見られ、会話に重点を置くことで無声映画特有の美的価値が損なわれるのではないかと懸念された。無声映画と弁士（声楽家）が融合した映画の伝統が一般的だった日本では、トーキーはなかなか定着しなかった。一方、インドでは、音声が変革をもたらし、国の映画産業の急速な発展を導いた。

初期の歴史

ディクソン実験サウンドフィルム（1894年または1895年）の画像。キネトスコープと蓄音機を組み合わせたエジソンキネトフォンの初期バージョンのテストとしてWKL ディクソンが制作しました。

エリック・MC・タイガーシュテット（1887年～1925年）は、フィルム録音技術の先駆者の一人であった。1915年のタイガーシュテット。

映画と録音された音声を組み合わせるというアイデアは、映画の概念そのものと同じくらい古い。1888年2月27日、写真の先駆者エドワード・マイブリッジがトーマス・エジソンの研究所からそう遠くない場所で講演を行った数日後、二人の発明家は個人的に会った。マイブリッジは後に、最初の商業映画上映の6年前のこの機会に、自身の映像投影装置であるズープロキシスコープとエジソンの録音音声技術を組み合わせた音声映画の構想を提案したと述べた^{[ 3 ]} 。合意には至らなかったが、1年以内にエジソンは、円筒蓄音機の視覚的補完として、本質的には「ピープショー」システムであるキネトスコープの開発を委託した。この二つの装置は1895年にキネトフォンとして統合されたが、映画をキャビネットで個別に鑑賞するという方法は、映写技術の成功によってすぐに時代遅れになった^{[ 4 ] 。}

1899年、シネマクロフォノグラフまたはフォノラマとして知られる投影式の音声映画システムがパリで展示されました。これは主にスイス生まれの発明家フランソワ・デュソーの研究に基づいています。キネトフォンと同様に、このシステムでは各自がイヤホンを使用する必要がありました。^{[ 5 ]}改良されたシリンダーベースのシステムであるフォノ・シネマ・テアトルは、フランスのクレマン＝モーリス・グラティオレとアンリ・リオレによって開発され、 1900年のパリ万博で演劇、オペラ、バレエの抜粋の短編映画を上映することができました。これらは、画像と録音された音声の両方を投影した最初の公開映画であると思われます。フォノラマと、さらに別の音声映画システムであるテアトロスコープも万博で発表されました。^{[ 6 ]}

3つの大きな問題が依然として残り、その結果、映画と録音は一世代にわたって別々の道を歩むことになった。主な問題は同期であった。映像と音声は別々の装置で記録・再生されていたため、同時起動や同時維持が困難であった。^{[ 7 ]}十分な再生音量を得ることも困難であった。映写機の登場により、まもなく映画は大劇場の観客に上映できるようになったが、電気増幅装置が開発される前の音響技術では、大空間を満たすほどの十分な音響効果を得ることができなかった。最後に、録音の忠実度という課題があった。当時の原始的なシステムでは、演者が扱いにくい録音装置（ほとんどの場合、音響ホーン）の真正面に立たない限り、音質が非常に低く、ライブ録音された音声で作成できる映画の種類には厳しい制限が課せられていた。^{[ 8 ]}

1900 年のパリ万博で、グラティウレ リオレ システムを使用して「生きたビジョン」で展示されたサラ ベルナールとその他の 18 人の「有名な芸術家」の名前が記載されたポスター。

映画の革新者たちは、この根本的な同期問題に様々な方法で対処しようと試みました。映画システムは、サウンド・オン・ディスク技術として知られる蓄音機レコードを利用するケースが増えていきました。レコード自体は、この分野の主要な発明者の一人であるドイツ系アメリカ人のエミール・ベルリナーにちなんで、「ベルリナー・ディスク」と呼ばれることが多かったのです。1902年、レオン・ゴーモンは、当時特許を取得したばかりの電気接続を備えたサウンド・オン・ディスク・クロノフォンをフランス写真協会に披露しました。^{[ 9 ]} 4年後、ゴーモンはイギリスの発明家ホレス・ショートとチャールズ・パーソンズが開発したオークセトフォンをベースにした圧縮空気増幅システム、エルジェフォンを発表しました。^{[ 10 ]}大きな期待にもかかわらず、ゴーモンの音響技術は商業的にはあまり成功しませんでした。いくつかの改良はあったものの、サウンド映画の3つの基本的な問題を十分に解決しておらず、また高価でもありました。アメリカの発明家E・E・ノートンのカメラフォンは、数年間、ゴーモンシステムの主な競合製品であった（カメラフォンがディスクベースかシリンダーベースかは資料によって異なる）。しかし、最終的にはクロノフォンの成功を阻んだのと同じ多くの理由から失敗に終わった。^{[ 11 ]}

1913年、エジソンはシリンダーベースの新しい同期音響装置を発表しました。これは、1895年のシステムと同様にキネトフォンとして知られています。映画はキネトスコープのキャビネットで個々の視聴者に上映されるのではなく、スクリーンに投影されるようになりました。蓄音機は複雑な滑車の組み合わせで映写機に接続されており、理想的な条件下では同期が可能でした。しかし、条件が理想的になることはめったになく、改良された新しいキネトフォンは1年余りで引退しました。^{[ 12 ]} 1910年代半ばまでには、商業的な音声映画上映のうねりは収まりました。^{[ 11 ]} 1914年からは、人類の起源に関するエホバの証人の考えを宣伝する「創造の写真劇」が米国中で上映されました。スライドとライブアクションを含む8時間分の投影映像が、別々に録音された講義と蓄音機で再生された音楽演奏と同期していました。^{[ 13 ]}

一方、もう一つの重要な分野でも革新が続きました。1900年、ドイツの物理学者エルンスト・ルーマーは、写真電話の研究の一環として、送信アーク光の揺らぎを、連続した写真フィルムに明暗の帯として記録しました。彼はその後、このプロセスを逆転させ、走行中のフィルムに明るい光を当て、その光でセレン電池を照らすことで、写真フィルムに記録された音を再生できることを突き止めました。明るさの変化はセレンの電流抵抗に変化をもたらし、これを利用して電話受話器から発せられる音を変調させました。彼はこの発明を写真電話と呼び^{[ 14 ]}、「これは実に素晴らしいプロセスです。音は電気になり、光になり、化学反応を引き起こし、再び光と電気になり、そして最終的に音になります」と要約しました^{[ 15 ] 。}

ルーマーは、1886年から1892年までエジソンの研究所で働いていたフランス生まれロンドン在住のユージン・ロースト^{[ 16 ]}との文通を始めた。1907年、ローストは音を光波に変換し、それを写真のようにセルロイドに直接記録するサウンド・オン・フィルム技術で最初の特許を取得した。歴史家スコット・アイマンは次のように述べている。

これは二重システムで、音は映像とは別のフィルムに記録されていました。…つまり、音はマイクで捉えられ、光弁（小さなスリットに張られた感光性の金属の細いリボン）を介して光波に変換されます。このリボンに到達した音は、ダイヤフラムの振動によって光に変換され、スリットを通して集束し、フィルムの側面、約10分の1インチ幅の帯状の部分に撮影されます。^{[ 17 ]}

1908年、ラウステはルーマーから写真用電話機を購入し、この装置を商品化しようとした。^{[ 16 ]}サウンド・オン・フィルムは最終的に同期音声映画の世界標準となったが、ラウステは自身の革新をうまく活用することはなく、事実上行き詰まりに陥った。1914年、フィンランドの発明家エリック・ティガーシュテットはサウンド・オン・フィルムの研究でドイツ特許309,536を取得した。同年、彼はベルリンで科学者たちにこの方法で作った映画を実演したと思われる。^{[ 18 ]}ハンガリーの技術者デネス・ミハイは1918年、サウンド・オン・フィルムのプロジェクトフォンの構想をハンガリー王立特許裁判所に提出し、特許は4年後に発行された。^{[ 19 ]}音声がシリンダー、ディスク、またはフィルムのいずれに記録されたとしても、利用可能な技術はいずれも大規模な商業目的には適しておらず、長年、ハリウッドの大手映画スタジオの責任者は音声付き映画を製作することにほとんど利益を見出していなかった。^{[ 20 ]}

重要な革新

1920年代後半までに、トーキー映画が商業的に成功するために、数々の技術革新が貢献しました。そのうち2つは、同期音声の再生、つまり再生に関する対照的なアプローチでした。

高度なサウンドオンフィルム

1919年、アメリカの発明家リー・ド・フォレストは、商業的に応用された最初の光学式フィルムサウンド技術につながるいくつかの特許を取得しました。ド・フォレストのシステムでは、サウンドトラックを映画フィルムのストリップの側面に写真的に記録し、合成プリント、いわゆる「マリッジプリント」を作成しました。録音時に音と映像の適切な同期が達成されれば、再生時にも確実に同期することができました。その後4年間、彼はこの分野の別のアメリカ人発明家であるセオドア・ケースからライセンス供与された機器と特許を活用して、システムを改良しました。^{[ 21 ]}

イリノイ大学では、ポーランド生まれの研究技術者ジョセフ・ティコチンスキ＝ティコシナーが独自に同様のプロセスに取り組んでいました。1922年6月9日、彼はアメリカ電気学会の会員に対し、米国で初めてフィルムに音声を録音した映画のデモンストレーションを行いました。^{[ 22 ]}ラウステとティガーシュテットと同様に、ティコシナーのシステムも商業的に利用されることはありませんでしたが、ド・フォレストのシステムはすぐに利用されるようになりました。

1925 年にフォノフィルムの短編映画を上映した新聞広告。蓄音機を使わないという技術的な特徴を宣伝している。

1923年4月15日、ニューヨーク市のリヴォリ劇場で、サウンド・オン・フィルムによる映画の最初の商業上映が行われた。これは後の標準となる。これは、長さの異なる一連の短編映画で構成され、1920年代の最も人気のあるスター（エディ・カンター、ハリー・リッチマン、ソフィー・タッカー、ジョージ・ジェッセルなど）が、無声長編映画『ベラ・ドンナ』の上映に合わせて、ボードビル、音楽パフォーマンス、スピーチなどの舞台パフォーマンスを行った。^{[ 23 ]}これらはすべて、デ・フォレスト・フォノフィルムズの名で上映された。^{[ 24 ]}セットには、コンチャ・ピケール主演の11分間の短編映画『遠いセビリアから』も含まれていた。2010年に、テープのコピーが米国議会図書館で発見され、現在も保管されている。^{[ 25 ] [ 26 ] [ 27 ]}イベントに出席した批評家たちは斬新さを賞賛したが、総じて否定的な評価を受けた音質については賞賛しなかった。^{[ 28 ]}その年の6月、デ・フォレストは、従業員のフリーマン・ハリソン・オーウェンズと、フォノフィルムの重要な特許の一つの所有権をめぐって長期にわたる法廷闘争に入った。デ・フォレストは最終的に裁判で勝訴したが、オーウェンズは今日ではこの分野の中心的な革新者として認められている。^{[ 29 ]}翌年、デ・フォレストのスタジオはトーキーとして撮影された初の商業ドラマ映画、2リーラーのJ・サール・ドーリー監督、ウナ・メルケル主演の『ラブズ・オールド・スウィート・ソング』をリリースした。^{[ 30 ]}しかし、フォノフィルムの商売はオリジナルのドラマではなく、有名人のドキュメンタリー、ポピュラー音楽のパフォーマンス、コメディ公演だった。カルビン・クーリッジ大統領、オペラ歌手のアビー・ミッチェル、そしてフィル・ベイカー、ベン・バーニー、エディ・カンター、オスカー・レヴァントといったヴォードヴィルのスターたちが、この会社の映画に出演しました。ハリウッドは依然としてこの新技術に疑念を抱き、恐れさえしていました。 1924年3月、フォトプレイ社の編集者ジェームズ・クワークはこう述べています。「トーキー映画は完成されたとリー・ド・フォレスト博士は言います。ヒマシ油も同様です。」^{[ 31 ]}ド・フォレストの手法は、アメリカ合衆国では1927年まで数十本の短編フォノフィルムに使用され続けました。イギリスでは、ブリティッシュ・トーキング・ピクチャーズの子会社であるブリティッシュ・サウンド・フィルム・プロダクションズがフォノフィルムの主要資産を買収し、短編と長編の両方でさらに数年間採用されました。1930年末までに、フォノフィルム事業は清算されました。^{[ 32 ]}

ヨーロッパでは、サウンド・オン・フィルムの開発に取り組んでいた人々もいた。デフォレストがこの分野で最初の特許を取得したのと同じ1919年、3人のドイツ人発明家、ヨーゼフ・エングル（1893–1942）、ハンス・フォークト（1890–1979）、ジョセフ・マッソル（1889–1957）がトライエルゴン音響システムの特許を取得した。1922年9月17日、トライエルゴングループはベルリンのアルハンブラ・キノで招待客を前に、ドラマティック・トーキー『放火犯』を含むサウンド・オン・フィルム作品の公開上映を行った[ 33 ] ^{。 1920年代}末までに、トライエルゴンはヨーロッパで主流の音響システムとなった。 1923年、デンマークの技術者2人、アクセル・ペーターセンとアーノルド・ポールセンは、映像リールと並行して走る別のフィルムストリップに音声を記録するシステムの特許を取得しました。ゴーモンはこの技術のライセンスを取得し、「シネフォン」という名称で短期間商業利用しました。^{[ 34 ]}

米国の競争相手がフォノフィルムを凌駕した。1925年9月までに、ド・フォレストとケースの協力関係は決裂した。翌年7月、ケースはハリウッドで3番目に大きなスタジオであるフォックス映画に加わり、フォックス・ケース社を設立した。ケースと助手のアール・スポナブルによって開発されたシステムはムービートーンと名付けられ、ハリウッドの映画スタジオが管理する最初の実用的なフィルムサウンド技術となった。翌年、フォックスはトライエルゴンシステムの北米権利を購入したが、同社はこのシステムがムービートーンより劣っており、2つの異なるシステムを統合して利点を生み出すことは事実上不可能であると判断した。^{[ 35 ]} 1927年にも、フォックスは同期音声映画用のカメラの製造に特に熟練したフリーマン・オーウェンズを雇用した。^{[ 36 ]}

高度なサウンドオンディスク

ヴィタフォンのディスク録音方式を実演した映画『スクリーンからの声』（1926年）

サウンド・オン・フィルム技術の改良と並行して、多くの企業が映画の音声を蓄音機のディスクに録音するシステムの開発を進めていた。当時のサウンド・オン・ディスク技術では、蓄音機のターンテーブルが機械的なインターロックで特別に改造された映写機に接続され、同期を可能にしていた。1921年、オーランド・ケラムが開発したフォトキネマ・サウンド・オン・ディスク・システムが、DWグリフィスの失敗作『ドリームストリート』に同期したサウンド・シーケンスを加えるために採用された。主演のラルフ・グレイブスによるラブソングが録音され、ライブのボーカル効果音のシーケンスも録音された。会話シーンも録音されたようだが、結果は満足のいくものではなく、映画はそれらを含めて公開されることはなかった。1921年5月1日、『ドリームストリート』はラブソングが追加されてニューヨーク市のタウンホール劇場で再公開され、いかに場当たり的ではあっても、ライブ録音のボーカル・シーケンスを備えた最初の長編映画としての資格を得た。^{[ 37 ]} しかし、音質が非常に悪く、フォトキネマの音響システムを備えた劇場が他になかったため、サウンド版を上映することができませんでした。^{[ 38 ]} 5月29日（日）、ブルックリンのシュバート・クレセント劇場で『ドリーム・ストリート』が開幕し、フォトキネマで制作された短編映画が上映されました。しかし、興行成績は振るわず、すぐに上映は終了しました。

ドン・ファン

ワーナー・ブラザース製作の『ドン・ファン』 （1926年）のポスター。全編シンクロサウンドトラックが初公開された初の大作映画。ハリウッドで初めてこの職に就いた録音技師、ジョージ・グローブスは、 44年後の『ウッドストック』でも音響監督を務めることになる。

1925年、当時はハリウッドの小さなスタジオだったが大きな野望を抱いていたワーナー・ブラザースのサム・ワーナーは、ウェスタン・エレクトリックのサウンド・オン・ディスク・システムのデモンストレーションを見て大いに感銘を受け、ニューヨーク市のヴィタグラフ・スタジオでこのシステムを使って実験することに同意するよう兄弟たちを説得した。このテストは、それを見ていた他の映画会社の役員たちはそうではなかったとしても、ワーナー・ブラザースにとっては納得のいくものだった。その結果、1926年4月、ウェスタン・エレクトリック社はワーナー・ブラザースおよび投資家のWJリッチと契約を結び、ウェスタン・エレクトリック・システムでサウンド付き映画を録音および再生する独占的ライセンスを取得した。このライセンスを活用するために、サミュエル・L・ワーナーを社長とするヴィタフォン社が設立された。^{[ 39 ] [ 40 ]}このシステムがヴィタフォンと呼ばれるようになったのは、1926年8月6日、 『ドン・ファン』のプレミア上映で公表されたためである。全編にわたって同期音響システムを採用した最初の長編映画であった『ドン・ファン』のサウンドトラックには、音楽と効果音が含まれ、録音されたセリフは含まれていなかった。つまり、無声映画として演出され、撮影されたのである。しかし、 『ドン・ファン』には、主にクラシック音楽の8つの短編音楽演奏と、アメリカ映画協会会長ウィル・H・ヘイズによる4分間の紹介映像が添えられており、すべてライブ録音の音声が使用されていた。これらは、ハリウッドスタジオで上映された最初の真のトーキー映画であった。^{[ 41 ]}ワーナー・ブラザースの『ザ・ベター・オール』は、技術的には『ドン・ファン』に似ており、10月に公開された。^{[ 42 ]}

数多くの基本的な技術的利点により、フィルム上の音声は最終的にディスク上の音声に勝利しました。

• 同期: 完全に信頼できるインターロックシステムはなく、映写技師のミス、フィルムの破損の不正確な修復、サウンドトラックディスクの欠陥などにより、音声が映像と深刻かつ回復不能なほど同期しなくなる可能性がありました。
• 編集: ディスクは直接編集することができず、オリジナルのリリースカット後に付属の映画に変更を加える能力が著しく制限されました。
• 配給：蓄音機のディスクは映画の配給に費用と複雑さをもたらした
• 摩耗と損傷：ディスクを再生する物理的なプロセスによりディスクは劣化し、約20回の上映後に交換が必要になります^{[ 43 ]}

それでも、初期の頃は、ディスク上のサウンドはフィルム上のサウンドに対して、2つの重要な点で優位に立っていました。

• 制作費と資本コスト：一般的に、フィルムに音声を記録するよりもディスクに音声を記録する方が安価であり、上映システム（ターンテーブル、インターロック、プロジェクター）は、フィルムに音声を記録するために必要な複雑な画像と音声のパターンを読み取るプロジェクターよりも製造コストが安かった。
• 音質：蓄音機のディスク、特にヴィタフォンのディスクは、少なくとも最初の数回の再生においては、当時のほとんどのフィルム録音方式よりも優れたダイナミックレンジを持っていました。フィルム録音方式は周波数応答が優れている傾向がありましたが、歪みやノイズが大きかったため、その分音質は劣っていました。 ^{[ 44 ] [ 45 ]}

フィルム上のサウンド技術が進歩するにつれ、これらの欠点は両方とも克服されました。

3 番目の重要な革新は、サウンドのライブ録音とその効果的な再生の両方において大きな前進をもたらしました。

左は、ウェスタン・エレクトリック社のエンジニア、EB・クラフト氏がヴァイタフォン映写システムのデモンストレーションを行っている様子。ヴァイタフォンのディスクの再生時間は約11分で、35mmフィルム1,000フィート（300メートル）のリールに匹敵する長さだった。

忠実度の高い電子録音と増幅

1913年、 AT&Tの製造部門であるウェスタン・エレクトリックは、三極管真空管の前身であるド・フォレスト・オーディオンの権利を取得しました。その後数年間で、同社はこれを予測可能で信頼性の高い装置へと開発し、初めて電子増幅を可能にしました。その後、ウェスタン・エレクトリックは真空管の用途開発に進出し、拡声システムや録音業界向けの電気録音システムの開発にも取り組みました。1922年からは、ウェスタン・エレクトリックの研究部門が、映画用のディスク録音とフィルム録音による同期音響システムの録音技術の開発に精力的に取り組み始めました。

サウンド・オン・ディスク・システムに取り組んでいた技術者たちは、ウェスタン・エレクトリックが既に電気ディスク録音で持っていた専門知識を活用することができたため、初期の進歩を迅速に進めることができた。必要な主な変更は、ディスクの再生時間を延長して、標準的な1,000フィート（300メートル）の35ミリフィルムのリールに匹敵するようにすることだった。選ばれた設計では、33 1/3rpmで回転する直径約16インチ（約40センチ）のディスクが使われた。これは、毎分90フィート（24フレーム/秒）で1000フィートのフィルムの再生時間である11分間再生できた。^{[ 46 ]} 直径が大きいため、最小溝速度70フィート/分（14インチまたは356ミリメートル/秒）は、標準的な10インチ78回転ディスクの速度よりわずかに遅いだけだった。 1925年、ワーナー社は感度の高いコンデンサー マイクやラバーライン レコーダー (ワックス マスター ディスクに周波数応答の優れた録音を行うためにラバー ダンピング バンドを使用することにちなんで名付けられた^{[ 47 ]} ) など、大幅に改良された電子オーディオ システムを公開しました。同年 5 月、ワーナー社は起業家の Walter J. Rich 氏にこのシステムを商業映画に利用するためのライセンスを供与しました。Rich 氏は Vitagraph を設立し、ワーナー ブラザース社はわずか 1 か月後に同社の株式の半分を取得しました^{[ 48 ]} 。1926年 4 月、ワーナー社は AT&T 社と契約を結び、同社の映画音響技術を、再ダビングされた Vitaphone 事業に独占的に使用することになりました。これがきっかけで、その後数か月間に『ドン ファン』とその短編映画が制作されました^{[ 39 ]} 。Vitaphoneが特許を独占的に使用していた期間中、ワーナー映画の録音の忠実度は、同社のフィルム録音競合他社の録音よりも著しく優れていました。一方、ベル研究所（AT&Tの研究部門の新たな名称）は、録音された音声を劇場に響く大音量でスピーカーから再生することを可能にする高度な音響増幅技術の開発に猛烈な勢いで取り組んでいた。この新しいムービングコイル型スピーカーシステムは7月末にニューヨークのワーナーズ・シアターに設置され、ウェスタン・エレクトリック社が「No.555レシーバー」と名付けたこのシステムの特許申請は8月4日、『ドン・ファン』の初演のわずか2日前に行われた。^{[ 45 ] [ 49 ]}

その年の後半、AT&T/ウエスタン・エレクトリックは、同社の映画関連のオーディオ技術に関する権利を扱うライセンス部門、エレクトリカル・リサーチ・プロダクツ社（ERPI）を設立した。ヴァイタフォンはまだ法的独占権を持っていたが、ロイヤルティの支払いが失効していたため、権利の実質的な管理はERPIの手に渡った。1926年12月31日、ワーナーはフォックスケースにウエスタン・エレクトリック・システムの使用に関するサブライセンスを付与した。サブライセンスと引き換えに、ワーナーとERPIの両社はフォックスの関連収益の一部を受け取ることになった。3社の特許はすべて相互ライセンスされた。^{[ 50 ]}優れた録音および増幅技術は、2つのハリウッド・スタジオで利用できるようになり、それぞれ全く異なる2つの音声再生方式を追求していた。新年には、ついにトーキー映画が重要な商業媒体として登場することになる。

旅行

1929年、業界誌『プロジェクション・エンジニアリング』に「RCAフォトフォンの新しい携帯型音声・画像再生システム」が発表された。 ^{[ 51 ]} オーストラリアでは、ホイツ社とギルビー・トーキーズ社が地方都市を巡回トーキー上映していた。^{[ 52 ] [ 53 ]}同年、ホワイト・スター・ライン社はRMSマジェスティック号にトーキー上映装置を設置した。初航海で上映されたのは『ショー・ボート』と『ブロードウェイ』だった。^{[ 54 ]}

「トーキー」の勝利

ジャズ・シンガー（1927年）

1927年2月、ハリウッドの主要映画会社5社、 フェイマス・プレイヤーズ・ラスキー社（間もなくパラマウントの一部となる）、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー社、ユニバーサル社、ファースト・ナショナル社、そしてセシル・B・デミルの小規模だが名声あるプロデューサーズ・ディストリビューティング・コーポレーション（PDC）の間で協定が締結された。5つのスタジオは、音声変換のために共同で1社だけプロバイダーを選択することに同意し、先頭に立つ各社がどのような結果を出したかを見守ることとなった。^{[ 55 ]} 5月、ワーナー・ブラザースは独占権をERPIに売却し（フォックス・ケースへの再許諾とともに）、ウエスタン・エレクトリックの技術使用に関してフォックスと同様の新しいロイヤルティ契約を結んだ。フォックスとワーナーはトーキー映画を推進したが、技術的にも商業的にも異なる方向に進んでいた。フォックスはニュース映画に進出し、次にドラマの音楽を手掛け、ワーナーはトーキーに集中した。一方、ERPIは5つの同盟スタジオと契約することで市場独占を狙った。^{[ 56 ]}

ワシントン州タコマの設備の整った映画館の新聞広告。Vitaphoneで『ザ・ジャズ・シンガー』、Movietoneで Fox のニュース映画を同じプログラムで上映している。

この年センセーションを巻き起こした大作トーキー映画は、いずれも既存の有名人を活用したものだ。1927年5月20日、ニューヨーク市のロキシー劇場で、フォックス・ムービートーン社は、チャールズ・リンドバーグのパリへの名高い飛行の離陸を収録したトーキー映画を上映した。6月には、ニューヨーク市とワシントンD.C.でのリンドバーグの帰国歓迎の様子を描いたフォックスのトーキーニュース映画が上映された。これらは、それまでで最も高く評価されたトーキー映画2本となった。[ ^{57 ]また}5月には、フォックス社は、ハリウッドで初めて同期セリフの入ったフィクション映画、コメディアンのチック・セール主演の短編『 They're Coming to Get Me』を公開した。^{[ 58 ]}『セブンス・ヘブン』など、数本のサイレント長編ヒット作に録音音楽を付けて再公開した後、フォックス社は9月23日に、ドイツ人監督の高名なFWムルナウによる初のオリジナル・ムービートーン長編映画『Sunrise: A Song of Two Humans』を公開した。『ドン・ファン』と同様に、この映画のサウンドトラックは音楽と効果音（いくつかの群衆シーンでは「ワイルド」な、漠然としたボーカルも含まれている）で構成されていた。^{[ 59 ]}

そして1927年10月6日、ワーナー・ブラザースの『ジャズ・シンガー』がプレミア上映された。中堅スタジオとしては大ヒットとなり、アメリカ国内外で262万5000ドルの興行収入を記録した。これはワーナー・ブラザースの映画のそれまでの記録を100万ドル近く上回るものだった。^{[ 60 ]}ヴァイタフォン・システムで制作されたこの映画の大部分にはライブ録音の音声は含まれておらず、『サンライズ』や『ドン・ファン』と同様に、音楽と特殊効果に頼っている。しかし、主演のアル・ジョルスンが歌う場面では、彼の演奏とアドリブのセリフが2シーン（ジョルスン演じるジャッキー・ラビノウィッツ（ジャック・ロビン）がキャバレーの観客に語りかけるシーンと、ジョルスンと母親のやり取り）の両方がセットで録音された音声に切り替わる。セットの「自然な」音も聞き取れた。^{[ 61 ]}『ジャズ・シンガー』の成功は、すでにアメリカ最大の音楽スターの一人として名を馳せていたジョルソンの功績によるところが大きく、同期音声の使用が限定的だったため、革新的なサウンド映画（ましてや「最初の」映画）とは言えなかったが、映画の利益は業界にとってその技術に投資する価値があることを十分に証明した。^{[ 62 ]}

商業的なトーキー映画の発展は『ジャズ・シンガー』以前から断続的に進められており、同映画の成功によって状況が一夜にして変わることはなかった。著名なゴシップ・コラムニスト、ルーエラ・パーソンズの『ジャズ・シンガー』に対する反応は大きく的外れだった。「耳障りなトーキー映画が映画館の邪魔になる心配はない」と述べ、MGMの製作責任者アーヴィング・タルバーグは同映画を「良い仕掛けではあるが、それだけだ」と評した。^{[ 63 ]} 4大スタジオ（PDCは提携から脱退していた）とユナイテッド・アーティスツなどがERPIと契約し、トーキー映画用の製作施設と劇場を改修したのは1928年5月になってからだった。これは大変な事業だった。劇場1館の改修には1万5000ドル（2019年の時点で22万ドル相当）もの費用がかかり、当時アメリカには2万以上の映画館があった。 1930年までに、劇場の半分にのみ音響配線が施された。^{[ 63 ]}

当初、ERPI配線済みの映画館はすべてヴァイタフォン対応で、ほとんどの映画館ではムービートーン・リールも映写できるようになっていた。^{[ 64 ]}しかし、両方の技術を利用できるようになっても、ハリウッドの会社のほとんどは独自のトーキー映画の製作に消極的だった。ワーナー・ブラザーズ以外のスタジオは、低予算志向のアメリカ映画協会（FBO）が『ジャズ・シンガー』の8か月後の1928年6月17日に『パーフェクト・クライム』を初公開するまで、部分トーキー映画さえリリースしなかった。^{[ 65 ]} FBOはウェスタン・エレクトリックの競合企業であるゼネラル・エレクトリックのRCA部門の実質的な支配下に置かれ、RCAは新しいフィルム・サウンド・システムであるフォトフォンの市場投入を目指していた。フォックスケースのムービートーンやド・フォレストのフォノフィルムが可変密度システムであったのに対し、フォトフォンは可変面積システムであった（どちらのシステムでも、フィルムへの露出が音声入力によって決まる特別に設計されたランプを使用して、一連の極小の線として音声を写真的に記録します。可変密度プロセスでは、線の暗さが異なり、可変面積プロセスでは、線の幅が異なります。）10月までに、FBOとRCAの提携により、ハリウッドの最新の大手スタジオであるRKOピクチャーズが設立されました。

ファースト・ナショナルの最初のトーキー映画『バーカー』に出演するドロシー・マッケイルとミルトン・シルズ。この映画は、ワーナー・ブラザースがファースト・ナショナルの経営権を取得してから2か月後の1928年12月に公開された。

一方、ワーナー・ブラザースは、さらに3本のトーキー映画をリリースしており、いずれも『ジャズ・シンガー』ほどではないにせよ利益を上げた。3月には『テンダーロイン』が公開された。ワーナー社はこの映画を、登場人物がそれぞれの役を話す初の長編映画と宣伝したが、全88分のうちセリフはわずか15分であった。 4月には『華麗なるベッツィー』、 5月には『ライオンとねずみ』（セリフ31分）が公開された。^{[ 66 ]} 1928年7月6日、初の全編トーキー映画『ニューヨークの灯』が公開された。ワーナー・ブラザースのこの映画の製作費はわずか2万3千ドルだったが、興行収入は125万2千ドルと、5千%を超える記録的な利益率を上げた。9月には、同スタジオはアル・ジョルスンがパートトーキーで出演した別の映画『歌うフール』を公開し、これはワーナー・ブラザースの映画としては『ジャズ・シンガー』の2倍以上の利益を上げた。^{[ 67 ]}このジョルソンの2作目の映画大ヒットは、ミュージカル映画が歌を全国的なヒットに変える力を持っていることを証明した。ジョルソンのナンバー「サニー・ボーイ」は、9ヶ月以内にレコード200万枚、楽譜125万枚を売り上げた。^{[ 68 ]} 1928年9月には、ポール・テリーの『ディナー・タイム』が公開された。これは、同期音声で制作された最初のアニメーション作品の一つである。ウォルト・ディズニーはそれを見て間もなく、ミッキーマウスの短編 映画『蒸気船ウィリー』を制作した。^{[ 69 ]}

1928年、ワーナー・ブラザースがトーキー映画の人気で巨額の利益を上げ始めると、他のスタジオも新技術への移行を加速させた。業界リーダーのパラマウントは9月下旬に初のトーキー映画『ベガーズ・オブ・ライフ』を公開した。セリフはわずか数行だったが、スタジオがこの新メディアの力を認識していることを示した。パラマウント初の全編トーキー『インターフェアレンス』は11月に公開された。 ^{[ 70 ]}「ヤギの鼻毛処理」として知られる手法が一時的に普及した。無声映画として撮影され、場合によっては公開された映画に、時には後から吹き替えられたセリフや歌を少し加えたサウンドトラックが追加されたのである。^{[ 71 ]}数分間の歌声があれば、このような新技術を盛り込んだ映画は「ミュージカル」と称されるようになった。 （グリフィスの『ドリーム・ストリート』は実質的に「ヤギ腺」だった。）人々の期待は急速に変化し、1927年の音響の「流行」は1929年までに標準的な手順となった。『ジャズ・シンガー』の公開から16か月後の1929年2月、コロンビア映画は、ハリウッド黄金時代に「メジャー」として知られる8つのスタジオの中で最後に、初の部分トーキー映画『子連れ狼の娘』を公開した。^{[ 72 ]} 5月下旬には、ワーナー・ブラザースの初の全カラー全トーキー映画『オン・ウィズ・ザ・ショー！』がプレミア上映された。^{[ 73 ]}

しかし、アメリカの映画館のほとんど、特に都市部以外では、まだ音響設備が整っていなかった。1928年から1929年の間に、サウンド付きの映画館の数は100館から800館に増えたが、無声映画館の数は依然として圧倒的に少なく、無声映画館の数も22,204館から22,544館に増えていた。^{[ 74 ]}一方、映画スタジオ側もトーキーの普遍的な人気にまだ完全には納得していなかった。1930年半ばまで、ハリウッド映画の大半は無声版とトーキー版の2バージョンで製作されていた。^{[ 75 ]}業界内では予想していなかったが、無声映画が米国で商業的に実現可能な媒体になったことは、すぐに過去の思い出と化すことになる。 1929年8月にユニバーサル・ピクチャーズが公開したフート・ギブソン製作の西部劇『 Points West』は、ハリウッドの大手スタジオが製作した最後の純粋な無声映画となった。^{[ 76 ]}

移行：ヨーロッパ

1928年9月27日、ロンドンのピカデリー劇場で『ジャズ・シンガー』のヨーロッパでのサウンド・プレミアが行われた。^{[ 77 ]}映画史家レイチェル・ロウによると、「業界の多くの人々が、サウンド制作への変更は避けられないとすぐに悟った」という。^{[ 78 ]} 1929年1月16日、同期したボーカル演奏と録音された音楽を備えた最初のヨーロッパの長編映画が、ドイツで制作された『あなたの手にキスします、マダム』でプレミア上映された。セリフはなく、リヒャルト・タウバーが歌う数曲のみが含まれている。^{[ 79 ]}この映画は、トリエルゴン社の後継者であるドイツ・オランダ企業トービス社が管理するフィルム・サウンド・システムで作られた。トービス社は、台頭しつつあったヨーロッパのトーキング・フィルム市場を掌握することを目指し、ドイツの2大電気メーカーの合弁会社である競合企業クラングフィルム社と提携した。 1929年初頭、トビス社とクラングフィルム社は録音・再生技術の共同販売を開始しました。ERPI社がヨーロッパ各地の映画館への配線工事を開始すると、トビス社とクラングフィルム社は、ウェスタン・エレクトリック社のシステムがトライエルゴン社の特許を侵害し、多くの地域でアメリカ技術の導入を阻んでいると主張しました。^{[ 80 ]} RCA社が録音システムの価値を最大化するために映画業界に参入したのと同様に、トビス社も独自の制作事業を立ち上げました。^{[ 81 ]}

1929年、ヨーロッパの主要映画製作国のほとんどが、ハリウッドに続いてトーキーへの移行を始めた。流行の先駆けとなったヨーロッパのトーキーの多くは、製作会社が自社のスタジオを転換する間に借り受けたり、意図的に異なる言語の市場をターゲットにしたりしたため、海外で撮影された。ヨーロッパ初の長編ドラマ・トーキー2本のうちの1本は、多国籍映画製作におけるさらに異なる種類のひねりで作られた。『クリムゾン・サークル』は、監督フリードリヒ・ゼルニクのエフゼット・フィルム社とブリティッシュ・サウンド・フィルム・プロダクションズ（BSFP）との共同製作だった。この映画は1928年にドイツで無声映画『赤の境界』として公開され、そこで撮影された。英語のセリフは、BSFPの親会社が管理するデ・フォレスト・フォノフィルム方式で、ずっと後になってから吹き替えられたようだ。1929年3月、この映画はイギリスで製作された部分トーキー映画『新しいピンの手がかり』と同様にイギリスで上映された。『新しいピンの手がかり』は、イギリスのライオン社がディスクに録音するイギリスのフォトフォン・システムを使って製作した。 5月、ブリティッシュ・アンド・ドミニオンズ・フィルム・コーポレーションが英国初の全編トーク映画として宣伝した『ブラック・ウォーターズ』が、ハリウッドでウェスタン・エレクトリックのサウンド・オン・フィルム・システムを用いて全編撮影され、初上映された。しかし、これらの作品はいずれも大きな反響を呼ばなかった。^{[ 82 ]}

プラハ育ちの『恐喝』（1929年）のスター、アンニー・オンドラは映画業界の人気者だったが、映画が音声付きで再撮影された際に、彼女のアクセントが問題となった。吹き替えの能力がなかったため、彼女のセリフは女優ジョーン・バリーによって画面外で同時録音された。オンドラのイギリス映​​画界でのキャリアはこれで終わった。^{[ 83 ]}

ヨーロッパで初めて成功したドラマティック・トーキーは、オール・ブリティッシュ・フィルムの『ブラックメール』だった。29歳のアルフレッド・ヒッチコック監督によるこの映画は、1929年6月21日にロンドンで初公開された。当初は無声映画として撮影されたが、初公開前にセリフ、音楽、効果音を追加して再演された。ブリティッシュ・インターナショナル・ピクチャーズ（BIP）制作のこの映画は、トビス・クラングフィルム市場への参入を目指してAEGの株式を取得したゼネラル・エレクトリック社が、RCAフォトフォンで録音した。『ブラックメール』は大ヒットし、批評家も好意的な反応を示した。例えば、悪名高い気難しいヒュー・キャッスルは、この映画を「おそらくこれまで見た中で最も知的な音と静寂の融合」と評した^{[ 84 ] 。}

8月23日、それほど規模がなかったオーストリア映画界がトーキー映画『シュタイアーマルク物語』を発表した。これはイーグル・フィルムとオットートン・フィルムの共同制作作品である。^{[ 85 ]} 9月30日には、ドイツで初めて製作された長編ドラマ・トーキー映画『女のいない土地』が封切られた。トビス・フィルムクンスト制作のこの映画では、映画の約4分の1にセリフが含まれていたが、セリフは特殊効果や音楽から厳密に分離されていた。反響は期待外れだった。^{[ 86 ]}スウェーデン初のトーキー映画『人工スヴェンソン』が10月14日に封切られた。その8日後、オーバール・フランコ・フィルムがパリ近郊のエピ​​ネ・スタジオで撮影された『女王の首飾り』を発表した。この映画は無声映画として構想されていたが、トビスが録音した音楽と、フランス映画で最初の会話シーンとなるトーキーシーンが一つだけ与えられた。10月31日にはパテ＝ナタン製作の『三つの仮面』が公開された。これはフランス映画初のトーキー映画と一般に考えられているが、『恐喝』同様、ロンドン郊外のエルストリー・スタジオで撮影された。製作会社はRCAフォトフォンと契約しており、当時イギリスにはこのシステムを備えた最も近い施設があった。数週間後にはブラウンベルガー＝リシュベ製作のトーキー映画『道は美しい』が公開され、これもエルストリーで撮影された。 ^{[ 87 ]}

パリのスタジオに完全な音響設備が整うまでは（この作業は1930年まで続いた）、初期のフランス映画トーキーが数多くドイツで撮影された。^{[ 88 ]}ドイツ初の全編トーキー映画『アトランティック』は10月28日にベルリンで初公開された。これもエルストリー製作の映画だが、『三人の仮面劇』や『道は美しい』がフランス映画だったのに比べると、ドイツらしさは薄れていた。BIP製作でイギリス人の脚本家とドイツ人監督が手掛けた本作も、『アトランティック』として英語で撮影された。^{[ 89 ]}アーファ・フィルム製作の全編ドイツ映画『愛したのはあなた』 （Dich hab ich geliebt）は3週間半後に公開された。宣伝文句にあった「ドイツ初のトーキー映画」ではなかったが、アメリカで初めて公開された作品となった。^{[ 90 ]}

ソ連初のトーキー映画『プテフカ・ヴ・ジーズン（生命への道）』（1931年）は、ホームレスの若者問題を描いています。マルセル・カルネは「この簡素で純粋な物語の忘れ難い映像の中に、国民全体の努力が見て取れる」と述べています。^{[ 91 ]}

1930年に、ディスクに音声を入れるシステムを使用したポーランド初のトーキーが公開された。3月には『Moralność pani Dulskiej（ドゥルスカ夫人の道徳）』、10月にはトーキーのみの『Niebezpieczny romans（危険な情事）』が公開された。^{[ 92 ]}かつては活気にあふれたイタリア映画産業が1920年代後半には衰退していたが、同じく10月には初のトーキー『La Canzone dell'amore（愛の歌）』が公開され、2年後にはイタリア映画が復興を遂げることになった。^{[ 93 ]}チェコ語での最初のトーキー映画も1930年に公開され、『Tonka Šibenice（絞首台のトンカ）』が公開された。^{[ 94 ]}この分野でマイナーな立場にあったいくつかのヨーロッパの国でも初のトーキー映画が制作された。ベルギー（フランス語）、デンマーク、ギリシャ、ルーマニアである。^{[ 95 ]}ソ連の活発な映画産業は、1930年12月に最初のトーキー映画を世に送り出した。ジガ・ヴェルトフのノンフィクション『熱狂』には実験的なセリフなしのサウンドトラックが使用され、アブラム・ルームのドキュメンタリー『大事業の計画』には音楽とナレーションが使用された。^{[ 96 ]}どちらも、当時世界中に200ほどあった映画用サウンドシステムのうちの2つ、地元で開発されたサウンド・オン・フィルムシステムを使用して制作された。^{[ 97 ]} 1931年6月、ニコライ・エックのドラマ『人生への道』 ( 『人生の始まり』)がソ連初の真のトーキー映画として初公開された。^{[ 98 ]}

ヨーロッパの多くの地域では、上映会場の転換が製作能力の不足に大きく追いつかず、トーキーは無声版と並行して製作されるか、あるいは多くの場所で無音上映を余儀なくされた。イギリスでは転換のペースが比較的速く、1930年末までに映画館の60%以上が音声付きで上映され、これはアメリカとほぼ同水準であった。一方、フランスでは1932年末時点でも全国の映画館の半数以上が無声上映を続けていた。^{[ 99 ]}学者のコリン・G・クリスプによると、「無声映画の流れを復活させることへの不安は[フランスの]業界紙で頻繁に表明され、業界の大部分は1935年頃まで無声映画を芸術的にも商業的にも実現可能なものと見ていた」という。^{[ 100 ]}この状況はソ連で特に深刻で、1933年5月時点で、国内の映写機100台のうち1台にも満たない数しか音声付きで上映されていなかった。^{[ 101 ]}

移行：アジア

五所平之助監督の『隣の妻と女房』（1931年）は松竹製作所の作品で、日本のトーキー映画として初めて商業的にも批評的にも大きな成功を収めた作品であった。^{[ 102 ]}

1920年代から1930年代にかけて、日本はアメリカ合衆国と並んで世界二大映画製作国の一つであった。日本の映画産業はトーキーとトーキーの両方をいち早く製作したが、トーキーへの完全な移行は西洋に比べてはるかに遅かった。日本で最初のトーキー映画である『黎明』は1926年にド・フォレスト・フォノフィルム・システムで製作されたようである。 ^{[ 103 ]}大手映画会社である日活は、円盤にサウンドを記録する「港時」システムを使用して、 1929年にトーキー2本、『大尉の娘』と『ふるさと』を製作した。後者は溝口健二が監督した。ライバル会社の松竹は、1931年に「土橋」と呼ばれる可変密度プロセスを使用して、フィルムにサウンドを記録するトーキーの製作を開始し、成功を収めた。^{[ 104 ]}しかし、2年後も日本で製作された映画の80%以上は依然として無声映画であった。^{[ 105 ]}日本の代表的な映画監督である成瀬巳喜男と小津安二郎は、それぞれ1935年と1936年に初めてトーキー映画を製作した。^{[ 106 ]} 1938年には、日本で製作された映画の3分の1以上がセリフなしで撮影されていた。^{[ 105 ]}

日本映画における無声映画の根強い人気は、映画上映の伴奏として生身の語り手である弁士の伝統に大きく依存していた。黒澤明監督が後に述べたように、弁士は「映画の筋書きを語るだけでなく、声や効果音を操り、スクリーン上の出来事や映像を巧みに描写することで、映画の感情的な内容を高めた。…最も人気のある語り手は、それ自体がスターであり、特定の劇場の興行収入に大きく貢献していた」^{[ 107 ]。}映画史家マリアン・ルインスキーは次のように論じている。

西洋と日本における無声映画の終焉は、映画産業と市場によってもたらされたものであり、内なる必要性や自然な進化によるものではない。…無声映画は非常に楽しく、成熟した形式であった。特に日本においては、セリフや解説を常に人間の声で行っていたため、何一つ欠けるところはなかった。トーキー映画の方が優れていたわけではなく、単に経済的だっただけである。映画館経営者は、もはや音楽家や弁士にギャラを支払う必要はなくなった。そして、優秀な弁士は、スターとしてのギャラを要求するスターであった。^{[ 108 ]}

同様に、弁士制度の実現可能性は、音声への移行を徐々に促進し、スタジオ側は移行にかかる資本コストを分散させることができ、監督や技術スタッフは新しい技術に慣れる時間を持つことができた。^{[ 109 ]}

『アラム・アラ』は1931年3月14日にボンベイで初公開された。インド初のトーキー映画としてあまりにも人気を博し、「群衆を鎮圧するために警察の援軍を呼ばなければならなかった」 ^{[ 110 ]。}この映画は、フィルムに直接音声を記録するタナー・シングルシステム・カメラで撮影された。

1930年、胡蝶（ウー・バタフライ）主演の北京語映画『歌女紅牡丹（Gēnǚ hóng mǔān）』が中国初の長編トーキーとして公開された。同年2月には『悪魔の遊び場（The Devil's Playground）』のサウンド版の製作が完了したようで、おそらくオーストラリア初のトーキー映画と言えるだろう。しかし、5月に行われたコモンウェルス映画コンテスト受賞作『フェラーズ（Fellers） 』のプレス上映が、オーストラリアのトーキーが公に公開された最初の映画であることが確認されている。^{[ 111 ]} 1930年9月、インドのスター、スロチャナ（Sulochana ）が歌う歌は、無声映画『マドゥリ（Madhuri）』（1928年）から抜粋され、中国初のシンクロ音声付き短編映画として公開された。^{[ 112 ]}翌年、アルデシール・イラニはインド初のトーキー映画『ヒンディー語・ウルドゥー語合作映画Alam Ara 』を監督し、主にタミル語でテルグ語も少し使った『Kalidas 』​​を製作した。1931年にはまた、初のベンガル語映画『Jamai Sasthi 』と、初の完全テルグ語映画『Bhakta Prahlada 』も公開された。^{[ 113 ] [ 114 ]} 1932年には、『Ayodhyecha Raja 』がマラーティー語で話された初の映画となった（ただし、『Sant Tukaram 』が初めて公式の検閲プロセスを経た）。初のグジャラート語映画『Narsimha Mehta』と全タミル語トーキー『Kalava 』も公開された。翌年、アルデシール・イラニは初のペルシャ語トーキー『Dukhtar-e-loor 』を製作した。^{[ 115 ]} 1933年には、香港で初の広東語映画『沙在東方（白痴の結婚前夜）』と『良心（良心）』が製作され、2年以内に香港の映画産業は完全にトーキー映画に転換した。^{[ 116 ]}弁士（またはピョンサ）が日本の弁士と似た役割と地位を持っていた韓国は、 ^{[ 117 ]} 1935年に、重要な映画産業を持つ最後の国として初のトーキー映画『春香伝（チュンヒャンジョン、韓国語：  춘향전、漢字： 春香傳）』を製作した。これは17世紀の中国の小説に基づいている。パンソリ民話『春香歌』は2009年までに15作品もの映画化がされている。^{[ 118 ]}

結果

テクノロジー

映画製作における初期のトーキー映画の一つである『ハリウッドのショーガール』（1930年）では、垂木からぶら下がったマイクと、防音ブースから同時に撮影する複数のカメラが描かれています。ポスターには、ブースもブリンプも装着されていないカメラが描かれており、これはまるで、録音済みのサウンドトラックを使ってミュージカルナンバーを撮影しているような光景です。

短期的には、生録音の導入は制作に大きな困難をもたらしました。カメラはノイズを多く発生させるため、初期のトーキーの多くでは防音キャビネットが使用され、騒音を出す機材と俳優を隔離しました。しかし、その代償としてカメラを動かす能力は大幅に低下しました。機動性の低下を補うため、一時期は複数カメラ撮影が用いられ、革新的なスタジオ技術者たちは特定のショットでカメラを自由に動かす方法を見つけることもありました。静止マイクの届く範囲に留まる必要があったため、俳優の動きも不自然なほど制限されることがよくありました。ワーナー・ブラザースが音響分野での成功により経営権を握ったファースト・ナショナル・ピクチャーズ製作の『ショーガール・イン・ハリウッド』（1930年）は、初期のトーキー撮影に用いられた技術の一部を舞台裏で紹介しています。音声録音への移行によって生じた根本的な問題のいくつかは、ノイズを抑えるために設計された「ブリンプ」と呼ばれる新しいカメラケースと、フレームのすぐ外側に設置して俳優と一緒に移動できるブームマイクによってすぐに解決されました。 1931年には、再生忠実度における大きな改善が導入されました。それは、音が低音、中音、高音に分離され、それぞれ大型の低音用「ウーファー」、中音域ドライバー、高音用「ツイーター」に送られる3ウェイスピーカーシステムでした。^{[ 119 ]}

映画の他の技術的側面にも影響が及んだ。適切な音声録音と再生には、カメラと映写機の速度を厳密に標準化する必要があった。音声が発明される以前は、16フレーム/秒（fps）が標準とされていたが、実際には大きく異なっていた。露出を改善したり、劇的な効果を狙ったりするために、カメラはしばしばアンダークランクまたはオーバークランクされた。映写機は、上映時間を短縮して追加上映を詰め込むために、一般的に高速回転させられていた。しかし、可変フレームレートは音声を聞き取れない状態にするため、すぐに24fpsという新しい厳格な基準が確立された。^{[ 120 ]}音声の進化により、スタジオ内での撮影に使用されていた騒音の多いアーク灯も廃止を余儀なくされた。静かな白熱灯への切り替えは、より高価なフィルムへの切り替えを余儀なくさせた。新しいパンクロマティックフィルムの感度は、優れた画像階調品質をもたらし、監督はこれまで現実的ではなかった低照度でのシーン撮影の自由を得た。^{[ 120 ]}

デヴィッド・ボードウェルが述べているように、技術の進歩は急速に進み続けた。「1932年から1935年にかけて、（ウェスタン・エレクトリックとRCAは）指向性マイクを開発し、映画録音の周波数範囲を拡大し、グラウンドノイズを低減し…音量範囲を拡大した。」これらの技術進歩は、しばしば新たな美的可能性をもたらした。「録音の忠実度の向上は…声の音色、ピッチ、音量の劇的な表現の可能性を高めた。」^{[ 121 ]}もう一つの根本的な問題は、1952年の映画『雨に唄えば』でよくパロディ化されたように、サイレント時代の俳優の中には単に魅力的な声を持たない人がいたということだった。この問題はしばしば誇張されていたが、全体的な声質や、演技力だけでなく歌唱力も求められる役柄に俳優をキャスティングすることに関する懸念もあった。1935年までに、ポストプロダクションでオリジナルまたは別の俳優による声の再録音、いわゆる「ルーピング」が実用化された。 1936年にRCAが導入した紫外線録音システムは、歯擦音と高音の再現性を向上させた。^{[ 122 ]}

可変領域のサウンド トラックの例。白い領域の幅は、各瞬間のオーディオ信号の振幅に比例します。

ハリウッドがトーキーを全面的に採用したことで、トーキー映画製作における2つの基本的な手法間の競争はすぐに終結した。1930年から1931年にかけて、ディスクにサウンドを入れる方式を採用していた唯一の大手企業、ワーナー・ブラザースとファースト・ナショナルは、フィルムにサウンドを入れる方式に切り替えた。しかし、音響設備のある映画館ではヴァイタフォンが圧倒的な存在感を示していたため、その後何年もの間、ハリウッドのスタジオはすべて、フィルムにサウンドを入れたプリントと並行して、ディスクにサウンドを入れたバージョンの映画をプレスし、配給することとなった。^{[ 123 ]}フォックス・ムービートーンもヴァイタフォンに続いてすぐに録音・再生方式として使われなくなり、アメリカには2つの主要な方式、すなわち可変面積方式のRCAフォトフォンと、クロスライセンス契約を結んだムービートーンを大幅に改良したウェスタン・エレクトリック社独自の可変密度方式が残された。^{[ 124 ]} RCAの働きかけで、親会社2社は映写装置の互換性を確保し、一方の方式で撮影された映画をもう一方の方式の映画館で上映できるようになった。^{[ 125 ]}これにより、一つの大きな問題が残った。トビス＝クラングフィルム訴訟である。1930年5月、ウェスタン・エレクトリックはオーストリアでトリエルゴン社の特許保護を無効にする訴訟に勝訴し、トビス＝クラングフィルム社を交渉のテーブルに着かせることに成功した。^{[ 126 ]}翌月、特許のクロスライセンス、完全な再生互換性、そして機器供給のための世界の三分割に関する協定が締結された。当時の報告書は次のように記している。

トビス・クランフィルムは、ドイツ、ダンツィヒ、オーストリア、ハンガリー、スイス、チェコスロバキア、オランダ、オランダ領インド、デンマーク、スウェーデン、ノルウェー、ブルガリア、ルーマニア、ユーゴスラビア、フィンランドへの機材供給の独占権を有しています。アメリカは、アメリカ合衆国、カナダ、オーストラリア、ニュージーランド、インド、ロシアへの独占権を有しています。その他の国、特にイタリア、フランス、イギリスへの機材供給は、両社に開放されています。^{[ 127 ]}

この合意によって全ての特許紛争が解決されたわけではなく、1930年代を通して更なる交渉が行われ、協定が締結された。この時期、アメリカの映画スタジオはウェスタン・エレクトリック社の方式を捨て、RCAフォトフォン社の可変面積方式を採用し始めた。1936年末には、ERPIとの契約を結んでいたのはパラマウント、MGM、ユナイテッド・アーティスツのみとなった。^{[ 128 ]}

労働

1929年12月号の『フォトプレイ』誌の、ノーマ・タルマッジを特集した、不親切な表紙。映画史家デイヴィッド・トムソンは「音響が、彼女のサロン風の可愛らしさと、アパート風の声の不一致を証明した」と述べている^{[ 129 ] 。}

トーキーの導入は映画産業にブームをもたらしたが、当時のハリウッド俳優の多くにとって雇用の面でマイナスの影響を及ぼした。舞台経験のない俳優は突如としてスタジオから疑わしい存在とみなされるようになり、前述のように、強いアクセントや耳障りな声を隠していた俳優は特に危険にさらされた。こうして、無声映画の主要なスター、ノーマ・タルマジのキャリアは事実上終焉を迎えた。高名なドイツ人俳優エミール・ヤニングスはヨーロッパに戻った。映画ファンは、ジョン・ギルバートの声とその向こう見ずなキャラクターが不釣り合いだと感じ、彼のスター性も衰えた。^{[ 130 ]}観客は、無声映画時代のスターの中にはトーキー時代に成功する才能を持っていた者でさえ、時代遅れだと感じる者もいるようだった。1920年代のトップ・スクリーン・コメディアンの一人、ハロルド・ロイドのキャリアは急速に衰退した。^{[ 131 ]}リリアン・ギッシュが舞台に戻り、コリーン・ムーア、グロリア・スワンソン、ハリウッドで最も有名な俳優カップルであるダグラス・フェアバンクスとメアリー・ピックフォードなど、他の主要人物もすぐに俳優業を完全に辞めた。^{[ 132 ]}カール・デーンはデンマーク訛りのせいで俳優としてのキャリアが終わった後、自殺した。しかし、映画俳優のキャリアに対する音の影響を誇張すべきではない。サイレント映画女優のキャリアの長さに関するある統計分析によると、1922年に活動していた女優の5年生存率は、1927年以降に活動した女優よりもわずか10％高いだけだった。^{[ 133 ]}女優のルイーズ・ブルックスが示唆したように、他の問題もあった。

前例のない決断を迫られたスタジオの責任者たちは、映画製作において最も受け入れ難く、最も脆弱な部分である俳優から手をつけることにした。とにかく、契約を破棄し、給与を削減し、スターたちを手懐ける絶好の機会だったのだ。…私には給与面での優遇措置が与えられた。契約書に定められた昇給なしでも残るか、辞めるかのどちらかを選べる、と[パラマウントスタジオの最高責任者BP]シュルバーグは言い、トーキー映画に向いているかどうかという疑問を抱かせる言い逃れをした。向いていないというのは、私がまともな英語をまともに話し、まともな声で舞台出身だったからだ。だから私はためらうことなく辞めた。^{[ 134 ]}

バスター・キートンは新しいメディアの探求に熱心でしたが、所属スタジオMGMがトーキーへの移行を決定したため、すぐに創作権を剥奪されました。キートンの初期のトーキー作品は大きな利益を上げましたが、芸術的には惨憺たるものでした。^{[ 135 ]}

新しいメディアの最大の魅力のいくつかは、ボードビルやミュージカル劇場から生まれました。アル・ジョルソン、エディ・カンター、ジャネット・マクドナルド、マルクス兄弟などのパフォーマーは、セリフと歌の両方の要求に慣れていました。^{[ 136 ]} ブロードウェイでチームを組んでいたジェームズ・キャグニーとジョーン・ブロンデルは、1930年にワーナー・ブラザーズによって西へ連れてこられました。 ^{[ 137 ]}無声映画とトーキー映画の両方の時代に大スターだった俳優は数人います。ジョン・バリモア、ロナルド・コールマン、マーナ・ロイ、ウィリアム・パウエル、ノーマ・シアラー、スタン・ローレルとオリバー・ハーディのコメディ・チーム、そして『街の灯』（1931年）と『モダン・タイムス』 （1936年）でほぼ音楽と効果音のみを使用したチャールズ・チャップリンです。^{[ 138 ]}ジャネット・ゲイナーは、音声同期はあるもののセリフのない『第七天国』と『日の出』でトップスターになり、ジョーン・クロフォードも技術的には類似した『踊る娘たち』（1928年）でトップスターになった。^{[ 139 ]}グレタ・ガルボは、英語を母国語としない人の中で、サウンドの時代とサウンドの時代の両方でハリウッドのスターの座を守った唯一の人だった。^{[ 140 ]}舞台俳優としてのキャリアの初期に徹底的な発声トレーニングを受けた無声映画のエキストラ、クラーク・ゲーブルは、その後何十年にもわたってこの新しい媒体を独占した。同様に、1919年以来、無声映画に何十本も出演した英国人俳優ボリス・カーロフは、サウンドの時代にスターの座に上り詰めた（皮肉なことに、1931年の『フランケンシュタイン』でのセリフのない役がこれを実現させたが、舌足らずであったにもかかわらず、その後引っ張りだこになった）。 セリフに新たに重点が置かれたことで、プロデューサーは、良いセリフの書き方の経験がある多くの小説家、ジャーナリスト、劇作家を雇うことにもなった。 1930年代にハリウッドの脚本家になった人の中には、ナサニエル・ウェスト、ウィリアム・フォークナー、ロバート・シャーウッド、オルダス・ハクスリー、ドロシー・パーカーなどがいた。^{[ 141 ]}

トーキー映画が登場し、事前に録音された音楽トラックが流れるようになると、映画館のオーケストラ演奏家はますます仕事を失いました。^{[ 142 ]}映画の伴奏者としての地位が奪われただけではありません。歴史家プレストン・J・ハバードによると、「1920年代、封切り映画館での生演奏はアメリカ映画にとって非常に重要な要素となった」のです。^{[ 143 ]}トーキー映画の登場により、通常は前奏曲として上演されていたこれらの目玉演奏もほぼ廃止されました。アメリカ音楽家連盟は、生演奏の演奏を機械式演奏装置に置き換えることに抗議する新聞広告を出しました。1929年にピッツバーグ・プレス紙に掲載された広告には、「缶詰音楽／大音量／知的または感情的な反応を一切引き起こさないこと保証」と書かれた缶の画像が掲載されており、その一部には次のような文言が書かれています。

缶詰音楽裁判 これは劇場における芸術と機械音楽の対立である。被告はアメリカ国民の前で、音楽鑑賞の腐敗と音楽教育の阻害を企てたとして告発されている。多くの都市の劇場は、本物の音楽の代替として、同期した機械音楽を提供している。もし劇場を訪れる観客が、娯楽プログラムのこのような堕落を受け入れれば、音楽芸術の嘆かわしい衰退は避けられない。音楽の専門家は、機械化によって芸術の魂が失われていることを認識している。音楽の質は芸術家の気分、つまり人間との接触に左右されるからであり、それがなければ、知的な刺激と感情的な陶酔の本質は失われてしまうからである。^{[ 144 ]}

翌年までに、アメリカの映画館のミュージシャン2万2000人が職を失ったと報告されている。^{[ 145 ]}

商業

1929年2月1日に初公開されたMGMの『ブロードウェイ・メロディ』は、ワーナー・ブラザース以外のスタジオによる初の大ヒットトーキーであり、アカデミー作品賞を受賞した初のトーキー映画であった。

1926年9月、ワーナー・ブラザース社長のジャック・L・ワーナーは、トーキー映画は決して成功しないだろうという趣旨の発言をしたと伝えられている。「トーキー映画は、無声映画の国際語や、観客一人ひとりが無意識のうちに劇、アクション、プロット、そして想像上のセリフを自ら作り上げていることを考慮していない」 ^{[ 146 ]} 。ワーナーにとって大きな利益となるのは、彼の考えが大間違いだったということである。1927～1928年度と1928～1929年度の間に、ワーナーの利益は200万ドルから1400万ドルへと急増した。実際、トーキー映画は業界の主要企業すべてにとって明らかな恩恵であった。同じ12ヶ月間で、パラマウントの利益は700万ドル、フォックスは350万ドル、ロウズ/MGMは300万ドル増加した。^{[ 147 ]} 1928年9月には存在すらしておらず、親会社であるFBOもハリウッドのマイナーリーグに過ぎなかったRKOは、1929年末までにアメリカを代表するエンターテイメント企業の一つに成長した。^{[ 148 ]}このブームを後押ししたのは、音声によって可能になった重要な新しい映画ジャンル、ミュージカルの出現であった。1929年には60本以上のハリウッド・ミュージカルが公開され、翌年には80本以上が公開された。^{[ 149 ]}

1929年10月のウォール街の暴落が米国、ひいては世界経済を不況に陥れたが、トーキーの人気により、当初ハリウッドは影響を受けずに済んだように見えた。1929年から1930年の興行シーズンは、映画産業にとって前年よりも好調で、チケットの売上と全体的な利益は過去最高を記録した。1930年後半にようやく現実が突きつけられたが、音声によってハリウッドは米国で商業的にも文化的にも最も重要な産業分野の1つとしての地位を確固たるものにしていたことは明らかだった。1929年には、映画興行収入はアメリカ人の娯楽支出全体の16.6%を占め、1931年には21.8%に達した。映画産業はその後15年間も同様の数字を維持することになる。^{[ 150 ]}ハリウッドはより大きな舞台でも君臨した。すでに世界最強の産業であったアメリカ映画産業は、1929年に輸出記録を樹立しました。これは、露光フィルム総長を基準にした場合、前年比27%増でした。^{[ 151 ]}言語の違いがアメリカ映画の輸出を阻害するという懸念は、ほとんど杞憂に終わりました。実際、音声変換にかかる費用は、ハリウッドの基準からすると比較的資金力の乏しい多くの海外の製作会社にとって大きな障害となっていました。当初は一般的だった、輸出用トーキーの複数言語版（「外国語版」として知られる）の製作や、より安価な「国際音声版」の製作は、1931年半ばまでにほぼ中止され、後付けの吹き替えと字幕制作に取って代わられました。ほとんどの海外市場で貿易制限が課されていたにもかかわらず、1937年までにアメリカ映画は世界の上映時間の約70%を占めるようになりました。^{[ 152 ]}

1929年にポルトガル語で上演された『アバカラム・セ・オス・オタリオス』のポスター。ブラジル初のトーキーは、イベリア語圏初のトーキーでもありました。

ハリウッドの大手スタジオが海外の競合相手に対して音響技術で利益を得たのと同様に、国内でも同様の成果を上げました。歴史家リチャード・B・ジュエルは、「音響革命は、音響変換の資金需要を満たすことができなかった多くの小規模映画会社やプロデューサーを破滅させた」と述べています。^{[ 153 ]}音響革命と大恐慌の組み合わせは、映画業界の大規模な淘汰を招き、1950年代を通じて支配的な地位を占めることになる、総合映画会社大手5社（MGM、パラマウント、フォックス、ワーナー・ブラザース、RKO）と、同じく「メジャー」と呼ばれる3つの小規模スタジオ（コロンビア、ユニバーサル、ユナイテッド・アーティスツ）という階層構造を生み出しました。歴史家トーマス・シャッツは、その付随的影響について次のように述べています。

スタジオは業務の合理化と独自のリソースへの依存を余儀なくされたため、各スタジオのハウススタイルや企業としての個性がより鮮明になった。こうして、サウンドトラックの登場から大恐慌初期にかけての転換期において、スタジオシステムは最終的に統合され、各スタジオはそれぞれのアイデンティティと業界におけるそれぞれの立場を確立していった。^{[ 154 ]}

トーキー映画が即座に大きな商業的影響を与えたもう一つの国はインドでした。当時のある配給会社は、「トーキーの登場により、インド映画は明確で独特な作品として独自の地位を確立しました。これは音楽によって達成されたのです」と述べています。^{[ 155 ]}インドのトーキー映画は、その黎明期からミュージカルによって特徴づけられてきました。『アラム・アーラ』には7曲の歌が収録され、翌年の『インドラサバ』には70曲の歌が収録されました。ヨーロッパの映画産業がハリウッドの人気と経済力との果てしない戦いを繰り広げる中、 『アラム・アーラ』のデビューから10年後には、インドのスクリーンで上映される映画の90%以上が国内で制作されました。^{[ 156 ]}

インドの初期のトーキーのほとんどはボンベイで撮影され、同市は現在でも主要な製作拠点となっているが、トーキー映画製作はすぐに多言語国家であるインド中に広まった。 1931年3月の『アラム・アラ』の初公開からわずか数週間のうちに、カルカッタを拠点とするマダン・ピクチャーズはヒンディー語の『シリーン・ファルハド』とベンガル語の『ジャマイ・サスティ』を公開した。^{[ 157 ]}翌年、ヒンドゥスターニー語の『ヒール・ランジャ』はパンジャブ州ラホールで製作された。1934年には、カンナダ語の最初のトーキー映画『サティ・スロチャナ』がマハラシュトラ州コールハープルで撮影され、『シュリニヴァーサ・カリャナム』はタミル・ナードゥ州で実際に撮影された最初のタミル語トーキーとなった。^{[ 114 ] [ 158 ]}最初のトーキー映画が登場すると、インドでも米国と同様に急速にフルトーキー製作への転換が進んだ。 1932年にはすでに長編映画の大半がトーキー映画であり、2年後にはインドの長編映画172本のうち164本がトーキー映画となった。^{[ 159 ]} 1934年以降、1952年を除いてインドは毎年世界のトップ3の映画製作国に入っている。^{[ 160 ]}

美的品質

イギリスの映画評論家ポール・ローサは、1930年に出版した世界的な調査著書『現代の映画』の初版で、「セリフと音響効果がスクリーン上の映像と完全に同期し合っている映画は、映画の目的に完全に反する。これは映画の本来の用途を破壊しようとする堕落した誤った試みであり、映画の真の限界内に収まるものではない」と断言した。^{[ 161 ]}こうした意見は、映画を芸術形式として重視する人々の間では珍しくなかった。アルフレッド・ヒッチコックは、ヨーロッパで初めて商業的に成功したトーキーを監督したにもかかわらず、「無声映画こそが映画の最も純粋な形式である」と主張し、初期のトーキー映画の多くを「人が話している写真」以外にほとんど何も提供していないとして嘲笑した。^{[ 162 ]}ドイツでは、舞台プロデューサー兼映画監督のマックス・ラインハルトがトーキーについて「舞台劇をスクリーンに映し出すことで、この独立した芸術が劇場の補助的なものとなり、絵画の複製のようにそれ自体が芸術ではなく、劇場の単なる代替物になってしまう傾向がある」との考えを表明した。^{[ 163 ]}

ウエストフロント1918（1930年）は、飛行中の見えない手榴弾の悲惨な音など、戦場の音を表現豊かに再現したことで高く評価されました。 ^{[ 164 ]}

当時もその後も多くの映画史家や映画愛好家の意見によれば、無声映画は1920年代後半までに美的ピークに達しており、トーキー映画の初期の時代は無声映画の最高傑作に匹敵するものはほとんどなかった。^{[ 165 ]}たとえば、無声映画は、その時代が過ぎると比較的忘れ去られたにもかかわらず、 1995年に行われたタイムアウトの映画100周年記念トップ100の投票では11本の映画が選ばれている。米国だけでなく西洋全体でトーキー映画の製作が無声映画を上回った最初の年は1929年であったが、タイムアウトの投票では、1929年から1933年まではセリフのない映画が3本（『パンドラの箱』（1929年）、『ゼムリャ』（1930年）、『街の灯』（1931年））で、トーキーは0本となっている。 （『街の灯』は『サンライズ』と同様に録音された音楽と効果音付きで公開されたが、現在では歴史家や業界の専門家によって「サイレント」と呼ばれるのが通例である。つまり、音声による会話が、無声映画とサウンド付き劇映画を区別する決定的な要因であると見なされている。）最も古いサウンド付き映画は、ジャン・ヴィゴ監督のフランスの『アタラント』（1934年）である。また、最も古いハリウッドのサウンド付き映画は、ハワード・ホークス監督の『ベビー・ブー』（1938年）である。^{[ 166 ]}

ほぼ全世界の批評家の称賛を受けた最初のトーキー長編映画は『青い天使』である。1930年4月1日に初公開され、ベルリンのUFAスタジオでヨーゼフ・フォン・シュテルンベルク監督によりドイツ語版と英語版の両方が制作された。^{[ 167 ]}広く称賛された最初のアメリカのトーキーはルイス・マイルストン監督の『西部戦線異状なし』であり、4月21日に初公開された。その年の他の国際的に高く評価されたトーキードラマはベルリンのネロフィルムでGWパブスト監督された『西部戦線1918』である。^{[ 168 ]}歴史家のアントン・ケーズはこれを「以前の無声映画が強調していた催眠的な視線と光と影の象徴性、および寓話的な登場人物の好みを時代錯誤にした新しいリアリスティックさ」の例として指摘している。^{[ 164 ]}文化史家たちは、1930年代後半に公開されたルイス・ブニュエル監督のフランスの映画『黄金時代』を、非常に美的に重要な作品とみなしている。当時、そのエロティックで冒涜的な、反ブルジョア的な内容はスキャンダルを引き起こした。パリ警察署長ジャン・キアッペによって速やかに上映禁止となり、50年間公開されなかった。^{[ 169 ]}現在、ほとんどの映画史家から傑作と認められている最初期のトーキー映画は、フリッツ・ラング監督のネロ・フィルム社による『 M』で、1931年5月11日に初公開された。^{[ 170 ]}ロジャー・イーバートは、「初期のトーキー映画の多くは常に喋らなければならないと感じていたが、ラングはカメラを街中や酒場の中をうろつかせ、ネズミの目線で撮影した」と述べている。^{[ 171 ]}

映画形式

「トーキング・フィルムは、歌う本と同じくらい必要ではない」^{[ 172 ]}これは、ロシア・フォルマリズム運動の指導者の一人であった批評家ヴィクトル・シュクロフスキーが1927年に率直に述べた言葉である。音声は映画芸術と相容れないと考える者もいれば、新たな創造的機会の領域を開くと考える者もいた。翌年、セルゲイ・エイゼンシュテインを含むソビエトの一団の映画製作者たちは、映像と音声を並置する、いわゆる対位法によって、映画は「…前例のない力と文化的高みに達するだろう。このような音声映画の構築方法は、演劇の撮影のように国内市場に限定されるものではなく、映画で表現されたアイデアをこれまで以上に世界中に流通させる可能性を高めるだろう」と宣言した。^{[ 173 ]}しかし、一部の観客層にとっては、音声の導入によってそのような流通は事実上終焉を迎えた。エリザベス・C・ハミルトンは次のように書いている。「無声映画は、聴覚障害者に、健聴者と対等に映画という公共の場での議論に参加する稀有な機会を提供した。音声映画の出現は、聴覚障害者と健聴者の観客を再び効果的に分離した。」^{[ 174 ]}

アンドレ・バザンの評によれば、「新しい芸術形態の初期の成功例の一つ」である『メロディ・デア・ヴェルト』（1929年）に登場する力士の画像。「この作品は、映像と音のジグソーパズルのように、地球全体をスクリーン上に投影した。」^{[ 175 ]}

1929年3月12日、ドイツ初の長編トーキー映画が初公開された。トビス・フィルムクンストの初制作作品であるこの作品は、ドラマではなく、ある船会社がスポンサーとなったドキュメンタリー映画『世界のメロディー』で、監督はヴァルター・ルットマンであった。^{[ 176 ]}この映画は、映画と録音された音声を組み合わせるという芸術的可能性を本格的に探求した最初の長編映画でもあった。学者ウィリアム・モーリッツは、この映画を「複雑で、ダイナミックで、テンポが速く、…世界各国の類似した文化的習慣を並置し、素晴らしいオーケストラ音楽と…多くの同期した音響効果を備えている」と評している。^{[ 177 ]}作曲家のルー・リヒトフェルトは、この映画に衝撃を受けた多くの現代芸術家の一人でした。「『メロディー・デア・ヴェルト』は、音楽的な音と非音楽的な音が一つのユニットにまとめられ、イメージと音が一つの衝動によって制御された最初の重要なサウンド・ドキュメンタリーとなりました。」^{[ 178 ]}『メロディー・デア・ヴェルト』は、オランダの前衛映画監督ヨリス・イヴェンスが監督し、リヒトフェルトが音楽を担当した産業映画『フィリップス・ラジオ』（1931年）に直接影響を与えました。リヒトフェルトは、この映画の視聴覚的目的について次のように述べています。

工場の音が持つ半ば音楽的な印象を、絶対的な音楽から自然の純粋なドキュメンタリー的なノイズへと移行する複雑な音響世界の中で表現すること。この映画には、音楽によって解釈される機械の動き、音楽の背景を支配する機械のノイズ、音楽そのものがドキュメンタリーであり、そして機械の純粋な音が独奏するシーンなど、あらゆる中間段階が見られる。^{[ 179 ]}

同様の実験は、ジガ・ヴェルトフが 1931 年の映画『熱狂』で、またチャップリンが5 年後の映画 『モダン・タイムス』で数多く行われた。

革新的な商業監督たちは、音声を録音するという明白な機能を超えて、映画のストーリーテリングに不可欠な要素として活用できることをすぐに見抜いた。『恐喝』では、ヒッチコックは登場人物のモノローグの再現を巧みに操作し、「ナイフ」という言葉がぼんやりとした音の流れから飛び出すようにした。これは、致命的な刺傷事件への関与を必死に隠そうとする主人公の主観的な印象を反映している。^{[ 180 ]}ルーベン・マムーリアンは処女作『パラマウント・アプローズ』（1929年）で、ショットの距離に応じて周囲の音の音量を変化させることで、音響の奥行き感を演出した。ある場面では、マムーリアンは観客に、ある登場人物が歌っていると同時に別の登場人物が祈っているように聞かせようとした。監督によれば、「彼らは、歌と祈りの2つを1本のマイクと1つのチャンネルで録音することはできないと言った。そこで私は音響担当者に、『マイクを2本と2つのチャンネルを使って、2つのトラックを印刷時に組み合わせたらどうか』と言った」^{[ 181 ]}このような方法は、やがて大衆映画製作の標準的な手順となる。

録音音声の新たな可能性を最大限活用した最初の商業映画の一つが、ルネ・クレール監督、トビスのフランス支社製作による『百万』である。1931年4月にパリ、1ヶ月後にニューヨークで初公開されたこの映画は、批評家からも大衆からも高い評価を得た。簡素なプロットを持つミュージカル・コメディである本作は、形式的な成果、特に人工的な音響処理によって記憶に残る作品である。学者のドナルド・クラフトンは次のように述べている。

『ル・ミリオン』は、音響要素が白塗りのセットと同じくらい重要な構成であることを、観客に決して忘れさせない。[本作では]セリフの代わりに、俳優たちが韻を踏んだ二行連句で歌い、話すシーンが挿入されている。クレールは、画面上の音と画面外の音を巧みに混同させる演出を駆使した。また、コートを追いかけるシーンが、見えないサッカー（あるいはラグビー）の観客の歓声と同期する有名なシーンのように、非同期の音響トリックも試みている。^{[ 182 ]}

これらの技法や類似の技法は、サウンド・コメディ映画の語彙の一部となったが、特殊効果や「色彩」として用いられたものであり、クレアが成し遂げたような包括的で非自然主義的なデザインの基盤とはならなかった。コメディ映画以外では、 『メロディ・デア・ヴェルト』や『ル・ミリオン』に代表されるような大胆なサウンドの遊びは、商業映画ではほとんど試みられなかった。特にハリウッドは、サウンドをジャンルに基づいた映画製作の確固たるシステムに組み入れ、新しいメディアの形式的な可能性は、スターの確固たる地位と率直なストーリーテリングという伝統的な目標に従属するものとなった。1928年に映画芸術科学アカデミーの事務局長フランク・ウッズが正確に予測したように、「将来のトーキー映画は、これまで無声映画によって発展してきた一般的な手法を踏襲するだろう。トーキーシーンは異なる扱いが必要となるだろうが、ストーリーの全体的な構成はほぼ同じである」^{[ 183 ] ​​。}

参照

• カテゴリ:映画音響制作、映画音響録音の発展に関する記事
• 吹き替え（映画制作）
• フォーリー（映画制作）
• 映画の歴史
• 初期の音声付き長編映画一覧（1926～1929年）
• 映画音響システム一覧
• ミュージカル映画
• サウンドステージ
• アメリカのフォトプレイヤー

注記

1. Wierzbicki (2009), p. 74; 「Representative Kinematograph Shows」（1907年）。The Auxetophone and Other Compressed-Air Gramophones Archived September 18, at the Wayback Machineでは、空気圧増幅について解説されており、ゴーモンのエルジェフォンの詳細な写真が数枚掲載されている。エルジェフォンは、クロノメガフォンのやや後期型で、より精巧なバージョンであったと思われる。
2. 最初のトーキー - 「ジャズ・シンガー」、ジョルソンビル、2013年10月9日
3. ロビンソン（1997）、23ページ。
4. ロバートソン（2001）は、ドイツの発明家で映画製作者でもあるオスカー・メスターが1896年9月にウンター・デン・リンデン21番地でトーキー映画の上映を開始したと主張している（p. 168）が、これは誤りと思われる。ケルバー（1996）は、メスターがウンター・デン・リンデン映画館（レストランの奥の部屋にあった）を買収した後、1896年9月21日に彼の経営で再開したと指摘している（p. 53）。しかし、ロバートソン以外に、メスターが1903年以前にトーキー映画を上映していたという記述のある資料はない。
5. Altman (2005)、158ページ; Cosandey (1996)。
6. ロイドとロビンソン（1986）、91頁；バルニエ（2002）、25、29頁；ロバートソン（2001）、168頁。グラティオレは本名のクレマン＝モーリスを名乗り、ロバートソンやバルニエを含む多くの文献でもそのように言及されている。ロバートソンはフォノ・シネマ・テアトルがゴーモン社による上演であると誤って述べているが、実際にはポール・ドコーヴィルの後援の下で上演されていた（バルニエ、同書）。
7. 音響技師のマーク・ウラノは、「映画は蓄音機の子として生まれた」（エッセイ「話す映画」の第2部）の中で、同期音響映画のフォノ・シネマ・テアトル版について次のように述べている。

   このシステムは、オペレータが調整する非連動型の原始的な同期方式を採用していました。上映するシーンはまず撮影され、その後、出演者はリオレトグラフ（通常はル・エクラ社製のコンサート用円筒型蓄音機）にセリフや歌を録音し、投影された映像とテンポを合わせようとしました。映画の上映時には、手回し式の映写機の速度を蓄音機の速度に合わせることで、ある種の同期を実現していました。映写技師は電話機を携帯し、オーケストラピットに設置された蓄音機の音声を聴いていました。

8. クラフトン（1997）、37ページ。
9. バニエ（2002）、29頁。
10. Altman (2005), p. 158. エルジェフォンに欠点があったとしても、それは明らかに音量不足ではなかった。ダン・ギルモアは2004年のエッセイ「What's Louder than Loud? The Auxetophone」の中で、その前身となる技術について次のように述べている。「Auxetophoneは大音量だったか？ 耳障りなほど大音量だった。」Auxetophoneによる不快感に関するより詳細な報告については、「The Auxetophone and Other Compressed-Air Gramophones」（ 2010年9月18日アーカイブ、 Wayback Machine）を参照。
11. アルトマン（2005）、pp.158-65; アルトマン（1995）。
12. ゴメリー（1985年）、54～55頁。
13. Lindvall（2007）、118–25ページ; Carey（1999）、322–323ページ。
14. ルーマー（1901）、36ページ。
15. ルーマー（1908年）、39ページ。
16. クロフォード（1931年）、638ページ。
17. エイマン（1997年）、30～31頁。
18. Sipilä, Kari (2004年4月). 「革新する国」 . フィンランド外務省. 2011年7月7日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2009年12月8日閲覧。「エリック・タイガーステッド」 Film Sound Sweden . 2009年12月8日閲覧。AM Pertti Kuusela、EMC Tigerstedt「Suomen Edison」（Insinöörritieto Oy: 1981）も参照してください。
19. ボグナー（2000年）、197ページ。
20. ゴメリー（1985年）、55～56頁。
21. Sponable（1947年）、パート2。
22. Crafton (1997), pp. 51–52; Moone (2004); Łotysz (2006). CraftonとŁotyszは、このデモがAIEEの会議で行われたと述べている。Mooneは、イリノイ大学アーバナ・シャンペーン校の電気・コンピュータ工学部のジャーナルに寄稿し、聴衆は「アメリカ電気学会アーバナ支部の会員」であったと述べている。
23. マクドナルド、ローレンス・E. (1998). 『映画音楽の見えない芸術：包括的な歴史』 メリーランド州ランハム：アーズリー・ハウス. p. 5. ISBN 978-1-880157-56-5。
24. Gomery（2005）、30ページ；Eyman（1997）、49ページ。
25. “12 mentiras de la historia que nos tragamos sin rechistar (4)” . MSN (ヨーロッパ系スペイン語)。2019年2月7日のオリジナルからアーカイブ。2019 年2 月 6 日に取得。
26. EFE (2010 年 11 月 3 日)。「スペインのソノラ時代のプリメーラ・ペリキュラ」。El País (ヨーロッパ系スペイン語)。ISSN 1134-6582 。2019 年2 月 6 日に取得。 
27. ロペス、アルフレッド (2016 年 4 月 15 日)。「サビアスは『ジャズの歌』を演奏するのに、映画の歴史のような映画を演奏する必要はありませんか？」。20分（ヨーロッパ系スペイン語）。2020 年2 月 6 日に取得。
28. クラフトン、ドナルド (1999). 『トーキー：アメリカ映画の音声への移行 1926-1931』 カリフォルニア大学出版局, バークレー, カリフォルニア州. p. 65. ISBN 0-520-22128-1。
29. ホール、ブレンダ・J.（2008年7月28日）「フリーマン・ハリソン・オーウェンズ（1890–1979）」アーカンソー州の歴史と文化百科事典。2009年12月7日閲覧。
30. いくつかの資料ではこの映画の公開年は1923年としているが、この映画について論じている最近の権威ある歴史書2冊（クラフトン（1997年）、66ページ；日出屋（1992年）、103ページ）は、どちらも1924年としている。フリッツ・ラング監督の『ジークフリート』（1924年）がドイツ公開の翌年、アメリカに到着した際に、ド・フォレストが同期した音楽を録音したという主張（『ゲドゥルド』（1975年）、100ページ；クラフトン（1997年）、66ページ、564ページ）があり、そうなるとこの映画は全編にわたって同期音声を備えた最初の長編映画となる。しかし、この録音がいつ行われたのか、また実際に映画が同期音声付きで上映されたのかどうかについては、意見の一致をみていない。このような録音の可能性がある例としては、前夜にニューヨーク市のセンチュリー劇場でアメリカ初演された後の1925年8月24日付ニューヨーク・タイムズ紙の『ジークフリート』評（2016年4月5日アーカイブ、 Wayback Machine）を参照のこと。この評では、生オーケストラによる楽譜の演奏について説明されている。
31. Lasky (1989)、20ページに引用。
32. ロー（1997a）、203ページ；ロー（1997b）、183ページ。
33. ロバートソン（2001）、168ページ。
34. クリスプ（1997年）、97〜98ページ; クラフトン（1997年）、419〜420ページ。
35. Sponable（1947年）、パート4。
36. フリーマン・ハリソン・オーウェンズ（1890-1979）前掲書を参照。多くの情報源では、オーウェンズとトライエルゴンの特許がフォックス・ケース・ムービートーンシステムの開発に不可欠であったと誤って記載されている。
37. ブラッドリー（1996）、4ページ；ゴメリー（2005）、29ページ。クラフトン（1997）は、グリフィスの映画が音響強化版の初公開以前に商業的に公開されたことがなかったと誤解を招くように示唆している。また、彼はラルフ・グレイブスをリチャード・グレースと誤認している（58ページ）。
38. スコット・アイマン『音の速度』（1997年）、43ページ
39. Crafton (1997)、71–72 ページ。
40. サウンド映画の歴史的発展、EISponable、SMPTEジャーナル第48巻、1947年4月
41. 8 つの短編ミュージカルとは、 『カロ・ノーム』、『ドン川の夕べ』、『ラ・フィエスタ』、『彼の気ままな日々』、『クロイツェル・ソナタ』、『ミーシャ・エルマン』 、『タンホイザー序曲』、『ジュバの歌』である。
42. クラフトン（1997年）、76–87ページ; ゴメリー（2005年）、38–40ページ。
43. リーブマン（2003）、398頁。
44. Schoenherr, Steven E. (2002年3月24日). 「ダイナミックレンジ」 .録音技術の歴史. サンディエゴ大学歴史学部. 2006年9月5日時点のオリジナルよりアーカイブ。2009年12月11日閲覧。
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71. クラフトン（1997）は、この用語の由来について次のように述べている。「懐疑的な報道機関は、これらの（改造された映画）を軽蔑的に『ヤギ腺』と呼んだ。…1920年代に行われた勃起不全の治療法（勃起不全治療薬、強壮剤、外科手術など）に由来する。これは、製作者が古い映画に新たな命を吹き込もうとしていることを暗示している」（168～169ページ）。
72. トーキーのみを製作していたRKOの最初の公式リリースはその年の後半に登場したが、1928年10月の合併によりRKOが設立されてからは、傘下のFBOが製作したトーキーを多数製作するようになった。
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76. 1931年、ハリウッドの二つのスタジオが、セリフのない特別企画（現在では「サイレント」と分類される）を公開した。チャールズ・チャップリンの『街の灯』（ユナイテッド・アーティスツ）と、 FW・ムルナウとロバート・フラハティの『タブー』（パラマウント）である。アメリカ合衆国で一般配給用に製作された最後の完全無声映画は、1930年4月にビルトモア・ピクチャーズから公開された『貧乏百万長者』である。他に4本の無声映画（いずれも低予算西部劇）も1930年初頭に公開された（Robertson [2001]、173ページ）。
77. トーマス・J・サンダース（1994）の報告によると、この作品はベルリンで同月に初演されたが、無声映画であった。「1927年のニューヨークでのような音響のセンセーションをベルリンが経験したのは、1929年6月になってからだった。初演では、セリフと歌が誇らしげに披露されたのだ」 （ 『シンギング・フール』 p. 224）。パリでは、『ジャズ・シンガー』は1929年1月に音響初演された（クリスプ[1997]、p. 101）。
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95. Robertson (2001), 10–14ページを参照。Robertsonはスイスで最初のトーキーが1930年に製作されたと主張しているが、これを独自に確認することはできていない。フィンランド、ハンガリー、ノルウェー、ポルトガル、トルコで最初のトーキーが製作されたのは1931年、アイルランド（英語）とスペインで最初のトーキーとスロバキア語で最初のトーキーが製作されたのは1932年、オランダで最初のトーキーが製作されたのは1933年、ブルガリアで最初のトーキーが製作されたのは1934年である。アメリカ大陸では、カナダで最初のトーキーが製作されたのは1929年で、『北の49』は前年の無声映画『His Destiny』のリメイクであった。ブラジル初のトーキー『 Acabaram-se os otários 』 （愚者の終焉）も1929年に登場した。この年、ニューヨークで初のイディッシュ語トーキー『 East Side Sadie』（当初は無声映画）が製作され、続いて『Ad Mosay』（永遠の祈り）が製作された（Crafton [1997]、414ページ）。メキシコ初の（スペイン語）トーキー『 Más fuerte que el deber』の登場が1930年か1931年かについては資料によって見解が分かれている。アルゼンチン初のトーキーは1931年、チリ初のトーキーは1934年に登場した。ロバートソンはキューバ初の長編トーキーは1930年制作の『 El Caballero de Max 』であると主張している。調査した他のすべての刊行物では『 La Serpiente roja』（1937年）が引用されている。 1931年、アフリカ大陸で最初のトーキー映画が製作されました。南アフリカでアフリカーンス語の『モクデッチェ』です。その後、エジプトでアラビア語の『オンシューデット・エル・フアード』（1932年）、モロッコでフランス語の『イット』（1934年）が製作されました。
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144. 「缶詰音楽裁判」。Ad *Access。デューク大学図書館。2008年5月16日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2009年12月9日閲覧。広告の文章は次のように続きます。

     音楽は保存する価値があるのか​​？この問いに答えるのに、膨大な証拠は必要ない。音楽はほぼ普遍的に愛されている芸術である。有史以来、人々は人生の重荷を軽くし、より幸せになるために音楽表現に目を向けてきた。野蛮さの尺度において最も低い存在であるアボリジニは、部族の神々に歌を捧げ、笛や鮫皮の太鼓を奏でる。音楽の発展は、時代を超えて良識や倫理観と歩調を合わせ、おそらく他のいかなる要素よりも強く、人間の温厚な性質に影響を与えてきた。偉大な科学時代が、芸術を軽蔑し、そのかわりに薄弱な影を置くという道を残したのだろうか？

145. オーダーマン（2000）、188ページ。
146. 「トーキング・ムービー」（1926年）。
147. Gomery (1985)、66-67ページ。Gomeryは1928年と1929年の利益の差について単純に述べているが、引用されている数字から、彼が言及しているのは9月30日決算の会計年度であることは明らかである。この会計年度は、ハリウッドの伝統的な映画製作年度とほぼ並行していた（それでも約1か月ずれていた）。主要な上映シーズンは9月の第1週のレイバーデーから始まり、5月末のメモリアルデーまで続いた。その後、14週間の「オープンシーズン」が続き、期待度の低い映画が公開され、多くの映画館が夏の暑い時期に閉鎖された。Crafton (1997)、183、268ページを参照。
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出典

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• ストヤノヴァ、クリスティーナ（2006年）「ポスト共産主義映画」『世界映画の伝統』リンダ・バドリー、R・バートン・パーマー、スティーブン・ジェイ・シュナイダー編、95～114頁。ニューブランズウィック、ニュージャージー州：ラトガース大学出版局。ISBN 978-0-8135-3873-0
• 「映画について語る：映画は絶対に成功しない、と映画会社のトップが断言」（1926 年）、AP 通信、9 月 3 日（オンラインで入手可能）。
• トムソン、デイヴィッド（1998年）『映画人名辞典』第3版、ニューヨーク：クノップフ社、ISBN 0-679-75564-0
• タイムアウト・フィルム・ガイド（2000年）。第8版、ジョン・ピム編。ロンドンおよびニューヨーク：ペンギン社。ISBN 0-14-028365-X
• トリュフォー, フランソワ (1984 [1983]).ヒッチコック改訂版. ニューヨーク: サイモン&シュスター. ISBN 0-671-52601-4
• ワゲンライトナー、ラインホルト（1994年）『コカ植民地化と冷戦：第二次世界大戦後オーストリアにおけるアメリカ合衆国の文化的使命』ダイアナ・M・ウルフ訳、チャペルヒルおよびロンドン：ノースカロライナ大学出版局。ISBN 0-8078-2149-7
• ウィエルズビッキ、ジェームズ（2009年）『映画音楽の歴史』ニューヨーク・オックスフォード、イギリス：ラウトレッジ。ISBN 0-415-99198-6
• ケン・ウラシン（1979年）『世界の偉大な映画スターとその出演作品図解百科事典』ニューヨーク・ロンドン：サラマンダー／ハーモニー社。ISBN 0-517-53714-1

さらに読む

• キャメロン、EW（1980年）『サウンドと映画：アメリカ映画へのサウンドの到来』ニューヨークおよび英国ラウトレッジ社、ISBN 091317856X
• ラストラ、ジェームズ（2000年）『音響技術とアメリカ映画』ニューヨーク：コロンビア大学出版局、ISBN 0231115164
• ウォーカー、アレクサンダー（1979年）『砕かれたサイレント：トーキーはいかにして定着したか』ニューヨーク：ウィリアム・モロー社、ISBN 0-688-03544-2

外部リンク

• Film Sound History は、オンライン記事やリソースを整理した書誌です。FilmSound ウェブサイトの一部です。
• ハリウッドのスタジオによる音響制作への移行を示すチャート（1928～1929年）（Terra Mediaウェブサイトより）
• プログレッシブ・サイレント・フィルム・リスト（PSFL）/初期サウンド・フィルムは、世界中の第一世代のサウンド・フィルムの包括的かつ詳細なリストです。サイレント時代のウェブサイトの一部です。
• 録音技術の歴史スティーブン・E・ショーンハーによる、サブサイトを含む開発の詳細な年表。特に、映画音響を参照。
• ロンドン王立音楽大学ミゲル・メラ編『映画のための音と音楽の選集』；School of Soundウェブサイトの一部
• 2011年1月25日にWayback Machineにアーカイブされた無声映画の本棚には、音声への移行期を網羅した重要な一次資料と二次資料へのリンクが多数ある。
• サウンドステージ - 映画音響の歴史有益なイラスト付き概説。アメリカワイドスクリーン博物館ウェブサイトの一部。
• J. Domański 「アニメーション映画における画像と音の数学的同期」 2016年6月12日アーカイブ、 Wayback Machine
• 1913年 Vivaphone 向け広告

歴史書

• 「サウンド映画の原理としての非同期性」映画監督で理論家のフセヴォロド・プドフキンによる1934年のエッセイ
• 映画史家で批評家のジークフリート・クラカウアーによるエッセイ「対話と音」。彼の著書『映画理論：物理的現実の救済』（1960年）に初掲載。
• プロデューサー兼作曲家のグイド・バジエによるエッセイ「これからの映画」 。 1928年1月7日、Film-Kurier誌に初掲載。
• 映写技師のためのハンドブックArchived September 21, 2009, at the Wayback Machine米国の主要システムをすべて網羅した技術マニュアル。RCA Photophone社発行、1930年
• 「サウンド映画の歴史的発展」 2009年12月22日アーカイブ、 Wayback Machineサウンド映画の先駆者E・I・スポナブルによる年表。1947年4月/5月発行の映画技術者協会誌に初掲載。
• 「奥様、お話しいただけますか？」ベル研究所における初期の音声映画研究の歴史に関する記事。ウェスタン・エレクトリック社のエンジニア、スタンレー・ワトキンスによる。1946年8月、ベル研究所記録誌に初掲載。
• 「トーキー映画産業の合併 - トビスの設立計画」企業宣言は、1928年7月20日、Film-Kurier誌に初掲載された。
• 「公式声明：サウンド・フィルム協定の基礎：ドイツ電子産業の販売見通し」記事は、1930年7月23日、Film-Kurier誌に初掲載されました。
• 同期再生装置の操作手順、ウェスタン・エレクトリック劇場音響プロジェクターシステムの技術マニュアル。ERPI発行、1928年12月
• 「パリ協定の成果：調印／完全な互換性 ― 地球を3つの特許地域に分割 ― 特許交換」の記事は、1930年7月22日、Film-Kurier誌に初掲載された。
• 映画理論家・批評家ルドルフ・アルンハイムによる「歌う道化師」の批評、1929年頃
• ルドルフ・アルンハイムによる「サウンドと映画の混乱」 1929 年のエッセイ
• 作曲家ポール・デッサウによるエッセイ「あちこちの音」。 1929年8月1日、デア・フィルム誌に初掲載。
• 「映画の音」監督アルベルト・カヴァルカンティによるエッセイ。 1939年11月Films誌に初掲載。
• 「映画理論：音」映画理論家・批評家ベラ・バラージュによる1945年のエッセイ
• 「ラジオがトーキー映画にもたらしたもの」は、ユニバーサル社の音響技師チャールズ・フェルドステッドによる先見の明のあるエッセイで、 1931年4月にラジオニュース誌に初掲載された。

歴史映画

• ベン・バーニーとオール・ザ・ラッズ1924年頃のフォノフィルム音声フィルムからの抜粋。レッド・ホット・ジャズ・アーカイブのウェブサイトに掲載。
• エディ・カンターとの数分1924年 フォノフィルム サウンド映画; Archive.org
• ガス・ヴィッサーと歌うアヒル1925年セオドア・ケース サウンドフィルム; YouTube
• クーリッジ大統領、ホワイトハウスの芝生で撮影1924年 フォノフィルム サウンドフィルム; Archive.org